SINOPSIS:
'Los domingos' cuenta la historia de Ainara (Soroa), una joven idealista y brillante de 17 años que ha de decidir qué carrera universitaria estudiará. O, al menos, eso espera su familia que haga...


CRÍTICA: ¡Libres domingos y domingas!

La noticia pilla por sorpresa a toda la familia, provocando un abismo y una prueba de fuego para todos...

'Los domingos' no es tanto una película sobre una adolescente que se plantea ser monja, como una película sobre una familia que reacciona a una decisión que se sale de lo previsto, de lo habitual, de lo normal. Una decisión que como familia, afecta de una u otra manera a todos sus miembros. No hablamos de hacerse un piercing, o de pasar un fin de semana en casa de una amiga. Sino de algo a lo que por otro lado se enfrenta casi cualquier familia tarde o temprano: al hecho de que al fin y al cabo la familia no se suele poder elegir, pero lo que quieres hacer con tu vida sí.

Ese punto de indecisión, fricción y conflicto entre el compromiso y el amor, la costumbre y la elección, la inercia y la vocación. ¿Qué quieres ser de mayor, en la vida? La familia llama a menudo a una batalla entre lo que deberías hacer y lo que quieres hacer, lo que sientes y lo que necesitas; entre el individuo y el grupo; entre la libertad de ser uno mismo y la dependencia de formar parte de una familia, de una profesión, de una sociedad. El equilibrio, en resumen, entre uno mismo y la vida, uno mismo y los demás. Entre uno mismo y el universo. Entre el yo y mi circunstancia.


Hay algo que destaca en 'Los domingos' que también destaca en 'Cinco lobitos' y 'Querer': la falta de dogmatismo de una Alauda Ruiz de Azúa que presenta los hechos con aparente equidistancia, sin un obvio juicio de valor. La cineasta cede la palabra a sus personajes para que se expresen por ellos mismos, con libertad; como si no hubiera una cámara con ellos, en un refinado, comedido y ante todo sutil ejercicio de desnudez e intimidad narrativa en la que cobra importancia lo que con premeditación y alevosía se muestra y lo que no, lo que se dice -con palabras o miradas- y lo que no.

Como si fuera la vida misma, en la que nadie tiene todas las respuestas, ni toda la información. Rara es la persona que incluso está al 100% segura de sí misma. En cierto sentido, la vida es un continuo acto de fe. Una sucesión de apuestas de fe sustentadas por lo general en lo previsto, en lo habitual, en lo normal; en una serie de decisiones que a menudo ni son fruto de una elección, tan sólo la mera inercia de una vida marcada por las relaciones sociales, familiares y laborales que se siente real. Lo sea o no da igual. Lo importante, en el fondo, es que nos lo parezca. Que pueda serlo.

Como sin ir más lejos, lo es 'Los domingos'. No deja de ser una película, pero se percibe como si fuera un reflejo de la realidad. Una realidad plausible, lógica... creíble. Esa "verdad" escondida detrás de cada obra que alcanza la madurez necesaria para ser lo que quería ser de mayor, en la vida. Esa realidad, o verdad que Alauda Ruiz de Azúa y su equipo han elaborado con suma discrección para que parezca natural. O que se sienta como tal. Que nos la podamos creer sin necesidad de tener fe, mientras nos incita a reflexionar en paz y armonía sobre ese acto de fe llamado vida.

Porque si bien en 'Los domingos' hay conflicto, también hay paz y armonía. La de por ejemplo un coro en el que es obvio reparar, pero no tanto que es la única pista de su banda sonora. Aunque ante todo hay respeto y comprensión, en una película que no cuestiona tanto si una adolescente se mete a monja, como a la familia como refugio natural. De manera tan orgánica, templada, humanista y cercana como en 'Cinco lobitos' y 'Querer' donde al final, dejando de lado la necesidad de tener que cortar en algún momento, queda la impresión, real o ficticia, de un pequeño milagro.

Nota: 8.0


Lo Mejor:
- Tres de tres para Alauda Ruiz de Azúa

Lo Peor:
- La sensación de que queda parte de la historia por contar

SINOPSIS:
La película nos presenta a Antonio y a Estrella, dos hermanos que llevan toda la vida vinculados al mar.


CRÍTICA: Dos hermanos y un destino

Alberto Rodríguez y Rafael Cobos son una de las parejas creativas más sólidas y solventes del cine español.

Antonio de la Torre y Bárbara Lennie son dos de los intérpretes más sólidos y solventes del cine español.

Movistar Plus+ es, también, una de las productoras más sólidas y solventes de la industria española...

En efecto, 'Los Tigres' es una película tan sólida y solvente como cabía esperar que lo fuera. Tan sólida y solvente como convincente y eficaz a la hora de contar lo que cuenta, algo tan simple y a la vez tan potente como para poder resumirse en un apretón de manos. Un gesto muy sencillo y cotidiano que, sin embargo, en el contexto adecuado, puede resultar tan expresivo como emotivo.


Alberto Rodríguez, Rafael Cobos, Antonio de la Torre, Bárbara Lennie... 'Los Tigres' es la exquisita construcción de ese oportuno y adecuado contexto, planteado con férrea convicción y ejecutado con firme pragmatismo narrativo. Una película que si bien se siente muy sencilla, al mismo tiempo también resulta muy completa. La experiencia es un grado que marca diferencias.

Sobre todo, cuando hablamos de un thriller de corte tan relativamente clásico como 'Los Tigres', que puede no resultar especialmente sorprendente a nivel argumental; más, no por ello deja de estar narrado con brío, agudeza y descaro. Una película que tal vez recuerde a otras, pero cuya inquebrantable viveza y confianza en sí misma esculpe su propia y reconocible personalidad.

Nada que nos pueda sorprender, nada que pueda no satisfacer. 'Grupo 7', 'La isla mínima', 'El hombre de las mil caras', 'La peste', 'La peste: La mano de la Garduña', 'Apagón', 'Modelo 77'... por algo Alberto Rodríguez y Rafael Cobos son una de las parejas creativas más sólidas y solventes del cine español. Por algo también Antonio de la Torre y Bárbara Lennie son quienes son.

Porque siempre dan la cara, incluso en filmes como 'Los Tigres' que más de uno depreciará de "alimenticio" y/o "comercial". Un filme muy sólido, solvente y de muy fácil y gustoso ver que funciona, como y cuando tiene que hacerlo de manera tan exquisita como lo es su nivel de producción, situándose como una notable alternativa a la moribunda clase media hollywoodiense.

'Los Tigres' es una apuesta tan segura como satisfactoria, tan universal como local. El "clásico" que más Goyas se lleva, aunque sean de los "menores" porque ni es la mejor ni la más particular o especial. Pero sí es la más eficaz y completa, la que guste a más gente y que más consenso obtiene (porque no le disgusta a nadie). Esa excitante y estimulante clase media (muy) bien hecha.

Nota: 7.5


Lo Mejor:
- La incuestionable solidez y solvencia de todo el conjunto

Lo Peor:
- La incuestionable solidez y solvencia de todo el conjunto

SINOPSIS:
Adaptación cinematográfica del relato de Warren Zanes sobre la grabación en 1982 del álbum "Nebraska" de Bruce Springsteen.


CRÍTICA: Oh, ese es el álbum

El biopic de Bruce Springsteen recuerda de forma inequívoca a títulos como 'A Complete Unknown', biopic sobre Bob Dylan que al igual que 'Springsteen: Deliver Me From Nowhere' estaba respaldado por lo que en su día era la Fox. Un gran estudio en cualquier caso, en uno de tantos biopics tan sólidos y convincentes, eficaces y respetables como a la hora de la verdad, efímeros y un tanto pasajeros.

En especial, si los comparamos con la profunda huella y el gran legado dejado por sus respectivos objetos del deseo. También, si como vuelve a ser el caso la interpretación de su protagonista está por encima de la propia película. Un "caramelo" que Jeremy Allen White no desperdicia, siendo de hecho, como suele ser costumbre, como suele ser la tradición lo mejor y más destacable de este o cualquier otro biopic.

Un biopic que junto a la propia 'A Complete Unknown' o 'The Smashing Machine' confirma que los grandes estudios van espabilando en al menos un aspecto: El género ya no tiene por qué limitarse al repaso superficial de toda una vida, en un por lo general complicado ejercicio de síntesis contraproducente. Tampoco por qué incidir, necesariamente, en algún gran éxito o momento de gran esplendor. 


'Springsteen: Deliver Me From Nowhere' se centra en cómo un músico lidia con una severa depresión mientras graba su álbum más sombrío, y a la postre, también uno de los más importantes de su carrera. La idea, conjugar con sencillez y de manera íntima problemas de salud mental y demonios internos con el proceso artístico y la clásica historia de éxito. Lo que acaba siendo la película: Un clásico.

Esa canción que nunca pasará de moda porque nunca llegará a estar de moda. Esa correctísima canción que nunca elegiremos de buenas a primeras para escuchar, pero que nunca nos saltaremos si la vida nos la pone delante. Una película centrada en el cómo, no tanto en el porqué, lo que reblandece una propuesta tan sólida como comercial, tan valiente como lo pueda ser sin dejar de ser complaciente.

El clásico biopic en el que destaca el influjo de su leyenda, la entrega de su protagonista, por supuesto que la música (aunque no sea ningún "greatest hits") y algún que otro secundario como Jeremy Strong, de dulce de un tiempo a esta parte. Destacan, porque la película no se permite (o no se le permite) destacar. Al fin y al cabo, Scott Cooper es un cineasta solvente, pero su pericia narrativa es bastante estándar.

El clásico biopic que en realidad no lo es tanto, dado que 'Springsteen: Deliver Me From Nowhere' no es en realidad lo que cabe esperar de una película biográfica sobre alguien como Springsteen... aunque, y he aquí el quiz de la cuestión, transmita la misma sensación que si lo fuera. Es una película más íntima, pequeña, sencilla, humana y realista. Es una película sobre Bruce antes que sobre Springsteen.

Sin embargo, Cooper, al igual que por ejemplo James Mangold, es un cineasta demasiado alineado con las inquietudes de un gran estudio; inquietudes que, por lo general, pasan por reducir las inquietudes a lo justo y necesario. Un cineasta demasiado obvio, capaz de hacer que una película tan interesante sobre el papel como esta resulte más entretenida que estimulante. Mucho más pop que rock.

Mucho más convencional que desafiante.

Nota: 6.75


Lo Mejor:
- Se aleja de la plantilla habitual de este tipo de biopics...

Lo Peor:
- ... pero sin llegar a resultar realmente transgresora

SINOPSIS:
Nueva adaptación de la famosa y conocida obra de Mary Shelley.


CRÍTICA: Ese Del Toro enamorado de la Luna

En un momento dado de esta película alguien se pregunta "¿en qué parte de su cuerpo está su alma?", refiriéndose, por supuesto, a ese doble sentido con patas que representa "el monstruo de Frankenstein".

¿En qué parte de esta película está su alma? ¿Dónde está la pasión, vibrante y condenada? Guillermo del Toro se estanca en la retórica ornamental con esta superfluamente lujosa y excesivamente literal versión de una novela de Mary Shelley publicada en 1818 de la que puede que hayan oído hablar alguna que otra vez. Su nombre... 'Frankenstein; o, el moderno Prometeo'.


Una versión más, otra más que a efectos prácticos aporta más ego por parte de su creador que alguna novedad relevante o sustancial. Es obvio que el cineasta mexicano respeta la obra original, tanto como para no terminar de hacerla suya ni de imponer su caracter al recuerdo, vago o concreto de otras versiones más agudas y/o pujantes, más particulares y no tan comedidas.

O menos huecas y átona. O que simplemente llegaron antes.

Versiones quizá ni tan bonitas ni recargadas, pero sí mucho más eficientes a la hora de narrar (o reinterpretar) una historia que ni nos sorprende ni Del Toro hace porque nos sorprenda. Versiones más libres y/o espontáneas que tampoco se sienten como una lectura en voz alta ceremoniosa, grave y solemne envuelta en un dispendio de ampuloso, hinchado y acomodado pijerio.

Algo que unido a una "criatura" un tanto desubicada, y que recuerda más a otro tipo de seres que a un monstruo prefabricado que hace de este otro "monstruo" un preciosista, inflado y a la postre pesado y postizo envoltorio onanista de dos horas y media que no puede morir porque carece de vida. Porque no sabe dónde se encuentra un alma que no busca; sólo contempla.

Nota: 6.5


Lo Mejor:
- El cameo de Santiago Segura

Lo Peor:
- Un dispendio de ampuloso, hinchado y acomodado pijerio

SINOPSIS:
Dos jóvenes conspiranoicos secuestran a la poderosa presidenta de una gran compañía...


CRÍTICA: A mí no me mires. Yo voté a Kodos

Estamos más que acostumbrados al barroquismo surrealista y sobrecargado en el que ha derivado el cine de Yorgos Lanthimos. O a que Emma Stone brille en cualquier papel, ya sea o no a las órdenes del cineasta griego.

Pero el alma de este remake de 'Salvar el planeta Tierra' -una película coreana de 2003- es sin duda Jesse Plemons. De hecho, es sobre todo Plemons quien sorprende, sostiene e impulsa este remake en el que tanto Lanthimos como Stone están bastante comedidos. Relativamente comedidos.

'Bugonia' es de hecho el filme más comedido de los cuatro que han hecho juntos; también, curiosamente, el más petulante, superficial, laxo... falso y vacío. Y el más gratuito, incluso aún más que 'Kinds of Kindness'.


'Bugonía' carece de un conflicto real, en una exagerada comedia negra a cuyo propósito satírico cuesta encontrarle credibilidad o autenticidad. Tanto como a un político twittero. Hay más postureo que película. Un falso caos tan controlado y premeditado que no existe la sensación de caos. Sólo orden.

Ese final tan complacedor y obvio sella la impresión de ser una obra de cámara falsamente aguerrida e hiperbólica que si bien parece lo da todo, apenas sí se está esforzando en algo, abandonándose un poco a la inercia.

Una inercia ganadora, por cuanto Lanthimos y Stone siguen siendo Lanthimos y Stone. Pero exceptuando a Plemons, en esta ocasión en la habitual frialdad distante del cineasta no se percibe ese ardor, esa "malafollá" o esa convicción característicos. Como si en fin fuera una suerte de compromiso.

Y es que 'Bugonia' se siente algo comprometida, estancada en una retórica y discurso más autoimpuestos que orgánicos. Tan relativa y satisfactoria como a su vez, Lanthimos mediante, complaciente y convencional.

Relativamente.

Nota: 6.5


Lo Mejor:
- Kodos

Lo Peor:
- Kang

SINOPSIS:
'Predator: Badlands' está ambientada en el futuro en un planeta remoto, donde un joven Predator, expulsado de su clan, encuentra una aliada inesperada en Thia y se embarca en un peligroso viaje en busca de su adversario definitivo.


CRÍTICA: Un buen día para morir

Estoy muy a favor de lo que parece querer hacer Dan Trachtenberg en su tercera película de DEPREDADOR, la primera que 20th Century Disney estrena en salas... Tres películas diferentes, tres películas claramente reconocibles, con tres planteamientos distintos pero complementarios. Tres películas que buscan expandir el lore de la franquicia, darle una mayor amplitud a lo que hasta el momento era el "explotation" habitual.

Por lo pronto, en 'Predator: Badlands' el protagonista es él. El DEPREDADOR, como nunca lo hemos visto, ejerciendo no ya sólo de cabeza de cartel, sino también asumiendo, a lo 'Maléfica', el papel del "bueno" de la función. Estoy muy favor de lo que parece querer hacer Dan Trachtenberg con su tercera película de DEPREDADOR, como también lo estaba (y lo sigo estando) con Paul W.S. Anderson y su 'Alien Vs. Predator'.

Sin embargo, 'Predator: Badlands' se parece más a 'Alien Vs. Predator 2' que a su antecesora, algo ciertamente sorprendente siendo Trachtenberg también el responsable de 'Predator: La presa' y 'Predator: Asesino de asesinos'. No parece casual, pues, que la primera película de la saga que no tiene presencia humana delante de las cámaras -pues Elle Fanning no cuenta- sea, también, la primera que no tiene una calificación R.


La primera que a su vez humaniza al DEPREDADOR y se adentra en su familia... lo que sí bien puede ser interesante sobre el papel acaba siendo un error al desnaturalizar y desvirtuar su condición de amenaza. Hasta convertir a un gran villano en un cosplay de mercadillo, cuando no en un efecto CGI de poco impacto y escaso encanto. Es la palabra clave: 'Predator: Badlands' carece de humanos, pero sobre todo de encanto.

También de colmillo, de mala sangre, y de la característica fisicidad de la saga y el personaje. Hasta el punto de no parecer una película de DEPREDADOR, sino un obvio mandato comercial para rejuvenecer y darle mayor alcance social a la saga. Aunque sea a costa de pervertirla y desustanciarla como suele hacer Disney con todo: A base de una ingente e innecesaria sobredosis de efectismos digitales no demasiado convincentes.

Cierto es que Trachtenberg se sale de la media, y aun en conflicto constante con la película nos regala no pocos momentos o imágenes que la dignifican; no tanto como película bastante amaestrada como un blockbuster complaciente no del todo a gusto en el seno de Disney. Un blockbuster videojueguil plano y mucho sintético al que matar de forma cruel pero indolora donde no falta un bicho que pueda ser usado para vender peluches.

Tiene su porqué, como la película. Porque no se puede negar que 'Predator: Badlands' tiene un porqué que la sustenta y la sostiene, una ocasional elegancia formal o a una Elle Fanning que sin piernas tiene su gracia. Pero una película de DEPREDADOR conlleva una responsabilidad que Trachtenberg parece obviar a la tercera con el beneplácito de una 20th Century Disney que seguro aplaude hasta con las orejas algo tan dócil y juvenil.

No es que la Fox tratase especialmente bien un personaje que sigue viviendo demasiado del recuerdo de 1987, pero al menos todas sus producciones tenían una cierta personalidad, encanto y alto grado de artesanía. Sin embargo esta 'Predator: Badlands' sufre del clásico hinchazón de los grandes estudios: Una lluvia de millones de dólares para que los de efectos especiales hagan el trabajo más sucio y le tapen las vergüenzas.

Una estandarización infantiloide próxima a las de Marvel Studios o Star Wars, con Disney mediando para que todo se mantenga dentro de un cauce recatado e inofensivo que en un mal día pueda resultar entretenido, como podía ser 'La jungla: Un buen día para morir', pero que en un buen día se antoja insuficiente e incapaz de satisfacer las expectativas que genera una saga como la de 'Jungla de cristal'. O como la de DEPREDADOR.

Lo que ocurre con 'Predator: Badlands', un decepcionante y deshumanizado downgrade descaradaramente comercial y familiar respecto a las otras dos entregas previas de Trachtenberg, 'Predator: La presa' y 'Predator: Asesino de asesinos', mucho más auténticas, puras, respetuosas y honestas.

Nota: 5.75


Lo Mejor:
- Desmarcarse de lo habitual dentro de la saga...

Lo Peor:
- ... para convertirla en indulgente contenido familiar

Plur1bus 1x01

Buenísimo. Apunta alto. Promete.

https://x.com/el7arte/status/1986814825037529478

Tráiler norteamericano:

https://x.com/el7arte/status/1984275077911941629

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¡¡¡Y que sean otros 40 más!!!   

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