SINOPSIS:
Esta nueva entrega de la Guerra de las Galaxias se establecerá 30 años después de 'El retorno del Jedi', contando con una nueva generación tanto de héroes como de oscuros villanos y, por supuesto, la vuelta de algunos de los personajes favoritos de los fans.


CRÍTICA: Imagino (y soy de mucho imaginar)

Cuando un niño ve cumplido su sueño... tras perseguirlo toda su vida.

Imagino (y soy de mucho imaginar) al ahora adulto J. J. Abrams siendo un niño de 11 años, viendo a Luke destruir una Estrella de la Muerte y soñar con ser él algún día. Años más tarde y con una mayor capacidad de raciocinio, soñar con no ya ser Luke, sino hacer películas como esa, es la que manejar los designios de Luke, Leia, Han y los demás.


Imagino a J.J. estudiando las películas y a su autor, descubriendo que George Lucas es íntimo de Spielberg y trazando un plan, uno descabellado, ese que le permita algún día dirigir los designios de esa pandilla que tantas veces le habían hecho soñar con mundos extraños en una galaxia muy muy lejana.

Me resulta curioso echar la mirada atrás y observar con detenimiento le bagaje de J. J hasta llegar a hoy. Consigue meter la cabeza en el mundo de la ciencia ficción colaborando en el guión de Armageddon, lo cual le permite llegar a su siguiente salto con la serie Alias, su reputación empieza a crecer como guionista y da su golpe maestro encima de la mesa con Lost. Ahora el mundo ya sabía a ciencia cierta que era capaz de escribir buenas y enrevesadas historias.

Una vez alcanzada la primera parte del plan, vamos a por la segunda. Consigue dirigir acción como todo un profesional y manejar a una estrella como Tom Cruise en Mi:3, primer pasito logrado, ha demostrado maneras y se está ganado un sitio. Año 2009, directamente y sin pudor proclama a los cuatro vientos su amor por Star Wars y su total desconocimiento de la otra saga galáctica por excelencia, Star Trek, y lo hace una vez ha sido elegido para dirigir el reinicio de esta franquicia, consiguiendo demostrar de nuevo que la ciencia ficción espacial se le da de maravilla y dejando el germen en muchas mentes de que si en algo que nunca le ha llamado la atención consigue estos resultados que no podría hacer con la franquicia de sus amores. Su plan va dando los resultados esperados ahora queda la parte más difícil, ganarse a Lucas y Spielberg, los únicos que le pueden aupar a lo más alto.

Año 2011, el homenaje de Super 8 al estilo de las películas favoritas de Spielberg cala y deja huella en el hasta el momento personaje más influyente de la industria del cine. El plan estaba finalizado, ya solo cabía mantener el tipo con Star Trek 2 para dejar claro quién es el mejor candidato posible para dirigir la nueva película que reinicie la saga de sus desvelos de niñez, Star Wars es el premio final y él está a punto de conseguirlo.

El resultado del plan es lo mejor de todo, la creación de El Despertar de la Fuerza, una película hecha por un fan para los fans, y de la cual solo nos queda recomendarles una cosa: Disfrutenla en pantalla grande y vuelvan a ser niños, merecerá la pena.

SINOPSIS:
Ralph sueña con ser tan querido como el perfecto hombre arréglalo-todo Félix. El problema es que a nadie le gusta un chico malo, pero en cambio todos aman a los héroes... así que cuando un moderno juego llega con un personaje malo como ayudante del protagonista, Ralph lo ve como su oportunidad para el heroísmo y alcanzar la felicidad. Ralph se mete en el juego con un simple plan -ganar medallas de oro-, pero accidentalmente libera un enemigo mortal que amenaza a todos los juegos del salón recreativo. ¿Será Ralph lo suficientemente bueno y hábil para convertirse en un héroe antes de que llegue el "Game Over" para todo el salón?

CRÍTICA: Llegan las Navidades, llega Disney

Recuerdo como si fuese ayer la vez que vi en el cine El Rey León de Disney, al igual que recuerdo los cines en los que vi La Bella y la Bestia, Aladdín, e incluso Lilo & Stich o Pocahontas. Soy de los asiduos de Disney o mejor dicho, soy de los incondicionales de Disney y llevo desde los 14 años acudiendo año tras año (que por desgracia para mi son ya muchos) a todos y cada uno de los estrenos de animación de los llamados clásicos de la compañía (incluso muchos de los no clásicos), perdiéndome tan solo las de los años 2003 al 2007 (luego las vi en DVD no se preocupen).  ¿Por qué me atraen tanto sus películas?, muy sencillo, además de ser un amante de la animación ya sea esta tradicional o digital, hay una cosa que siempre ofrece una película de Disney y son valores morales, más comúnmente Moraleja y eso me atrae sobremanera, vale que a veces sus moralejas son flojas, forzadas, repetidas o incluso un poco ridículas en algunos casos, cada uno busque sus propios ejemplos, pero por desgracia a mi me atrae este tipo de cine, así que cuando se me brindó la oportunidad de ver la de este año, no lo dudé ni un segundo.

Por supuesto los tiempos han evolucionado y donde antes había animación tradicional (mi preferida), ahora suele haber animación digital, lo que le viene como anillo al dedo a este ¡Rompe Ralph! ya que la película se desarrolla por completo en un salón de máquinas recreativas, el universo de lo digital. Este es el primer acierto de la película, basar la misma en un personaje de videojuego, concretamente el malo de uno de los pocos títulos que aun se mantienen en uso tras muchos años (en clara alusión y homenaje al Donkey Kong) que por supuesto no es tan malo como parece. Y es que con tan solo pensar un poco nos damos cuenta de que los padres de los críos de hoy en día son aquellos chavales que crecimos (me incluyo) en pleno boom de las recreativas, aunque el motivo puede bien no ser este sino que los creadores de la misma coincidan en edad con dicha generación incluso puede que ambos se den a la vez lo cual es todavía mejor. Se nota claramente que los creadores crecieron en salones de videojuegos intentando mejorar los récords de turno en Street Fighter, Out Run y que aun en día como la mayoría de nosotros, mantenemos ese espíritu gracias a las consolas.

Todo eso se nota y mucho, los detalles desde el minuto 1 son innumerables, enriqueciendo la película, creando continuamente guiños de cara al espectador adulto que son más que bienvenidos. Esa terapia de grupo en la que aparecen M.Bison, Otoboke, Zanguief o Sub Zero hablando de porque son los malos de los juegos, el video juego Héroes Duty que recuerda claramente al Halo o la aparición de mítico Root Beer son solo algunos ejemplo de los muchos que pueblan la película que harán las delicias de los adultos. Pero no solo hay guiños a videojuegos, sino a otras muchas películas que han hecho las delicias de esos mismos adultos y es que parece que ¡Rompe Ralph! no esta orientada en exclusiva a los niños como normalmente ocurre, sino casi por completo a esa generación de adultos que fue etiquetada de "Friki" esa palabra que tanto parece estar de moda, pero que hace unos años era estigmatizadora y que ahora verán como un grupo de los suyos les hacen un claro homenaje con esta película. Si, por supuesto que la película es de animación, infantil y tiene moraleja final, pero es demasiado claro que los que más se divierten con ella son esos adultos que están en la treintena.

¿Y que pasa con los niños?, el motivo principal del 80% de los que acuden a la sala de cine. Dependiendo de la edad que tengan, se lo van a pasar bien para los más pequeños y pipa para los un poco más mayores, aunque esto no siempre sea lo mejor y no me malinterpreten, no es que este mal que los chiquillos disfruten, todo lo contrario, simplemente me refiero a con que disfrutan y que aprenden con ello. Todos somos partidarios de que nuestros hijos disfruten y se diviertan viendo cine, creo poder decir sin temor a equivocarme que si bien al menos la mitad de ustedes no verían con demasiados malos ojos que sus hijos se divirtiesen viendo un programa de videos de primero, pondría la mano en el fuego a que sin embargo la gran mayoría no les parecería correcto que lo hiciesen viendo un programa de JackAss, ¿me equivoco?. Y es que sin llegar a tales extremos como los del ejemplo, si que podemos decir que esta vez Disney ha cometido un grave error en la manera de intentar divertir a los niños a la hora de atribuirle un lenguaje totalmente inapropiado al personaje de Vanellope, es decir a la coprotagonista. Por supuesto que los chavales se lo van a pasar genial y que muchos dirán que si los niños son muy crueles y que si ya se habla así en los colegios y todo lo que quieran, pero una cosa es la vida real y otra muy distinta es que los dentro de los valores que se les intentan inculcar con películas como esta, eso de la moral que mencioné antes, se les de a entender que esta bien hablar tal y como lo hace este personaje. Juzguen ustedes mismos y discrepen conmigo si creen que me equivoco, a lo mejor me estoy volviendo muy quisquillosos con la edad, pero me da mucha pena que Disney haya confundido sus propios valores por miedo a no evolucionar y quedarse anclada en el pasado de los mismos. Yo soy de los que piensa que no es que lo antiguo sea lo mejor, es que simplemente lo correcto es lo mejor, ya tenga esto la edad que sea.

Como ya dije al principio recuerdo perfectamente el mensaje de El Rey León, Pocahontas o la infravalorada Mulán y tampoco me duelen prendas en admitir que he olvidado o más bien recuerdo vagamente las de Tiana y el Sapo, Enredados, Bolt o cualquiera de las que ustedes elijan de los últimos 5 años (quien dice 5 podría decir 10) a aquí y no es porque las películas no me hayan gustado, de hecho tanto Bolt como Enredados me agradan bastante (no así la funesta Tiana y el Sapo) sino porque más allá de resultar entretenidas o divertidas, que lo siguen siendo, no llegan a dejar ese poso que antaño dejaban sus producciones. Ahí radica el quid del asunto, las películas de Disney se espera que no solo sean entretenidas, sino que les enseñen a los niños unos valores morales que por desgracia en los tiempos que corren parecen haberse perdido, tanto como Disney en sus intentos de encontrarlos y recordarlos, de ahí que este ¡Rompe Ralph! Sea más de los mismo de los últimos años, entretenida, divertida, con un final bastante decente y con una moralina de quita y pon.

Seguiremos esperando otro año más el resurgir del Gigante, aunque quizá debemos empezar a pensar que el Gigante se ha hecho viejo y difícilmente volverá a tener el porte que antaño lució, se lo contaremos el año que viene.




Lo Mejor:

- Una idea muy buena y un Ralph inmejorable

- Hará las delicias de todo aquel entre los 30  y los 40 rememorando recreativas.

- Los giros de guión son muy originales.

- Que las empresas de los videojuegos dieran su permiso para ser usados.

Lo Peor:

- El personaje de Félix es flojísimo y la marine no esta bien aprovechada.

- Demasiado tiempo en Sugar Rush, se echa de menos ampliar espectro a otros juegos.

- El tramo final no acaba de cuajar del todo

- Lenguaje y formas totalmente inadecuados para dar ejemplo a los críos en el personaje de Vanellope

SINOPSIS:
Step up Revolution establece el baile en un dinámico contexto en la ciudad de Miami. Emily, hija de un acaudalado hombre de negocios llega hasta Miami con el sueño de convertirse en bailarina profesional. Pero pronto se enamora de Sean, un joven que dirige un equipo de baile de competición. Sean se esfuerza por llevar a su equipo, MOB, para ganar un importante concurso y así obtener un patrocinador. La única posibilidad de que el barrio sobreviva es ganar el concurso de baile y así poder hacer realidad sus sueños, a la vez que conservan sus hogares.

CRÍTICA: Que el ritmo no pare.

Hacer una crítica de una película que es la cuarta parte de algo que ni siquiera conocías, reconozco que es al menos complicado. Ni he visto Step Up, ni Step Up 2, ni Step Up 3 y no me cuesta admitir que no sabía absolutamente nada de su existencia, es más, sigo sin saberla más allá de sus nombres y de que la franquicia, si es que se puede llamar así, comenzó allá por el año 2006 o eso creo. Se hace difícil que una persona que colabora activamente en una publicación como la nuestra, dedicada en exclusiva al cine, no haya siquiera oído hablar de ninguna de ellas, lo cual dice poco no solo a mi favor sino también al suyo. Podría ser que soy un despistado (que lo soy) pero también es verdad que si apuesto un brazo, el que ustedes quieran, a que el 90% de los que se lean la crítica tampoco conocían las anteriores, al final del día sigo sin parecerme a Cervantes más allá de que los dos escribimos con mayor o menor acierto y precisamente ahí es donde radica el problema, no en que yo me haga o no manco que podría tener su gracia (para mi ninguna), sino que la gran mayoría del público no sabe nada de nada respecto a esta franquicia y eso sólo puede significar una cosa, son totalmente intrascendentes y carecen de un mal recuerdo más allá de los 15 minutos posteriores a su visionado.

No suele ser normal que una productora del tamaño e importancia de Disney saque este tipo de películas fuera del circuito de DVD/Bluray, al menos antes era así y solo hay que ir a cualquier establecimiento comercial de venta de películas para encontrar estanterías llenas de el Rey León 3, En busca del  Valle Encantado 7, Tod y Toby 2, Chetaah Girls o El Misterio de los Excavadores, todas ellas creadas a propósito para su propio canal de difusión y de las cuales seguro que usted conocía vagamente de su existencia a no ser que tenga menores cercanos en su entorno familiar claro está, no hay nada como un hijo, nieto o sobrino cercano para que la necesidad y el cariño le vuelvan a uno experto, pero parece ser que desde que los fenómenos de Hannah Montana o High School Musical les mostró un público juvenil rebosante de ganas de seguir a sus ídolos camino de las multisalas, la tónica habitual de unos años a esta parte es buscar el dinero de esos inmaduros bolsillos con este tipo de productos.

Step Up Revolution es justo lo que acabo de contar, un producto adecuado a un publico eminentemente juvenil, con una historia simple hasta decir basta basada en el típico, chico pobre conoce a chica rica, se enamoran locamente y tras los consabidos problemas de rigor que corresponden al 80% del metraje, llegar a un final de los de felices para siempre. Si en este momento hay alguien que está pensando en acusarme de haber destripado la película o bien tiene 14 años o menos o debería hacérselo mirar, porque además en este tipo de películas lo importante esta en ese tanto por ciento de minutos que transcurren desde el "Hola me llamo Sean" hasta el "Te amaré por siempre y pase lo que pase estaremos juntos" que en el caso de Step Up Revolution son de lo más movido. Un sinfín de números musicales de lo más videoclipero son el relleno de este pastel, coreografías de un grupo de bailarines callejeros a cual mejor con ese punto de rebeldía que tanto atrae a esa edad con una música que sin ser reconocible, suena igual a todo lo que se oye en estos momentos, diseñadas para un lucimiento en pantalla que las hace aun si cabe más espectaculares.

Efectivamente el encanto de esta película ni es la historia, ni el mensaje de moralina más bien pobre que pretende divulgar (si realmente bailando todos juntos consiguiésemos que se acabase la crisis, mañana estoy delante de los leones de las cortes con un tutú como único atuendo moviendo mis michelines al ritmo de un pasodoble patrio), sino la música y los bailes que lo acompañan. Con una puesta en escena y una fotografía estudiada a tal efecto, los números de baile son lo UNICO de esta película, siendo en todo momento no solo el relleno del asado, sino la salsa que le da sabor. Lógicamente el plato luce mucho mejor si los ingredientes con los que mostrarlo, es decir los actores, ya sean estos principales, secundarios o simples extras, son de un aspecto envidiable, o lo que es lo mismo, chicas de infarto para ellos y abdominales mejores que una tableta de Milka para ellas.

Desde luego está muy claro, el objetivo es llamar la atención lo máximo posible del público al que va dirigido y a fé mía que lo consigue. Si bien una vez dentro de la sala de cine hay poco donde rascar más allá de ese envoltorio, el dinero no será invertido en vano para todo aquel que sepa lo que va a ver y sin otro propósito se deje arrastrar por esos endiablados ritmos que hacen moverse los pies de todo aquel que esté presente en la sala, lo que es un punto muy a favor y es que si hay algo que reconocerle a esta película es que por mucho que la historia y el guión dejen mucho que desear, la película deja un poso de buen rollo al salir de la sala que por poco que dure y aunque esto solo sea los 10 minutos posteriores ya es más de lo que pueden decirse de muchas otras.

Desempolven la alfombrilla o pongan a punto su Kinect, porque esta es la nueva generación y Disney pretende que se mueva al son de sus bailarines, ¿lo conseguirán?.



Lo Mejor:
- Una buena fotografía que resalta en los números musicales

- Se deja ver bastante bien a pesar del pobre guión

- Alegrar la vista del público por igual a ambos géneros.


Lo Peor:
- El guión no se sostiene ni con andamios.

- Tan fácil de ver como de olvidar.

- Que la vida real no se parezca a la que muestra Disney

SINOPSIS:
Debido a una fortuita confusión, Tadeo, un albañil soñador, será tomado por un famoso arqueólogo y enviado a una expedición a Perú. Con la ayuda de su fiel perro Jeff, una intrépida profesora, un loro mudo y un buscavidas, intentarán salvar la mítica ciudad perdida de los Incas de una malvada corporación de caza tesoros.


CRÍTICA: El triunfo de lo pequeño
En el año 2006 la mayoría de los que disfrutamos de esto del cine conseguimos ver, en gran parte gracias a la red, un corto de animación llamado Tadeo Jones que contaba en clave de humor las peripecias de un Pseudo Indiana Jones patrio, una especie de aventurero explorador torrentiano que sin llegar al humor zafio y grueso característico del personaje de Segura si que se servía de la conocida picaresca española en algunos momentos, léase una navaja suiza sustituyendo una moneda, para darnos a conocer el personaje. El corto era y es entretenido, ingenioso y divertido, de ahí que se llevase el Goya al Mejor Cortometraje de Animación de ese año y como bien digo al principio, pese a que el corto se pudo ver ya en el año 2005, no fue hasta el 2006 cuando lo vimos la gran mayoría y el motivo fue precisamente que nos enteramos de su existencia gracias a dicho premio. Y es que si bien los Goya que denominamos "principales" suelen ser concedidos a películas sobradamente conocidas, casos como el de Pan Negro son la excepción que confirma la regla, en las categorías "menores" son no solo el reconocimiento al esfuerzo y el buen trabajo, sino el trampolín necesario para dar a conocer la obra al público.

Son precisamente las categorías menos reconocidas los verdaderos premios, esos que a veces viene a ser la tabla de salvación para una gente que pone todo su ilusión, esfuerzo e incluso la mayor parte de la veces el dinero de su propio bolsillo, en sacar adelante un sueño y es que la creación de lo que puede parecer un simple corto es bastante más complejo y complicado de lo que se cree.

Tras un año de duro trabajo, el premio recompensó a Enrique Gato y su equipo, la difusión y todo lo que vino después les ayudó a poder seguir haciendo cine y llevar a cabo un segundo corto del mismo personaje. Un par de años más tarde llegaba Tadeo Jones y el Sótano Maldito, con casi el doble de duración que el primero, mucho más elaborado, con una clara evolución de la historia y el personaje. Sí en el primero se podría catalogar al personaje como algo lerdo y un poco mezquino, en este segundo se le dota de una mayor profundidad haciendolo más amable mostrándonos su cariño por los animales, y transformando su "lerdismo" en una sucinta inocencia infantil disimulada que va dando forma a su pasión por la arqueología, mostrado todo sutílmente al principio del corto con la reconstrucción estilo puzzle en la que se le ve trabajar. Al igual que el primer corto, este también se vió recompensado en el año 2008 con el Goya al Mejor Corto de Animación. Estaba demostrado, Tadeo no era flor de un día y si la evolución natural a menudo soñada de todo cortometrajista sea el paso al largo, las cosas son bastante más difíciles de lo que parece, han tenido que pasar 6 años y dos cortos para que por  fin Enrique Gato llegue a esa meta y tras todo ese tiempo tenemos en nuestras carteleras a partir de este viernes el largometraje que narra las Aventuras de Tadeo Jones (en 3D).

Lo que nos espera con este largometraje es lo que ye hemos ido viendo en sus precedentes y que realmente es la baza ganadora de este personaje, es entretenido. Para ilustrar mejor lo que en principio puede parecer que no es nada que no se pueda encontrar en cualquier otra pelicula, indicaré que al pase de prensa acudí con todas las circustancias necesarias para que echase un sueñecito en a sala. Había otro compañero que podía cubrir la crítica (estaba en la butaca de al lado), era en 3D (lo cual a veces me da sueño sin que todavía sepa porqué) y lo más importante de todo, apenas había podido dormir 4 horas... de las ultimas 48h. Sí, os aseguro que la ví completa e incluso después pude comentarla con nuestro compañero y es que sin llegar a ser un ejercicio deslumbrante de ingenio, se disfruta perfectamente porque entre otras cosas no pretende ser más que entretenimiento, para grandes y pequeños (sobre todo para estos ultimos) sin ínfulas de grandeza de ningún tipo, ni es Disney ni pretende serlo, ni es Dreamworks ni pretende serlo, ni es Pixar ni pretende serlo, tan solo es una pequeña gota de agua Española en un mar de enfurecidas competencias por las que no va a competir, como se suele decir, no es su liga.

Nada mejor que unos objetivos comedidos para no intentar comer más de lo que se puede tragar y de esta forma convertirse en una alternativa más que decente para sofocar el calor veraniego en una fresquita sala de cine, ya sea solo, en pareja o acompañado de un enjambre de crios cansados ya de vacaciones. Si, incluso el 3D es decente y ni aturde ni marea como ultimamente es habitual y si bien es una añadido que no le hace falta, tampoco desmejora e incluso en algunos momentos puntuales se disfruta y es que hasta en eso se han sabido conformar, nada de 3D incongruente durante todo el metraje, sino un 3D que acompaña y que en determinadas secuencias se le da la importancia que requiere.

Ya está, decididamente Las Aventuras de Tadeo Jones me ha gustado, no me voy a esconder porque ante trabajos conseguidos con tanto esfuerzo no hay más que posicionarse y defender las convicciones y las mías estan totalmente a favor suyo. ¿Que tendré que aguantar muchas embestidas?, seguro, pero como tengo claro que se pueden desmontar tanto mis argumentos como los de cualquiera que se posicione en contra, no diré más. El que quiera sacarle peros, puede hacerlo y sin demasiado esfuerzo, pero merece mucho más la pena dejarse llevar por este arqueólogo soñador y compartir sus 85 minutos con buenos, malos, secundarios cómicos, secretos, tesoros y final al uso que criticar un producto que merece haber consegudio llegar a donde el corresponde, una sala de cine.



Lo Mejor:
- Es entretenida de principio a fin.

- Los animalitos secundarios, de lo mejor.

- El personaje de Tadeo a veces es demasiado forzado.


Lo Peor:
- Posiblemente el personaje que dobla Jose Mota, sobra del todo.

- No sorprende en ningún momento.

- Asusta lo plana que es en algunos momentos.

SINOPSIS:
Teherán, 1958. Desde que se rompió su amado violín, Nasser Ali Khan, uno de los músicos más famosos de su época, ya no tiene ganas de vivir. Al no encontrar un instrumento digno de sustituirlo, decide meterse en la cama y aguardar la muerte. Durante la larga espera, se sume en ensoñaciones melancólicas y alegres que le llevan a su juventud, a hablar con Azrael, el Ángel de la Muerte, y que le revelan el futuro de sus hijos... A medida que encajan las piezas del rompecabezas, empezamos a descubrir el gran secreto de su vida: una maravillosa historia de amor que alimentó su genio y su música...

CRÍTICA: Independiente, experimental o simplemente francesa

Con frecuencia se suele olvidar que el cine debería ser una experiencia no sólo para los sentidos de la vista y el oído, sino también para la mente. Estamos mal acostumbrados a ir al cine a "ver" y no a "sentir" y esto último enriquece mucho más que un simple visionado. Parece que sólo exista aquello que se confecciona como Blockbuster, que no es otra cosa que un pobre entretenimiento pirotécnico con no demasiada coherencia, dejando de lado todo lo demás. Y es que dado que las grandes productoras controlan la mayor parte del mercado, el 95% de las películas que cada semana llega son las mismas en todas las salas, que no son más múltiples copias de los mismo de siempre. Preguntemos a quien preguntemos, todo el mundo sabe que lo que hay es: "varias de acción (acción pura, suspense o incluso ciencia ficción), alguna romántica (que podría ser por igual comedia o drama), algo para los críos (que están de vacaciones y es buena época) a lo mejor una de desmadre (podríamos denominar juvenil) llena de humor grueso y si acaso (una de cada tres semanas más o menos) una de lo que ahora se denomina terror (que de terror suelen tener poco). Cualquiera que revise la cartelera de las semanas posteriores o anteriores a hoy, sea hoy el día que sea en el que usted está leyendo esto, verá que poco o nada cambia la plantilla expuesta.

Y es que el respeto por el espectador inteligente se ha vendido al mejor postor, dando por sentado que usted no tiene criterio para elegir más allá de lo que ellos ofrecen y que ese 5% que ellos no pueden controlar (no porque no sueñen con ello), será ignorado por la mayoría tras años de duro aleccionamiento a base de McClanes, Potters, Neos, Crepusculos, Superhéroes, Transformers, Lo que sea Movies, etc.. empezando incluso a ser complicado encontrar a alguien que haya visto la ultima de Woody Allen sin ir más lejos. Intentan inculcarnos que en ese 5% lo que hay no merece la pena porque no les pertenece, porque ahí no encontraremos acción tan buena o comedias tan bien hechas, tan solo encontraremos experimentos raros o locuras de autor, de manera que jamás nos pueda interesar ese porcentaje que ellos desprecian. Precisamente en ese 5% es donde posiblemente se encuentren la mayor parte de aquellas películas que hacen del cine una experiencia y como sé que usted puede que no esté de acuerdo conmigo le pondré un par de ejemplos claros de cine de calidad que estaba dentro de ese pequeño porcentaje, ¿le suenan los títulos de Intocable o The Artist? Si aun no sabe de que le hablo, le recomiendo que bucee en la cartelera, posiblemente aun tenga la posibilidad, remota pero plausible, de verlas en pantalla grande y créame, me lo agradecerá. Si usted ya las ha visto, habrá podido disfrutar con el buen sabor de boca que dejan y con las sensaciones que proporcionan durante su visionado, o puede que no y que a usted no le parezcan más que cualquier otra, pero lo que si ha hecho es elegir algo que se sale de lo normal y no ceder más que sus gustos o apetencias y no a lo que viene marcado por la dominancia del mercado.

Se habrá dado cuenta que  ambas son de origen francés y no es que sea una casualidad, es que precisamente he elegido esos dos ejemplos por compartir procedencia con la película que nos ocupa.  Dado que Francia es lo que más cerca nos queda con una industria cinematográfica más que decente fuera del stablishment americano, una buena parte de ese pequeño porcentaje son producciones suyas y por suerte para nosotros, en el país vecino son de los que hacen cine para espectadores exigentes. Si a la anteriores mencionamos Persépolis, nos daremos cuenta de que aun siendo las tres totalmente diferentes,  todas son dignas de la experiencia de la pantalla grande, incluso esta última que a priori por ser animación "no convencional" puede echar hacia atrás a algunos es tan interesante o más que las otras. Digo esto no por recomendar Persépolis, que también, sino porque Pollo con Ciruelas es igual de experimental, extrema y original, algo lógico viniendo de la misma pareja de directores.

Tras la buena acogida que tuvo la primera la pareja formada por la iraní Marjane Satrapi y el francés Vincent Paronnaud se atreven con un film mucho más onírico en el que con un ritmo cambiante veremos a través de los ojos del protagonista lo que hasta el momento y para él ha sido una existencia feliz como músico de renombre y que de repente se ve truncada al padecer la rotura de lo que alberga su alma, que no es otra cosa que su amado violín. A partir de ese momento la película es una experiencia a veces divertida, a veces visual, a veces interesante, a veces incongruente que intenta trasladar esa demencia absolutamente egoísta de un personaje endiosado de si mismo que se deja llevar por su propia autocompasión en un delirio de neurótica nostalgia digno del mismísimo Woody Allen.

Una historia extraña, que sorprende en su planteamiento tanto por lo que plantea como por los personajes que componen este arcoiris de emociones encontradas envolviendo en un crisol de emotiva realidad al personaje central encarnado a la perfección por un Mathieu Amalric que sorprende por su versatilidad para provocar con su interpretación toda clase de sentimientos en el espectador. Y es que si algo tiene esta película es la capacidad de sorprender para bien y en algunos momentos para mal, mostrando unos altibajos tan sorprendentes que parecen calculados, haciendo de su visionado toda una experiencia, agradable para algunos y soporífera para otros. Efectivamente acaba de leer usted bien, para muchos este film les parecerá la más absurda de las películas mientras a que muchos otros les parecerá un interesante ejercicio de imaginación, porque si algo tiene un producto como este es el de no dejar indiferente a nadie (esa frase tantas veces enunciada aquí si que adquiere todo su sentido).

El riesgo de intentar hacer un producto totalmente distinto e independiente del mainstream es lo que conlleva, puedes acertar según unos y estrellarte según otros, pero solo el que se arriesga es el que merece el aplauso del público y esta pareja por lo menos se lleva el de un servidor aunque solo sea por intentar salirse del tiesto aunque no consigan del todo el mear fuera de él.



Lo Mejor:
- Lo sorprendente de la propuesta.

- Se ríe de si misma sin el menor rubor

- El uso de la luz en algunas escenas.


Lo Peor:
- A veces parece navegar sin rumbo.

- Más que previsible pese a intentar no serlo.

- Desperdiciar a María de Medeiros.

SINOPSIS:
Una década después de su heroica victoria sobre el monstruoso Kraken, Perseo está intentando llevar una vida tranquila como pescador en un pueblo y también único progenitor de Helius, su hijo de 10 años.
Mientras tanto, ruge la lucha por la supremacía entre los titanes  y los dioses, peligrosamente debilitados por la falta de devoción de la humanidad. Perseo no puede ignorar su verdadera vocación cuando Hades, junto a Ares llegan a un acuerdo para capturar a Zeus. La fuerza de los titanes se hace más fuerte a medida que los restantes poderes celestiales de Zeus son absorbidos y el infierno es desatado en la Tierra.
Consiguiendo la ayuda de la Reina Andrómeda, Agenor, el hijo semidiós de Poseidón, y del Dios caído Hephaestus, Perseo se embarca en una peligrosa búsqueda en el infierno para rescatar a Zeus, derrocar a los titanes y salvar a la raza humana.

CRÍTICA: Ni más ni menos, pero mejor

Como buen cinéfilo nacido en los años 70 (sí, empiezo a hacerme mayor) tuve la suerte de ver en mi niñez aquella película de aventuras llamada Furia de Titanes, con lo años y como todo el mundo sabe, se convirtió en película de culto y hace apenas 2 años como viene siendo habitual Warner Bros decidió hacer caja utilizando su recuerdo y un montón de dinero en efectos especiales. Por desgracia gastaron tanto en efectos especiales y en un recién descubierto fenómeno del que sacar todavía más dinero llamado 3D, que no hubo dinero para hacer un guión decente.

A estas alturas no creo que haya nadie que se esté preguntando si Furia de Titanes me pareció buena o no, es más que claro que me decepcionó y mucho, asi que mis prejuicios a la hora de acudir a ver una secuela con la misma o mayor cantidad de efectos especiales y de nuevo en 3D iban totalmente encaminados en la misma dirección, tanto que estuve esperando hasta ultima hora la oportunidad de ver cualquier otra cosa antes de decidirme por ir a verla, finalmente decidí darle una oportunidad no porque me apeteciese, sino por tener la oportunidad de coincidir con uno de nuestros compañeros y charlar tanto antes como después de eso que nos apasiona a todos, cine. La pregunta que toca ahora es si tras el visionado salí de la sala decepcionado o no y la respuesta la podemos encontrar en la frase de Vigo Mortensen en La Teniente O´Neil "Bienaventurados aquellos no esperaban nada porque no quedarán defraudados".

Precisamente ahí radica el quid de la cuestión, en qué esperamos de esta Ira de Titanes en 3D. No se si debido al mal recuerdo que guardo de la primera, que era entretenida y tal pero tenía menos sustancia que la leche de soja desnatada, o a que me pillo en un momento bajo, la verdad es que me gustó más que la primera. Por supuesto el 3D de esta aun siendo mucho mejor es absolutamente prescindible (de verdad, no caigáis en el error de pagar 3€ más por verla en 3D porque no aporta nada más allá de un par de escenas de 3 minutos para lucir en pantalla pero sin interés en la historia), el intentar ser fiel a las leyendas mitológicas es algo que jamás se les ha pasado por la cabeza (más bien se lo pasan por el forro de...) y el despliegue de efectos especiales es aun mayor y de mejor calidad que en la primera (ojo a la mantícora), si que hay algo que en esta destaca por encima de la otra, el guión. A lo mejor en algo tiene que ver que los guionistas de la primera fuesen los culpables de El Esmoquin y Aeon Flux, de los que no voy a hacer comentario alguno porque ni lo merecen y en cambio ahora se haya confiado en uno de los guionistas de la serie The Walking Dead que también escribió el guión de La Huérfana.

Nadie vaya a pensar que estamos hablando de historias sin agujeros, con una trama enrevesada y giros inesperados, nada más lejos de la realidad, pero lo poco que es capaz de desarrollar es bastante más decente que el de su predecesora. Los personajes tiene algo más de profundidad, tampoco mucho, el listón era fácil de superar, la historia está mejor llevada y rodada de manera más eficiente y continúa siendo entretenida que al fin y al cabo es lo menos que se le puede pedir a un Blockbuster como este pretende ser.  Seguramente también tenga culpa de esta mejoría el cambio de director, pasando de un mediocre Louis Terrier a un menos irregular Jonathan Liebesman que aun abusando como es norma en todo Blockbuster de los efectos especiales, algo debió de aprender en su Invasión a la Tierra: Batalla L.A. haciendo una mejor utilización de los mismos y poniéndolos más al servicio de la historia y menos al artificio espectacular por el artificio espectacular en el que se convirtió la primera. Curioso como utilizando incluso las mismas localizaciones que en la primera (las dos rodaron bastantes de sus exteriores en nuestras islas afortunadas) los de esta sean mucho más creíbles dando mejor sensación de veracidad que las explanadas sosas de detrás del patio de casa que yo vi en la anterior. Podríamos decir que esta Ira de Titanes hace malo el dicho de que nunca segundas partes fueron buenas, pero no estaríamos haciendo honor a la verdad porque la película no es buena, aunque si es cierto que dentro de lo que le toca, es mejor que Furia de Titanes sin lugar a dudas.

Por supuesto el espectador deberá estar dispuesto a hacer unas cuantas concesiones a los Dioses por el bien del espectáculo, actores que cambian de una cinta a otra, errores de script más que notables, o columnas blandas como la mantequilla, pero una vez metidos es faena, un bol de palomitas a rebosar y la sana intención de disfrutar, veremos como Perseo, Agenor (con Toby Kebbel robando escenas) y una preciosa Andrómeda dan sopas con ondas a todo Dios que se les cruza por delante.

Lo Mejor:
- Mejores FX y más al servicio de la historia.

- Mejor guionizada.

- La escena de los cíclopes.


Lo Peor:
- Liam Nesson está bastante flojo.

- La escena final.

- Utilizar la mitología sin ton ni son con la de cosas que hay para contar.

Mirad estos carteles que se ha currado alguien.

Son muy originales, y aunque algunos cantan mucho, otros merecen la pena.

http://www.henrypq.com/2012/02/movies-from-parallel-universe.html#more

 SINOPSIS:
Otra Tierra narra la cruda y conmovedora historia de Rhoda Williams (Brit Marling), una inteligente joven que busca la forma de reparar una terrible tragedia. Vive en un mundo como el nuestro, salvo que, repentinamente, a lo largo de la noche, en el cielo aparece un planeta misteriosamente idéntico –llamado provisionalmente Tierra 2–, como un gigantesco y reflectante espejo gravitando sobre nosotros.


Para Rhoda, ese extraño e inquietante planeta, así como la realidad paralela que los científicos afirman que brinda, constituye su última esperanza. Absolutamente perdida tras sufrir un espantoso accidente que puso fin a sus sueños de convertirse en astrofísica, Rhoda no tiene ninguna perspectiva de futuro. Llevada por la necesidad vital de enfrentarse a su pasado, Rhoda termina presentándose en la casa del hombre cuya vida alteró irremisiblemente: el reputado compositor John Burroughs (William Mapother).


CRÍTICA: Cuando la excusa es casi más importante que la propia historia


Un Mcguffin es la excusa que se utiliza como recurso para que la trama de un film avance en el sentido apropiado, pero que no debe tener ninguna relevancia en la misma. Se cuenta que el rey de los Mcguffin e inventor del término era Hitchcok, no sólo fue el que acuño el termino por primera vez, sino que en muchas de sus películas (Psicosis, Con la muerte en los talones) es utilizado en el arranque de la misma para echar a andar la trama. Básicamente se utiliza para engañar al espectador y a su vez engancharle, ya que piensa que la trama va a ir por unos derroteros que finalmente cambian de manera radical desarrollándose de una manera totalmente distinta a lo que se insinuaba al comienzo. Precisamente un gran Mcguffin es lo que utiliza Mike Cahill para dar comienzo a la película, este no es otro que la aparición en el firmamento de un mundo idéntico al nuestro, un mundo que nuestra protagonista observa (como cualquier ser humano haría en lugar) y es a partir de dicha observación cuando arranca su historia.


Tras, como se dice en la sinopsis, un situación catastrófica, la vida de la adolescente Rhoda cambia por completo y Cahill nos narra con un ritmo pausado y una simpleza de imágenes el cambio, como de ser una prometedora astrofísica en potencia, por una de esas casualidades del destino, la vida te cambia y pasas a ser un paria de la sociedad, con una culpa a las espaldas que te marca. Porque de eso va esta Otra Tierra, de la culpa con mayúsculas, de esa que una vez invade a Rhoda no la deja vivir, la que sufre su familia que ha pasado de tener un orgullo a tener algo de lo que avergonzarse, de la que sufre ese padre que se encierra en si mismo por no tener razón alguna por la que seguir viviendo y que sólo vive para sufrir de autocompasión y tristeza cada uno de los segundos que le queden de vida, de esa que cuando llega inunda el alma y es difícil que la abandone.



El film sin pasarse en ningún momento de rosca (cosa fácil por otra parte) nos transmite sin caer en tópicos la soledad del culpable (el que lo siente, lo sea o no) con una forma de narrar que en muchos momentos recuerda a nuestra Isabel Coixet de La Vida Secreta de la Palabras, con unos silencios, miradas y acciones que cuentan más que 20 páginas de diálogo. En eso radica el encanto de este film independiente, no ya en que sea esto último, sino en que gracias a la estética que le hace serlo (últimamente parece que todo film independiente ha de hacerse con la cámara al hombro, en perpetuo plano secuencia y con continuos traqueteos, cosa que por suerte no ocurre tanto en este film) traslada al espectador esos sentimientos encontrados que sufren los personajes y que se muestran más reales de esta forma que con la imagen cuidada y suavizada que se da en películas con mayor presupuesto. Por desgracia, aun con todo el buen hacer que cosecha, la película tiene un ultimo tramo que deja un sabor agridulce por ser soso y predecible, que sin llegar a empañar el resto de la película, si que hace algo de mella en la misma.



¿Y porque he titulado este comentario como CASI MÁS IMPORTANTE QUE LA HISTORIA? Pues porque realmente el Mcguffin debería ser algo que al principio nos interesa (de ahí que se use para enganchar) pero que a medida que la trama avanza se "olvida" en favor de la verdadera historia y que finalmente podría haber sido cualquier otra cosa, pero el problema de este McGuffin, de este mundo idéntico que parece en el cielo, es que en ningún momento desaparece de la historia. Es más se utiliza en mayor o menor medida en momentos de la historia de forma que al finalizar el film, quedan tal cantidad de interrogantes sobre él, que obstaculizan en gran medida la verdadera intención de la misma. No es bueno que al terminar la película, más que pensar en lo que nos ha contado y meditar sobre ello, el espectador divague sobre la cantidad de posibilidades que dicho Mcguffin ha abierto y no hay forma de cerrar. Parece como si el propio director se sintiese culpable de lo que nos ha hecho ver y nos proporcionase algo que nos distraiga para no pensar en ello. De ahí el CASI del título, el que casi se nos obliga a contemplar en perjuicio de nuestra propia perspectiva.




Lo Mejor:
- Una sensacional y hasta ahora desconocida Brit Marling.

- Las sensaciones bien transmitidas.

- Que independiente no sea sinónimo de baja calidad y plano secuencia.


Lo Peor:
- Que se nos pretenda hacer meditar sobre el tema no principal del film.

- A veces ser independiente puede ser una desventaja.


- El bajón destacable del final.

 
SINOPSIS:
La paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) ha viajado a la desolada región de la Antártida para hacer realidad su sueño. Se une a un equipo noruego que ha encontrado accidentalmente una nave extraterrestre enterrada en el hielo, y descubre un organismo que parece haber muerto en la colisión hace miles de años. Pero está a punto de despertar...
Un sencillo experimento libera al alienígena de su cárcel de hielo. Kate y Carter (Joel Edgerton), el piloto de la expedición, unirán sus fuerzas para impedir que la criatura mate a los miembros del equipo uno a uno. En la inmensidad blanca, un parásito capaz de imitar a la perfección a cualquier ser vivo que toca, conseguirá que florezca la desconfianza y el terror mientras intenta sobrevivir y florecer.

CRÍTICA: Grandes medios para grandes fallos

Allá por los principios de los años 80, concretamente en 1982, un director que se estaba labrando un nombre dentro del género del terror y la ciencia ficción apareció con un producto en principio menor que narraba lo que mucha gente calificó como una burda copia del Alien de Ridley Scott que en vez de desarrollarse en el espacio, se desarrollaba en la tierra, un grupo de gente aislada (en el hielo de la Antártida) iba a encontrarse con un monstruo alienígena que se las haría pasar canutas. Ese producto no era otra que "La Cosa", adorado como film de culto 29 años después y ese director no es otro que el hoy considerado leyenda del género, el maestro John Carpenter.

Aun recuerdo perfectamente ese TeleProgramas (que finalmente derivó en TP con sus famosos premios) que compraban mis abuelos y que yo devoraba ávidamente en cuanto pisaba el salón de su casa, anunciando esta película con una foto en blanco y negro de un Kurt Rusell (en pleno proceso de salida del cine Disney apenas comenzado el año anterior con su Snake Plissken)  empuñando un lanzallamas de dimensiones más que notables, a punto de enfrentarse al horror de los horrores. Recuerdo las ganas de poder conocer el destino de ese grupo de hombres (en aquel caso no había ninguna mujer) y el miedo que al mismo tiempo me producía (lo normal considerando que no llegaba aun a la década de edad), ganas que pude finalmente satisfacer unos cuantos años más tarde, cuando con la visita a casa de unos tíos en pleno ritual familiar (íbamos al menos una vez por semana a visitarles y de paso disfrutar de su video, un artículo de lujo por aquel entonces) sentado en el suelo debajo de la mesa camilla, conocí por fin como se las gastaba el alienígena y como se manejaba Kurt Russell y compañía (hoy en día cualquiera de los que aparecían en ella, son secundarios más que conocidos por todo el mundo) en aquellos desoladores fríos árticos ante semejante monstruo.

Como todo el mundo a estas alturas ya conoce, La Cosa no era tal producto menor y ni mucho menos era una burda copia de la de Ridley Scott aunque se reconozca en ella un más que ligero parecido en su planteamiento general (por otra parte reconocido por el propio Carpenter) y en que sus protagonistas echan mano de lanzallamas en ambos casos. Mas allá de dichas coincidencias (aparte lógicamente del alienígena) el film acabó cautivando a la mayoría del público que por aquel entonces acudía a disfrutar del género, esa misma generación que 30 años más tarde sigue recordando con agrado las fantásticas sensaciones que la película proporcionaba y que hoy en día espero ya escarmentado de remakes, precuelas, secuelas, sagas y demás intentos de sacar dinero de unos bolsillos en crisis sepan ver la zanahoria de plástico tras el palo que se nos ofrece con esta The Thing de 2011. Porque aunque no lo parezca, estas lineas se basan en el metraje que nos llega esta semana a las pantallas y que se nos vende como la precuela (como no) de la del año 1982.

Lógicamente uno debe pensar y con razón, que si la sorpresa inicial de saber que pasaba en la de Carpenter ya no existe, sólo nos queda el conocer como con las técnicas de hoy en día se mostrará:  un alienígena convincente, una temporalidad anterior al año 1982 real y por supuesto una historia que nos haga ver plausible no sólo este film, sino la continuación que supone la realizada por Carpenter. Pues bien, mi recomendación es que ni los que hayan visto la original piensen que esta les va a aportar nada nuevo (ni siquiera recordar en momento alguno aquellas sensaciones) ni los que no conozcan el clásico acudan con la idea de que lo que van a ver algo distinto a cualquier otro descuidado producto de terror/ciencia-ficción de los que pululan hoy en día por la cartelera.

Como ya todos sabemos, la cinta trata del descubrimiento a principio de los años 80 (algo que para mí tiene mucha importancia o al menos debería tenerla) de lo que en principio parece un espécimen extraterrestre en la zona de la Antártida. Y porque digo que para mi es importante el momento en el que se desarrolla, porque seamos realistas, estamos en el año 2011 y las técnicas cinematográficas han avanzado tanto desde ese tiempo que si hoy en día recrear un dinosaurio, una ciudad en las nubes, etc.. que parezcan reales es perfectamente posible y teniendo en cuenta que si bien Universal ha destinado unos más que suculentos 35 millones de dólares en la confección del film (cifra que por otro lado matarían por tener la mayoría de directores españoles) no podemos más que pedirle que al menos lo que se puede hacer, se haga bien. Puede que el alienígena sea más o menos bonito, que la nave este mejor o peor hecha, pero lo que no se puede permitir es que estando en una zona cuyas temperaturas normalmente sean de más de -20ºC, dentro de la enorme estación (con un bar-comedor que ya quisieran muchos establecimientos) el sistema de calefacción (que por otra parte ni se ve) les permite andar en camiseta de manga corta como si fuese la primavera de cualquier ciudad de cerca del ecuador o que en un momento de la película esa misma estación sea dañada en su estructura de forma que por el agujero abierto en una de sus paredes siga sin entrar ese frío (nada menos que en medio de una tormenta). Por supuesto, esto que a simple vista da a entender que soy un maniático de los detalles no es más que un par de ejemplos (la película esta llena de ellos) para dar a entender que en el cine que se practica hoy en día, no se cuida lo más mínimo la credibilidad no sólo de la historia, sino de lo que lo rodea (que en este caso también ocurre), para centrarse en "la acción". Y es una verdadera lástima, porque si esta película estuviese más cuidada, no sólo se distinguiría de todas las demás, sino que incluso estaría bastante por encima de la media.

La historia da para ello y no está mal llevada, el ritmo de narración aunque bien llevado al principio, en el último tercio de película se vuelve un desenfreno vulgar que no le hace justicia al producto y ese mismo cambio de ritmo hace que la atmosfera de incertidumbre en la que los actores se mueven correctamente al comienzo y que realmente es lo que hace ser interesante esta película tira al traste su trabajo en esa vorágine que la que se convierte finalmente el film, porque aunque el director se empeñe en lo contrario, no saber quien es quien es mucho más terrorífico e interesante que el correr a esconderse o para perseguir al monstruo. Todos hemos visto miles de veces (y las que nos quedan) a gente huyendo del monstruo y/o gente corriendo para matarlo y en esta The Thing eso es igual a todas las demás. Si matas lo que la hace diferente consigues precisamente eso, que sea más de lo mismo que al fin y al cabo es la sensación que queda cuando acaban los créditos.
Ni más ni menos, no es ni mejor (aun pudiendo serlo) ni peor que cualquier otra película de terror de las que llega a nuestras amadas salas de cine cada año, con la diferencia de que esta no sorprende por estar basado en algo ya conocido con anterioridad. Eso sí, es de agradecer que por lo menos no se intente el susto por el susto tan manido hoy en día (ese que sólo se consigue subiendo los decibelios y a los que el cuerpo humano reacciona no por miedo sino por puro instinto) y que al menos al haberse intentado parecer a su predecesora se vea menos perjudicada en ese sentido.

Mi recomendación más sincera es que si viste la primera, no esperes que esta te aporte nada nuevo y que si no viste la original tampoco creas que no conocer el tema vaya a conseguir que esta te sorprenda aunque tampoco te va a disgustar.





Lo Mejor:
- Los actores no lo hacen mal para lo que se les deja.

- La primera mitad del film.

- El recuerdo de la primera.


Lo Peor:
- Dar la sensación de no ser más que otra de tantas.

  - El tramo final.
 
  - El recuerdo de la primera.

El tema ha sido movido a General.

http://www.elseptimoarte.net/foro/index.php?topic=18673.0

El actor Eduardo Noriega contrajo matrimonio el pasado 8 de febrero en la Junta Municipal de Moncloa-Aravaca de Madrid con su novia Trinidad Oteros, con la que mantiene una relación desde hace seis años, según publica la revista In Touch.

Fue una ceremonia íntima y muy discreta, oficiada por la concejala del distrito de Cham­berí, Isabel Martínez-Cubells Yraola, ha descrito la publicación.

Se conocieron en Barajas mientras esperaban un vuelo retrasado

El protagonista de Abre los ojos conoció a Trinidad en el aeropuerto de Barajas mientras ambos esperaban un vuelo retrasado.

Según In Touch, la pareja tendrá que espe­rar para disfrutar de su luna de miel a que termine la grabación de la nueva serie del santanderino en Telecinco, Homicidios.

En la serie Noriega encarna a un psicólogo especializado en patologías de la conducta que trabaja para una unidad de la Brigada de la Policía Nacional.

Fuente: 20 minutos
http://www.20minutos.es/noticia/982483/0/noriega/boda/secreta/

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Elsa Pataky ha aprovechado las Navidades para casarse con Chris Hemsworth, el protagonista de Thor, según ha confirmado la representante del actor a la revista People. Del enlace no han trascendido más detalles por el momento. El romance de Pataky, de 34 años, y Hemsworth, de 27, saltó a los medios de comunicación este verano y al parecer el flechazo surgió entre ellos gracias a que comparten representante en Estados Unidos. Los propios protagonistas lo hicieron público en la inauguración del Museo de Arte de Los Angeles en septiembre.


Ambos tienen en común también que han emigrado a Hollywood para intentar hacerse un hueco en el mundo del cine. Precisamente las vicisitudes de una actriz para conseguir su sueño de ser una estrella de la pantalla es la historia de fondo de la última película de Pataky, Di Di Hollywood, dirigida por Bigas Lunas.

El actor australiano es también conocido por ser hermano de Liam Hemsworth, al que se relaciona con la cantante Miley Cyrus. La propia Pataky reivindicaba hace pocas semanas en una entrevista con EL PAÍS que su pareja fuera conocido por su trabajo en la película Thor y no por ser cuñado de una de las estrellas de la factoría Disney. En la misma, la intérprete aseguraba que llevaba más tiempo de relación con el australiano de lo que la gente pensaba. La actriz también habló de su relación, aunque de una manera más velada, en una entrevista con la revista Vanity Fair. Entonces, antes de hacer público el noviazgo, confirmó que su corazón estaba ocupado pero que le apetecía ser discreta.

Hemsworth ha venido a ocupar el hueco que había dejado en el corazón de Pataky el también actor Adrien Broody, con el que vivió su historia de amor en un castillo, que el actor compró en el estado de Nueva York y que enseñaron al mundo a través de una exclusiva. Cuando rompieron, la actriz se fue a vivir a Los Ángeles, donde aprovechó para visitar la casa de Pau Gasol, dando pábulo a rumores sobre una posible relación que nunca se llegó a confirmar.

Fuente: El pais.com

Spoiler

Esta noticia apareció ayer día 28 y ya sabemos lo que eso significa 

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SINOPSIS:

Cuando la máquina de guerra más perfecta de la historia descubre que su primera derrota se debe a un joven resistente, Napoleón envía a seis mercenarios curtidos en mil batallas con una sola misión: darle caza en las montañas de Montserrat y cortarle su cabeza.

Tras asesinar a sus seres queridos, el grupo de mercenarios se lanza en su búsqueda en los lugares recónditos y mágicos de la sagrada montaña de Montserrat. El joven, al que llaman Bruc por el lugar de la batalla, deberá luchar solo para sobrevivir y vengar a su familia. Se convierte así en un símbolo de libertad y esperanza para su país, que distingue en él a un héroe que consiguió lo que nadie había logrado jamás: derrotar al ejército invencible de Napoleón Bonaparte.


CRÍTICA: ¿Acorralado a la española?, pues sí.

Cuenta la leyenda, que el 4 de Junio de 1808 el ejercito del todopoderoso Napoleón se dirigía desde Barcelona a Manresa, Igualada y Zaragoza cuando fueron sorprendidos por una tromba de agua que hizo que tuviesen que estar detenidos en Martorell hasta el día 6. Esto dió tiempo a las tropas españolas a organizarse y plantarles batalla en El Bruch, haciéndolos huir. Pero los franceses se rehicieron y organizaron de nuevo y prepararon un plan para cruzar el Bruch de manera que el 14 de Junio se volvieron a enfrentar los dos bandos. En aquella batalla, un humilde pastor de la zona, que era demasiado joven como para combatir, en su afán por ayudar se escondió en una de las laderas de la montaña de Montserrat y empezó a tocar el tambor para alientar a las tropas españolas, pero el eco de la montaña hizo que aquel tambor solitario pareciesen cientos y los franceses, creyendose de nuevo en inferioridad, huyeran otra vez. Aquí acaba la leyenda...

... y empieza la película. Partiendo de lo anterior, con algunas pequeñas modificaciones y con la novela Primera Sangre (en la que se basa la película nortemaricana El Acorralado) como referencia, el guionista Jordi Gasull (junto con Patxi Amézcua) construye lo que pretende ser una película de aventuras en la que cuenta a modo de Western Napoleónico los días que transcurrieron justo despues de esa última batalla. Y la verdad es que la idea no es del todo mala y hasta se le podría sacar brillo, incluso iría un paso más allá y pienso que hubiese servido perfectamente para desarrollar una serie de televisón con ella (como imagino soy de los pocos españoles que no han visto ni un sólo capítulo de Águila Roja no se si podría ser o no algo parecido). El problema de esta película es pretender ser lo que otras ya han sido y hay radica su error. Sin pretender más allá que el puro entretenimiento, no se toma en serio a sí misma y lastra enormemente el trabajo de los demás apartados artísticos del film que si que parecen tomarse el trabajo con mucha mas solemnidad.

La verdad es que siendo justos, esto no es del todo cierto, porque la película da la sensación de tan sólo haberse tomado en serio ciertas cosas dejando las demás como pura necesidad para completar el film, es decir, si bien el vestuario y la ambientación es notable, estos se tiran por tierra totalmente cuando los diálogos parecen ser de otra época y no me refiero a que esten mal hechos (cosa de la que no voy a hablar) sino que más que un personaje de principios del siglo 19 vestido como tal, sea una persona del siglo 21 disfrazada de pastor catalán cuando sólo le falta decir "tío", al final de cada frase. No se puede pretender que el lenguaje utilizado en esa época sea el mismo que se utiliza hoy en día y es que hay momentos en los que hay mayor coherencia general en los gags del Tio de la Vara. Si en algunos momentos la cámara nos sorprende (sobre todo al principio) con momentos realmente buenos de imágenes que muestran los sonidos del tambor (muy imaginativo y potente) o el devenir de un lápiz al surcar una hoja (genial), en otros se torna insípida y aburrida con unos amplísimos planos generales de la zona pretendiendo introducir la sierra de Montserrat como un actor más dentro de la trama pero consiguiendo realmente que se acusen éstos como un bajón terrible de continuidad que da la sensación de ser un anuncio de turismo de la zona recordando esos hermososo y somnolientos documentales de La 2 o semejando aquellos envases de determinadas marcas de zumo o leche que tan de moda estaban en series como Los Serrano.

Es en esas incongruencias en los que se pierde este Bruc, en el que si hay alguien que intenta dar la cara en todo momento es el plantel de actores. Con un buen Vincent Pérez (perdón, sin acento ya sea en Francés o dentro de poco en nuestro castigado Castellano) como cabeza visible de esa cuadrilla encargada de separar la cabeza del tronco al héroe, con un mejor Santi Millán (al que da gusto ver en un registro totalmente opuesto a lo que estamos acostumbrados) recreando a un sardónico y rencoroso oficial español que prefiere estar en el bando contrario y con un superior Moussa Maaskri dando vida a un fiel rastreador de ascendencia morisca que sin necesidad de palabras ni grandes frases deja su poso cuando aparece. Y por el otro bando una encantadora y la vez ingenua Astrid Berges-Frisbey que dá lo poco que el guión le ofrece con un personaje que lleva a cuestas la carga que supone ser la amada de un Juan José Ballesta tornado en héroe a su pesar. Lástima que el cabeza principal y sobre el que pesa todo el metraje de la cinta sea el que peor parado sale de todos, haciendo que las mejores escenas suyas, sean aquellas que tiene en soledad no teniendo más que hacer que dar la cara en pantalla, sin una sola línea de diálogo que llevarse a la boca. Sin menospreciar a Juan José Ballesta del que sigo pensando tiene más de donde sacar, su Bruc se queda en una pobre mezcla de aprendiz de Stallone (con todo lo que eso significa a nivel interpretativo).


Lo peor de todo es que la película podría haber sido mucho más a poco que se hubiese cuidado. Y me molesta especialmente el que pueda parecer que en España no se pueden hacer cosas a la altura de otras industrias simplemente por el hecho de que el dinero no llega. Este es uno de esos casos en los que da la sensación de que como había poco dinero y nos gusta regocijarnos en nuestra propia pena, no podemos ser todo lo cuidadosos que se debería y se descuidan aspectos que a la postre acaban haciendo que nos lamentemos de que el cine español sea como es. ¿Porqué nos empeñamos en quejarnos de que nunca podremos llegar a hacer las cosas que hacen en hollywood y a manejar los presupestos que ellos manejan, cuando podríamos demostrar que el buen hacer (que lo hay en España y mucho) no tiene nada que ver con el dinero, sino con las ganas de sacar una idea adelante pero no de cualquier forma, sino con mimo y cuidado?.

Por desgracia para nosotros, este Acorralado a la Española se queda en esa franja de indiferencia que hace que ni sea mala ni consiga llegar a ser buena, de forma que las pasiones que pueda levantar siendo maravillosa o catastrófica no sirvan en este caso hacerle la publicidad que le podría hacer falta para competir con cualquier otra americanada a la que se enfrente y que tenga una calidad semejante. Y como todos sabemos, no hay nada más terrible en esto del cine que andarse con tibiezas deambulando en tierra de nadie, por que es ahí precisamente donde se acaba, en el lugar del que nadie se acuerda.



Lo Mejor:
- Los actores dan la cara.
- Momentos de imaginación tras la cámara.
- Dura relativamente poco

Lo Peor:
- El montaje
- La apariencia de descuido.

http://www.youtube.com/v/zyGEEamz7ZM?fs=1