La última película de Richard Linklater está mucho más cerca de su primera etapa más comercial ('Escuela de rock', 'Una pandilla de pelotas', 'Fast Food Nation', etc.) que de su etapa más indie y arty por la que se ha ganado tantos admiradores en escuelas de cine. Yo adoro las dos vertientes, así que no tengo ningún problema con ello, pero quien espere aquí al Linklater más personal y sensible se llevará una decepción.

'Hit Man. Asesino por casualidad' es una comedia. Tiene algo de thriller y de crítica social, pero ante todo es una comedia. Una comedia trabajada, con personajes bien escritos y desarrollados con los que poder empatizar. En esto último el protagonista, Gary, se lleva la palma gracias a un sorprendente Glen Powell, que se come la pantalla en cada aparición. En 'Cualquiera menos tú' no es que estuviese mal, pero no era la estrella de la función. Contar con Richard Linklater dirigiéndolo también habrá ayudado, al igual que su participación en el guion como coescritor, pero queda fuera de toda duda el talento que tiene para la actuación. Ya no solo es por la cantidad de diferentes registros que es capaz de interpretar en esta película, es por los detalles en las escenas dramáticas donde interpreta a, simplemente, Gary.

Al final, Linklater consigue una comedia divertida al mismo tiempo que conversa con el espectador sobre Estados Unidos (en esta ocasión sobre su forma de ver el asesinato) a través de unos personajes carismáticos. Un buen y sólido entretenimiento que, algunas veces, se pasa de rosca, aunque sea por el bien de la comedia.

Me resulta absolutamente inevitable no relacionar 'El último late night' con 'Ghostwatch', por lo que empezaré este texto hablando sobre la película prohibida (durante muchos años) de la BBC. 'Ghostwatch' es un falso documental que se emitió en falso directo en la noche de Halloween de 1992, en Reino Unido, y que tuvo consecuencias reales en la sociedad británica. Además del caos que se formó durante la emisión, colapsando la centralita telefónica de la cadena de televisión, se llegó a relacionar el suicidio de un joven con la película. Todo esto ocurrió a pesar de que, ese mismo día por la mañana, en la misma cadena donde se emitió por la noche 'Ghostwatch', miembros de la película la promocionaron explicando que nada de eso era real. En una época donde el internet estaba en las antípodas de lo que es ahora, si no veías ese programa matinal, era imposible saber que aquello que estabas viendo mientras cenabas era falso. El terror de una sociedad mucho más ingenua.

Más allá de su importancia como hecho histórico, 'Ghostwatch' (junto con 'The McPherson Tape') ha sido precursora de todo el found footage que vendría años después, como la mismísima 'El proyecto de la bruja de Blair' (por esa necesidad de difuminar lo real de lo ficticio) o 'Rec' (punto de partida prácticamente idéntico y varias escenas que Jaume Balagueró y Paco Plaza cogieron prestadas), aún habiéndose pasado años en la sombra consiguió marcar a una generación de cineastas muy concreta: Aquella que tenía muchas ganas de hacer cine pero no demasiados medios. 'El último late night' no es que esté influenciada por 'Ghostwatch'; es que directamente es un gran homenaje. Una traslación de lo que debió ser vivir aquella noche de Halloween de 1992 como espectador en el salón de tu casa llevado a la ficción absoluta.

Los hermanos australianos Cameron y Colin Cairnes en su tercera película decidieron ir a lo grande. Con dos millones de dólares (que podrá no parecer modesto de primeras, pero en la industria actual, lo es) presentan una ambiciosa premisa como es recrear un late show de los años 70 que se va de madre por culpa de exorcismos, niñas poseídas y una inexplicable sensación de que se está gestando algo infernal entre bambalinas. En este aspecto es irrefutable lo impecable de su ambientación y atmósfera, poniéndote en contexto con una pequeña introducción y enganchándote al momento a Night Owls con Jack Delroy. Su magnetismo desde su primera escena es indudable, igual que su capacidad para generar incertidumbre y sembrar dudas en el espectador. El cómo resuelve algunas de estas dudas es el punto más achacable de la película, con algunas decisiones precipitadas y otras algo torpes, pero la balanza sigue decantándose del lado bueno.

El gran trabajo de diseño de producción y el buen pulso narrativo de los hermanos Caimes encuentran su broche dorado en la actuación de un entregadísimo David Dastmalchian, el pilar que sostiene en gran medida todo el conjunto. Una interpretación icónica, que se fija en los grandes presentadores del late show (incluido Michael Parkinson, presentador de 'Ghostwatch' y un clásico de la televisión británica) en todas sus aristas, incluso en aquellas más turbulentas. 'El último late night' no malgasta la ocasión para hablar de la (habitualmente) polémica figura del presentador en este tipo de programas, donde es fácil ver cómo el ego se come a la persona real para dar paso al personaje. Esos momentos que vemos detrás de las cámaras ocupan el lugar de la realidad dentro de la ficción que estamos viendo, dejándonos ver al verdadero Jack Delroy, desarrollando al personaje de forma paralela, tanto dentro como fuera del show.

La rotura del formato televisivo para enseñarnos la situación real que se vive en un plató de televisión puede romper con la continuidad de lo que se nos presenta en los primeros minutos de metraje, pero siendo sincero no creo que importe demasiado a la hora de la verdad para disfrutar del show. Es un detalle que podrían haberse ahorrado, pues no es el resto lo que necesita cambiar, pero se lo vamos a perdonar por todo lo bueno y gozoso que ofrece en sus ajustados 93 minutos. Quien espere una película de terror al uso, eso sí, que abandone la sala. No es que coquetee con lo experimental como 'Masking Threshold' o 'Skinamarink', pero está lejos de parecerse a cualquier entrega del Warrenverse. Está en un punto medio donde no abusa de los jumpscares y tiene un ritmo totalmente deudor de su formato televisivo. Es una propuesta refrescante al mismo tiempo que a lo largo de los minutos van desfilando todos los tropos habituales en el cine de género.

Desde que la vi en el festival de Sitges mi recuerdo sobre ella ha ido in crescendo y tengo muchas ganas de volver a ella, esta vez fuera de la vorágine que se vive en un contexto como ese, sabiendo a lo que me voy a enfrentar. Claro que su formato televisivo empuja a pensar que el mejor sitio para verla es sentado en el sofá de casa, delante de tu TV, pero nada de eso. Este espectáculo merece una gran pantalla, sistema de sonido a la altura e inmersión máxima. La visita al plató de los horrores no decepciona, por mucho hype que se haya creado alrededor de ella. Realmente es una de las experiencias más memorables que se podrán vivir este año en cines.

Cuando salió el tráiler de 'Sangre en los labios' causó un impacto importante en las redes sociales. Varios eran los elementos culpables de ello. A ritmo de Smalltown Boy, de Bronski Beat, veíamos lo que parecía una especie de 'Thelma & Louise' ambientada en unos USA decadentes y extremadamente ochenteros, con Kristen Stewart como gran reclamo. La fuerza del tráiler era muy grande, pero después de ver la película, no creo que la represente muy bien. Precisamente es esa falta de fuerza, de acabar de atreverse del todo, lo que la lastra un poco. Pero lo que encontramos en ella, aunque sea diferente a lo esperado inicialmente, es igualmente interesante. Posiblemente más que la inyección de 80s parecía ser.

'Sangre en los labios' engloba varios géneros. Es un thriller, aunque seguramente sea la parte menos importante de todas. La trama es bastante previsible y no deja lugar para muchas sorpresas. No es su fuerte, ni tampoco creo que sea lo que busque. Su punto fuerte está en su capacidad para mezclar una comedia ácida y sarcástica con el drama, romántico y familiar, sobre la toxicidad de las relaciones humanas. Es ahí donde crecen los personajes y es en los personajes donde la película consigue su máximo logro, saliendose de la norma con varios de ellos, especialmente por sus arcos narrativos poco complacientes con el espectador.

En una historia con un gran componente LGBT, las protagonistas no tienen problemas relacionados con su condición sexual. Sus problemas son los de personajes que no están gritando "¡Ey, somos las lesbianas de la película!", que se pueden asociar a lo cotidiano, a experiencias con las que se puede sentir identificado todo el mundo y no únicamente una parte del público. Que, evidentemente, no habría ningún problema si fuese algo relevante dentro de la trama, pero se agradece que se normalice el tema hasta el punto de estar ante un romance no condicionado por la condición sexual de las protagonistas. Eso deja espacio para tratar otros aspectos de la vida de estos personajes.

Por ejemplo, Jackie (interpretada por una adorable Katy O'Brian), la culturista que tanto ha llamado la atención desde que salieron las primeras imágenes de la película, quiere vivir una especie de sueño americano. Lou (magnifica Kristen Stewart) tiene family issues muy graves. El plantel de personajes secundarios sirven para hablar sobre temas como la violencia de género, el amor no correspondido o el abuso de poder. Todo para retratar a un rincón de Estados Unidos absolutamente decadente, peligroso y absorbente, que corrompe a todo aquel que pasa por allí y lo atrapa.

Sin haber visto todavía 'Saint Maud', guiándome únicamente por 'Sangre en los labios', diría que la labor de la directora y guionista Rose Glass como autora es bastante evidente. En manos de alguien con poca personalidad, esto podría haber acabado fácilmente como un Tarantino wannabe o una fotocopia de las tramas locas y absurdas de los hermanos Coen. Pero aún cogiendo un poco de aquí y de allá, es capaz de darle un carácter y empaque potentes, consiguiendo jugar con el espectador a través de la fantasía, sobre lo real y lo que forma parte de la mente cargada de estupefacientes de Jackie y Lou,

En el romance protagonista, hay varias cosas sorprendentes. La primera, que desde el inicio se ve que es una relación muy tóxica. Es interesante como Rose Glass usa el punto de vista de Jackie y de Lou para hacernos creer que están increíblemente enamoradas, pero tu como espectador sabes que hay muchas cosas mal en esa relación. También es una grata sorpresa lo atípico de sus escenas íntimas/sexuales, consiguiendo que una escena fogosa y violenta como es aquella en la que Lou le pregunta a Jackie como se masturba acabe siendo uno de los momentos más bonitos y sensibles de todo el metraje. Aquí el sexo es importante y no lo tratan como algo rutinario.

Puede que me esté repitiendo, pero el tratamiento de los personajes también es signo del buen hacer de Rose Glass. No existe ni uno que no sea deleznable, que no haya sido influenciado por la vida que se lleva en el infierno donde viven, pero al mismo tiempo no existe mensaje aleccionador ni moralina en esta historia. Lou, la principal protagonista, tiene una moralidad de dudosa fiabilidad que deriva en una gran toxicidad en todas sus relaciones, el tema principal de la película junto con la herencia familiar de comportamientos y si es algo inevitable. Aquí juega un papel importante su padre, interpretado por un (siempre) fantástico Ed Harris con un look inolvidable y necesitando únicamente una mirada o gesto para transmitir. No voy a descubrir nada a nadie, pero un auténtico fuera de serie.

Como he dicho anteriormente, son varios los peros que le pongo a 'Sangre en los labios', pero eso no impide que en su conjunto sea una película muy recomendable. Mis pegas son más por quedarse "solo" en una buena película cuando creo que había potencial para estar entre lo mejor del año. Pero para que quedarse con lo malo cuando estamos ante una producción que tiene los suficientes elementos memorables como para no olvidarse de ella a los dos días, algo que casi podría considerarse un unicornio en el cine comercial. Es otro tanto de A24, y van ya...

La lucha libre profesional siempre ha estado envuelta de cierta polémica. El uso probado de esteroides durante muchos años, muertes repentinas de luchadores en extrañas circunstancias o el caso Chris Benoit son algunos de los ejemplos más mediáticos de los problemas que han envuelto a este deporte-espectáculo. Una fantástica serie documental, 'Dark Side of the Ring', lleva encargándose varias temporadas de investigar este tipo de sucesos, con cariño y respeto por los involucrados y sus familias, pero metiendo el dedo en la llaga para llegar al fondo del asunto. Con esta producción descubrí la historia de la familia Von Erich, uno de los capítulos más impactantes de la serie, que ahora A24 ha llevado a la gran pantalla con 'El clan de hierro'.

Al estar hablando de una película basada en hechos reales, se podría decir que los spoilers como tal no existen, pero recomiendo encarecidamente no leer nada sobre los Von Erich antes de verla. En mi caso, voy a intentar no destripar muchos detalles de la trama para no estropearle a nadie el visionado. El punto de partida es sencillo: Una familia dedicada al wrestling tiene como objetivo llegar lo más alto, aunque esto suponga tensar las relaciones entre ellos, soportar a un padre tóxico en todos los aspectos que uno pueda imaginar o sobrellevar la maldición de los Von Erich, un sambenito que han tenido que aguantar toda la vida. Desde donde partimos y hacía donde acabamos yendo son dos cosas muy distintas.

Me resulta imposible no mencionar películas como 'Rocky' o 'El luchador' de Darren Aronofsky. 'El clan de hierro' comparte elementos con ambas, resultando evidente la influencia de ellas en el tratamiento que da a sus personajes, pero aquí el deporte es puro trasfondo. Esto no es una historia de superación ni tampoco de redención. Si que guarda algunos momentos para fanáticos del deporte, para dejar en su lugar a aquellos que no entienden la esencia del wrestling y sueltan idioteces como que la lucha libre es falsa. Pero aquí se nos está hablando de algo más profundo, más doloroso. Algo que trasciende mucho más allá de ser el mejor o conseguir el respeto de los aficionados. Nos habla de como gestionar la perdida, la muerte de un algo o un quién.

Sean Durkin es el encargado de dirigir y escribir este drama familiar, conocido principalmente por 'Martha Marcy May Marlene', por la que ganó el premio a mejor director en el festival de Sundance y estuvo nominada a varios premios en festivales importantes, como Cannes. A simple vista, puede parecer que el trabajo de dirección sea discreto, pero está lejos de serlo. Tiene una gran economía del lenguaje, usando las transiciones para mostrar en lugar de explicar y dando importancia a momentos cotidianos para definir a los personajes. No diría que la palabra sutil sea la adecuada para definir lo de Sean Durkin, pero si es elegante y ante todo, sensible. Sensibilidad y delicadeza es lo que hacía falta para contar esta historia, justo por eso se centra en el punto de vista del hermano mayor, interpretado por Zac Efron.

La actuación de Zac Efron es descomunal. Su no-nominación al Oscar a mejor actor protagonista solo la entiendo como consecuencia de una discreta campaña de marketing y, precisamente, por lo discreto de su personaje. Por no ser exagerado, por ser humano, por no destacar de la forma en la que lo suelen hacer los roles nominados. Hay un trabajo de contención alucinante y una capacidad sorprendente para hacernos olvidar su pintoresco aspecto. Efron hace un tiempo que demostró ser un buen actor, pero este papel es la deconstrucción de la idea que se tiene de él. Un trabajo serio, que traspasa la pantalla para llegar directo al corazón, sin ser lacrimógeno. Una de las mejores actuaciones de 2024, sin duda.

Este personaje, Kevin Von Erich, será la piedra angular del largometraje, en paralelo con Fritz Von Erich, el padre de familia al que da vida Holt McCallany ('El declive de Patrick Leary', 'Mindhunter'). Este, como el resto de personajes, no tienen la complejidad de Kevin, pero están igualmente fantásticamente interpretados por un reparto maravilloso. Aunque destaca por encima de las interpretaciones el gran trabajo de guion en el núcleo familiar, en darle a cada uno de los hermanos su espacio para expresarse y desarrollarse, para comprender porque son una familia en petit comité dentro de la familia disfuncional que forman los Von Erich. Así es como consigue reflejar el sentimiento de hermandad tan grande que hay entre ellos mientras vemos la masculinidad frágil que sufren de forma indiviual, sea por un motivo u por otro, y que les afecta de forma irremediable en su manera de sobrellevar las cosas.

No puedo contar mucho más sobre ella sin destrozarla, así que lo voy a dejar por aquí. A modo de resumen, decir que 'El clan de hierro' es una gran película, un drama familiar que fácilmente consigue hacerte empatizar con sus personajes gracias a un guion fabuloso y una dirección fantástica con la que Sean Durkin le imprime el ritmo necesario para que todo vaya rodado. Es un puñetazo al estomago de esos que uno no olvida, rodados con elegancia, sensibilidad y mucha contención, desembocando en unos minutos finales memorables, tristes y preciosos. La maldición de los Von Erich llega a su fin, pero al espectador se le quedará grabada a fuego en la memoria. Larga vida a los hermanos Von Erich (y al wrestling, claro).

La música siempre ha sido un instrumento maravilloso para contar historias, indiferentemente del uso que se le de. Ya sea con lo que cuenta la propia música por si sola, como banda sonora o como vehículo narrativo, es un arte capaz de llevarnos al éxtasis emocional sin que prácticamente nos demos cuenta. Las películas sobre música suelen ir de la mano con una historia de superación o de encontrar el lugar en el que encajamos en este mundo. 'Blue Giant' no es la excepción que confirma la regla, más bien se trata de otra más que sigue ese patrón, solo que usándolo en su favor y contando con un elemento diferenciador: La libertad que le da la animación.

Acompañaremos a tres músicos en su camino hacia el éxito, siendo tres perfiles con percepciones muy distintas de lo que significa esa palabra. Está el que lleva casi toda la vida practicando, el que tiene un talento innato y el que trabaja muy duro para mejorar. La amistad que se forma entre ellos hace que se junten sus caminos y acaben luchando por un objetivo común, pero cada uno cuenta con dilemas propios, aprovechados para hablar sobre diferentes aspectos de la psique humana. De una forma no muy profunda ni sesuda, pero lo suficiente como para implicarse dramáticamente en el asunto, gracias a lo bien definidos que están cada uno de sus arcos.

Yuzuru Tachikawa es su director. Uno ya experimentado en la industria del anime, responsable también de 'Mob Psycho 100', que está entre los mejores animes de la década (algo infravalorado por culpa de su hermano gemelo 'One Punch Man'). No es poca cosa. Quien la haya visto sabrá que la dirección juega un papel fundamental en esta serie, y Tachikawa demuestra de nuevo en 'Blue Giant' lo buen narrador que es al mismo tiempo que reafirma su gran capacidad para hacerte viajar a través de largas y espectaculares escenas. Por decirlo de una forma algo burda, la película anda sola, todo resulta muy orgánico y el paulatino desarrollo de cada uno de los elementos que la conforman hace que se mezclen homogéneamente.

Cuando se combinan todos estos elementos es cuando alcanza su cenit, con escenas musicales que se zambullen en lo onírico para hacerte sentir lo mismo que los oyentes de esa música y transmitirte las sensaciones de los músicos al tocarla. Son estos los momentos en los que la historia explota en lo emocional sin la necesidad de escuchar ni una sola palabra. Tan solo música y arte en movimiento. Porque es cierto que el exceso de CGI no le viene nada bien al conjunto, ni tampoco una animación tradicional tan irregular fuera de los momentos cumbre, pero quiero creer que es debido a un problema de presupuesto o de tiempo de producción (no he encontrado nada al respecto, pero es habitual en la animación japonesa). De hecho, es lo único que puedo pensar viendo la apabullante animación que tiene en varios tramos.

En esos momentos entra en acción Yuzuru Tachikawa, tendiéndonos su mano con la hermosa banda sonora de Hiromi para llevarnos por un viaje sensorial hacia la esencia del jazz, transformando una pequeña sala de conciertos en el universo entero. Su escena final, cuando tocan el tema FIRST NOTE, es una forma brillante de finalizar todos los frentes abiertos, donde animación y música se fusionan para ofrecer uno de los mejores clímax del año. Es imposible no irse a 'Whiplash' de Damien Chazelle, que también cuenta con uno de los mejores finales de los últimos años. El de 'Blue Giant' no tiene nada que envidiarle, siendo tan poderoso que es capaz de superar aquellos problemas que he comentado anteriormente.

'Blue Giant' es una película muy sólida, con algún pequeño obstáculo que empaña ligeramente el resultado final y que la limita un poco, pero no afecta al gran sabor de boca que deja al salir de la sala. Pone los pelos de punta en más de una ocasión, llevando los sentimientos a flor de piel y ofreciendo momentos musicales mágicos. No tendrá el reconocimiento de otros títulos como 'Belle', 'Your Name' o 'Suzume', pero merece ser mencionada cuando se hable del gran momento que está viviendo el anime actualmente. Una joya a descubrir.

Es bastante habitual encontrarse algún fenómeno mensual por redes sociales en forma de tráiler, póster o material promocional de alguna película. Hace unos meses, el tráiler de 'Good Boy' se expandió como la pólvora por Twitter (así se llamaba aún), TikTok y demás gracias a su fetichista premisa, pero toda esta fugaz popularidad cayó en saco roto cuando no llegó a tener fecha de estreno en España. Como suele ocurrir, se empezó a hablar de otro título y este pasó a un segundo plano. Por fortuna, este viernes se estrena en Filmin 'Good Boy' y todos vais a poder disfrutar de esta curiosa película, que no deja indiferente ni al más curtido de los espectadores.

Antes de nada, decir que es una producción extremadamente humilde. Su director, Viljar Bøe, contaba en la presentación de la película en Terror Molins que fue rodada en poco tiempo, con poco dinero (no llega a 10.000 dólares) y tres actores. Claro que también había muchas ganas de incomodar al espectador a través de su peculiar sentido del humor y de plasmar esa mezcla entre 'La Bella y la Bestia' + 'Cincuenta sombras de Grey' que se le pasó por la cabeza un día. El noruego no es un prodigio narrativo ni visual, pero consigue sacar adelante un punto de partida complicado, en el que es fácil quedarse en la broma inicial y no sacarle todo el jugo que pueda tener.

En apariencia, es un thriller de los que nos tienen acostumbrados los países nórdicos. Fotografía fría, personajes poco motivados a mostrar sus sentimientos y golpes de efecto para mantenerte enganchado. Probablemente este sea su punto más débil, y es que a nivel estructural es demasiado formal, tanto que es fácil ver por donde irán los tiros y cual será el devenir de los hechos. Tampoco es un gran problema, creo que no es necesario que todas las películas intenten innovar o ser algo revolucionario, pero deben tener algo que compense este punto en su contra para no convertirse en algo sin alma ni personalidad. 'Good Boy' lo tiene, y sabe muy bien como jugar con ello.

El aspecto fetichista está muy presente en este título. Lo tratan desde el humor pero con mucho respeto, dejando caer alguna reflexión en la que se habla de que cada uno es libre de hacer lo que quiera de puertas de su casa para dentro, siempre que no haga daño a nadie. También habla, claro está, sobre los prejuicios hacia las personas con estas filias, sobre todo por parte de Sigrid, la protagonista, y lo poco que importan cuando elementos como el dinero entran en juego. Es una película que, además de incomodar y hacer reír, quiere hablar sobre algo, y lo hace con un discurso coherente y interesante. De una forma u otra, Viljar Bøe quiere darle una lección a Sigrid, y vaya si lo consigue.

De la misma forma que Sigrid pasa del amor a la sospecha cuando descubre el secreto que esconde Christian, su cita de Tinder (una especie de Christian Grey nórdico), nosotros viramos de la comedia a la incomodidad cuando este secreto toma protagonismo. No es, ni más ni menos, que un humano comportándose como un perro las 24 horas del día. No es ningún spoiler: se revela en los primeros segundos de metraje y es la gran baza con la que han vendido la película. Hacernos participe de esta situación desde el comienzo, antes de que la propia protagonista sepa nada, hace que todo sea mucho más divertido para nosotros y deja patente lo malévolo que es su director.

Este sentido del humor tan maligno se complementa fantásticamente con su parte de intriga, creando un thriller sólido en prácticamente todos sus aspectos (el último acto flojea un poco, pero a nivel rítmico está muy bien medida), con capacidad suficiente como para superar la broma en la que se convirtió con la salida de su tráiler y dejando una guinda final imposible de olvidar, elevando lo enfermizo de la película a niveles muy altos. No es fácil conseguir revolver el estomago a alguien únicamente con una imagen.

Por más películas modestas como esta, con las ideas tan claras y motivación para ir más un poco más allá de lo que el público actual exige.

Como si se tratase de un huracán, 'Cuando acecha la maldad' empezó a causar grandes sensaciones en su paso por festivales de cine de terror, como fueron el de Sitges o la Semana de Terror de San Sebastián. Su director, Demián Rugna, ya había conseguido destacar con su anterior película, 'Aterrados', consiguiendo buenas críticas y una recepción genial por parte del público. Por eso, 'Cuando acecha la maldad' era una especie de reválida para el director argentino, para ver si lo visto en 'Aterrados' eran solo algunos destellos o realmente su visión del terror es tan bruta como parecía. Digamos que ha superado las expectativas con creces.

Estamos ante una película brutal. Su visión de la violencia es de las más bestias que he visto en los últimos años dentro del cine de terror más mainstream, gracias a unos efectos especiales prácticos (y algún retoque digital) alucinantes y decisiones de guión atrevidas. No es por la cantidad de sangre, pues en ese sentido es bastante austera, sobre todo si la comparamos con títulos como la 'Posesión infernal' de Fede Álvarez o 'Posesión infernal: El despertar'. Su fuerza recae en la forma de dar los golpes, dándote cuenta con el primero que esto va a ser parecido a una paliza en una sala oscura, donde no sabes cuándo ni cómo recibirás las hostias.

La historia que nos plantea está llena de elementos recurrentes en el género. En una villa apartada de la sociedad se descubre que uno de sus habitantes está infectado por un ente maldito, lo que ha ocasionado que esté hinchado y lleno de infecciones por todas partes (recordando mucho a la gula de 'Se7en'), hasta el punto de no poder moverse de su cama. Las decisiones que tomarán los protagonistas a partir de este momento servirán para reflejar la estupidez del ser humano, convirtiéndose en un desfile de desgracias cada cual más brutal que la anterior, sucediendo de forma frenética y prácticamente sin dar descanso al espectador. Es aquí donde Demián Rugna saca a relucir su lado más ácido y malvado, con varias escenas con mucha mala leche y difíciles de olvidar.

En líneas generales, consigue tener su propia identidad a pesar de estar llena de todos los tropos habituales en el género. Poco a poco se encarga de ir creando su propia mitología, donde los poseídos tienen nombre propio (embichados) y las fuerzas demoníacas sus propias reglas. El carácter argentino que tiene es muy fuerte, y aunque al principio cuesta un poco acostumbrarse a algunas expresiones que utilizan, lo cierto es que le da personalidad y hace que sea algo fresco. En su último acto es donde más se ve lastrada por estos tópicos, junto con una narrativa y montaje algo caóticos, que hacen de su final un poco decepcionante.

Igualmente, viéndola se entiende porque ganó el premio a mejor película en Sitges 2023 y porque está gustando tanto. En una industria donde cada vez se lleva más hacer películas siguiendo un algoritmo y la frase que tienen grabada a fuego las productoras en la cabeza es que cuanto menos arriesguen, más fácil será contentar a la gente, 'Cuando acecha la maldad' es un oasis en el desierto. Siendo una propuesta bastante conservadora en su estructura y lenguaje, es capaz de ir más allá, sobrepasando límites que son tabú en el cine. Una obra sólida a nivel comercial pero con autoría. Y mucho cuidado, porque como aquel que dice, Demián Rugna tan solo acaba de empezar...

Hace casi 70 años de la primera aparición de Godzilla en la icónica 'Godzilla. Japón bajo el terror del monstruo', de Ishirô Honda, donde veíamos a un lagarto/dinosaurio gigante destrozando el país nipón como alegoría del ataque nuclear que recibió por parte de Estados Unidos. Desde 1954 hasta hoy, el kaiju más famoso del mundo ha pasado por múltiples rediseños, toneladas de merchandising e incluso alguna que otra incursión en Hollywood. 'Godzilla Minus One' es el pistoletazo de salida a la celebración del setenta aniversario de la franquicia, que tendrá lugar en 2024, y es un auténtico regalo, tanto para los fans del personaje como para los que disfrutamos con los blockbusters (que llevan varios años de capa caída).

Takashi Yamazaki ha decidido echar la vista atrás a la hora de escribir y dirigir esta película. No puedo decir que haya visto todas las películas del universo kaiju del lagarto radiactivo (estoy en ello), pero he visto unas cuantas, y en esta ocasión se han centrado mucho en crear un título más parecido a sus dos primeras películas que al (buen) espectáculo sin sentido del ridículo en el que se acabó convirtiendo. Ni versiones mecha de las criaturas, ni monstruos del espacio exterior ni tampoco Godzilla marcándose una doble patada voladora. Es una película seria, solemne, donde la simbología de Godzilla es muy evidente, más incluso que en la cinta original.

Situando la acción justo después de la Segunda Guerra Mundial, con un Japón en plena reconstrucción y colocando de protagonista a Koichi, un piloto kamikaze fracasado con miedo a morir. Así se nos presenta el panorama, cargado de altas dosis dramáticas de culpabilidad y miedo, junto con la búsqueda de una chispa de esperanza para mirar hacia el futuro. En general, suele ser la parte humana la que más flojea en las 'monster movies' y lo que más pereza suele dar de entrada, porque tanto el estudio como el espectador lo que tienen ganas de explotar/ver es el poder de destrucción del monstruo. Aquí está bien trabajada e incluso diría que le iría fantásticamente bien más tiempo de desarrollo, para que lo que le ocurre a los personajes le importe algo más al espectador, especialmente en un final algo apresurado.

Todos los personajes tienen su particular relación con la Segunda Guerra Mundial. A todos les ha afectado de una forma demoledora. A través del trauma es como la película los va desarrollando y ahí es cuando Koichi se convierte en alguien interesante, por su dificultad para avanzar y mirar hacia el futuro. Es un viaje del héroe con varios tropezones por el camino, con un héroe atípico en este tipo de producciones por lo humano que se siente. No es tan complejo psicológicamente, pero recuerda a Shinji de 'Neon Genesis Evangelion' por el odio que siente hacia si mismo y lo incapacitado que se ve para hacer cualquier cosa. Ryunosuke Kamiki hace un buen trabajo interpretativo, dotando al personaje de esa falta de esperanza y humanidad que figura en el guion.

Cuando ya conoces a todos los personajes y estás inmerso en el drama de la película, escuchas los primeros compases del impresionante tema característico del personaje (compuesto originalmente por Akira Ifukube) y te reincorporas en la butaca, porque ya sabes lo que está por llegar: Ni más ni menos que Godzilla, en una nueva versión. Un nuevo diseño bastante conservador que parece el hijo de las versiones de los años 90 y 2000. Si en 'Shin Godzilla' rompían con cualquier diseño visto anteriormente, aquí han decidido ir con algo más clásico. Acorde con la celebración de la franquicia que supone, pero que quitando algún detalle (la forma de cargar el aliento atómico), no será una de las versiones más memorables.

Dejando de lado el diseño, cabe decir que la recreación mediante efectos especiales es fabulosa, sobre todo si tenemos en cuenta que su presupuesto ha sido de 15 millones de dólares, ni una décima parte de lo que costó 'Black Panther', de la que ya sabemos todos como son sus (d)efectos especiales. Las escenas de destrucción cobran todavía más importancia por el contexto de reconstrucción en el que se encuentra Japón, por lo que cada edificio destruido, cada comercio destrozado, tiene cierta relevancia. Cuando vemos recibir un ataque así a una sociedad en busca de una nueva identidad es más fácil empatizar. Cada aliento atómico, cada pisada o rugido merecen ser disfrutados en pantalla grande. Aquí se nota la experiencia de Takashi Yamazaki como director de efectos especiales. Mención especial al último acto, con una set-piece espectacular en la que es muy fácil implicarse gracias al trabajo previo en la construcción de los personajes y sus conflictos. Destacar también la BSO de Naoki Sato, que más allá del mítico tema principal, aporta mucho en las escenas de acción.

Los defectos que le puedo encontrar son básicamente dos: Un par de decisiones de guion algo cobardes e innecesarias y una sobrexplicación que roza el absurdo en algún momento. De todas formas, el resultado final es muy sólido incluso con estos problemas, así que tampoco se lo vamos a tener muy en cuenta. Godzilla vuelve a rugir en tierras japonesas después de siete años de letargo, y de qué manera lo hace. La secuela está prácticamente confirmada después de su éxito comercial, así que parece que estamos ante el nacimiento de una nueva etapa del personaje. Feliz aniversario Godzilla (por adelantado), y que cumplas muchos más.

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El aspecto que tiene 'Más que nunca' es el de un romance dramático, al estilo 'El diario de Noa' o 'Una cuestión de tiempo'. Este tipo de películas en las que el amor lo puede todo y parece que no hay nada más importante en el mundo que tu relación de pareja. Detrás de esta apariencia se esconde un drama sobre elementos mucho más vitales que algo tan abstracto como el amor, huyendo de la artificialidad de este subgénero con una película sobre como afrontar la inevitable muerte de uno mismo. Como veis, si lo que queréis es pasar un buen rato o ver una película romántica confortante, esta no es la película indicada.

El conflicto de la película es tratado de forma poco habitual en el género romántico. La protagonista es una pareja formada por Vicky Krieps y Gaspard Ulliel, aparentemente feliz y tranquila. A ella le diagnostican una enfermedad muy rara en los pulmones, donde la única solución es un trasplante de pulmón, noticia que cambia por completo la vida de ambos. No es la primera película sobre amor terminal, pero la directora Emily Atef se aleja rápidamente de ejemplos más palomiteros como 'Bajo la misma estrella' o 'Antes de ti' para ofrecer una lectura más adulta, realista y cercana.

En esta ocasión el conflicto se centra en Hélène y no en la pareja. La película nos lleva constantemente a su lado, para ver como puede llevar uno mismo este tipo de noticias. Es el punto fuerte de la película, gracias a una fantástica interpretación de Vicky Krieps y un guion al que no le importa tomar decisiones que se salen de la ruta habitual. Dejando de lado a la persona que Hélène conoce por internet, cualquier otro personaje sirve como contrapunto (especialmente el de Gaspard Ulliel) de la protagonista para ver como algunos ven una decisión egoísta donde solo hay una decisión personal.

Donde no destaca es en la dirección. Si bien es cierto que aprovecha muy bien los paisajes naturales de Noruega, no ofrece nada realmente destacable o memorable. Me ha parecido bastante simple en este aspecto, conformándose con trasladar el guion a la pantalla cuando este tiene suficiente contenido para intentar ser una propuesta más ambiciosa. Al final lo que queda es romance dramático interesante, fuera de los tópicos del género, pero que no deja ningún poso.


Nota: 6/10

Jafar Panahi es un director con el que aún no había tenido el placer de encontrarme hasta 'Los osos no existen'. Conocía a la persona y las dificultades por las que ha pasado para hacer cine social desde Irán, siendo encarcelado en varias ocasiones sin ningún motivo aparente más allá de protestar por los derechos humanos y hacer películas que enfadan al gobierno. No puedo hablar con mucha profundidad sobre su obra porque únicamente he visto el film del que voy a hablar ahora, pero viéndolo uno entiende a primeras de cambio porque este tipo de cine no gusta en un país como este.

Estamos ante un cine social que tiene mucha facilidad para traspasar la pantalla y hacerte entender la situación que se vive en ese país. El protagonista es el propio director, Jafar Panahi, haciendo de si mismo en una situación calcada a la que estaba viviendo en ese momento. Refugiado en un pueblo muy pequeño, cercano a la frontera entre Irán y Turquía, desde el que está dirigiendo remotamente una película sobre los problemas que está encontrado una pareja para conseguir huir del país después de sufrir abusos del gobierno. La cuarta pared se rompe de forma brillante pasados los primeros diez minutos y a partir de allí deambula entre la ficción y el documental de forma constante.

Este juego acaba derivando en un ejercicio de metacine ingenioso y alejado del que acostumbran a hacer la mayoría de películas. Lejos del romanticismo que suelen tener las historias de cine dentro de cine, aquí el glamour, las estrellas y los delirios de grandeza no tienen sitio. No solo por su impactante inicio, también por mostrar las pésimas condiciones en las que el director iraní tuvo que trabajar. En la aldea es tratado como un famoso pero no todos están contentos con su presencia y su forma de vida choca a menudo con la de los aldeanos. Es un retrato bastante duro sobre lo atrasados que están estas olvidadas aldeas en prácticamente todos los aspectos de la vida moderna y lo que es peor, los derechos humanos.

Los pocos recursos al alcance de esta producción no significan una puesta en escena pobre o poco inspirada. El director utiliza varios recursos visuales interesantes, ayudado por su condición de metacine. Hay un fragmento de found footage fantástico donde vemos uno de los múltiples rituales que existen en la aldea donde se transforma en una película más inquietante o una escena nocturna que parece sacada de un thriller de espionaje. No es únicamente una película interesante, también es divertida y sorprendente en varios momentos.

Al final todo esto se canaliza en un final algo repentino y muy duro, pesimista pero a la vez coherente con el discurso que llevamos viendo durante toda la película. Este tipo de cine es muy necesario, ¿pero hasta que punto tiene repercusión real? Una película no va a cambiar el mundo, pero el trabajo de Jafar Panahi sirve para concienciar al resto del mundo de la difícil situación existente en su país.

Nota: 7.0

Los directores Adil El Arbi y Bilall Fallah se dieron a conocer cuando se supo que iban a ser los encargados de dirigir 'Bad Boys for Life', tercera entrega de la saga creada por Michael Bay que pasó por diversas manos. Tienen algunos trabajos anteriores a este, tanto en cine como en televisión, pero desde que dirigieron esta película se han metido de lleno en el mundo mainstream. Dirigieron algunos episodios de 'Ms. Marvel' y son los directores de la malograda 'Batgirl', película terminada pero que Warner Bros tomó la decisión de no estrenar ni siquiera en HBO Max. Quizá por eso sorprende tanto encontrarse con que esta 'Rebel' está en las antípodas de ser un blockbuster, por muchos motivos.

'Rebel' es un drama sobre la yihad y especialmente sobre sus métodos de captación y las consecuencias que tienen estos en la familia de los reclutados. La crudeza de algunas imágenes y actos que se suceden a lo largo de sus dos horas no son fáciles de asumir. No es una película especialmente violenta, pero si la historia que quiere transmitir al espectador necesita que lo sea, se adapta a ello. Tampoco es pornografía emocional, aunque en los momentos más duros sea difícil mantener la compostura. El trabajo de esta pareja de directores belgas es espectacular, siendo capaces de equilibrar la balanza y hacer que un drama sobre un tema tan escabroso como este tenga de todo.

Con esto me refiero a que es una película sin miedo a ir cambiando entre un género y otro, a experimentar con las fronteras de lo verídico para dar paso al espectáculo y que su mensaje sea como un dardo para el espectador. Gran parte del metraje es un drama bélico que no se diferencia mucho de esas películas en las que un miembro de la familia debe ir a la guerra y vamos alternando entre sus vivencias y las de la familia. Lo que diferencia a 'Rebel' de otra película más basada en hechos reales es la personalidad y ambición de Adil El Arbi y Bilall Fallah.

El film mezcla escenas de acción impresionantes, romance, algún toque de comedia (bastante ácida) y hasta tiene sitio para algunos números musicales espectaculares (imposible no acordarse de 'Bailar en la oscuridad'). Todos estos ingredientes están bien integrados en el tema principal y uno nunca tiene la sensación de ver algo forzado únicamente para parecer originales o revolucionarios. Este popurrí de decisiones arriesgadas hacen que su visionado sea fresco y original, pero no se queda ahí.

Una de las cosas que más me han gustado es como te introduce al tema de la yihad. Nuestro protagonista, Kamal Wasaki (que, evidentemente, tiene una Kawasaki), se las ingenia para acabar en el departamento de comunicación y así evitar ser un soldado. Esto permite a la película ahondar en la forma que la yihad se da a conocer al resto del mundo, viendo como hacen los vídeos de ejecuciones o amenazas a los que estén en contra de ellos. Es un acercamiento a la yihad que yo nunca había visto antes y es otro punto más que tiene la película en cuanto a originalidad.

Es una verdadera lástima que se estrene en pocas salas y además coincida con dos películas tan acaparadoras como 'Spider-Man: Cruzando el multiverso' y 'Como Dios manda' porque es una de las grandes sorpresas de 2023. 'Rebel' es una apisonadora que te pasa por encima y para rematar te pega una bofetada de realidad con ese fantástico epílogo. Una joya que merece ser vista en pantalla grande.

Nota: 8.0

Cuando una película basa toda su campaña promocional (una de las mejores que he visto en el cine de español reciente) en el secretismo es complicado afrontar la idea de escribir sobre ella. Los pósters y todo el material promocional de 'La desconocida' recuerdan una y otra vez al espectador que no debe destrozarle la experiencia a nadie desvelando aspectos de la trama. La propia película, al empezar, muestra un aviso escrito por su director, Pablo Maqueda, al más puro estilo M. Night Shyamalan en 'El sexto sentido'. Saben como crear expectación e intrigar al espectador desde antes de entrar a la sala, y no decepcionan. Siendo claro, 'La desconocida' te deja con el culo torcido.

Ante todo, 'La desconocida' es una película LIBRE. De hecho, sin esta condición, sería imposible que existiera. Por los temas que trata y por como lo hace, se hace muy extraño ver una producción así llegar a la gran pantalla. Es curioso que se estrene tan relativamente cerca de 'Mantícora', ambas hablando de la pederastia de manera poco habitual. Si la película de Carlos Vermut es un acercamiento sensible y frío a este tema (con Haneke como referencia principal) 'La desconocida' es lo opuesto: Cine de género loco, sin complejos y sin miedo a nada. Lo apuesta todo al espectáculo y a generar debate a través de lo extraño e incómodamente divertido, y esto es una gozada.

Cuando he mencionado anteriormente a Shyamalan no lo he hecho en vano. Estoy seguro que si el director indio viese esta película, le gustaría. Me recuerda mucho a su versión actual, con todas sus imperfecciones y virtudes. La dirección de Pablo Maqueda es algo irregular, alternando decisiones acertadísimas con otras que sirven para salir del paso pero que están lejos del virtuosismo mostrado en varias escenas. Acierta especialmente cuando se centra en insinuar, en dejar que la imaginación del espectador se ponga a trabajar, algo que suele ocurrir en las escenas clave como esa fantástica secuencia inicial que te mantiene a la expectativa durante los primeros 10-15 minutos de metraje.

El guion es una adaptación de la obra de teatro 'Grooming', de Paco Bezerra, escrito por él mismo con la colaboración de Pablo Maqueda y Haizea G. Viana. Un libreto con muchas ganas de guerra y de alterar al público, generador de incomodidad gracias a unos personajes protagonistas que se salen de los esquemas habituales y a plantear unas ideas presentes en el día a día de todos pero que prácticamente nunca nos paramos a hablar con nadie. El primer trabajo de Paco Bezerra como guionista es fantástico, muy atrevido pero con un rumbo y mensaje muy claros.

La extraña pareja formada por Pablo Maqueda y Paco Bezerra hace que la película pueda ser reflexiva con su tema principal a la par que un thriller tenso más cercano al cine coreano de género. Es cierto que su último acto pega un bajón y la conclusión acaba siendo algo precipitada, subrayando de forma excesiva simbolismos y referencias, pero en su conjunto es una película especial y eso pesa más que el hecho de que sea perfecta o no. La guinda del pastel la ponen una sorprendente Laia Manzanares y un fantástico Manolo Solo, ambos en dos papeles que no son nada fáciles.

'La desconocida' merecería algún tipo de reconocimiento en los Goya, pero por ser el tipo de cine que es, eso no va a pasar. El cine de género está condenado al ostracismo en cuanto a premios se refiere. Ahora bien, creo que la película consigue un premio mayor que cualquier cabezón de bronce, y es el de generar conversación después de su visionado y dejar huella en aquel que la ve. Esto, con el tsunami de producciones cinematográficas que hay hoy en día, es lo más importante.

Nota: 6.0

'Project Wolf Hunting' ha pasado por multitud de festivales de cine de género, generando reacciones muy positivas entre los que la pudieron disfrutar y llevándose varios premios del público. Casi todo el mundo la describía como una película de acción salvaje y extremadamente violenta, llegando a poner como ejemplos 'Braindead, tu madre se ha comido a mi perro' o la escena del géiser de sangre de 'Pesadilla en Elm Street' para entender la escala de gore en la que se mueve esta película. El problema de estas reacciones es que, habitualmente, se ven influenciadas por ser los primeros en opinar de algo en concreto y parece que todo lo que pasa por festivales son experiencias que te van a cambiar la vida. Hay mucha hipérbole en las primeras reacciones hoy en día. No hay nada falso en las reacciones descritas anteriormente, pero vamos a calmarnos un poco.

Este film surcoreano tiene todos los ingredientes que esperas de una película de acción proveniente de este país. Acción contundente, drama sensible (con trama paternofilial incluida) y una factura técnica muy cuidada. Su peculiaridad, lo que ha hecho que destaque tanto, son sus exageradas dos toneladas de sangre. De hecho, en cada presentación del film se ha destacado este aspecto, y con razón. Su condición de película burra y bestia a más no poder está presente desde el momento en el que aparece la primera gota de sangre hasta el final. Son 120 minutos que lo apuestan todo por el entretenimiento y la diversión del espectador, sin importar demasiado la coherencia o credibilidad de algunos momentos. Algo a celebrar, bajo mi punto de vista.

Ante propuestas como esta, cuanto más locas, mejor. Es cierto que en este caso no acaba de desmelenarse del todo, o cuando lo hace no está a la altura de los grandes referentes ('The Raid' o la saga 'John Wick'), pero la entrada en escena de Alpha (el personaje que desencadena la sangría) fue uno de los momentos más memorables del festival de Sitges de 2022 por su brutalidad y es lo que más se recordará de este largometraje. Un 'show stealer' que se podrían haber reservado para hacer aún más espectacular su primera aparición. Ya no solo es que lo muestren en los tráilers, es que en la propia película no está muy bien gestionado este "secreto". Si están mejor guardadas otras sorpresas que no voy a destrozar, tan solo voy a decir que al director Kim Hong-sun se nota que le gusta dejar al espectador en shock.

La premisa suena muy atractiva. Resumiendo a grandes rasgos, Kim Hong-sun ha intentado hacer 'Con Air' cambiando el avión por un transatlántico y añadiéndole una fotografía propia de una película dirigida por Michael Bay. Ni mucho menos estamos hablando de una copia o remake encubierto, pero la influencia del cine de acción estadounidense de finales de los 90 es evidente. No tenemos espectaculares y extensas coreografías como suele ser habitual en estas producciones. A cambio, tenemos escenas de acción secas y contundentes que, en ocasiones, nos harán soltar alguna carcajada por lo desenfadado del gore y la apisonadora que es Alpha (una implacable mezcla entre supersoldado y monstruo de Frankenstein). Más cerca del slasher que del cine de acción. La dirección no está siempre especialmente inspirada pero cumple con su cometido. Es fácil ver su fijación en el manga y el anime para la composición de muchos de sus planos.

Es cierto que la repetición de escenas donde Alpha reparte a diestro y siniestro puede llegar a hacerse algo pesada, así como el abuso de sangre. Unos minutos menos le habrían venido bien para hacer el conjunto más compacto y dinámico. En sus dos horas de duración es capaz de presentarnos un extenso abanico de personajes y trabajar las dinámicas entre ellos, pero algunos están desaprovechados y su principal problema es que se precipita mucho en los últimos minutos. Pero aún con estos problemas e imperfecciones, es una película que vale la pena ver en compañía y con ganas de pasarlo bien. Su orientación claramente festiva hace que sea complicado no disfrutar con ella.

Nota: 6,0

Darren Aronofsky desde su primera película, 'Pi, fe en el caos', ha mostrado a todo el mundo la importancia que le da a tener un sello de autor. Siempre ha querido ser alguien que destaque por encima de otros, y no tiene que ser necesariamente por ser el mejor. Eso es algo que puede venir incluido, pero no es lo más relevante. Después de ocho largometrajes es fácil ver el sello del director neoyorkino en todos y cada uno de ellos (incluso en la fallida 'Noé') además de una gran capacidad para pasear entre diferentes géneros (siempre con una gran carga dramática). Su anterior film, 'Madre!', era inclasificable en muchos aspectos, pero no dejaba de ser una película relativamente sencilla en la que participaban un puñado de actores y toda la acción ocurría en un mismo lugar. Su última película, 'La ballena (The Whale)', entraría dentro de esta categoría, la de las películas sencillas, aunque en esta ocasión no sea únicamente en la forma de contar la historia.

Su carta de presentación es el formato 4:3 y un primer vistazo al protagonista que nos deja claro lo que vamos a presenciar durante sus casi dos horas de duración. Cuando inicias una película con una masturbación interrumpida, seguida por casi un paro cardíaco, dejas claro que a este personaje lo vamos a ver en sus horas más bajas, varias veces. Aronofsky pretende hacer que nos sintamos como el personaje interpretado por Brendan Fraser, no solo que empaticemos con él. Hay bastante pornografía emocional en esta obra, eso es innegable, pero es capaz de equilibrar la balanza para que no sea algo gratuito, excesivo o que simplemente busque la lágrima del espectador. Quiere emocionar pero no a través de escenas lacrimógenas y música sensible, sino a través de ir conociendo al personaje, desentrañando su pasado y su presente. La película guarda varios detalles que convierten al protagonista en alguien gris, en alguien humano y no en un mártir.

La obesidad es un tema complicado, especialmente en Estados Unidos que es el país con la tasa de obesidad más alta de todo el mundo. Cuando hablamos de obesidad mórbida, como el caso que protagoniza esta historia, ya estamos entrando en problemas severos de salud (movilidad reducida, capacidad respiratoria muy mermada y el golpe psicológico que representa). Uno de mis mayores miedos era que frivolizaran con este tema pero por fortuna no es así. La obesidad es tratada como la causa de una adicción en la que refugiarse cuando uno está mal. La comida como vía de escape para la ansiedad, la frustración o la tristeza, algo que se ve reflejado claramente en una de las escenas más angustiosas que he visto recientemente. Aronofsky nos muestra las consecuencias de esta enfermedad pero no se retoza en ella para hacer dramatismo barato. Es menos cruel de lo que puede uno pensar. De hecho, el personaje que la sufre es el más positivo y optimista de la película, un factor vital para darle un cariz humanista al conjunto.

Porque la obesidad de Charlie en la película es un accidente, un daño colateral del verdadero conflicto en el que se centra el film. Las escenas más emotivas no están relacionadas con su condición física, sino con su condición humana. El discurso que quiere transmitir es el de que las personas no somos perfectas, nos equivocamos, pero somos seres humanos. Los personajes que van pasando por la casa de Charlie le van añadiendo capas de profundidad a su vida y lo engrandecen como personaje. Un personaje en concreto creo que lastra un poco al conjunto, pero en general las dinámicas entre personajes son una forma de hacer variada una película sobre una persona que casi no puede moverse de su sofá. Son personajes tratados con el mismo cuidado que Charlie, en especial el de su cuidadora Liz, interpretada por una fantástica Hong Chau.

Aronofsky narra con mucha sensibilidad, ayudado por la maravillosa banda sonora de Rob Simonsen. También se encarga de generar una sensación de catástrofe inminente desde el inicio. Los tonos que maneja son cálidos y muy apagados mientras que la música va oscilando entre lo emotivo y lo siniestro. Matthew Libatique realiza un gran trabajo en la fotografía, no solo aportando a la personalidad visual de la película sino también transmitiendo emociones con ella. Una puesta en escena que eleva su guion. En manos de otro, estoy convencido de que habría sido mucho más convencional, ya que estamos ante una trama bastante sencilla que bien podría haber sido utilizada para sacar adelante otra película que solo busque ser protagonista en los Oscars de su año.

Acabaré hablando del trabajo de Brendan Fraser, porque es lo que nos ha acercado a casi todos a esta película. Incluso sin el nombre de Aronofsky en ella, el revuelo estaba asegurado. Desde que se anunció el proyecto, lo único que se sabía eran cuatro apuntes sobre la trama, la implicación total de Darren Aronofsky en el proyecto y que iba a tener como protagonista a Brendan Fraser. Un actor olvidado por muchos, que ha pasado por malos momentos a lo largo de su vida. Le hicieron la cruz en Hollywood por denunciar que había recibido acoso y abusos por parte de una persona de la industria. Esto le hizo caer en depresión durante varios años. Todo esto de 'La ballena (The Whale)' con él de protagonista recordaba a lo que ya hizo Aronofsky con Mickey Rourke en 'El luchador', y lo ha vuelto a hacer.

Brendan Fraser lo da todo, incluso con la cantidad de efectos especiales (digitales y prácticos) que tiene encima, es capaz de ofrecer una actuación salida desde lo más profundo de su ser. Está ante un papel que además de relanzar su carrera, le toca de bien cerca. Es de esas interpretaciones que salen de la pantalla para tocarte directamente. Me ha recordado especialmente al trabajo de Daniel Day-Lewis en ‘Mi pie izquierdo'. Llega un punto en el que olvidas que es un personaje de ficción, que lo está interpretando un actor y que en realidad lo que estás viendo no es real. Una interpretación muy emotiva, desgarradora por momentos, pero cautivadora de principio a fin. Va a ser el papel de su carrera.

Siempre es un placer poder ir al cine a ver lo nuevo de Aronofsky, especialmente después del fracaso comercial tan estrepitoso que fue 'Madre!'. 'La ballena (The Whale)' está un peldaño por debajo de los grandes trabajos de Aronofsky, pero sigue siendo una muy buena película (no recomendable para corazones sensibles).

Nota: 7,5

'La guarida' es el nuevo intento de Neil Marshall para salir del agujero en el que se metió después de la problemática producción de su 'Hellboy'. Tras un inicio de carrera muy prometedor con 'Dog Soldiers' y la maravillosa 'The Descent', el director británico ha seguido un camino muy irregular y lo que es peor, irrelevante. Dirigió episodios de series como 'Hannibal', 'Juego de Tronos' o 'Westworld' antes de involucrarse en el reboot de 'Hellboy' de la cual se diría, tiempo después, que tuvo muchos problemas de producción por culpa de un escándalo amoroso en el que estaban involucrados tanto él como su actual pareja, Charlotte Kirk (protagonista de 'La guarida').

El resultado de esto ha sido pasar de dirigir películas de presupuesto medio ('Hellboy' costó 50 millones) a otras más bien de presupuesto bajo. Para decirlo más rápido: Neil Marshall ha vuelto a sus inicios en la serie B, a las producciones más humildes (y le sienta bien). Esta es una película llena de excesos y sin complejos de ningún tipo. Es un batiburrillo entre 'The Descent' y 'Dog Soldiers', nada disimulada, pero que funciona a nivel de premisa y como dosis de entretenimiento alocado.

Los puntos en común son evidentes. Hay un grupo de soldados que, para decirlo suavemente, diremos que lo que les sobra de chulería les falta de cerebro. Una banda de cafres. Tenemos también a la guarida que da nombre al film, un lugar que esconde más de lo que parece a simple vista. Tampoco pueden faltar a esta celebración de lo estúpido y lo exagerado un buen puñado de efectos prácticos donde se nota que se ha ido gran parte del presupuesto total de la película, porque están realmente bien.

Esta mezcla de conceptos se ve beneficiada por un guion que no guarda demasiadas sorpresas y que es excesivamente genérico en las situaciones que plantea, pero que es plenamente festivo. Anda sobrado de machismo, racismo y hasta cierta homofobia en muchos de sus diálogos o en su discurso, y lo más grave de todo es que no se da cuenta. Cada conversación entre los soldados es una competición por ver quien suelta más frases lapidarias y el desarrollo de personajes brilla por su ausencia. Pero aún con todo, es un desastre divertido que no se toma nada en serio a si mismo. Para que os hagáis una idea, el marido de la protagonista solo aparece en una foto… Y es una foto del propio Neil Marshall.

El gran problema que tiene es que su propuesta no da para más. No tiene escenas memorables más allá de algunas pinceladas del Neil Marshall bueno en la parte final, y toda la parte dramática es un lastre que solo está presente para que Charlotte Kirk luzca sus dotes interpretativas (que va muy justita). El reparto en general es muy mediocre pero siendo la película que es, no diría que es algo negativo. Eso si, parece hecho a propósito para que nadie destaque más que la protagonista.

La sensación general es la misma que cuando te pides un McMenú completo a domicilio, pero te llega frío. Es comida basura conceptuada para disfrutar sin pensar en nada más, y la vas a disfrutar, pero también le vas a encontrar pegas que no deberían estar ahí y hacen de ella una experiencia nada memorable. Aún así, espero que el director siga por esta línea, que aún nos puede dar alguna sorpresa.

Nota: 5,0

El argumento de 'Mantícora' ha sido bastante protegido desde que se anunció la película. Los espectadores que la han visto en festivales o preestrenos han sido bastante respetuosos y, al menos yo, no he encontrado nada por redes sociales. Las sinopsis que se pueden leer son algo genéricas (a propósito). Por esa misma razón, no voy a poder hablar mucho sobre el tema en el que se centra toda la película. Pienso que es una obra que se disfruta más sin saber mucho sobre ella. Curiosamente, recientemente han habido dos películas de las que se puede decir exactamente lo mismo: 'Maligno' y 'Barbarian'. Pero 'Mantícora' no va por ahí. No son giros de guion ni cambios repentinos de género lo que la hacen especial. Esto es, en gran parte, la personalidad de Carlos Vermut.

'Mantícora' pone al espectador en una situación con la que no se va a sentir cómodo, y eso es maravilloso. Sin violencia explicita ni tampoco siendo escatologico. Lo hace a través de una de las capas del increíble personaje protagonista. En un panorama donde la mayoría de cine le ofrece al espectador un contenido muy blanco y sin tomar riesgos, esta película se suicida. Por la recepción que ha tenido en festivales parece que ha sido una jugada ganadora, pero es muy sorprendente que haya sido así. Hay que agradecer a Bteam Pictures y Aquí y Allí Films haber apostado por una propuesta como esta, que ninguno de los grandes nombres dentro del streaming se atrevería a producir.

No solo es una película complicada por su temática, que ha sido tratada anteriormente en otras obras de formas posiblemente más duras. La manera que tiene de desarrollar todo su discurso alrededor de este tema es anticlimático y de ritmo lento. La puesta en escena de Carlos Vermut es naturalista en todas sus vertientes. Si en 'Magical Girl' o 'Quién te cantará' utilizaba recursos visualmente llamativos, aquí es austero y su intención es que nada pueda desviar la atención del espectador de lo principal, que es su argumento. La dirección de actores (perfectos Nacho Sánchez y Zoe Stein ante dos papeles complicados y delicados) y los diálogos también cumplen esta norma. Todo este naturalismo hace que lo que vemos en pantalla sea recibido como un caso cotidiano, algo vital para su éxito en cuanto al impacto de la obra en el espectador.

Con todo esto sobre la mesa, Carlos Vermut utiliza algo muy extremo para hablar de algo muy natural, pero que sale poco a la luz. No es que todos tengamos un lado oscuro, pero si comportamientos o pensamientos de los que no nos sentimos orgullosos pero tenemos que vivir con ellos. Nos hace empatizar con una persona con la que nunca pensaríamos en hacerlo. También habla de cómo alguno de estos pensamientos se descubren fácilmente y son rápidamente valorados como algo negativo pero hay otros que permanecen para siempre en el ostracismo, siendo igualmente condenables. Eso sí, la película deja que el espectador piense y no le obliga a pensar de cierta forma, un mal muy presente en el cine actual. Los juicios morales, no existen. Resulta gratificante encontrar una película que conversa con el espectador en lugar de marcarse un monólogo.

Carlos Vermut también se guarda algunos momentos muy concretos para planificar escenas más complejas, donde lo visual sí tiene relevancia porque el diálogo apenas existe. En 'Mantícora' hay una escena capaz de dejar a todo un cine absolutamente callado, helado. La culminación de todo lo visto es terrorífica pero con la misma sutileza presente en todo el metraje. Una escena que perdurará en mi memoria para siempre, como el primer visionado de la película en el festival de Sitges.

Ya estamos en las antípodas de 2022, y aunque tenga varias citas cinematográficas pendientes, voy a decir que 'Mantícora' no sólo es la mejor película española que he visto este año, también es la mejor película del año. Un trabajo maravilloso, arriesgado y que como dice el propio Carlos Vermut, ningún algoritmo de cualquier plataforma de streaming te recomendaría.

Nota: 8,0

La producción de 'Mad Heidi' empezó en 2017, con un póster que dio lugar a un tráiler que tardó poco en viralizarse por redes sociales. Esto llevó a la creación de un crowdfunding que recaudó la sorprendente cifra de 2 millones de euros, una barbaridad. Gracias a esto, pudo salir adelante la producción de la película, respaldados por la productora de 'Iron Sky' que para quien no lo recuerde, es una película finlandesa donde los nazis llegaban del espacio para conquistar el planeta. También contaba con un tráiler que se viralizó por su loco concepto. 'Mad Heidi' tiene mucho en común con 'Iron Sky', incluido el resultado final. A ratos es simpática, a ratos se hace un poco pesada, pero en todo momento es una idea que para un corto era fantástica pero no tanto para un largometraje.

Es una producción humilde, con varias "primeras veces": Los directores Johannes Hartmann y Sandro Klopfstein debutan en la dirección de largometrajes y parte del reparto no había trabajado anteriormente en el cine. La experiencia a veces es un grado y aquí se nota mucho que es una dirección muy novata. Hay muchas ganas y mucho cariño detrás, algo que se ve reflejado durante toda la película, pero también está muy descompensada haciendo que sea irregular. La mezcla de géneros (más bien subgéneros, pero bueno, creo que se me entiende) no funciona y no fluye como debería, pareciendo a veces partes de diferentes películas pegadas con pegamento.

Se podría haber centrado en lo visto en el divertido tráiler original, que seguía la estela de lo hecho por Quentin Tarantino y Robert Rodríguez con su proyecto Grindhouse, pero lo extra que añade no suma demasiado y entorpece el objetivo real del filme, que es el de entretener a través de lo cafre y lo absurdo. 'Mad Heidi' tiene una subtrama carcelaria (bonita referencia a una gran película como 'Female Prisoner Scorpion'), una parte dramática muy poco trabajada y otros elementos que no están lo suficientemente desarrollados para implicar al espectador haciéndole olvidar que ha venido a ver a Heidi matando nazis. El mayor de problemas de este tipo de películas (cortos que se vuelven largometrajes) está relacionado con el material creado para hacer el cambio de un tipo de película a otra y aquí es donde más se resiente 'Mad Heidi'.

A pesar de estos problemas, no creo que estemos ante una película fallida. Sus aspiraciones son las de complacer a todo el mundo que les apoyó en el crowdfunding y a partir de ahí, todo lo demás es extra. En este aspecto, incluso en las partes que he comentado anteriormente, existen momentos acertados que te hacen esbozar una sonrisa ya sea por lo bestia de la escena, por un punch line acertado y gracioso o algún arrebato histriónico de Casper Van Dien, que está divertidísimo en su papel de líder nazi. Le falta algo de locura y tomarse menos en serio pues cuando se desata si que consigue crear escenas extrañas y divertidas, algunas rescatadas del tráiler que lo empezó todo pero viéndose potenciadas por el aumento de presupuesto.

La sensación final es la de encontrarnos ante una cinta desequilibrada, que se queda corta para la locura que propone su premisa, pero en la que todo el amor detrás de esta idea consigue dejarla como un entretenimiento pintoresco aunque anecdótico. En este tipo de producciones es donde se nota que no hay una gran productora detrás y que incluso cuando la película flojea, hay algo que te hace seguir viéndola.

Nota: 5,0

Masaaki Yuasa no es un director de anime convencional. Al igual que otros referentes actuales del medio como Makoto Shinkai ('Your Name', 'El tiempo contigo') o Mamoru Hosoda ('Belle', 'La chica que saltaba a través del tiempo') tiene algo que lo hace peculiar, pero es algo que no tiene nada que ver con lo que hace especial a estos dos ejemplos mencionados anteriormente. Tanto Makoto Shinkai como Mamoru Hosoda tienen un estilo de animación fácilmente reconocible y un componente dramático constante en todas sus obras (el primero más enfocado a las relaciones románticas, el segundo a los problemas familiares y sociales). Pero con Masaaki Yuasa lo diferencial está en lo mucho que le gusta experimentar con el formato, animando historias de forma única y muy especial. 'Inu-Oh' es una película histórica, pero una película histórica dirigida y pensada por Masaaki Yuasa.

La película nos enseña la historia del músico Inu-Oh, un artista de sarugaku (variante del teatro japonés) que tuvo lugar hace 600 años y del que se desconoce gran parte de su obra. Todo a través de los ojos de Tomona, con quien establecerá una entrañable amistad y será quien nos guiará a través de todo este viaje. El guion de Akiko Nogi está basado una novela que relata lo sucedido con él durante ese período, desde un enfoque fantástico para mantener el misticismo que rodea a este personaje histórico pero sin dejar de lado el contenido que quieren enseñar al mundo. A partir de aquí, ya entra en juego la mano de Masaaki Yuasa. El director japonés coge el material y lo plasma en la pantalla adaptándolo a su estilo. La elasticidad y las deformaciones en el cuerpo de los protagonistas son habituales, su fluidez es una delicia y cuando lo necesita, es una explosión de colores en primer plano. Como siempre, no tiene miedo a no ser creíble, ser exagerada y jugar con las proporciones de los personajes. La credibilidad y el rigor histórico dejan paso al espectáculo.

Este retorno al pasado consigue atraparte gracias a la suma de unos elementos que se complementan fantásticamente bien. El trabajo en la animación es espectacular y tan impactante como nos tiene acostumbrados. Siguiendo la estela de sus anteriores obras, es el material quien se adapta a él y no al revés. En la serie 'Devilman Crybaby' adaptó uno de los clásicos por antonomasia del manganime de una forma que nadie esperaba, con maravilloso resultado, mientras que en 'Ping Pong' adaptó un extraño spokon (anime deportivo) con un estilo artístico inolvidable. Está claro que no deja nunca indiferente a nadie y su fuerte personalidad también consigue repeler a muchos, que no encajan su estilo. Aquí está un poco más cohibido y es un Yuasa más accesible, como el de 'El amor está en el agua'. Su sello sigue estando muy presente, pero no es tan experimental como en otras ocasiones. Demuestra su capacidad para adaptarse a historias más convencionales sin perder ni un ápice de su personalidad.

En los primeros compases el film es algo confuso, más por no explicar demasiado el contexto de la obra que por su narrativa. Más adelante, cuando ya se han establecido los personajes, uno comprende rápidamente que el contexto o la época histórica no importan tanto. La película, mientras nos descubre a Inu-Oh y el sarugaku, se encarga de hablarnos sobre como los movimientos revolucionarios en el mundo del arte empezaron desde abajo, de forma humilde, ante un panorama que se encontraba estancado en la monotonía y el conformismo. La primera impresión cuando suenan estilos musicales (brillante e importantísimo trabajo de Yoshihide Otomo en la BSO) que no encajan con la ambientación es desconcertante, pero fácilmente vemos hacia donde quiere ir con esto y nos envuelve en este torrente de música y animación que, en muchos momentos, es una verdadera experiencia audiovisual. Una fiesta que va in crescendo. Las referencias a artistas que cambiaron el mundo de la música son evidentes, pudiendo ver reflejados en nuestro protagonista a músicos como Elvis Presley, David Bowie o Freddie Mercury.

'Inu-Oh' es un precioso viaje por el Japón de hace 600 años, un homenaje a aquellas figuras que fueron vitales en su momento pero que han caído en el olvido por falta de información. También lo es para la música y la animación como medio para expresar pensamientos sin ataduras. Masaaki Yuasa hace tiempo que es uno de los pilares de la animación japonesa, y con esta fantástica película no hace más que constatarlo. Una explosión de talento.

Nota: 8,0

'Terrifier 2' es uno de los fenómenos cinematográficos del año. Con un presupuesto de apenas 250.000 dólares, lleva recaudados casi 10 millones de dólares solo en Estados Unidos. No parece que vaya a tener recorrido internacional, más allá de su paso por festivales de género, pero con esta recaudación ya es ás que suficiente para convertirla en una de las películas más rentables de la historia. Todo esto sin contar sus ventas en formato físico y lo que consigan vendiéndola a plataformas de streaming, que es donde realmente debería haber triunfado. Su éxito en taquilla es toda una sorpresa, no solo por su condición de película de serie B, también por ser una secuela de una película de nicho y durar 140 minutos, algo poco común en los slashers. Estrenarla en el mes de octubre, el buen boca-boca y las extremas reacciones que han aparecido por redes sociales (incluida una recogida de firmas para prohibir la película por parte de algunos padres de hijos aterrorizados después de verla) han sido un campaña de marketing excelente y han hecho que sea viral. Viralidad totalmente justificada.

He podido verla en TerrorMolins, que hasta ahora es la única forma de disfrutar de la película en pantalla grande y de forma legal en España. La sala estaba llena, se notaba que era la película más esperada de todo el festival. La gente tenía ganas de ver sangre y no han salido defraudados. Es una película exageradamente sangrienta desde el minuto uno. El primer asesinato sucede nada más empezar y ya vemos que el payaso Art se explaya con la victima de forma bestial. Puedo entender los vómitos y desmayos que han sucedido en las salas de USA porque si alguien entró a verla pensando que iba a encontrarse con un Pennywise de marca blanca, estaban muy equivocados. Hay escenas, especialmente una de ellas, que llevan el gore al extremo. Desde mi perspectiva, que he visto tanto cine similar que estoy acostumbrado a ello, puede parecer que no, pero viéndolo desde el punto de vista de un espectador promedio lo mostrado en pantalla está más cerca de un ‘Guinea Pig’ que de ‘It’. Los encargados de los efectos especiales hacen un trabajo fantástico, que recuerda a lo que se podía ver en las secuelas de sagas como ‘Pesadilla en Elm Street’ o ‘Viernes 13’.

Hay un enorme salto cualitativo entre 'Terrifier 2' y su predecesora. 'Terrifier' era aún más modesta, destacando única y exclusivamente por Art y alguna escena sangrienta, que tampoco abundaban. Quería ser un escaparate para este terrorífico payaso, y eso lo cumplía. Esta secuela es mucho más ambiciosa, ya hay una intención de construcción de personajes y la creación de un trasfondo para hacerte empatizar con ellos, que funciona más o menos bien y que les sirve para las más que probables futuras secuelas. El guion tiene lagunas y muchas licencias que es obligatorio no fijarse mucho en ellas para disfrutar del visionado. La duración no es un problema, pero recortando por aquí y por allá un poco de la parte dramática del filme, no habría tanto espacio entre cada aparición de Art y quedaría algo mucho más compacto. Cada aparición del payaso es una gozada, set-pieces largas de asesinatos que recuerdan, de nuevo, a las secuelas que se hacían en los 80/90 de franquicias de terror míticas donde este era el principal atractivo. El ritmo se ve un poco lastrado cada vez que alterna entre Art y la protagonista, especialmente en la parte central. No es un error dramático, simplemente hace que estemos ante una película imperfecta e irregular.

Damien Leone se excede mucho más aquí pero eso también hace que la película esté a otro nivel. Sin dejar de ser en todo momento serie B, luce bastante mejor de lo que su presupuesto deja intuir. Es todo un acierto que el tono esté siempre abrazando la comedia y el slapstick, por muy extremo que sea lo que estemos presenciando. Su actitud es, en todo momento, la de pasarlo bien y aplaudir con cada desmembramiento. La interpretación de David Howard Thornton ayuda mucho. Después de esta secuela, se puede confirmar a Art como otro asesino icónico que sumar a la larga lista. Ese terrorífico maquillaje, unido a lo despiadado que es y su mudez hacen que sea muy carismático y memorable. Lauren LaVera es una buena 'scream queen' mientras que el resto del reparto oscilan entre lo cumplidor y lo espantoso, algo que suele suceder en este tipo de producciones y que tampoco es demasiado relevante. La BSO de Paul Wiley es buena, bebiendo descaradamente de esos sintetizadores tan utilizados en la década de oro del slasher, poniendo la guinda final al conjunto para conseguir que el espectador tenga la misma sensación que cuando ve una película de terror de esa época. Para lo bueno y para lo malo.

Es extraño ver actualmente una película como esta triunfar de la forma en la que lo está haciendo. Siempre es una buena noticia que películas de bajo presupuesto triunfen. 'Terrifier 2' es un buen slasher, aunque esté algo descompensado por alguna de sus partes. Es de esas películas donde el ingenio está por delante de los medios, donde se puede notar todo el cariño volcado en ella, y eso siempre es un gustazo verlo. Que cuenten conmigo para 'T3rrifier'.

Nota: 6,0