SINOPSIS: La película cuenta cómo la confianza entre los integrantes de un equipo de policías de Miami comienza a disiparse tras el descubrimiento de millones en efectivo en un escondrijo abandonado. Cuando las fuerzas externas se enteran de la incautación, se pondrá todo en tela de juicio... y ni siquiera sabrán de quién se pueden fiar.


PARANOIA COLECTIVA

Parece mentira, pero este proyecto ha llegado directamente a Netflix protagonizado por dos actores ya de sobra conocidos como Ben Affleck y Matt Damon como si aún estuviésemos en los tiempos de la pandemia donde los estrenos eran mayormente destinados a plataformas digitales. Un caso similar a este 'El botín' podría ser 'Wolfs', la cual llegó directamente a Apple TV y que comandaban dos pesos pesados de la actuación de las últimas décadas como son George Clooney y Brad Pitt.

Batman y Robin (es decir, Affleck y Damon) lideran a un reparto con más caras conocidas aparte de ellos dos como son Kyle Chandler, Catalina Sandino Moreno, Steven Yeun, Scott Adkins o Sasha Calle (dando así la curiosidad de que tanto el Batman como la Supergirl de ese mismo universo extinto comparten pantalla) en una producción donde un grupo de policías de Miami se entera de la localización de una casa con dinero oculto y, claro, el dinero es -y siempre será- muy goloso, dando pie a una historia de paranoia colectiva como fue, salvando las distancias, aquella 'La cosa', de John Carpenter, la cual sí comparte la casi exclusividad de una sola ubicación, salvo secuencias sueltas en otros lugares como la comisaría o a las afueras del barrio.

En un principio, podría parecer que estamos ante un producto alimenticio donde los compadres Affleck y Damon simplemente están ahí para llevarse el cheque calentito y tirando hacia otros proyectos que les estimulen más. No obstante, el guion escrito por el mismo Joe Carnahan (y basado en un hecho real, como se dice al inicio) se toma la molestia de jugar con el respetable público poniendo un anzuelo para ver si picamos o no; personalmente, piqué debido a que la historia iba introduciendo dudas razonables y por esos elementos es el porqué este largometraje no es lo que parece a simple vista.

El elenco principal cumple con sobrado margen de lo que se espera de nombres como esos. Llama la atención el ver como Matt Damon va lidiando con el lado bueno y el lado malo de su personaje y el como le queda bastante bien, sabiendo que en su carrera ha dado vida a tipos de moral intachable, salvo algunas excepciones. Por otro lado, el ambiente de paranoia que poco a poco se va impregnando en la narración e intentando contagiar al espectador hace efecto y en algunos momentos es ciertamente agobiante porque parece que no se iba a acabar nunca.

Personalmente, no diría que este filme es uno de los grandes tapados del año porque para eso debería haber sido más espectacular, si bien cuenta con algunas secuencias de acción que merecen la pena, con más reto para las interpretaciones de los actores y con más profundidad en su libreto. Aún así, lo pondría de entrada como uno de los mejores visionados de este 2026, el cual quizás pueda sobrevivir a final de año en un top 10. Dependerá de su competencia.

7

SINOPSIS: Debido a una serie de fatales coincidencias, dos jóvenes neoyorkinos, que viajaban al sur del país, son tomados por asesinos. Como no pueden pagar los honorarios de un buen abogado, deciden llamar al primo de uno de ellos, que es un abogado sin experiencia. En estas circunstancias, se prevé que el resultado del juicio puede ser verdaderamente desastroso.


PON UN VINNY EN TU VIDA

'Mi primo Vinny' dio bastante que hablar en su día, aunque yo era un niño por aquel entonces, debido al Oscar que ganó Marisa Tomei como Mejor Actriz de Reparto en 1993 por su papel como Mona Lisa Vito, la experta en automóviles más lista que el hambre. Hoy he visto por primera vez este filme y no he visto una interpretación no merecedora del galardón. Vaya por delante que del resto de las nominadas solo vi a Miranda Richardson en 'Herida' y hace bastante tiempo, pero el trabajo de la Tomei desde luego que es más que una digna ganadora.

Si bien los rostros principales -al menos los más conocidos- eran Ralph Macchio y Joe Pesci, la futura Tía May con su personaje de robaescenas y un vestuario que engaña su personalidad es quien sale como la mejor miembro del elenco. A destacar su escena durante el juicio demostrando su conocimiento sobre los automóviles dejando cero resquicios de duda o cuando acaba totalmente harta de las faltas de respeto de su novio dejándolo ver solamente con sus gestos.

La actriz no es el único motivo de gozo de este largometraje. La interpretación de Joe Pesci como el personaje que da nombre a la película como un recién licenciado en derecho sin experiencia en los juzgados y con labia para parar un tren es también de un robaescenas como es su pareja en el filme, Mona Lisa Vito. Un rol de robaescenas que tan bien le ha sentado a lo largo de su trayectoria y que es uno más de esos tipo de personajes que se adaptan a él como un guante.

'Mi primo Vinny' tiene un libreto en el que sabe combinar el enredo y la comedia de golpe fácil como los hilarantes y confusos diálogos de sobre sentido o los tomas y dacas entre el juez Chamberlain Haller (Fred Gwynne) y el mismo Vinny (aunque es imposible no empatizar con el juez porque Vinny no es que entre precisamente con buen pie, a pesar de su arrollador carisma). Es un caso curioso, por otra parte, porque los supuestos protagonistas (Ralph Macchio y Mitchell Whitfield) quedan relegados a un segundo plano en favor de otros personajes y daba la sensación de que se podía haber sacado algo más de jugo de ellos, si bien no tengo quejas de los demás personajes, pues saben sostener perfectamente la narración.

Hoy día en su mismo género de comedia ha quedado relegada en favor de producciones pasadas y futuras. Considero, aún con todo, que sus virtudes son más que suficientes para darle un aprobado sobrado y que merece la pena darle la oportunidad para comprobar que puede hacer pasar un buen rato sin problemas.

6

SINOPSIS: Chuck, un muchacho sin padre y criado entre un grupo de mujeres intrigantes y autoritarias, se relaciona con Justin McLeod (Mel Gibson), un profesor que tiene el rostro desfigurado. Una historia sobre la justicia y sobre cómo aprender a vivir sin prejuicios.


ENSEÑANZA MUTUA

Habiendo sido Max Rockatansky en tres películas de 'Mad Max' y tres veces, hasta entonces, el policía loco Martin Riggs en las entregas de 'Arma letal', Mel Gibson era considerado principalmente un actor del género de acción, con excepciones como 'El año que vivimos peligrosamente' o 'Motín a bordo'. No obstante, para su debut en la dirección decidió apostar por una novela escrita por Isabelle Holland con el mismo título en inglés y publicado en 1972.

Gibson no solo dirigiría sino que interpretaría el rol protagonista del profesor Justin McLeod, un hombre caído en desgracia que, desde entonces, lleva recluido en soledad en una casa en las montañas hasta que conoce a un niño llamado Charles Norstadt (el también debutante, pero delante de las cámaras, Nick Stahl), quien busca su tutoría para ingresar en una academia y salir huyendo de su madre y su hermanastra (y la verdad es que no le culpo).

Ahora mismo es fácil decirlo, viendo lo que ha sido su trayectoria desde entonces, pero en este primer paso ya se veían mimbres de que había dentro de Gibson no solo un muy buen actor, sino además un prometedor director como ya demostró después con 'Braveheart', el cual le consagró. Si bien este filme no tira la casa por la ventana, se vislumbra una muy buena dirección de actores sacando un notable debut para Stahl siendo un pre-adolescente, así como de los actores secundarios que interpretan a la familia de 'Chuck' (apodo para los que se llaman Charles). Cada una de las actrices (Gaby Hoffman, Fay Masterson y Margaret Whitton) que son la familia del niño coprotaginista tienen sus momentos de lucimiento, consiguiendo la madre y la hermanastra (especialmente esta) mayor que caigan mal en algunos segmentos.

A diferencia del libro, el guion adopta otro enfoque entre la relación entre el profesor y el alumno, el cual yo creo que es más acertado viendo como se enfoca en la novela. En el largometraje hay una amistad que parecía improbable en el que ambos se sacan lo mejor de ellos mismos y siendo un apoyo fundamental en unos momentos tristes para ambos en el que, además, se trata también el tema de la toxicidad de los rumores infundados.

Otra de las buenas noticias derivadas de 'El hombre sin rostro' fue la primera colaboración entre Mel Gibson y el compositor James Horner, el cual sería el encargado de 'Braveheart' y 'Apocalypto'. En esta ocasión, no aporta un trabajo muy rimbombante, pero luce lo suficientemente bien como acompañamiento intimista del drama o de escenas más alegres. Tampoco pienso que fuese necesario explayarse necesario, puesto que la historia no lo necesitaba.

Un debut como director no es fácil para cualquiera, salvo que tengas un talento descomunal, estilo Orson Welles. La ventaja de Mel Gibson fue haber estado a las órdenes de grandes directores como Richard Donner (D.E.P.), George Miller o Peter Weir (D.E.P.), entre otros, de los que imagino que iría aprendiendo cositas que le sirvieron para manejarse por su cuenta. No ha tenido la carrera mega espectacular de un Steven Spielberg, un Clint Eastwood o un Martin Scorsese, pero mal no le ha ido en este campo.

7

SINOPSIS: Cuando las mujeres comienzan a sufrir una extraña dolencia provocada por el uso de un nuevo cosmético, surgen sectas que intentan secuestrar a las pocas mujeres que no padecen esta enfermedad. Una de las secuestradas es una niña de cinco años, a quien busca un agente secreto.


CUANDO TE PASAS DE EXPERIMENTAL

Aunque ahora es un reputado director, el canadiense David Cronenberg tuvo unos inicios humildes antes de triunfar con películas como 'La mosca' o 'Una historia de violencia'. Tan humildes que entraban en el cine experimental con actores totalmente desconocidos y rodados de una forma que no se puede negar que son llamativos.

Para este segundo largometraje, Cronenberg relata como las mujeres han desaparecido de la faz de la tierra, salvo una niña pequeña de unos cinco años que aparece en el final, por unos cosméticos, quedando mayormente los varones. ¿Como viven los habitantes de ese mundo sin el sexo opuesto? Visto desde fuera como si hubieran perdido todos los tornillos.

Es natural que para sentir placer algunos tengan comportamientos homosexuales, pero con el filtro de David Cronenberg esto es un festival de fetichismo en el que se dan alegría tocándose los pies y en una de las escenas parece que intercambiaban ropa interior de mujer. Queda una sociedad futurista en el que la ausencia del 99,9% de las hembras sume al hombre en la locura, al menos desde la perspectiva del realizador nacido en Toronto.

No tengo nada en contra del cine experimental, pero cuando se ve realizado de formas como en este título en el que sólo hay la voz en off del protagonista, banda sonora que en los pocos momentos de aparición es bastante raro y pocos estímulos para el espectador más allá de ver edificios de corte futurista, estamos ante un filme cuya mayor utilidad es contemplar como se gestaba el tono del que iba a ser los futuros trabajos de Cronenberg. Todo aquí pinta a raro en el mal sentido y es una suerte que dure poco más de una hora, de lo contrario habría sido incluso peor. Salvo alguna escena particular y los mencionados edificios, este visionado va a pasar en este 2026 sin pena ni gloria.

2

SINOPSIS: El detective de Los Angeles Vincent Hanna (Scott Plank) está tras el rastro de una banda de criminales extremadamente despiadada. Pero cuanto más avanza en la investigación, más se da cuenta de las cosas que tiene en común con su líder. Seis años mas tarde de este telefilm, pensado inicialmente como un episodio piloto para una serie que no llegó a crearse, Michael Mann hizo una nueva versión para el cine con mucho mas presupuesto: la película se llamó "Heat".


VERSIÓN BETA

'Heat' es considerada una de las mejores películas de acción no solo de los años 90 sino de toda la historia del cine, entre los que me incluyo; pero los orígenes de esa película son bastante curiosos, puesto que realmente hubo una versión beta llamada 'L.A. Takedown' la cual iba a ser un episodio piloto de una serie para la cadena NBC que nunca arrancó, por lo que se reconvirtió en película.

En este filme para televisión encontramos algunas tramas que luego se vieron en la versión de 1995 como la trama amorosa entre Neil McCauley (aquí Patrick McLaren) y Eady o los problemas maritales entre Vincent Hanna y su mujer Justine (aquí Lilian). Algunas subtramas no aparecen en esta versión para la pantalla pequeña y sí para la versión 'deluxe' como, por ejemplo, la hijastra de Justine, la cual interpretó Natalie Portman.

Tendría todo el sentido comparar ambas porque esta es la semilla de la otra, pero realmente se pensó como un lanzamiento para una serie de TV y no era su propósito competir en el cine hasta que el proyecto no despegó; aún así, su recorrido comercial no fue nada del otro mundo y hoy día está más como una curiosidad que como un producto con reputación por derecho propio.

Pero no se vayan, todo esto no quiere decir que no merezca la pena echarle un vistazo. Evidentemente no tenemos el reparto de estrellas de la de los noventa, destacando en esta ocasión los nombres de Michael Rooker en el personaje que luego daría vida Ted Levine, Richard Chaves (visto en 'Depredador') compartiendo personaje con Wes Studi, Clarence Gilyard Jr. (fallecido en noviembre de 2022 y que fue Theo en 'La jungla de cristal') haciendo el rol de Dennis Haysbert, Xander Berkley como uno de los personajes clave -Waingro- que luego interpretaría Kevin Gage y que aparecería para la nueva versión dando vida a Ralph o el recientemente fallecido Cary-Hiroyuki Tagawa en un rol que luego haría Henry Rollins. Aunque reputados nombres todos ellos, no se lucen mucho dejando ese espacio para los actores que interpretan a Hanna y McLaren o sus respectivas mujeres. El trabajo de estos no es nada del otro mundo, es imposible competir con nombres como Al Pacino o Robert De Niro, la paliza es monumental, aunque estoy seguro que lo hicieron lo mejor que pudieron.

Como ya se ha mencionado, hay subtramas que aparecerían en el futuro sin tanta buena interpretación ni tantas florituras visuales, pero se deja ver. Con hora y media de metraje se basta para contar la historia de atracos con sus ramas que luego se perfeccionaría, las secuencias de acción tienen un pase -otro campo en el que es imposible siquiera compararlas- y las historias lejos de la acción tienen su interés, sabiendo que son bastante similares a 'Heat'. Aún siendo consciente de lo opacado que quedó por su futura versión, es un largometraje que mantiene la atención gracias a su buen guion. Mi consejo para no caer en el tedio es olvidarse de las comparaciones y tomarlo como un experimento.

6

SINOPSIS: Un joven aventurero llamado Milo encuentra un antiguo diario que contiene pistas de cómo llegar a Atlantis, el mítico reino hundido. Junto a otros intrépidos personajes Milo decide embarcarse en el Ulises, un impresionante submarino, en una arriesgada expedición al fondo del mar.


VIVA LA PACA

Durante finales de los 80 y la década de los años 90 la Walt Disney Animation Studios recuperó en el cine gran parte de la grandeza que perdió gracias a títulos como 'La sirenita', 'La bella y la bestia', 'Aladdin', 'El rey león' y unos cuantos más que mucha gente sabe cuales son (tampoco es plan de ponerme a contar como si fuese la Wikipedia). Llegaron los 2000 y si bien no hay filmes tan inolvidables en términos generales como los antecesores, eso no significa que no merezcan su atención; incluso alguna puede dar una sorpresa.

El dúo Gary Trousdale/Kirk Wise antes de 'Atlantis: El imperio perdido' se encargaron de dos de las producciones que ayudaron a reimpulsar a Disney como fueron la ya mencionada 'La bella y la bestia' y 'El jorobado de Notre Dame'. Para el año 2001 se vuelven a juntar una tercera vez para contar la leyenda de la ciudad perdida de Atlantis. Hay que decir que puede recordar mucho a una película dirigida por Roland Emmerich, mas se puede disfrutar por igual como aquella del realizador alemán.

Milo Thatch es un cartógrafo y lingüista tratado como un felpudo por sus compañeros del Instituto Smithsonian (Washington D.C., Estados Unidos) que cree firmemente en la existencia de la ciudad de Atlantis. Su abuelo Thaddeus, gracias a un diario con sus investigaciones dando pie a una de las mejores escenas cómicas como es la del beso en la boca, le da el regalo final para que por fin pueda demostrar su existencia y ganarse el respeto que merece. Hasta la localización del lugar le seguirá una expedición con especialistas de todo tipo como son 'Vinny' Santorini (explosivos), Helga Sinclair (mano derecha del comandante Tiberius Rourke), Joshua Sweet (médico y armario empotrado), Audrey Ramírez (mecánica), Gaetan Moliére (experto en excavaciones y guarro), Jebidiah Farnsworth (cocinero no precisamente de estrella Michelín), el comandante Rourke y la operadora Wilhelmina Pakcard (llamada en el doblaje al español castellano 'Paca') por quien tenés que cerrar el estadio porque los genios hacen eso. La indiferencia y el "me suda todo el coño" como forma de vida.

La aventura no solamente cuenta con el típico esquema de este género con persecuciones, acción y sorpresas, sino que también cuenta con elementos de ciencia-ficción en el inicio donde sucede el 'flashback' y se integra de una forma en la que aventura y ciencia-ficción se retroalimentan sin estar perjudicado ninguno de los dos bandos. Incluso el tramo inicial, que es más bien introducción de personajes y presentación de la historia es bastante entretenido contando además con bastantes e ingeniosos golpes cómicos que no me veía venir. Por supuesto, el tramo con toda la acción y en su máximo potencial es un disfrute mezclando de manera inteligente acción, aventura y algo de comedia, todo ello obra de un guion que condensa todos esos géneros en poco más de hora y media y unos personajes con sus personalidades muy carismáticas, cada uno a su manera.

El paso del tiempo hizo que esta producción pasase a un segundo plano entre éxitos pasados y futuros dentro de Disney/Pixar, mas -en opinión de quien escribe- estamos ante una película ciertamente infravalorada por el que la mezcla de narración y técnica (principalmente efectos especiales y el espléndido trabajo en la banda sonora de James Newton Howard) a un nivel muy alto hace que 'Atlantis: El imperio perdido' sea un largometraje altamente recomendable. Esta es la Disney que enamora.

8

SINOPSIS: Una noche, mientras vuelven a casa, Franco Arno, ciego de nacimiento, y su sobrina Lori son testigos de una siniestra discusión entre un ladrón y un chantajista, que acaba en asesinato. A pesar de su invalidez, Franco colaborará con el periodista Carlo Giordani para desentrañar el misterio que se oculta tras una enrevesada trama de espionaje industrial y crímenes brutales. Ambos parten de una teoría según la cual las tendencias psicopáticas de un individuo pueden ser detectadas estudiando la configuración de sus cromosomas.


TIENE COLAS EL ASUNTO

'El gato de las nueve colas' supuso el segundo largometraje dirigido por el italiano Dario Argento (Roma, 7 de septiembre de 1940) en el que ya contó con dos actores conocidos (uno más que otro) como fueron James Franciscus (1934-1991) a quien se le vio en 'Regreso al planeta de los simios' o 'Atrapados en el espacio' y Karl Malden (1912-2009), visto en grandes películas como 'Un tranvía llamado deseo', 'La ley del silencio', 'El hombre de Alcatraz' o 'Patton' y que poco después de esta experiencia italiana protagonizaría la serie 'Las calles de San Francisco', junto a Michael Douglas.

Argento es también coautor del guion, junto a Luigi Cozzi y Dardano Sacchetti, en el que un experiodista ciego llamado Franco Arno (Malden) y su sobrina son testigos de una conversación entre un ladrón y un chantajista que más tarde termina en muerte. Es ahí donde entra Carlo Giordani (Franciscus) que empieza a investigar el caso gracias a la ayuda de Arno. Como se puede esperar hay mucho más de lo que parece a simple vista.

En lo que respecta a este filme, no hay mucho más de lo que parece. La historia de investigación incluyendo los toques de terror hace que preste interés en ver como se irán desarrollando los acontecimientos de la investigación llevado a cabo entre Arno y Giordani, incluso consigue dar secuencias con lograda tensión como la que sucede durante el cementerio o la persecución de coches bastante antes de dicha escena. El como se van desarrollando los acontecimientos está bien hilado no haciéndome arquear una ceja por cosas que pudiesen estar fuera de sitio; o, al menos, no para mí.

El maestro Ennio Morricone (1928-2020) tuvo su segunda colaboración de un total de cinco con el realizador y en esta ocasión aporta un trabajo que no diría que está entre los mejores de su mítica trayectoria, pero es de esas ocasiones en que tiene un algo que hace cautivar el oído cuando sale a escena, nunca mejor dicho, con su tono de misterio y algún tema algo más movido. Si este largometraje consigue pasar la prueba del algodón es gracias en parte a la labor del compositor.

Cuando uno piensa en Dario Argento dudo que 'El gato de las nueve colas' surja de manera automática estando eclipsado por otros títulos como 'Phenomena' o 'Suspiria' que han calado más dentro de su filmografía. No quiere decir que esta no merezca atención, pienso que motivos tiene de sobra para darle una oportunidad y si bien no deja con ganas de dar volteretas, el sabor no es ni mucho menos agridulce.

6

SINOPSIS: Walter y Danny son dos hermanos de 6 y 10 años que con frecuencia andan envueltos en riñas fraternales. Un día, tras la marcha de su padre al trabajo, se quedan al cuidado de su hermana mayor. En medio de una de sus múltiples peleas los chicos descubren en el sótano de su casa un juego de mesa llamado Zathura.

Desde la primera jugada se dan cuenta de que no es un juego de mesa normal: la ficha de la nave espacial se mueve sola y lanza mensajes que se cumplen. Zathura los transportará entonces, en el más estricto de los sentidos, a una enorme aventura en el espacio sideral. Y allí se verán obligados a trabajar juntos si quieren volver a casa antes de que acabe la partida.


UNA AVENTURA ESPACIAL, PERO NO ESPECIAL

Una década después de las aventuras de Alan Parrish, Sarah Whittle, Judy y Peter, Jon Favreau se decidió dirigir una aventura que funciona como un 'Juamnji' alternativo (yo ni le llamaría 'spin off' porque no hay referencia alguna al filme de Joe Johnston) comandado en su mayoría por dos niños. De Jonah Bobo no sé que fue de él después de esta, a Josh Hutcherson creo que le conocemos muchos a estas alturas. Junto a ellos dos, les acompañan Kristen Stewart como la hermana de ellos, Lisa, Tim Robbins como su padre y Dax Shepard interpretando a un astronauta que aparece gracias al juego.

Favreau ha sido un director, por lo general, con algo de más éxito que Johnston y cuenta con un crédito dentro de Disney/Marvel/Star Wars, pero hay que ser justos y decir que esta pseudo secuela no es mejor en absoluto.

Para empezar, prácticamente todo es muy calcado al esquema de la cinta protagonizada por Robin Williams, salvo una cosa que detallaré en el spoiler, y sorpresas se veían más en el programa de Isabel Gemio. Eso sí, en muchos aspectos cumple perfectamente.

El dúo de actores niños lideran la película con total soltura y naturalidad y la aparición de adultos no les opaca en absoluto. Lo que sí me habría gustado es que el tema de la tensión entre ellos no fuese tan pasada de rosca porque yo mismo quería estrangular a Walter. Su hermana, interpretada por la que iba a ser una de las estrellas de la saga 'Crepúsculo' es un mero acompañamiento que no es demasiado relevante para la trama y da pie a una broma algo embarazosa para una peli supuestamente para los más pequeños y algo más creciditos (también detallado en una zona para spoilers) .

Quitando la previsibilidad del guion, destacan sus efectos especiales dando un espacio exterior que luce mejor de lo esperado para una película donde lo fuerte sucede dentro de la casa más el aspecto del robot y los Zorgons. John Debney coge el tono a la historia y sabe acompañarlo con una banda sonora sin alardes, pero efectiva.

Según tengo entendido, no fue un largometraje que fuese en su día un éxito rotundo y comprendo que aquí se pierde la chispa que tuvo 'Jumanji' y la poca originalidad de esta hicieron que no convenciese, a pesar del cambio de la temática del juego. No es una producción tan encantadora como la de 1995 y no parece ser de las que un revisionado las vaya a revalorizar. No obstante, es una película bien hecha y que no hace daño verla.

Spoiler

Me pilló desprevenido que el astronauta era en realidad una versión alternativa de Walter. Está tan bien escondido ese giro que pilla por sorpresa y me da que esa versión del personaje de Josh Hutcherson se quedó atrapado en el juego como le pasó a Alan Parrish.

Por otro lado, no soy alguien que se ofende fácilmente, pero la broma del enamoramiento de Lisa por el astronauta, claro que nadie sabía quien era en realidad, no me pega para este tipo de propuestas para los menos mayores.

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6

SINOPSIS: Alan Parrish queda atrapado durante 25 años en un juego de mesa mágico y muy antiguo llamado Jumanji. Cuando, por fin, es liberado por dos niños, una manada de animales exóticos queda también en libertad.


NO HAY HUEVOS A HACER TORNEOS DE ESTO*

*Revisionado

'Jumanji' fue una de las películas que formaron parte de mi infancia y desde hace un tiempo me llamaba volver a revisionarla como el juego llama a los jugadores potenciales con ese sonido de tambor. 30 años después desde su estreno, hay que decir que prácticamente no ha pasado el tiempo por ella.

Joe Johnston comenzó su carrera en el cine en apartados técnicos como artista conceptual o técnico de efectos especiales dentro de Industrial Light & Magic (diseñador del Halcón Milenario o co-creador original de Boba Fett, méritos que a más de uno le gustaría tener) hasta que debutó en la dirección en 1989 con 'Cariño, he encogido a los niños', cinta de corte comercial como ha sido la mayoría de su trayectoria detrás de las cámaras; no por eso hay que quitarle importancia a su trabajo.

'Jumanji' forma parte de la filmografía del realizador nacido en Austin (Texas, Estados Unidos) y no sería raro leer que hay gente que considerase a esta como la mejor de Johnston, puesto que sabe combinar con mucho ingenio y un dominado ritmo narrativo aspectos como la acción, la aventura, la comedia o el drama. Y todo ello contando con poco más de hora y media sin contar los créditos finales. Una cosa de la que pondrían aprender muchos aspirantes a guionistas de este largometraje es como hacer un guion de una película corta sabiendo comprimir la trama sin perder partes fundamentales o buenas que ayuden a entrar mejor en la experiencia. A pesar de todo, alguna parte se pierde y es evidente que, por ejemplo, el papel de Patricia Clarkson (una actriz que por aquel entonces ya había trabajado en 'Los intocables de Elliot Ness' o 'La lista negra', junto con Clint Eastwood) es meramente testimonial teniendo nulo impacto en los acontecimientos.

Hablando de reparto, cada uno de los actores elegidos encajan perfectamente en sus roles y no sería capaz de imaginar a ningún otro en cada personaje -leí que Scarlett Johansson se consideró para interpretar a Judy, pero Kirsten Dunst clava el personaje-. Sin menospreciar a ningún otro miembro del elenco, creo que a quien hay que darle más mérito es a Jonathan Hyde como Sam Parrish y el cazador Van Pelt. El actor de 'Titanic' o 'La momia' realiza un papel de caracteres antagónicos y es capaz de interpretar convincentemente ambos roles.

Quitando aspectos actorales, se evidencia que algunos planos de efectos especiales han envejecido regular. Por otro lado, se compensa con el maquillaje aplicado al personaje de Peter o como la antigua casa de los Parrish se va haciendo añicos poco a poco y la ciudad sufre los efectos de la partida. Además, contamos con la presencia de James Horner (DEP) en la banda sonora realizando un trabajo a su altura aportando el toque aventurero en un año especialmente inspirado para él donde también se encargó de 'Braveheart', 'Casper' o 'Apolo 13', entre otros.

Para quien tenga niños algo creciditos o piense en tenerlos, yo sin duda incluiría este título entre las cintas que deberían ver para crecer con un buen bagaje. Más que justificado por todo lo mencionado anteriormente y porque también podrán familiarizarse con la figura de Robin Williams, una de esas personas que con su trabajo y su amigable personalidad hizo de este mundo un lugar mejor y alguien a quien admirar. Y si ven el tablero de Jumanji en alguna juguetería y les llama la atención, que no digan que esta película no se lo advirtió.

7

SINOPSIS: Cuando la sombra de la revolución se cierne sobre Rusia, Anastasia, la hija más joven de la familia real, apenas consigue escapar con vida. Años despúes conoce al joven Dimitri. Cuando se dirigen a París para reclamar los derechos del legado de Anastasia, se verán envueltos en una cruenta lucha contra el malvado monje Rasputín y su sicario, el murciélago Bartok.


UNA AMNÉSICA, UN PERRO Y DOS BUSCAVIDAS

Walt Disney Animation Studios es el primer nombre que surge cuando se habla de cine de animación con un crédito ganado a lo largo de los años con títulos como 'Blancanieves y los siete enanitos' o 'La bella y la bestia', entre tantos otros. Claro que tenían que tener competencia y surgieron Pixar, Dreamworks o la extinta Fox Animation Studios (1994-2000), la cual tuvo en 'Anastasia' la primera de sus cuatro películas (una de ellas titulada 'Bartok el magnífico, 'spin off' de este filme).

'Anastasia' cuenta la historia de una joven amnésica de 18 años llamada Anastasia Romanov, quien es realmente la heredera al trono de Rusia -aunque en la vida real leo que nadie quedó vivo de aquel asalto al palacio real por parte de los bolcheviques- quien cuenta con la ayuda al principio desinteresada de Dimitri, el antiguo sirviente del palacio cuando era niño, y Vladimir, un antiguo miembro de la corte imperial, además de un perro llamado 'Pooka' que no tenía hogar.

Quien esté familiarizado con esta historia o haya investigado un poco, sabrá las varias inexactitudes históricas (en Wikipedia en su artículo en español se pueden consultar) que contiene este largometraje. No obstante, saber eso no implica que no se pueda disfrutar de esta producción de animación que dio el pistoletazo de salida a la variante en cine de animación de la Fox. Vaya por delante que me parece que abusan un poco más de la cuenta de las canciones, pues suenan unas cuantas en un espacio de poco más de hora y veinte minutos -sin contar los créditos finales- y se hace cargante. Quitando eso, nos queda una historia de una chica que quiere encontrar su hogar y un hombre deseoso de poder llamado Rasputín que da pie a alguna de las secuencias más truculentas que he visto últimamente en un cine de animación teóricamente para los más pequeños y algo más creciditos.

'Anastasia' se trata de una aventura cortita y al pie que sirve para saber algo de historia (si bien, como digo, no es todo verídico) y cuenta con algunos personajes como el murciélago Bartok, quien sabe ganarse el cariño (tuvo su propia película), aunque sea el supuesto secuaz del villano principal o Vladimir, el compañero de fatigas de Dimitri. Como historia tampoco hay que engañar y hay que decir que no es que sea precisamente una caja de sorpresas, si bien en su desarrollo de dimes y diretes está el verdadero mérito de la narración más que el fin en sí mismo. Hay que hacer a veces de tripas corazón en ciertos momentos, pero el resultado global creo que hace merecer la pena el visionado.

Dentro de la animación con el paso del tiempo ha quedado eclipsada por productos de las distintas competencias y su estudio ya pasó a mejor vida. Aún así, es un largometraje que se hace valer como buen entretenimiento.

7

SINOPSIS: Viaje cinematográfico hacia el corazón de la relación que la cultura mexicana mantiene con la muerte, enmarcado por las icónicas presentaciones de Depeche Mode durante su gira Memento Mori de 2023. Concebida y dirigida por el galardonado cineasta mexicano Fernando Frías, la película documenta los tres conciertos con localidades agotadas que la banda ofreció en la Ciudad de México ante más de 200.000 fans, entrelazando imágenes de las presentaciones con secuencias interpretativas y material de archivo. 'DEPECHE MODE: M' celebra la influencia mundial de la banda mientras explora la profunda conexión entre la música, la mortalidad y la tradición mexicana: un encuentro sagrado donde el dolor, la memoria, la alegría y la danza se funden entre sí, diluyéndose en algo profundamente humano y hermoso a la vez.



BLACK CELEBRATION

Depeche Mode parece haberle cogido el gusto a los documentales sobre temas asociados a la banda sin necesidad de ser los típicos documentales con entrevistas. Tras 'Spirits in the Forest', dirigido por Anton Corbijn que recogía testimonios de fans con nula presencia de los mismos Depeche, llegó este año 'Depeche Mode: M', dirigida por el mejicano Fernando Frías de la Parra en el que el realizador nacido en Ciudad de México trata temas como la muerte, el legado que dejamos tras abandonar este mundo o la tecnología, la cual también sufre la muerte a su manera cuando se convierte en un aparato obsoleto.

Por supuesto, tenemos las actuaciones en vivo de la banda en el Foro Sol de México durante los días 21, 23 y 25 de septiembre de 2023 durante el transcurso de la gira Memento Mori Tour que abarcan buena parte del metraje donde se le ve cantando a la banda algunos temas como 'Enjoy the Silence', 'Never Let Me Down Again', 'Stripped', 'World in my Eyes' (donde la banda aprovecha para rendir tributo al fallecido Andrew Fletcher, quien citaba la canción como su favorita de los hechos dentro del grupo) o temas de su último disco como 'My Cosmos is Mine' o 'Soul With Me', entre tantos; a destacar la aparición de 'Condemnation', la cual no aparece en el CD de audio.

Si bien estaba preparado para encontrar un documental usando a los Depeche Mode como vehículo, soy más fan de los reportajes con entrevistas a miembros del grupo, que para algo soy fan. Podrán ser más aburridos, pero mi atención siempre ha sido más bien hacia ellos y, si bien consumo cualquier cosa que me echen, no estoy tan interesado cuando se echan a un lado como ya pasó en el documental de la gira anterior. Es más, aprovechando el triste fallecimiento de Fletcher el 26 de mayo de 2022, me habría gustado ver a Dave Gahan, Martin Gore, Peter Gordeno, Christian Eigner y quien quisiera hablar más en profundidad sobre el asunto, más allá de lo escuchado o leído en entrevistas promocionales. No por morbo, sino porque es un hecho importante el cual solamente aparece cuando tocan 'World in my Eyes'.

Las partes donde desaparecen las actauciones en vivo y pasan a pasajes narrados por el actor Daniel Giménez Cacho hablando de muerte o legado y testimonios de algunos fans y diversa gente son también interesantes, aunque pierden fuerza cuando tienen que recurrir a la música de la veterana formación para rellenar minutos. En mi opinión, si el propósito es hacer un documental, se podría haber hecho usando las canciones del álbum 'Memento Mori' como banda sonora en lugar de intercalar escenas y actuaciones en vivo.

Depeche Mode y la gente encargada de pensar en sus productos estoy seguro que tuvieron toda la buena intención del mundo cuando pensaron en hacer esto. Para mí, no es un formato que termine de funcionar, especialmente cuando los verdaderos protagonistas, que son la banda en sí, pierden protagonismo. Hecho de otra manera quizás me habría ganado más, si bien prefiero ver material centrado en ellos en lugar de ver a otros. '101' equilibró muy bien esto mostrando fans y a la banda y gente relacionada con ellos, mas no han vuelto a demostrar el mismo tino.

Si esto es la despedida y cierre de Depeche Mode ya veremos, ha sido una banda que ha atravesado periodos donde no parecía que iban a salir adelante y aquí están todavía. A pesar del sabor agridulce con este filme, su legado musical sigue siendo espectacular y algunos conciertos grabados realmente impresionantes como fue, por ejemplo, 'Devotional'.

5

SINOPSIS: Ambientada en una época futura, en la que la alta tecnología domina el mundo. Sofisticados robots han reemplazado a los hombres en las más variadas tareas, pero cuando fallan sus sistemas de control se vuelven muy peligrosos. Miembros de las fuerzas de seguridad como el sargento Jack Ramsey (Tom Selleck) son los encargados de controlarlos. Con su nueva compañera Karen Thompson (Cynthia Rhodes) Jack investiga la posible conexión entre los robots y Charles Luther, un científico psicópata, del que sospechan que ha elaborado un maquiavélico plan para usar las máquinas como armas letales.


CUANDO VEAS TU MÁQUINA PERDIENDO LOS CIRCUITOS...

Michael Crichton no solamente fue en vida un escritor de éxito, sino también guionista y director (en este último apartado destacan en su filmografía 'Almas de metal' o 'Coma'), siendo el jefe detrás de 'Runaway, brigada especial, protagonizado por quien pudo ser Indiana Jones, Tom Selleck; hay que decir que no ha tenido una mala carrera a pesar de todo.

Al igual que en su opera prima (la mencionada' Almas de metal), aquí también se trata el tema de la rebelión de las máquinas, un tema que pareció traer de cabeza a su autor, si bien aquí está tratada de una manera algo más rudimentaria a diferencia del encanto de tener robots con aspecto humano que entraban en rebeldía. En este filme son máquinas aparentemente inofensivas que serán un peligro gracias a un delincuente llamado Charles Luther, interpretado por el bajista y vocalista de Kiss, Gene Simmons.

Selleck no es que haga el papel de su vida, pero aporta el buen oficio por el que ha sido conocido como un sargento viudo llamado Jack Ramsay cuidando de un hijo y con miedo a las alturas -importante para la trama-. Acompañándolo en la misión está la recién llegada, la oficial Karen Thompson, a quien da vida Cynthia Rhodes, actriz de carrera breve con algún destello como 'Flashdance' o 'Dirty Dancing'. Ella consigue no ser eclipsada por el protagonismo de Selleck y se hace valer.

El cantante metido a actor Gene Simmons da un trabajo respetable como el villano de la función no cayendo en la sobreactuación, aunque desde luego no será recordado ni muchísimo menos como uno de los grandes villanos de la historia del celuloide. Por suerte para él, tenía un trabajo mejor como miembro de una exitosa banda de heavy metal.

No sabía quien era el encargado de la banda sonora. Cuando escuché los créditos iniciales y leí el nombre de Jerry Goldsmith pensé que estaría ante uno de sus notables trabajos. Craso error. Aún aportando unos temas para los créditos iniciales (aquí llegándome a recordar levemente a Vangelis en 'Blade Runner') y finales bastante competentes, durante el transcurso de la narración no ternina de encontrar ese mismo nivel teniendo más bien temas para las secuencias de acción que las tildaría como pasables. Es curioso escuchar al maestro usando instrumentos electrónicos.

El que habría sido de Tom Selleck si hubiese sido el protagonista de 'En busca del arca perdida' no se sabrá nunca. No obstante, ha sabido mantenerse en el oficio bastante tiempo y algo tendrá el agua cuando lo bendicen. En este caso, no diría que es de lo más especial de su larga trayectoria; sin embargo, queda como una curiosa película de ciencia-ficción (aunque con esto de la IA no se puede saber) que tuvo la mala fortuna de encontrarse un filme también sobre robots porculeros ese mismo año que consolidó a un culturista austríaco como actor de cine. Quizás, 'Runaway, brigada especial' estaba destinada a ser un producto menor.

6

SINOPSIS: Un viejo mago que alberga un terrible secreto ocultista y su hija son tomados como rehenes en su solitaria mansión por unos criminales adolescentes necesitados de escondrijo. Cuando los captores se niegan a dejarles en libertad, la mansión comienza lentamente a desatar sus horrores sobre los desprevenidos invasores.


A LA CUARTA FUE LA VENCIDA

Tres películas llevaba vistas hasta ahora del director, ya fallecido, Juan Piquer Simón y en vez de "a la tercera fue la vencida", ha sido a la cuarta. 'La mansión de Cthulhu' es el primer suspenso en esta filmografía.

Me atrae lo que tenga que ver con Lovecraft, un terror que va más allá del susto fácil y el gore y que va a lo psicológico y a dejar la peor huella posible en sus víctimas. Piquer Simón se adentra en esta mitología para este filme, pero no sale demasiado bien parado; casi, pero no.

Lo que podría haber sido un relato con terror psicológico volviendo locos a los protagonistas termina siendo como una película más donde jóvenes, gente de mal vivir en este caso, tienen todas las papeletas para conocer lo que haya en el más allá antes de tiempo.

Un error que tira buena parte del filme es centrarse en los personajes equivocados. No son demasiado interesantes la pandilla de adoradores de la droga y sí el mago Chandu y su hija Lisa, cuyos antecedentes son narrados al principio de la película para poner en situación al espectador.

La cinta empieza a mejorar cuando se empieza a mostrar lo principal, que son las amenazas infernales, con algunas secuencias bien conseguidas como la ducha de sangre. Sí que la sensación de tedio era inevitable cuando el potencial estaba siendo desaprovechado.

A pesar de algunas escenas meritorias y una banda sonora efectista que eleva la tensión y el suspense no termina de enganchar del todo. Con otra perspectiva para este relato, priorizar al mago y a su hija como he dicho, puede que saliese mejor parado y un servidor más contento.

4

SINOPSIS: Un grupo de visitantes descubre, en una isla remota, que un comandante nazi recluido ha estado engendrando a un grupo de soldados zombie.


VACACIONES CON LOS NAZIS

El mismo año que fue un oficial del Imperio Galáctico con mala leche en las tripas llamado Willhuf Tarkin en 'Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza', el gran Peter Cushing (1913-1994) fue también otro villano. Concretamente, un comandante nazi que fue testigo de experimentos con soldados nazis muertos para ganar la II Guerra Mundial. Seguramente se les venga a la cabeza cierto título de Noruega algo más reciente que contó con una secuela.

La cinta que ocupa esta reseña es una producción diría que incluso más modesta que su homólogo nórdico, aunque cuenta con la presencia de los veteranos Cushing, John Carradine y una jovencísima Brooke Adams -luciendo palmito-. En esta ocasión, una embarcación de vacaciones con varios pasajeros termina encallando en un lugar aparentemente abandonado.

De lo mejor que se puede decir de este modesto largometraje es que tiene una ambientación de tensión bien conseguida en lugar de apostar por el camino fácil del terror vulgar con gore aportando un toque de calidad cuando no parecía que fuésemos a encontrar mucha calidad aquí. Es verdad que el aspecto de los zombis no es ni mucho menos de lo mejor del género, pero sabiendo donde me metía era algo que se podía esperar.

De una cinta de serie B de terror no hay que hacerse demasiadas ilusiones. En este caso, termina cumpliéndose su discreto nivel, aunque se mantiene a flote con dignidad apostando por la ya mencionada tensión 'in crescendo' en vez de ir a por el camino sencillo de ser un espectáculo de vísceras.

A pesar de verla doblada al español, no daba la sensación de que los actores (los más desconocidos, especialmente) diesen el cante, pero prefiero no emitir una opinión rotunda por si en versión original cambiase mucho, que no debería.

Propuesta para pasar un rato decente sin grandes pretensiones.

Spoiler

Los nombres de Peter Cushing y John Carradine están más bien en la película para lucir el cartel. Su presencia es más bien testimonial, especialmente en el caso de Carradine que se ve poco más de cinco minutos.

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5

SINOPSIS: Adaptación del clásico de Julio Verne. Un científico organiza una fabulosa expedición para llegar al centro geográfico de la Tierra. Acompañado de una pareja de novios y un pastor, durante el viaje tendrá que vérselas con seres extraordinarios y diversos peligros.


SERIE B BASTANTE DIGNA

De la filmografía del valenciano Juan Piquer Simón empecé por 'La grieta', la cual tenía al célebre Sargento Hartman de 'La chaqueta metálica', Ronald Lee Ermey. Si bien esperaba que no luciera como una superproducción sí que logró pasar el corte con una película que bebía de otras como la estrenada un año antes, 'The Abyss'. Tiempo después, la sorpresa fue aún mayor con 'Slugs, muerte viscosa', en la cual encontré una producción de serie B con gancho y tomándose en serio. Hoy continuo su obra con 'Viaje al centro de la tierra' con otro inesperado resultado positivo.

El elenco no tiene nombres relevantes, pero lo que importa aquí es la historia donde un grupo de personas lideradas por el geólogo Otto Lindebrock, acompañado por su sobrina Garüben y el novio de esta, el soldado Axel. Por el camino, contratan los servicios de Hans, un pastor y conocedor del paisaje montañoso.

Se podría esperar que los paisajes interiores donde se dirige la expedición no luciesen tanto debido a la humildad de los medios; no obstante, hay que decir que tanto los paisajes naturales como los rincones algo más tirando a lo fantástico dan completamente el pego, salvo algunos monstruos que hacen acto de presencia y donde sí son más obvios las limitaciones técnicas.

Piquer Simón no parecía ser un director que se conformase con películas hechas de cualquier manera y, a juzgar por las tres películas vistas de su trayectoria, tenía una artesanía a la hora de realizar sus filmes que hace que sean visionados con cierto atractivo, incluso sabiendo que no contaban con grandes presupuestos. Este caso no es distinto, teniendo una historia que va cortita y al pie con unos personajes con los que empatizas con ellos y lo que les pueda pasar en su viaje y unas localizaciones (rodado entre León, Madrid y Lanzarote) las cuales son un plus para dejar un buen sabor de boca. El aspecto pobre de los monstruos es una desventaja menor por esperable. A destacar también su efectiva banda sonora aportando acción y armonización del relato.

Destacar por último la gran sorpresa final de su última escena, bien pensada con alguna pista durante el transcurso de la aventura.

6

SINOPSIS: Biografía de Charles Chaplin. Chaplin pertenecía a una familia numerosa que se ganaba la vida en los teatros de mala muerte de Londres. Cuando su padre murió alcoholizado, su madre, enferma, tuvo que trabajar duramente para sacar adelante a la familia hasta que fue ingresada en un psiquiátrico. Chaplin entró entonces a trabajar en una compañía musical que hizo una gira por los Estados Unidos. Allí conoció al productor de cine Mack Sennett con el que firmó un contrato que le permitió demostrar su gran habilidad como cómico. Además de actuar, empezó a dirigir los filmes que protagonizaba y su personaje de entrañable vagabundo dio la vuelta al mundo. Su vida sentimental no fue tan afortunada: se casó cuatro veces. Fundó la United Artists con el director D. W. Griffith y los actores Mary Pickford y Douglas Fairbanks. Por su defensa de los derechos de las minorías y de la entrada de los Estados Unidos en la II Guerra Mundial (1939-1945), pronto fue tildado de izquierdista, razón por la cual, tras la guerra, el Comité de Actividades Antiamericanas lo llamó a declarar. En lugar de hacerlo, se marchó a Europa y no volvió a los Estados Unidos hasta que en 1972 le fue concedido un Oscar honorífico.



EL HOMBRE MÁS FAMOSO DEL MUNDO

Para las generaciones más modernas, Robert Downey Jr. es sinónimo de Iron Man y del nacimiento del universo de Marvel Studios desde que pronunció las famosas palabras "yo son Iron Man"; si bien a él se le debe parte del éxito de las grandes superproducciones de superhéroes, RDJ es también un gran actor sin necesitar una armadura, como si así lo atestigua su Oscar a Mejor actor de reparto por 'Oppenheimer' y todos sus reconocimientos, tanto nominaciones como premios. Su primera nominación al Oscar de las tres que tiene hasta ahora fue gracias a su interpretación como Charles Chaplin en 'Chaplin'.

Downey estuvo a las órdenes de Richard Attenborough, el futuro fundador de cierto parque con dinosaurios un año después, en la que fue su consagración como actor después de años llamando la atención en diversas películas como 'La mujer explosiva' o 'Golpe al sueño americano'. En esta ocasión cogió el toro por los cuernos y clavó la interpretación de uno de los grandes genios de la historia del cine desde que empieza a hacerse el borracho siendo bien joven hasta su vejez cuando recibe el Oscar honorifico en 1972. Cierto es que pierde aquel Oscar ante Al Pacino por 'Esencia de mujer' -que debería verla para ver si es mejor interpretación que esta o fue una compensación después de tantas nominaciones sin premio- pero le sirvió para que el mundo supiera definitivamente quien es.

El gran nivel de 'Chaplin' no se debe solo a él, sino también a un guion escrito entre William Goldman, William Boyd y Bryan Forbes en el que una duración de casi dos horas y media hace que parezca de hora y media debido a que siempre se cuentan cosas interesantes sobre la vida de Chaplin con un vistazo también a como se hacían las películas en esa época que gustará a quienes nos llama la atención no solo los nombres de la industria cinematográfica sino la técnica, como en la escena en la que Rollie Totheroh (David Duchovny) hace la tarea del montaje.

Hablando del reparto, el protagonista se rodea de grandes nombres como Anthony Hopkins como el biógrafo George Hayden (me parece que el único personaje inventado en el film), Marisa Tomei como Mabel Normand, Diane Lane como Paulette Godard, Dan Akroyd como Mack Sennett, Milla Jovovich como Mildred Harris, una de sus varias esposas, Kevin Kline como Douglas Fairbanks o Penelope Ann Miller como Edna Purviance. Todos ellos, entre otros nombres, destacan por unas interpretaciones no tan buenas como Downey Jr., pero sí lo suficientemente sólidas para no quedar eclipsados por él. Llama la atención Moira Kelly, quien da vida al primer amor de Chaplin, Hetty Kelly, y de los que más amó y a su última esposa, Oona O'Neill. Ella está también a un nivel más que aceptable. Mismo caso curioso para Geraldine Chaplin, hija en la vida real de Charles, quien interpreta a su madre, Hannah.

La recreación de las épocas de la biografía de Chaplin está así mismo muy logrado también. Tanto en dirección artística como en vestuario, haciendo totalmente justicia a la apariencia de Charlot, se nota el exquisito cuidado que se sometió esta producción que hace que no solamente destaquen las interpretaciones o la notable banda sonora con temas majestuosos de John Barry, la cual fue nominada al Oscar y al Globo de oro. En otros aspectos técnicos, me encantó el maquillaje del viejo Charles Chaplin.

Es un plus que muestre algunas facetas oscuras del protagonista como su gusto por mujeres jovencísimas, incluso menores de edad, y que no sea un simple panfleto propagandístico de sus logros. Aún así, es indudable lo que ha aportado a la historia del cine esta persona tan imperfecta como cualquiera de nosotros con sus cortometrajes y largometrajes estando algunas de ellas entre lo más selecto del séptimo arte. Como dice su hermano Syd (Paul Rhys) en una escena fue el hombre más famoso del mundo y se lo ganó a pulso.

8

SINOPSIS: Ava es una eficaz asesina a sueldo con un pasado conflictivo y ciertas dudas sobre la legitimidad de algunos de sus encargos. Cuando un peligroso encargo sale mal, Ava regresa a casa en un intento por reparar su relación con su familia. Sin embargo, se verá obligada a luchar por su propia supervivencia ya que se convierte en objetivo de la organización para la que trabaja.


LA 'JESSI' REPARTE

Tras el exito que fue 'Criadas y señoras', el director Tate Taylor y Jessica Chastain se volvieron a reunir casi una década después para una película de asesinos a sueldo sin tanta complejidad, aunque lo intenta.

La oscarizada actriz interpreta a Ava Faulkner, una asesina que de joven entró al ejército por motivos que se revelarán en el mismo filme y que lleva una relación distante con su familia (con su madre siendo interpretada por Geena Davis, nada menos) por razones que también se irán descubriendo.

Esta intenta ser una historia con algo más que simple acción y así es a ratos. Es de agradecer que intente ser más que un relato de buenos y malos con una historia personal difícil para la protagonista; solamente que no es suficiente, no cuando tienes a gente de la talla de la misma Davis, John Malkovich, Colin Farrell, Joan Chen o Common respaldando a la pelirroja.

Su sinopsis y la justificación para los acontecimientos están muy bien pensados y estoy seguro de que se devanaron los sesos para sacar el relato más atractivo y creíble posible, aunque - en el fondo- no se ve más que una película de acción más de espía o asesino/a que todo lo puede y deja una sensación al final de un producto del montón, aún con tales nombres en su reparto y siendo Chastain una actriz que no solamente es belleza y talento para el drama, sino que puede ser una actriz con dotes para este género.

Quizás esta película fue uno de esos casos donde la actriz estaba obligada a rodar esto para dar luz verde a otra cosa (como le pasó a Spielberg con la secuela de 'Parque Jurásico' que le sirvió para poder rodar 'Amistad') o que tenía ganas de trabajar en algo sin tanta exigencia. El experimento sale a flote como puede con algunas secuencias de acción y pelea que se dejan ver y un respeto por sí mismo que le hace no caer en el patetismo. Aún con todo, se podría haber extraído bastante más jugo.

5

SINOPSIS: El Grinch es una especie de ogro verde que siempre ha vivido aislado en la cima de una montaña, en las afueras de Villa Quién. Habituado a la soledad, lo que le destroza los nervios son los villancicos que la gente del pueblo canta en Navidad; para vengarse, decide robar los regalos de Santa Claus.


EL GRINCH ROBÓ EL BUEN CINE

Jim Carrey es un maestro no solo de la actuación -y más en concreto de la comedia- sino que las gesticulaciones de su cara son algo de otro mundo; no hay más que ver sus imitaciones a otros famosos. Es en parte por ese talento facial que el actor canadiense fue el indicado para interpretar a este personaje cuyo origen está en el libro infantil '¡Cómo el Grinch robó la Navidad!' escrito por Dr. Seuss y publicado en 1957.

La elección de Carrey para el personaje protagonista mereció la pena, puesto que su interpretación (aunque a veces tiene cosas más del propio Carrey que del propio personaje) es de lo más destacado de este filme dirigido por Ron Howard. A pesar del maquillaje que ocultaba al actor, Carrey supo sacarle partido mediante gestos, movimientos y una interpretación fantásticas. Lástima que el resto no acompañe demasiado.

Es evidente que 'El Grinch' es una película orientada especialmente para los más pequeños si bien tiene algunas bromas para los más adultos como lo del 'flashback' ("se parece a tu jefe"), pero en este caso en particular parece que para los más adultos esta propuesta navideña se puede hacer cuesta arriba puesto que no hay muchas concesiones para los adultos. Sí que su historia es para todos los públicos, mas en la forma de orientar el relato no hay muchas secuencias para conectar con los mayores.

Taylor Momsen se lleva toda la gloria que permite dejar la interpretación de su protagonista. La ahora cantante de The Pretty Reckless tiene mucha química con Carrey y es totalmente creíble como única habitante de Villa Quién que cree que el Grinch no es realmente malo. Además, ella misma a la edad de 6 años canta uno de los temas de la película ("Christmas, Where I Can't I Find You?") y lo clava. Tanto ella como Jim Carrey son los mayores baluartes de un elenco en el que los demás nombres no lucen tanto, aún teniendo nombres como Christine Baranski o Jeffrey Tambor.

Visualmente, el pueblo de Villa Quién, el vestuario de sus habitantes y el trabajo para caracterizar a Jim Carrey como El Grinch merecen su reconocimiento con una labor de los implicados que hace justicia a un personaje tan mítico como El Grinch. Su guion, no tanto.

5

SINOPSIS: Un piloto americano (Steve McQueen) vuelve a Francia para participar en la mítica carrera automovilística de Le Mans, tras un año alejado por una herida. Allí se enamorará de la viuda de otro piloto que murió en el mismo accidente..


LA POTENCIA SIN GUION NO SIRVE DE NADA

Bien era conocida la afición de Steve McQueen por la velocidad. El actor nacido en Beech Grove (Indiana, Estados Unidos) un 24 de marzo de 1930 era un gran fan de los vehículos con ruedas y un motor, incluso llegó a ser piloto profesional compitiendo en el Campeonato Británico de Turismos en 1961 o ganando las 12 horas de Sebring en 1970 junto a Peter Revson, piloto de Fórmula 1 ganador de dos carreras (Gran Bretaña y Canadá '73) que murió en unas prácticas para el GP de Sudáfrica de 1974 después de que la suspensión de su monoplaza del equipo Shadow fallase.

La carrera de resistencia más mítica de la historia del automovilismo (las 24 horas de Le Mans) estuvo en la mira del actor de 'La huida' o 'La gran evasión' y en 1971 se estrenó la aventura de McQueen en el trazado francés; si bien él era delante de las cámaras el único rostro del elenco famoso y detrás de las cámaras solamente destacaba el nombre de Michel Legrand en el apartado de la banda sonora.

El argumento iba sobre un piloto llamado Michael Delaney (McQueen) quien sufría en el año anterior a los acontecimientos del filme un accidente junto al piloto Piero Belgetti, quien acabaría falleciendo mientras su esposa Lisa Belgetti (Elga Andersen) estaba en la misma pista. Delaney vuelve a la competición de la mano de Porsche y Lisa vuelve a la misma pista donde su esposo murió. En principio, la salida prometía y se podía dar un choque de caracteres o una reconciliación entre ambos personajes más vivir el ambiente de Le Mans. Lo que termina siendo es una manifestación de coches de muchísima potencia, pero sin mucha chicha.

Durante poco más de 20 minutos se ve tanto a McQueen como al resto de pilotos, equipos y espectadores preparándose para el inicio de la edición y una vez se da el banderazo de salida poco más relevante pasa aparte de la carrera en sí misma. El arco argumental entre los personajes de Belgetti y Delaney tiene sus momentos, mas no parece que llegue a cualquier sitio de forma clara, salvo lo que se deja entender entre líneas. Al menos, al personaje interpretado por McQueen tiene un desarrollo con sus subidas y bajadas y que no sea todo un lucimiento personal.

Michel Legrand pone la música a esta aventura automovilística con sofisticación y estilo, aunque sin volverse particularmente loco. Visto lo visto, en computo general lo pondría entre lo mejor del filme, puesto que del resto hay que decir que el ambiente y las carreras están muy bien retratadas sin tener un guion que respalde a semejantes secuencias que son pura potencia. Con muchos coches y poco argumento se está comprando todas las papeletas para un suspenso que, para mí, se merece.

4

SINOPSIS: Tras una breve relación sentimental con un colega, Theresa Dunn (Diane Keaton) decide independizarse de su opresiva familia. Así comienza una metamorfosis que hace de ella una compasiva profesora de niños sordos durante el día y una mujer que busca toda clase de placeres nocturnos por los tugurios de la ciudad.


PLACER INSTANTÁNEO, DOLOR DURADERO

Diane Keaton (1946-2025) fue una actriz conocida por una trayectoria profesional donde destacaron sus colaboraciones con Woody Allen, una de ellas le dio su único Oscar a Mejor actriz por 'Annie Hall', su presencia en la trilogía de 'El padrino' como la sufrida esposa de Michael Corleone, Kay Adams, o haber trabajado en filmes a las ordenes de Warren Beatty o Alan Parker, entre otros. También por una imagen de icono de la moda donde tenía su particular gusto al vestir con tendencia a llevar sombreros. Esa imagen no sería siempre así y en el año 1977 hizo acto de presencia en un largometraje que mostraría un personaje muy alejado de lo que fue conocida.

'Buscando al Sr. Goodbar' es el título donde veríamos a una Keaton más deslenguada y sexualmente liberada, lo que no significa mejor; de hecho, podría funcionar como argumento en contra del libertinaje. Basado en la obra homónima -por su título en inglés- escrito por Judith Rossner y publicado en 1975, la cual se apoya en el caso real de Roseann Quinn (1944-1973), una profesora para niños sordos en St. Joseph que fue asesinada el 2 de enero de 1973 después de que conociese a John Wayne Wilson y este, en un arrebato tras sentirse humillado por no rendir en la cama, la apuñaló 18 veces.

Keaton hace la que podría definirse sin muchas dudas como uno de los mejores papeles de su carrera. A pesar de su timidez (por la cual tenían que tocar música de Johann Sebastian Bach en alguna escena de sexo para que la actriz se sintiese cómoda), se sobrepuso y mostró un personaje alejado de su imagen real. Theresa Dunn (Keaton) sufre escoliosis siendo una niña, lo cual le marcaría su posterior existencia no queriendo tener niños debido a que era una enfermedad congénita y una ruptura dolorosa la llevaría a querer buscar encuentros sexuales aquí y allá, perfectamente mostrado por Keaton quien se muestra encantadora como la profesora, incluso luchando para que una de sus alumnas pueda acceder a un aparato para oír bien, y como una desvergonzada mujer joven por las noches cayendo en manos de cualquier pretendiente que encontrase en el bar y se fijase en ella. Pensándolo ahora, parece una broma que ganase el Oscar por 'Annie Hall' y por esta no fuera nominada (sí que lo estuvo, por ejemplo, al Globo de oro como Mejor actriz principal), puesto que aquí establece una imagen de persona dañada con una lujuria desenfrenada que prueba también la cocaína y tenía que luchar también con una familia conservadora contando con su alocada hermana -la cual termina siendo más dueña de sus actos que la misma Theresa- como mayor apoyo.

Uno de esos pretendientes es Tony Lopanto, un joven Richard Gere que encarna a uno de los personajes más alocados que he visto de su filmografía. Lopanto parecía estar drogado las 24 horas por su forma de actuar tan alocada -atención cuando baila prácticamente desnudo con un juguete fosforescente- y una forma de ser alejado de lo que sería una persona en plenas facultades mentales. Que Gere interpretase a dicho personaje sin pasar la línea de la sobreactuación dice mucho de él.

Interpretaciones aparte, no destaca espectacularmente en mucho más. Recoge muy bien la dualidad del personaje protagonista mostrando los ambientes diurnos cabales y nocturnos alocados con drogadictos y gente de mal vivir y cuenta con un tramo final protagonizado por Keaton y un joven Tom Berenger que me dejó impactado por la forma de realizar dicha secuencia solamente con una luz azul parpadeante. También por algunas secuencias donde nos metemos dentro de la imaginación de Theresa y confunden con la vida real. En conjunto, los actores son el mayor valor dejando los apartados técnicos en un segundo plano.

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