Darren Aronofsky desde su primera película, 'Pi, fe en el caos', ha mostrado a todo el mundo la importancia que le da a tener un sello de autor. Siempre ha querido ser alguien que destaque por encima de otros, y no tiene que ser necesariamente por ser el mejor. Eso es algo que puede venir incluido, pero no es lo más relevante. Después de ocho largometrajes es fácil ver el sello del director neoyorkino en todos y cada uno de ellos (incluso en la fallida 'Noé') además de una gran capacidad para pasear entre diferentes géneros (siempre con una gran carga dramática). Su anterior film, 'Madre!', era inclasificable en muchos aspectos, pero no dejaba de ser una película relativamente sencilla en la que participaban un puñado de actores y toda la acción ocurría en un mismo lugar. Su última película, 'La ballena (The Whale)', entraría dentro de esta categoría, la de las películas sencillas, aunque en esta ocasión no sea únicamente en la forma de contar la historia.

Su carta de presentación es el formato 4:3 y un primer vistazo al protagonista que nos deja claro lo que vamos a presenciar durante sus casi dos horas de duración. Cuando inicias una película con una masturbación interrumpida, seguida por casi un paro cardíaco, dejas claro que a este personaje lo vamos a ver en sus horas más bajas, varias veces. Aronofsky pretende hacer que nos sintamos como el personaje interpretado por Brendan Fraser, no solo que empaticemos con él. Hay bastante pornografía emocional en esta obra, eso es innegable, pero es capaz de equilibrar la balanza para que no sea algo gratuito, excesivo o que simplemente busque la lágrima del espectador. Quiere emocionar pero no a través de escenas lacrimógenas y música sensible, sino a través de ir conociendo al personaje, desentrañando su pasado y su presente. La película guarda varios detalles que convierten al protagonista en alguien gris, en alguien humano y no en un mártir.

La obesidad es un tema complicado, especialmente en Estados Unidos que es el país con la tasa de obesidad más alta de todo el mundo. Cuando hablamos de obesidad mórbida, como el caso que protagoniza esta historia, ya estamos entrando en problemas severos de salud (movilidad reducida, capacidad respiratoria muy mermada y el golpe psicológico que representa). Uno de mis mayores miedos era que frivolizaran con este tema pero por fortuna no es así. La obesidad es tratada como la causa de una adicción en la que refugiarse cuando uno está mal. La comida como vía de escape para la ansiedad, la frustración o la tristeza, algo que se ve reflejado claramente en una de las escenas más angustiosas que he visto recientemente. Aronofsky nos muestra las consecuencias de esta enfermedad pero no se retoza en ella para hacer dramatismo barato. Es menos cruel de lo que puede uno pensar. De hecho, el personaje que la sufre es el más positivo y optimista de la película, un factor vital para darle un cariz humanista al conjunto.

Porque la obesidad de Charlie en la película es un accidente, un daño colateral del verdadero conflicto en el que se centra el film. Las escenas más emotivas no están relacionadas con su condición física, sino con su condición humana. El discurso que quiere transmitir es el de que las personas no somos perfectas, nos equivocamos, pero somos seres humanos. Los personajes que van pasando por la casa de Charlie le van añadiendo capas de profundidad a su vida y lo engrandecen como personaje. Un personaje en concreto creo que lastra un poco al conjunto, pero en general las dinámicas entre personajes son una forma de hacer variada una película sobre una persona que casi no puede moverse de su sofá. Son personajes tratados con el mismo cuidado que Charlie, en especial el de su cuidadora Liz, interpretada por una fantástica Hong Chau.

Aronofsky narra con mucha sensibilidad, ayudado por la maravillosa banda sonora de Rob Simonsen. También se encarga de generar una sensación de catástrofe inminente desde el inicio. Los tonos que maneja son cálidos y muy apagados mientras que la música va oscilando entre lo emotivo y lo siniestro. Matthew Libatique realiza un gran trabajo en la fotografía, no solo aportando a la personalidad visual de la película sino también transmitiendo emociones con ella. Una puesta en escena que eleva su guion. En manos de otro, estoy convencido de que habría sido mucho más convencional, ya que estamos ante una trama bastante sencilla que bien podría haber sido utilizada para sacar adelante otra película que solo busque ser protagonista en los Oscars de su año.

Acabaré hablando del trabajo de Brendan Fraser, porque es lo que nos ha acercado a casi todos a esta película. Incluso sin el nombre de Aronofsky en ella, el revuelo estaba asegurado. Desde que se anunció el proyecto, lo único que se sabía eran cuatro apuntes sobre la trama, la implicación total de Darren Aronofsky en el proyecto y que iba a tener como protagonista a Brendan Fraser. Un actor olvidado por muchos, que ha pasado por malos momentos a lo largo de su vida. Le hicieron la cruz en Hollywood por denunciar que había recibido acoso y abusos por parte de una persona de la industria. Esto le hizo caer en depresión durante varios años. Todo esto de 'La ballena (The Whale)' con él de protagonista recordaba a lo que ya hizo Aronofsky con Mickey Rourke en 'El luchador', y lo ha vuelto a hacer.

Brendan Fraser lo da todo, incluso con la cantidad de efectos especiales (digitales y prácticos) que tiene encima, es capaz de ofrecer una actuación salida desde lo más profundo de su ser. Está ante un papel que además de relanzar su carrera, le toca de bien cerca. Es de esas interpretaciones que salen de la pantalla para tocarte directamente. Me ha recordado especialmente al trabajo de Daniel Day-Lewis en ‘Mi pie izquierdo'. Llega un punto en el que olvidas que es un personaje de ficción, que lo está interpretando un actor y que en realidad lo que estás viendo no es real. Una interpretación muy emotiva, desgarradora por momentos, pero cautivadora de principio a fin. Va a ser el papel de su carrera.

Siempre es un placer poder ir al cine a ver lo nuevo de Aronofsky, especialmente después del fracaso comercial tan estrepitoso que fue 'Madre!'. 'La ballena (The Whale)' está un peldaño por debajo de los grandes trabajos de Aronofsky, pero sigue siendo una muy buena película (no recomendable para corazones sensibles).

Nota: 7,5

El argumento de 'Mantícora' ha sido bastante protegido desde que se anunció la película. Los espectadores que la han visto en festivales o preestrenos han sido bastante respetuosos y, al menos yo, no he encontrado nada por redes sociales. Las sinopsis que se pueden leer son algo genéricas (a propósito). Por esa misma razón, no voy a poder hablar mucho sobre el tema en el que se centra toda la película. Pienso que es una obra que se disfruta más sin saber mucho sobre ella. Curiosamente, recientemente han habido dos películas de las que se puede decir exactamente lo mismo: 'Maligno' y 'Barbarian'. Pero 'Mantícora' no va por ahí. No son giros de guion ni cambios repentinos de género lo que la hacen especial. Esto es, en gran parte, la personalidad de Carlos Vermut.

'Mantícora' pone al espectador en una situación con la que no se va a sentir cómodo, y eso es maravilloso. Sin violencia explicita ni tampoco siendo escatologico. Lo hace a través de una de las capas del increíble personaje protagonista. En un panorama donde la mayoría de cine le ofrece al espectador un contenido muy blanco y sin tomar riesgos, esta película se suicida. Por la recepción que ha tenido en festivales parece que ha sido una jugada ganadora, pero es muy sorprendente que haya sido así. Hay que agradecer a Bteam Pictures y Aquí y Allí Films haber apostado por una propuesta como esta, que ninguno de los grandes nombres dentro del streaming se atrevería a producir.

No solo es una película complicada por su temática, que ha sido tratada anteriormente en otras obras de formas posiblemente más duras. La manera que tiene de desarrollar todo su discurso alrededor de este tema es anticlimático y de ritmo lento. La puesta en escena de Carlos Vermut es naturalista en todas sus vertientes. Si en 'Magical Girl' o 'Quién te cantará' utilizaba recursos visualmente llamativos, aquí es austero y su intención es que nada pueda desviar la atención del espectador de lo principal, que es su argumento. La dirección de actores (perfectos Nacho Sánchez y Zoe Stein ante dos papeles complicados y delicados) y los diálogos también cumplen esta norma. Todo este naturalismo hace que lo que vemos en pantalla sea recibido como un caso cotidiano, algo vital para su éxito en cuanto al impacto de la obra en el espectador.

Con todo esto sobre la mesa, Carlos Vermut utiliza algo muy extremo para hablar de algo muy natural, pero que sale poco a la luz. No es que todos tengamos un lado oscuro, pero si comportamientos o pensamientos de los que no nos sentimos orgullosos pero tenemos que vivir con ellos. Nos hace empatizar con una persona con la que nunca pensaríamos en hacerlo. También habla de cómo alguno de estos pensamientos se descubren fácilmente y son rápidamente valorados como algo negativo pero hay otros que permanecen para siempre en el ostracismo, siendo igualmente condenables. Eso sí, la película deja que el espectador piense y no le obliga a pensar de cierta forma, un mal muy presente en el cine actual. Los juicios morales, no existen. Resulta gratificante encontrar una película que conversa con el espectador en lugar de marcarse un monólogo.

Carlos Vermut también se guarda algunos momentos muy concretos para planificar escenas más complejas, donde lo visual sí tiene relevancia porque el diálogo apenas existe. En 'Mantícora' hay una escena capaz de dejar a todo un cine absolutamente callado, helado. La culminación de todo lo visto es terrorífica pero con la misma sutileza presente en todo el metraje. Una escena que perdurará en mi memoria para siempre, como el primer visionado de la película en el festival de Sitges.

Ya estamos en las antípodas de 2022, y aunque tenga varias citas cinematográficas pendientes, voy a decir que 'Mantícora' no sólo es la mejor película española que he visto este año, también es la mejor película del año. Un trabajo maravilloso, arriesgado y que como dice el propio Carlos Vermut, ningún algoritmo de cualquier plataforma de streaming te recomendaría.

Nota: 8,0

Masaaki Yuasa no es un director de anime convencional. Al igual que otros referentes actuales del medio como Makoto Shinkai ('Your Name', 'El tiempo contigo') o Mamoru Hosoda ('Belle', 'La chica que saltaba a través del tiempo') tiene algo que lo hace peculiar, pero es algo que no tiene nada que ver con lo que hace especial a estos dos ejemplos mencionados anteriormente. Tanto Makoto Shinkai como Mamoru Hosoda tienen un estilo de animación fácilmente reconocible y un componente dramático constante en todas sus obras (el primero más enfocado a las relaciones románticas, el segundo a los problemas familiares y sociales). Pero con Masaaki Yuasa lo diferencial está en lo mucho que le gusta experimentar con el formato, animando historias de forma única y muy especial. 'Inu-Oh' es una película histórica, pero una película histórica dirigida y pensada por Masaaki Yuasa.

La película nos enseña la historia del músico Inu-Oh, un artista de sarugaku (variante del teatro japonés) que tuvo lugar hace 600 años y del que se desconoce gran parte de su obra. Todo a través de los ojos de Tomona, con quien establecerá una entrañable amistad y será quien nos guiará a través de todo este viaje. El guion de Akiko Nogi está basado una novela que relata lo sucedido con él durante ese período, desde un enfoque fantástico para mantener el misticismo que rodea a este personaje histórico pero sin dejar de lado el contenido que quieren enseñar al mundo. A partir de aquí, ya entra en juego la mano de Masaaki Yuasa. El director japonés coge el material y lo plasma en la pantalla adaptándolo a su estilo. La elasticidad y las deformaciones en el cuerpo de los protagonistas son habituales, su fluidez es una delicia y cuando lo necesita, es una explosión de colores en primer plano. Como siempre, no tiene miedo a no ser creíble, ser exagerada y jugar con las proporciones de los personajes. La credibilidad y el rigor histórico dejan paso al espectáculo.

Este retorno al pasado consigue atraparte gracias a la suma de unos elementos que se complementan fantásticamente bien. El trabajo en la animación es espectacular y tan impactante como nos tiene acostumbrados. Siguiendo la estela de sus anteriores obras, es el material quien se adapta a él y no al revés. En la serie 'Devilman Crybaby' adaptó uno de los clásicos por antonomasia del manganime de una forma que nadie esperaba, con maravilloso resultado, mientras que en 'Ping Pong' adaptó un extraño spokon (anime deportivo) con un estilo artístico inolvidable. Está claro que no deja nunca indiferente a nadie y su fuerte personalidad también consigue repeler a muchos, que no encajan su estilo. Aquí está un poco más cohibido y es un Yuasa más accesible, como el de 'El amor está en el agua'. Su sello sigue estando muy presente, pero no es tan experimental como en otras ocasiones. Demuestra su capacidad para adaptarse a historias más convencionales sin perder ni un ápice de su personalidad.

En los primeros compases el film es algo confuso, más por no explicar demasiado el contexto de la obra que por su narrativa. Más adelante, cuando ya se han establecido los personajes, uno comprende rápidamente que el contexto o la época histórica no importan tanto. La película, mientras nos descubre a Inu-Oh y el sarugaku, se encarga de hablarnos sobre como los movimientos revolucionarios en el mundo del arte empezaron desde abajo, de forma humilde, ante un panorama que se encontraba estancado en la monotonía y el conformismo. La primera impresión cuando suenan estilos musicales (brillante e importantísimo trabajo de Yoshihide Otomo en la BSO) que no encajan con la ambientación es desconcertante, pero fácilmente vemos hacia donde quiere ir con esto y nos envuelve en este torrente de música y animación que, en muchos momentos, es una verdadera experiencia audiovisual. Una fiesta que va in crescendo. Las referencias a artistas que cambiaron el mundo de la música son evidentes, pudiendo ver reflejados en nuestro protagonista a músicos como Elvis Presley, David Bowie o Freddie Mercury.

'Inu-Oh' es un precioso viaje por el Japón de hace 600 años, un homenaje a aquellas figuras que fueron vitales en su momento pero que han caído en el olvido por falta de información. También lo es para la música y la animación como medio para expresar pensamientos sin ataduras. Masaaki Yuasa hace tiempo que es uno de los pilares de la animación japonesa, y con esta fantástica película no hace más que constatarlo. Una explosión de talento.

Nota: 8,0

Wes Craven es uno de los grandes maestros del cine de terror, pero parece que su trabajo fuera de la saga 'Scream' o 'Pesadilla en Elm Street' pasa desapercibido o directamente vilipendiado. Algunas veces con motivo, por supuesto, pero no puedo decir que no haya visto una película suya que haya pensado "Aquí Wes Craven estaba desganado". Incluso en películas que me han parecido realmente mediocres y fallidas como 'La nueva pesadilla de Wes Craven' se nota que detrás de ese proyecto hay uno de los grandes en el género al que le encanta juguetear con los estándares y ofrecer producciones frescas e innovadoras. Hoy he ido a ver 'El sótano del miedo' al cine sin saber nada sobre ella, únicamente por tener el nombre de Wes Craven en su cartel, porque el título me parece muy intrigante y el cartel es muy llamativo. Lo que me he encontrado me ha pillado por sorpresa.

'El sótano del miedo' es un film sorprendentemente influyente en el cine de terror que hemos visto estos últimos años y que vemos hoy en día. Por poner un ejemplo, estoy convencido que Jordan Peele se sabe esta película de memoria de principio a fin de todas las veces que la habrá visto. Hay mucho de su cine en esta cinta, algo que se puede notar especialmente en el trasfondo social de la obra (sorprendente para una producción de 1991) o en sus personajes. Peele es más sutil que Craven, más elegante, pero es fácil identificar los puntos en común. También podemos observar algunas escenas que reaprovecharon (por decirlo de alguna forma) Fede Alvarez en su 'Posesión Infernal' y 'No Respires', William Brent Bell en 'The Boy' o David Charbonier/Justin Powell en la más reciente 'The boy behind the door'. Estas solo son algunas de las películas a las que me ha evocado esta obra de Wes Craven, pero seguro que hay más que no he captado.

El mensaje social que lanza al público es claro y directo, hasta el punto de que nos hace empatizar con los que en la vida real serían los malos, unos ladrones que entran a una casa para robar dinero de una familia rica, que además, son uno de los motivos por los cuales existe un gueto cerca de ese barrio. El primer tramo del metraje prácticamente es cine social que retrata el racismo y la marginación hacia los negros que existía en ese momento, hasta que a partir de cierto punto se convierte en una home invasion tensa, divertida y por momentos terrorífica. Wes Craven consigue crear una atmósfera angustiosa gracias a su juego de luces y sombras constante (muchísimas escenas oscuras) y al aprovechamiento total de una casa muy completa, llena de pasadizos y entradas secretas que hacen estar al espectador en un estado de espera constante para ver que es lo siguiente que va a pasar. Es una película con una gran variedad de situaciones y muchas de ellas son set-pieces de terror fantásticas.

Sus personajes también son especiales. El protagonista, Fool, es el típico niño carismático capaz de llevar el peso de la película a través de piruetas, chascarrillos y algún momento dramático bastante convincente. Es el héroe y actúa como tal. Luego tenemos a su compañero de fatigas, interpretado por Ving Rhames, que sorprende por como trata a Fool, sin tener en cuenta que es un niño. Está muy lejos de ser un buen compañero. Pero la joya de la corona son la pareja rica a la que atracan, interpretados por Everett McGill y Wendy Robie (el matrimonio Hurley en 'Twin Peaks') de forma totalmente desatada, haciéndoles ver como una pareja de villanos absolutamente desquiciada llegando al punto de parecer malos de dibujos animados o de 'Solo en Casa' (solo que en un contexto de terror y depravación). Son lo que más recordaré del film, sin duda, tienen grandes momentos.

Lo más criticable del conjunto es que no sabe cuando parar. En ningún momento se hace larga o pesada, pero el último acto está algo alargado de más por algunas decisiones algo extrañas que te pueden sacar de la película o puedes verlas como estúpidas. En mi caso, llegados a este punto, no he podido hacer otra cosa que abrazar la locura. Tiene un buen final, alocado y festivo como toda la película, así que el pequeño bajón que hay en el último acto pasa a un segundo plano cuando acaba y la sensación es la de haber visto una película bastante adelantada a su tiempo y que fácilmente podría haber sido concebida este mismo año.

Nota: 7.0

En el panorama actual, donde cada semana se estrenan un puñado de películas comerciales producidas por plataformas como Netflix, Prime Video o HBO Max y las salas de cine consiguen volver a la normalidad únicamente a través de nuevas entregas de grandes franquicias, el cine fuera de estos esquemas parece relegado al olvido y la marginación. Ya no solo en taquilla, es que cuando lo introducen entre las novedades de alguna plataforma este se ve opacado por películas archiconocidas que vuelven al catálogo o la nueva entrega de la saga romántica de turno con una base de espectadores fuerte. Lo que está claro es que cuando llegue a alguna plataforma 'La ley de Teherán' apenas nadie le hará caso, y su estreno en cines será algo completamente anecdótico. No me gusta hacer de adivino, pero la dinámica de la taquilla española es la que es desde hace meses, y no creo que eso cambie de repente este fin de semana. Más allá de ser injusto, es una lástima que mucha gente se vaya a perder una de las mejores películas de acción de 2022 únicamente por no tener una gran campaña de marketing detrás o por no ser una marca.

El primer contacto con la película es extraño. Evidentemente, hay prejuicios. El cine iraní no es uno de los más populares, y mucho menos si hablamos de thrillers o cine de acción. A la película no le hacen falta más de 5 minutos para tirar esa (posible) barrera al suelo y atraparte de lleno en su vertiginosa trama de policías contra el mundo de la droga y sus consecuencias. Ambientada en una Irán absolutamente destrozada por culpa del crack, con más de 6,5 millones de personas siendo toxicómanas, en la película seguiremos los pasos de una brigada que está persiguiendo a Nasser K. Samad, una de las personas que más culpa tienen de haber llegado a esta situación, el capo de la droga. Los primeros minutos son una forma excelente de romper esa barrera mencionada anteriormente gracias a la redada que tiene lugar en un barrio conflictivo donde hay mucho tráfico y consumo de drogas, mostrándonos el estado de Irán y la actitud de una policía ya habituada a encontrarse cualquier cosa. Aquí no solo te das cuenta de esto sino también del gran trabajo de fotografía y dirección por parte de Houman Behmanesh y Saeed Roustayi, consiguiendo hacer que una película de 3 millones de dólares luzca mejor que otras producciones mucho más caras.

A nivel técnico no es que estemos ante una película de gran escala, pero tiene mérito la forma en la que han aprovechado los recursos que tenían para entregar una producción tan sólida en lo audiovisual. Todas las escenas de acción son agobiantes, muy físicas, y dejando de lado alguna que se nota demasiado americanizada, todas tienen alguna particularidad que las hacen interesantes. La película te mete de lleno en esta espiral autodestructiva por parte de ambos bandos, con una policía sin escrúpulos y unos criminales más humanos de lo que parece en un principio. La manera que tiene de jugar con las expectativas del espectador ante unos personajes tan estereotipados como estos es sorprendente, y esto es gracias a un guion (por parte del propio director de la película, Saeed Roustayi) que siempre va más allá de lo que esperas. Sus protagonistas son un buen ejemplo. Las interpretaciones de Payman Maadi y Navid Mohammadzadeh son fantásticas, dando vida a personajes muy humanos tanto para bien como para mal. El primero es un jefe de policía con una moralidad discutible pero que necesita capturar al segundo sea como sea, mientras que el segundo es un villano al que nunca justifican pero con el que te hacen empatizar, algo muy poco habitual. Sus más de dos horas de duración están justificadas ya solo por el desarrollo de estos personajes, más propio de una serie por todos sus matices que de una película.

El film cuenta con muchas más virtudes, entre las que destacaría una parte final muy emocionante, con una conclusión redonda para el discurso que quiere hacer llegar el director al espectador. No solo funciona como un thriller, es una muestra algo dura sobre la situación actual de Irán y veremos como retratan al sistema judicial, penal y policial que hay en ese país. Lo que más me falla es el poco partido que le saca a unos personajes secundarios que son planteados de forma interesante pero al ser una película tan centrada en dos personajes en concreto, quedan un poco de lado. Aún así puedo decir que son pegas que le pone uno después de analizar la película buscando algo que criticar, porque estamos ante una producción bastante redonda y que deja la impresión de haber visto una muy buena película, muy completa. Todo aquel que tenga la oportunidad de ir al cine a verla, que no falte a la cita, y a malas siempre quedarán las plataformas de streaming como segunda oportunidad, pero no es una película para ser ignorada.


Nota: 7,5

'Jujutsu Kaisen' es una de las creaciones manganime que más lo están petando ahora mismo. A nivel mundial puede competir con 'Ataque a los titanes' o 'Guardianes de la noche', y en Japón copa la lista de mangas más vendidos de 2022 con más de 10 millones de copias vendidas. La obra de Gege Akutami está ahora mismo en estado de gracia, y todo este éxito no sería posible sin la adaptación al anime que se hizo en 2020 a cargo de MAPPA (el estudio de animación japonés de referencia en este momento), que destacaba especialmente por ser una maravilla a nivel audiovisual. El anime potenció las ventas del manga de forma espectacular (al igual que ya pasó con 'Guardianes de la noche') y como la espera hasta la segunda temporada será un poco larga (2023), tomaron la decisión de adaptar 'Jujutsu Kaisen 0', un tomo que actúa en forma de precuela y que se puede leer de forma totalmente independiente, lo cual fue una idea fantástica, porque esta película sirve como puerta de entrada a la franquicia a la vez que es un complemento ideal de la serie.

Los integrantes son los mismos que los de la serie. Anima MAPPA y dirige el surcoreano Sunghoo Park, alguien que ya lleva unos cuantos años en la industria como animador y director. Así que, de esta forma, para los seguidores del anime todo estará en su lugar y para los que se lancen a ver la película con curiosidad tienen garantizado que si les gusta, con la serie ocurrirá lo mismo. En 'Jujutsu Kaisen 0' nos presentan la historia de Yuta Okkotsu (personaje exclusivo del film), un joven con problemas en el colegio que esconde un gran pero peligroso e incontrolable poder. Ahí entra Satoru Gojo, profesor que le introducirá en el mundo del exorcismo y le ayudará a controlar su poder.

Como podéis ver, nada es extremadamente original o ingenioso, pero lo que hace destacar a 'Jujutsu Kaisen' por encima de otros animes shonen son sus personajes y su universo. El espectro de personajes que maneja es verdaderamente extenso y no hay ninguno que no sea carismático o medianamente interesante, ya sea por su poder, su actitud o por la suma de todas las partes. Incluso (de forma totalmente atípica) los personajes femeninos están trabajados y no son clichés con patas con partes del cuerpo exageradamente desproporcionadas. El universo en el que se ambienta, al basar todo en maldiciones, hace que el tono de la serie sea más oscuro y serio de lo habitual en este tipo de producciones, o hable de la muerte con total libertad. El poder de Okkotsu es un ejemplo perfecto de esto.

El punto de vista principal es el de Okkotsu, así que la película nos llevará de la mano por este universo y nos enseñará cual es su funcionamiento. Lo que podría sonar como algo aburrido para los que ya lo conocen, acaba sirviendo también como una ampliación de la mitología presentada en la serie, siendo capaces de contentar a cualquier tipo de espectador. Durante su evolución como personaje iremos disfrutando escenas de acción maravillosamente animadas y coreografiadas, con una fluidez de movimientos espectacular que hace muy vibrantes las peleas entre personajes. Como película de acción es más que digna y el espectáculo visual está garantizado. El problema llega con el desarrollo dramático, lastrado por un uso excesivo de flashbacks que no aportan nada puesto que son momentos que hemos visto en la misma película hace pocos minutos. Un recurso muy utilizado en el anime, especialmente en las películas que salen de series, y que bajo mi humilde opinión lastran la fluidez del conjunto prácticamente siempre.

Este no es el único vicio habitual en este medio con el que cuenta la película. Hay algún momento de humor subido de tono que no pinta demasiado teniendo en cuenta el tono por el que se mueve la cinta y (quizá esto es algo puramente personal) ni la película ni la serie consigue que empatice con ningún personaje. Disfruto con ellos, con su variado diseño y su gran carisma, pero no consiguen que me enganche a nivel emocional. De todas formas, lo que venía a decir era que nadie espere encontrarse con 'Akira' o 'Perfect Blue' en esta 'Jujutsu Kaisen 0'. Es un blockbuster anime, donde cada vez se aprecia más la intención por parte de los estudios de hacer una película con cara y ojos, no simplemente 'fan service', algo que se nota mucho más cuando esta tiene importancia en la serie principal y no es un OVA que acaba con un momento "amnesia" para que lo visto no tenga repercusión en el devenir de la serie. Este cambio hace que estas películas puedan ser interesantes para espectadores ajenos a la serie, como es el caso de 'Jujutsu Kaisen 0'.

Para el que busque un poco de acción animada, para el fan de la serie o para el que sienta curiosidad por las buenas críticas, 'Jujutsu Kaisen 0' es una buena opción. No es brillante, no es una experiencia vital, pero ofrece 100 minutos muy disfrutables para cualquiera. Si el anime no es lo vuestro, esta no es la película que os hará interesaros por el medio.

Nota: 6,0

El inicio de ‘Atrapados en la oscuridad’ es fascinante. Recuerdo perfectamente estar sentado viendo la película en el festival de Sitges 2021 y en la sala no se oía ni un alma. El silencio era absoluto y la tensión se palpaba en el ambiente. La sobria y fría dirección de James Ashcroft te pegaba una bofetada en la cara, dejándote desubicado desde el minuto 1. Estamos ante un punto de partida desconcertante, viendo a unos personajes que no pueden ser más estereotipados y rutinarios haciendo cosas cotidianas, sobre los que orbita una sensación continua de que va a pasar algo de un momento a otro. Cuando eso ocurre, quedarse boquiabierto es la única opción ante la sequedad con la que se narran los hechos. El gran problema de empezar tan arriba es que luego tienes que mantenerte durante el resto de película (que en este caso es casi una hora) y lo único que hace es irse desinflando poco a poco, aletargando una conclusión que ya nos vemos venir un tiempo antes.

Pero cuidado, no estoy diciendo que sea una mala película, de hecho es una fantástica opción si tenéis ganas de ver un thriller más que correcto en la mayoría de sus facetas. El buen trabajo de fotografía y dirección hacen que visualmente sea envolvente y potente, con unos tonos siempre oscuros y grises, casando perfectamente con la historia que nos cuentan. El reparto se deja la piel y nos brinda grandes actuaciones, en particular un especialmente inspirado Daniel Gillies como Mandrake que acaba siendo lo mejor de este largometraje en un papel aterrador debido a la verosimilitud que demuestra. La familia protagonista, en especial el padre (Erik Thomson) y la madre (Miriama McDowell) con dos actuaciones siempre al limite de la sobreactuación (y en consecuencia, el ridículo), mantienen el tipo durante toda la película. El guion es el punto más desequilibrado de la cinta, ya que cuenta con buenas ideas y el director consigue dotarle de un componente inmersivo y hasta hipnótico en algunos momentos, pero dilata en exceso algunas escenas y se nota que su trama está muy estirada de forma artificial.

Es inevitable pensar en ‘Eden Lake’ mientras vemos ‘Atrapados en la oscuridad’. El tono y la trama son muy similares. También recuerda a ‘Funny Games’ por la frialdad de cada escena y por basar la acción en los diálogos y no tanto en el movimiento. A diferencia de estas, no es capaz de ofrecer el suficiente dinamismo en su propuesta como para ser un thriller memorable más allá de sus impecables primeros 30 minutos. Su discurso crítico con cierto aspecto de la sociedad es correcto pero no es nada novedoso ni lo cuenta de una forma que destaque, y su forma de darle importancia al pasado (por muy lejano que sea) ya lo hemos visto en otras muchas ocasiones. Repito, no digo que esté mal, pero partir de algo tan impactante para acabar contando algo tan manido acaba afectando al conjunto.

‘Atrapados en la oscuridad’ es un thriller gélido, duro y absorbente que se ve lastrado por una duración excesiva. Es una irregular buena opción. Tendréis altibajos pero solo por ver su comienzo y descubrir al desconocido Daniel Gillies marcándose un recital merece la pena darle una oportunidad.


Nota: 6.0