Jo, qué noche!





Sinopsis

           Al finalizar su jornada laboral, un solitario empleado de una compañía de informática (Griffin Dunne) se ve envuelto en una serie de extrañas circunstancias que le llevan a uno de los peores barrios de Nueva York. Allí, vivirá una interminable y alocada noche...


Ficha técnica

Director: Martin Scorsese Intérpretes: Cheech & Chong, Griffin Dunne, Linda Fiorentino, Rosanna Arquette, Teri Garr, Verna Bloom, Cheech Marin, Victor Argo Título en VO: After Hours País: USA Año: 1985. Duración: 97 min. Clasificación: Mayores 13 años Género: Comedia Color o en B/N: Color Guión: Joseph Minion Montaje: Thelma Schoonmaker
Fotografía: Michael Ballhaus
Música: Howard Shore





Acerca de Jo, qué noche!

         Un mejor título en castellano que se le podía haber dado a esta especial película de Martin Scorsese sería: “Jo, que noche he pasado tan mala!” Porque dicho sólo: Jo, qué noche! Pareciera que esa noche a la que se refiere el título, y que malvive el protagonista, ha podido ser divertida y para recordar, por lo bien que se lo  ha podido pasar…y para nada, todo lo contrario. En inglés su título (el original) es After hours y se refiere a los locales de copas o discotecas que abren sus puertas cuando los bares nocturnos comunes cierran las suyas, casi siempre coincidiendo con la última hora de la noche, rozando la madrugada, y en los que se junta lo más variado y extraño de la ciudad que satisface sus más variadas necesidades etílicas, o de drogas y diversión de todo tipo. De muchos de estos especimenes nocturnos, de los lugares de la gran ciudad donde sólo almas con ganas de la evasión más visceral que  quiere perderse y olvidarse de lo de siempre, producto del hastío más pegajoso y molesto (en esto pensaría en el protagonista Paul Hackett, protagonizado por el actor Griffin Dunne)  habla Jo, qué noche!, pero de una forma diferente a la habitual, bastante simbólica y sugerente. En este marco es donde se desenvuelve la acción que es un sueño en sí mismo y que pasa de lo divertido a lo angustioso en un proceso donde se juzga y se quiere castigar sin justificación alguna a un protagonista Griffin Dunne incapaz de poder escapar de unos acontecimientos que en cualquier momento lo arrollarán.





        Digo que la película es una pesadilla en sí misma no solamente por la sensación que se palpa (con elementos tales como lo surreal, pero aquí comedido, el querer escapar de una amenaza de la que no se logra desprender Paul Hackett, la sensación de soledad y desamparo en un contexto hostil, pero disfrazado de comprensión y amabilidad, etc) sino por una interpretación que se podría hacer consecuencia de un análisis y la “descodificación” siguiente:

       Al comienzo el protagonista se encuentra en la oficina donde trabaja; la imagen viaja a cámara rápida, muy acelerada, indicando que se está en un día de trabajo, en plena actividad diaria. Hay estrés, movimiento, inercia de trabajo, un cierto descontrol. De pronto la dinámica habitual diaria se detiene, y la cámara también se calma, fijándose en Griffin Dunne. Hay más pausa porque se está pasando de un estado de vigilia a otro de reposo, antecesor del sueño…





      La misma oficina representaría la habitación del protagonista, y su sillón podría ser su cama. Antes de acostarse hay que fijarse en la actitud de Paul Hackett: éste echa una mirada a lo que podría haber sido el día que ha trascurrido; los gestos de sus compañeros, las fotos y los bolígrafos en las mesas de la oficina, la monotonía del día a día se vería como un preludio del sueño. De hecho Griffin Dunne, cuando habla con uno de sus compañeros, explicándole cómo tiene que hacer para utilizar un programa informático, se gira con calma y observa la oficina y a los compañeros que ocupan su espacio, esa mirada es como un recuerdo retrospectivo de lo que fue su día, como cualquier otro día, con los mismos mecanismos donde lo usual es la norma y lo sabido; y en la mirada de Paul Hackett se nota que Morfeo comienza a hacer acto de presencia… está a punto de sucumbir al sueño… y el sueño comienza:





     En la fase más superficial todavía hay control de las situaciones, aunque comienzan los primeros síntomas de que se está viviendo otra cosa diferente de lo real; aún así hay suficientes elementos reales como para no sentir desamparo o falta de control. Un poco más tarde, y en esta parada entraría en escena el taxista amante del flamenco con mirada de loco no del todo agresivo, se pasa a una fase del sueño más profundo, y es el taxista el que lo transporta rápidamente. Éste representaría el agujero que lleva a Alicia al país de las maravillas. El taxista se puede interpretar como la transición del sueño amable y sin demasiadas complicaciones a la pesadilla, a lo oscuro, aquí contada más bien en forma de comedia, pero una pesadilla que irá de menos a más… ¿y que nos encontramos por el camino, que sería el desarrollo central de la estructura del film? Pues a personajes solitarios, tristes, atormentados o con grandes inseguridades que sufren y que buscan comprensión, que se les entienda y se les valore, aunque sea un poco, personajes que buscan compañía porque la soledad los aplasta, personajes con una sensibilidad a flor de piel, una sensibilidad con tendencia al histerismo como el que sufre Julie, la mujer camarera que invita a Paul Hackett a su casa porque cree que le gusta.

     Por último nos embarcaríamos en plena vorágine de angustia e impotencia que una pesadilla amenazante representa; pero aquí no demasiado dramática porque, como dije antes, el tono es de comedia y no de terror. La amenaza no se debiera justificar porque no hay ningún delito que castigar, pero eso no importa porque la razón aquí ya no importa, sólo el hecho de ser condenado y perseguido para castigar una culpa que no es tal. Todo estos acontecimientos empapan de impotencia y miedo a un Griffin Dunne desamparado y con ganas de huir, con un irrefrenable deseo de salvarse, y más sabiendo que no es culpable de nada, sólo de no estar en su sitio en el momento menos adecuado, aunque al principio le atrajera esa novedad envuelta en misterio que se podría interpretar como ganas de vivir nuevas experiencias para huir de la monotonía y el tedio, y aceptar la propuesta de Rosanna Arquette sería como una forma de evasión.


    ¿Y qué ocurre cuando todo termina? Que Griffin Dunne se despierta en el mismo lugar donde comenzó su “aventura nocturna”: en su oficina, que es su habitación… ¿Y qué le dice el ordenador, que sería su despertador? Le dice: “Buenos días, Paul”…


          9.25 / 10

        Yo propongo hacer otra lista de los MEJORES DIRECTORES DE CINE DE TODOS LOS TIEMPOS,  y sin límite. Se pueden poner los que se os ocurra, y no hace falta que estén por orden de preferencia, sólo los que os parezcan los mejores.

          Yo elegiría estos:

1-   Luís Buñuel
2-   Alfred Hitchcock
3-   John Ford
4-   Francis Ford Coppola
5-   Terry Gilliam
6-   Howard Hawks
7-   Akira Kurosawa
8-   Christopher Nolan
9-   Juan Antonio Bardem
10-   Ingmar Bergman
11-   Carol Reed
12-   Roberto Rossellini
13-   François Truffaut
14-   Werner Herzog
15-   David Lynch
16-   John Huston
17-   Sam Peckimpah
18-   Walter Hill
19-   John Carpenter
20-   Carl Theodor Dreyer
21-   Charles Chaplin
22-   Federico Fellini
23-   Jean- Claude Lauzon
24-   Wong Kar-Wai
25-   Juán José Campanella
26-   Billy Wilder
27-   Ernst Lubisch
28-   Alejandro Amenábar
29-   Paul Greengrass
30-   Volker Schlondorff
31-   Frank Capra
32-   Fred Zinneman
33-   Sergio Leone
34-   Michael Haneke
35-   Jim Sheridan
36-   Bernardo Bertolucci
37-   Pierre Paolo Passolini
38-   Buster Keaton
39-   Patrice Chereau
40-   Peter Weir
41-   Fatih Akin
42-   George Miller
43-   Guy Ritchie
44-   Kim Ki-Duk
45-   Fernando León de Aranoa
46-   Fritz Lang
47-   Tim Burton
48-   Paul Thomas Anderson
49-   Steven Spielberg
50-   David Cronnemberg
51-   Henry Hathaway
52-   William A Wellman
53-   Milos Forman
54-   Stanley Kubrick
55-   Sydney Pollack
56-   Tobe Hooper
57-   Krzysztof Kieslowski
58-   Lucino Visconti
59-   Aton Egoyan
60-   Robert Wise
61-   Jim Jarmusch
62-   Thomas McCarthy
63-   Darren Aronofsky
64-   William Wyler
65-   George Roy Hill
66-   Raoul Walsh
67-   John Boorman
68-   King Vidor
69-   George Cukor
70-   Vicente Minelli
71-   Anthony Mann
72-   M Night Shyamalan
73-   Quentin Tarantino
74-   Steven Soderbergh
75-   Sam Raimi
76-   David Fincher
77-   Joel Coen
78-   John Sayles
79-   John Landis
80-   Oliver Stone
81-   John Waters
82-   Paul Schrader
83-   Jonathan Demme
84-   Wes Craven
85-   Peter Bogdanovich
86-   Kenji Mizoguchi
87-   Walter Salles
88-   Clint Eastwood
89-   James Ivory
90-   Ang Lee
91-   Stanley Donen
92-   Blake Edwards
93-   Robert Aldrich
94-   Orson Welles
95-   Don Siegel
96-   Michael Winterbottom
97-   Danny Boyle
98-   Peter Jackson
99-   Leni Riefenstahl
100-Elia Kazan


        Me he atrevido con las 100; sé que son un mogollón, pero de hacerla, mejor hacerla completita

                  La cabina


Sinopsis

Un hombre queda encerrado en un cabina telefónica y nadie puede hacer nada para liberarlo.





Ficha

Título La cabina  Dirección Antonio Mercero Producción José Salcedo Guión José Luis Garci
Antonio Mercero Música Alfonso de Vilallonga Fotografía Federico G. Larraya Reparto José Luis López Vázquez
José Miguel Aguado
Mariano Banderas
Agustín González
Blaki Datos y cifras País(es) España Año 1972 Género Drama Duración 35 minutos







Acerca de este corto

                   El que no haya visto La Cabina  es mejor que no lea este comentario porque puede descubrirle ciertas cosas que podrían estropearle el mediometraje...

                    Aunque es un clásico del cine español, este corto, con guión de Jose Luís Garci y Antonio Mercero, que hace de director, tiene trampas más que evidentes para que se desarrolle una historia fantástica que, aunque fantástica, es  muy poco creíble. Es cierto de la originalidad y también del atrevimiento de los creadores de este corto para llevarlo adelante, y es cierto que es muy conocido y se valora bastante dentro de nuestra cinematografía, tanto por público (es muy popular) como por parte de algunos críticos con los que yo personalmente no estoy muy de acuerdo; sin embargo, a mí, aunque me impactó la primera vez que la vi y me gustó (la tenía mitificada; todavía era adolescente y creo que aún no había madurado lo suficiente), una vez vuelta a ver recientemente veo claras muchas trampas un tanto ingenuas y que hacen pensar que el guión no fue tomado demasiado en serio a la hora de desarrollarlo, aunque la idea fuese muy original. Y es que pretender que creamos lo que nos cuentan:- que una empresa tan siniestra que se dedicaba a encerrar a personas en cabinas de teléfono para dejarlas morir, y que se perpetuara en el tiempo de una manera tan descarada- es de ilusos, o de tíos bastante listos si lo que querían realmente era tan sólo que tuviera éxito, y eso sí que lo consiguieron Garci y Mercero; pero eso no significa que esté bien.

              Es cierto que este corto es de género fantástico y de terror, y hay gente que dice que se debieran permitir algunas licencias para que la cosa marchase; ¡correcto! Pero si nos fijamos, todo el corto está enmarcado en un realismo evidente: hay gente normal de un barrio cualquiera divirtiéndose mientras presencian el espectáculo del hombre encerrado, hay policía, aparecen unos bomberos, etc, etc. Y siendo así no comprendo como cuando llegan los siniestros operarios para llevarse al enorme (eso sí!) José Luís López Vázquez en la cabina maldita, los polis que andan por allí no le piden ningún tipo de identificación y se lo llevan como si no hubiese ocurrido nada extraño…pero eso no es todo: los cerebros de esta empresa, o el cerebro (si sólo fuese uno el fenómeno pensante), se supone que son, o es, unos psicópatas para hacer lo que hacen: asesinar a la gente de ese modo tan especial, ¡qué bien! Y tienen toda esa organización montada sin que se entere nadie durante años, porque nos damos perfecta cuenta (¡quién no habría de darse cuenta con lo impactante de la imagen esa que se te queda en la cabeza como martilleándote!) que la gente aquella llevaba tiempo haciendo tales desaguisados: vemos cuerpos dentro de las cabinas totalmente descompuestos en los que se aprecian tan sólo sus huesos.

              Si López Vázquez tiene familia, se supone que algunas de las víctimas también la tendrían… ¿Qué pasa: que esos familiares no denunciaban nada, no denunciaban a las autoridades que se habían llevado al marido, o al padre (de ser el hijo el denunciante), en una cabina de teléfono y que todavía no había vuelto a aparecer? Seamos sensatos, Santo Dios, esto es una incongruencia, es más incoherente que Chiquito de la Calzada con melena y corriendo los 110 metros vallas… cullóns! ¿No sabían nada en la policía, o es que estaban altos cargos metidos en el pastel, muchas autoridades y tal, y por eso no se descubría nada? Para mí tiene poco sentido y, como dije antes, no es muy coherente este guión aunque tenga mucha fama y se valore tanto, y se hable tan bien de la película. Y para los que dicen que al ser terror surrealista esto no se debería tener en cuenta yo les diría que eso es un pretexto barato porque el estilo no tiene nada de surrealista; este corto está concebido de una manera que no tiene nada que ver con el surrealismo (surrealismo es El ángel exterminador de Buñuel,  por ejemplo), aunque haya cosas que sí lo pueden parecer; eso es adecuar el corto a lo que se hizo y ponerle una etiqueta: terror surrealista; y no al revés, que es como debiera haber sido.


             4 (por lo impactante de una  propuesta tan alucinada, sino le ponía menos) / 10

                               Cándida





Ficha

Dirección: Guillermo Fesser.
País: España.
Año: 2006.
Duración: 103 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Cándida Villar (Cándida), Jorge Bosch (Pablo), Raúl Peña (Javi), Víctor Sevilla (Julián), Yaiza Guimare (Mónica), Toni Morant (Flores), Joan Massotkleiner (Riki), María Elena Fesser (marquesa Martínez Campos), Maxi Márquez (marqués Martínez Campos), Soledad Mallol (Blasa), Pedro Ruy-Blas (vecino).
Guión: Guillermo Fesser y Javier Fesser; basado en el libro de Guillermo Fesser "Cándida, memorias de una asistenta: Cuando Dios aprieta, ahoga pero bien".
Producción: Luis Manso, Javier Fesser y Gustavo Ferrada.
Música: Cope Gutiérrez.
Fotografía: José María Civit.
Montaje: Iván Aledo.
Dirección artística: Javier Fernández.
Vestuario: Tatiana Hernández.
Estreno en España: 22 Diciembre 2006.







Sinopsis

Cándida es una asistenta mayor que ha aprendido a hablar pegando las frases de los otros y que siempre ha soñado con tener su propia casita, pero a la que la vida no ha parado de golpear de forma dramática y surrealista. Cándida conoce a Pablo, un joven periodista que presenta un telediario. La sencillez de Cándida, su amor por la vida y su tesón, constituyen el empuje que Pablo estaba esperando para recuperar a la persona que ama. Gracias a esta relación Cándida consigue, al fin, un trozo de tierra con su casa soñada, en Nueva York. Pero quizá  tenga que renunciar a ella, igual que ha renunciado a todas las oportunidades que ha tenido a su alcance por permanecer junto a sus hijos. Ese es, según Cándida, el deber y el placer de una madre.


Acerca de la película



    Amélie (en el personal mundo de los protagonistas y su modo diferente de verlo, aunque Amélie sea más poética) + Torrente (Me refiero a la saga de Santiago Segura. A ésta se parece en su sentido del humor tipo sal gorda con dosis considerables de surrealismo y mucha vulgaridad, en Torrente zafia y bastante sucia, y en Cándida verduleril e inocentona; pero de gran corazón) = CÁNDIDA


      La mujer que da nombre a la protagonista de la película es tal cual, por lo menos tal cual la conocemos en su humor y comentarios sacados del programa que tenía el dúo humorístico Gomaespuma en la radio y en el que Cándida hacía de comentarista cinematográfica, nada menos. Esto es una coña de uno de los de Gomaespuma por amor y homenaje a la que había sido durante muchos años su niñera (según tengo entendido). Quería hacer una película en la que Cándida sacase toda la artillería verbal que llevaba dentro, unas salidas de tono sorprendentes, muy naturales y espontáneas, primitivas a veces me atrevería a decir,  pero graciosas; un humor cercano al del tebeo de humor español de toda la vida, al de Mortadelo y Filemón, en versión señora mayor con muchos problemas familiares y personales que ya venían de cuando se había casado, cuando su marido no la trataba como ella debía por su gran corazón, cuando  la llegó a humillar para su desgracia. Tierna y desenfadada a un tiempo, de un desenfado que llega a la locura en ocasiones; de una estética visual enorme, a pesar de que la película no es gran cosa por la historia que cuenta (le pasaba algo parecido a otro de sus films: El milagro de P Tinto) que no deja de ser bastante tonta y de lágrima fácil; pero que por la forma de contarlo Fesser gana bastantes puntos (de hecho creo que este director tendría muchísimas más papeletas de hacer grandes películas si no perdiese su estilo y si tuviese buenos guiones entre manos, con historias que contar que merecieran la pena). Esta es una película que pierde mucho en el fondo, pero que gana por goleada en la forma (me refiero al estilo y la dirección en la forma y al guión en el fondo), aunque pudiera haber gente que le convenciera más el fondo que las formas (si se hubiera fijado en un aspecto distinto), un fondo amable y bonachón, pero poco entendible en un mundo como éste, y unas formas producidas por la ignorancia y la marginación. Todo esto  le da un aprobado a esta película de Guillermo Fesser  que llega casi hasta el bien.



                               5.60 / 10

 La Decisión de Sophie





Ficha 


Titulo Original   Sophie´s Choice (1982)
Duración   146
Idioma   inglés
Director   Alan J. Pakula
Guionista   William Styron
Cinemat/Montador   Nestor Almendros
Guionista   Alan J. Pakula
Musica   Robert Schumann
Musica   Marvin Hamlisch
Ficha artística
Meryl Streep

Kevin Kline

Peter MacNicol

Rita Karin

Stephen D. Newman

Greta Turken

Josh Mostel

Marcell Rosenblatt

Moishe Rosenfeld

Robin Bartlett

Eugene Lipinski

John Rothman

Joseph Leon

David Wohl

Nina Polan

Alexander Sirotin

Armand Dahan

Joseph Tobin

Cortez Nance

Guenther Maria Halmer

Karlheinz Hackl

Ulli Fessl

Melanie Pianka

Eugeniusz Priwiezencew

Josef Sommer

Krystyna Karkawska

Katharina Thalbach

Neddim Prohic

Jennifer Lawn

Adrian Kalitka

Peter Wegenbreth

Vida Jermon

Irena Hampel

Sandra Markota

Hrovoje Sostaric

Marko Zec

Ivo Pojer

Michaela Karocic

Ulli Fess





Sinopsis

Sophie es una muchacha polaca, dulce y de pálida hermosura que vive en una casa de huéspedes del Brooklyn de los años cuarenta junto a Nathan, un joven judío obsesionado por el pasado, y Stingo, el tercero en discordia, un joven procedente del Sur que llega convencido de que será un escritor de éxito. Tres personalidades que se relacionarán íntimamente en un ambiente en apariencia alegre y desenfadado, después de la guerra que ha azotado el mundo durante seis años.


Acerca de la película

          Por esta película Maryl Streep obtuvo un oscar. No sé que actrices fueron candidatas ese año 1982 a las estatuillas, pero se me hace difícil creer que cualquier otra actuación de cualquiera de las mejores actrices del momento pudiera hacerle la más mínima sombra a esta maravilla de la interpretación femenina. Ella viene siendo, desde hace mucho, una de las mejores actrices, sino la mejor actriz, que hay en el panorama cinematográfico actual, y mundial ; es ya tan clásica como Katherine Hepburn o como Greta Garbo, sólo que por el simple hecho de sernos contemporánea le quita gran parte del mito. Si a esta magnífica interpretación le unimos la de un enorme Kevin Kline, y la aderezamos con un arrebatador drama entre romántico y familiar, la mezcla no puede dejar indiferente.

        Hay un triángulo entre una mujer polaca católica y dos hombres, uno un judío al que ama apasionada e incondicionalmente la mujer, y otro hombre que proviene del sur del país (USA) y que es un gran amigo de ambos; éste  llega a Broklyn, en Nueva York, para hacerse escritor; como él mismo dice en la película, con una voz en off muy descriptiva literariamente hablando, ha llegado a la ciudad en un viaje de descubrimiento personal. Este triángulo está marcado por el amor y la amistad, pero el escritor, aunque siente una gran amistad por el hombre judío del que está enamorada la mujer protagonista de la cinta, no puede dejar de sentir lo mismo por ella…

       Hay una historia triste de la que no quiere hablar la mujer. Habrá una recreación de los hechos mientras Maryl Streep le cuenta su pasado en Polonia al escritor, un pasado marcado por un padre al que odia por sus ideas antisemitas (fijémonos que luego su novio en los Estados Unidos es judío), pero del que también dice que era el mejor hombre del mundo, por lo que el choque emocional es absolutamente salvaje cuando muy joven descubre los escritos racistas y xenófobos de su padre, profesor de universidad en Polonia (en esto recuerda a películas como La caja de música de Costa Gavras). Los flash back recreados son ya bien entrada la película y se repiten un par de veces, retrocesos descriptivos de cierta duración y que estructuran la película claramente en dos partes: una la de los recuerdos de Sophie en Polonia, y otra la de la relación triangular que mantiene con el escritor y el judío del que está enamorada.

      Lo que menos me convenció de la película fue el viaje iniciático que emprende el joven escritor y que no se desarrolla prácticamente nada; ese intento por descubrir cosas nuevas, trasladándose de un sur rural a un Nueva York lleno de posibilidades, está totalmente olvidado; creo que la sencilla pincelada de enseñarnos su affair con la chica medio ninfómana y algo alocada fue insuficiente para ofrecernos algo de ese proceso nuevo que perseguía el escritor; la sexualidad era un objetivo importante, pero es insuficiente como y de que forma lo cuenta. Creo que se podían desarrollar tanto los dos  frentes abiertos que estructuran la cinta como ese proceso vital del  escritor. También hay alguna simplificación de las relaciones y  resultan  algo rígidas y estereotipadas: el hombre judío con sus problemas, con su violencia que al saber porqué es motivada es entendible y que parece fantasear excesivamente, con cambios bruscos de humor que desconciertan, pero que está totalmente enamorado de Meryl Streep cuando el equilibrio le restablece la mente, y el escritor, también enamorado de la mujer, protector y amigo de ella porque también es amigo (de verdad) de su novio y no puede ir más allá aunque lo quiera, y que sólo se atreve a expresar sus sentimientos cuando descubre lo que le pasa realmente al novio de la mujer a la que él también ama.

    No hay una sóla decisión de Sophie en la película de Alan J. Pakula; hay más decisiones: la tremenda, con una impactante escena que pone los pelos de punta, que tiene que tomar en el campo de concentración con respecto a sus dos hijos y que causarán en ella un martirio que no pasará; la que tendrá que tomar con respecto a los dos pretendientes y que también la marcarán, conduciendo a un final muy dramático; la decisión de ayudar o no a la resistencia en Polonia en el campo de concentración si con ello puede ayudar a sus hijos, aunque tenga que flirtear con un alto mando nazi y eso pueda conducir  a tener encuentros íntimos con él;
                7.90 / 10

                                    
                                  Magnolia





Ficha

Título original: Magnolia
Director: Paul Thomas Anderson
País: EEUU
Año: 1999
Reparto: Tom Cruise, Jason Robards, Julianne Moore, Jeremy Blackman, Philip Baker Hall, Melora Walters, Alfred Molina, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, Luis Guzmán, Ricky Jay, William H. Macy, Melinda Dillon, April Grace
Duración: 188 min.
Guión: Paul Thomas Anderson
Música: Jon Brion, Aimee Mann, SuperTramp
Fotografía: Robert Elswit
Género: Drama
Productora/Distribuidora: New Line Cinema
Saga:
Premios: Globos de Oro, Festival de Berlín, Otros, Festival de San Sebastián, Satellite
Nominaciones: Globos de oro, Otros, OSCARS, Satellite


 


Sinopsis

                   La película sigue de muy cerca nueve tramas paralelas, el punto en común de las cuales es el lugar donde suceden: el Valle de San Fernando. Un niño prodigio, el presentador de un concurso de televisión, un ex-niño prodigio, un moribundo, su hijo perdido, la mujer y el enfermero del moribundo... historias aparentemente independientes con un extraño sentido conjunto.


Acerca de Magnolia


          Enorme película coral en la que las coincidencias del destino son punto de unión de unas vidas marcadas por el sufrimiento; esto hace que el componente existencial está muy presente en cada escena y el conflicto sea  permanente en el devenir de unos personajes perdidos por sus emociones.
           El comienzo se nos presenta con múltiples frentes abiertos (de ahí que sea una película coral) y con una vivacidad y dinamismo en la dirección que nos recuerda en su estilo visual a muchas obras de la filmografía de Martin Scorsese como Casino o El cabo del terror.
          Esta película es una eterna introducción, una presentación continua de unos personajes atormentados que buscan el perdón. Hay desencuentros tristes e intentos de reconciliación suplicantes para estar en paz y continuar el camino en las mejores condiciones, unos para pasar apaciblemente a mejor vida y otros para intentar vivir sin la pesada carga de la culpa.
         Referente a Tom Cruise decir que para mí no es un gran actor, yo nunca lo tuve por tal, pero aquí está muy bien y en algún momento consigue estar  bastante simpático. Su personaje tiene un punto de excentricidad que no se llega a saber con certeza si es estudiado y fingido (atractivo para la gente que lo sigue por su programa de televisión, y que lo conduce hacia el éxito) o realmente cree en lo que predica (no en una especie de labor pastoral  religiosa sino todo lo contrario, pero con un estilo parecido al de  los telepredicadores) con respecto a las relaciones de los  hombres con las mujeres, a las que trata algo así como a objetos sexuales de usar y tirar, y con desprecio una vez finalizado su objetivo de cazador indeseable. Yo creo que en su personaje hay mucho de falsa misoginia. A Tom Cruise no le interesa el pasado porque en el pasado hay demasiado sufrimiento y esto no le vale para crecer y ser feliz. No puede mirar hacia atrás porque eso no le traería nada bueno; tan sólo le interesa el futuro y la falta de compromiso para no sufrir más. Su falsa misoginia es una máscara, un pretexto muy rentable e interesado,  para no profundizar más en las relaciones que tienen que ver con los sentimientos, de ahí que diga que lo único que le vale es que las mujeres lo deseen para así poderlas satisfacer sin más: superficialidad y relaciones en las que los sentimientos no entorpezcan los dogmas de este “Doctor de las sexualidad más deshumanizada”.
                             8.90/ 10

Del diario El País de hoy 18/12/09:/ Pinchar enlace para el que lo quiera leer:


http://www.elpais.com/articulo/cultura/industria/cultural/exige/Zapatero/marcha/ley/antidescargas/elpepucul/20091218elpepucul_5/Tes