- Raphaël Personnaz y Diane Kruger protagonizarán el thriller político de Martin Bourboulon, 'La Décision'

- ¿Has estado expuesto? Tráiler de 'The Plague'

- Todo lo que te callas te mata por dentro. Tráiler de 'Silencio'

SINOPSIS:
Apasionante drama psicológico sobre una profesora universitaria (Roberts) que se encuentra en una encrucijada personal y profesional.


CRÍTICA: Pancartismo

¿Sabes esa sensación cuando estás en una habitación rodeado de gente que parece más inteligente que tú? Ya sea por la ropa, por la compostura o por la forma de expresarse, más refinada y elegante, usando palabras que la gente de barrio ni conoce, sin alzar la voz como en una barra de bar y con una autosuficiencia y superioridad moral más o menos implícitas. A veces uno se pregunta si la gente que parece más inteligente lo es de verdad, o tan sólo lo parece porque ellos mismos creen o se convencen que lo son.

'Caza de brujas' es esa habitación. Un drama adulto, maduro y en apariencia atrevido, perspicaz e inteligente en el que "no todo tiene por qué hacerte sentir cómodo". Es como estar en esa habitación, sin abrir la boca e intentando pillar el hilo de la conversación. Una conversación refinada, aguda y elegante que a uno le resulta amena e intrigante; una conversación que uno sigue con interés, porque, las cosas como son, es una conversación refinada, aguda y elegante. O al menos lo parece. O al menos se comporta como si lo fuera.


'Caza de brujas' es esa habitación. Y esa conversación que a uno a pesar de las apariencias, los modales y las palabras le ha dejado igual. Como en el Congreso: parece que se habla mucho pero a la hora de la verdad se dice poco; y aún se avanza o profundiza menos. Las únicas diferencias con una barra de bar son los trajes, las formas y el precio de las cañas. Se agradece el debate, que se ponga el dedo en la llaga o centrarse en las personas y no en el sensacionalismo. Pero no hay mucha diferencia entre 'Caza de brujas' y el Congreso.

En ambos casos se trata de aparentar más que de hablar, de una pantomima más que de política. La última película de Luca Guadagnino es interesante, pero está demasiado empeñada en parecer inteligente y compleja; en darse aires de importancia. Es apreciable que dentro de lo que sería una relativa producción comercial, se atreva a cuestionar el pancartista discurso oficial y a transitar por la controvertida duda de lo que no tiene por qué ser ni blanco ni negro. Y que lo haga desde un respeto humanista hacia sus protagonistas.

Pero también molesta que su pomposidad y pedantería no vaya acompañada de una auténtica agudeza o elocuencia. Y es que 'Caza de brujas' es una película un tanto farragosa y confusa, llena de artificios y tan pretendidamente críptica que al igual que un político en el púlpito del Congreso, parece estar de cara a la galería. Demasiada tibieza y vagueza, demasiada filosofía que parece disponer una cortina de humo ideal para no tener que responder, ni tampoco para entrar a resolver un relato que cuando termina, termina sin más.

¿Sabes esa sensación cuando estás en una habitación rodeado de gente que parece más inteligente que tú y que no parezca haber una diferencia sustancial? 'Caza de brujas' es esa sensación: la de estar en una habitación con gente más inteligente que tú y salir decepcionado porque no te han iluminado de ninguna manera. Asistir a un debate en el Congreso y constatar que aquello es un paripé, de muy buena apariencia y presencia; pero un paripé inconcluyente que no busca profundizar en ninguna materia, sólo hacerse una foto.

O al menos es lo que parece. Y lo que parece a veces es, a veces no es.

Nota: 6.25


Lo Mejor:
- Su reparto

Lo Peor:
- Al igual que un político en el púlpito del Congreso, parece estar de cara a la galería

SINOPSIS:
Es una historia dividida en tres actos, narrados en orden inverso, que explora la vida de Charles Krantz, un hombre común (de profesión contable) cuya existencia adquiere un significado cósmico y profundo.


CRÍTICA: LeChuck

La última película de Mike Flanagan no es una excepción. Al igual que lo vienen a ser casi todas las anteriores, es una fallida obra repleta de buenas intenciones. Ese sempiterno "le falta algo" que a menudo no somos capaces de concretar, siendo 'La vida de Chuck' una película "interesante" sobre el papel cuyo arriesgado y valiente planteamiento se encuentra con una ejecución desigual y discontinua.

'La vida de Chuck' está formada por tres historias que en realidad son solo una que, a su vez, pueden ser las de muchas otras personas. "¿Quién es Chuck?" se preguntan Chiwetel Ejiofor y Karen Gillan en la primera, mientras que en la segunda Tom Hiddleston le pone cara. "¿Quién será Chuck?" se pregunta Mark Hammill en la tercera y última que, en realidad, en orden cronológico, sería la primera.


Cuesta hacerse a esta película vagamente fantástica y de género fluido pautada de manera tan clara y a la vez esquiva. Aunque poco a poco va adquiriendo sentido como un retrato melancólico sobre la existencia humana, la importancia de las cosas sencillas, vivir el momento y ese tipo de mierdas. Un melodrama reflexivo y sermonario con una peligrosa e incómoda afición por la pompa y la cursilería.

Algo por otro lado habitual en el cine de Flanagan.

'La vida de Chuck' parece demasiado a menudo que se está autoconvenciendo de su propia naturaleza íntima, subrayada y remarcada con una voz en off que denota poca confianza, tanto en sí misma como en el espectador. Un espectador al que indudablemente se le pide dar un salto de fe, cosa que no es fácil debido a su sentimentalismo sobrexplicado, a su intermitencia tonal y a su narrativa fragmentada.

Y es que la película es mucho más estimulante como concepto que como película. El concepto está por encima de una película que nunca termina de acreditarla. Una película algo dispersa, sosa por momentos, carente de rasmia y de discreta puesta en escena cuya estructura en tres episodios a la inversa la dota de fundamento, pero también crea una barrera que Flanagan no acierta a derribar.

Algo que se magnifica cuando tras una primera parte intrigante y una segunda vibrante, 'La vida de Chuck' encalla en un tercer acto algo tedioso. Un desenlace en el que se desinfla considerablemente, resolviendo las dudas que deja su visionado en contra. Un visionado al que le falta fluidez, así como algun activo homogeneizador que no la convierta en un curioso pero fallido capricho sentimentaloide.

Nota: 6.0


Lo Mejor:
- Tres historias interesantes...

Lo Peor:
- ... que no cuajan en una sola película

SINOPSIS:
Película de terror narrada desde el punto de vista de Indy, un perro fiel que se muda a una casa rural junto a su dueño Todd...


CRÍTICA: Un perro llamado Indy

Hace unos meses se estrenó 'Presence', película de Steven Soderbergh a la que, precisamente, haciendo honor a su título, le faltaba algo más de "presencia". De fuerza. De empaque. Una "película de fantasmas" que muestra la historia desde el punto de vista del "fantasma".

'Good Boy' es también una "película de fantasmas", y que en este caso muestra la historia desde el punto de vista del "perro". Como suena, siendo no obstante un planteamiento que está respaldado y fundamentado de manera dramática. No es un capricho. Hay un porqué...

Un porqué que da para 68 minutos de reloj, tan distraídos como condicionados por la propia evidencia de su planteamiento: el protagonista es un perro. Un perro que no es como el de las pelis para críos. No habla. Y no hace nada que no haría un perro. Es sólo un perro.

Un perro llamado Indy. Cuando salió el tráiler de la película fueron muchos los que le preguntaron a Google si moría al final de la misma. Algo que debería de considerarse un espóiler, si bien los amantes de los perros -supongo- lo posicionaron como un miedo real.


¿Ver una película en la que al perro le pasa algo? ¿Al perro del propio director? 'Good Boy' es un mediometraje curioso, pero también demasiado condicionado por su protagonista, un perro al que no puedes pedirle que abandone su papel de perro. No puede. Es sólo un perro.

Un perro al que no quieres que le pase nada, empezando por su director y dueño. Puedes matar a mil personas. Pero no lastimes al perro. Nadie te lo perdonará. 'Good Boy' es una película "barata" muy condicionada por esto: no hay medios para ponerle en peligro.

Y esa falta de medios para dobles, unido a que se trata de un perro "como los de la vida real", lastra una película curiosa; en especial, para los amantes de los perros, quienes sin duda caerán en la tentación de verla con sus amiguitos de cuatro patas. Visto así, ni tan mal.

Curiosa, pero también algo escasa como película, propiamente dicho. Una que acaba además resultando demasiado light, toda vez que el primero que no quiere lastimar a Indy, el perro, es su propio dueño, el director de la película, y que no hay recursos para disimularlo.

Algo que condiciona sobremanera y al final lastra las escenas de suspense, ya que, en contrastre con las más calmadas, parece obvio que se han rodado "como se ha podido", no tanto "como se ha querido"... para tranquilidad de los amantes de los perros...

... y cierta indiferencia de los que no.

Nota: 6.0


Lo Mejor:
- La idea

Lo Peor:
- Su imperfecto desarrollo

SINOPSIS:
Nueva entrega de 'TRON'.


CRÍTICA: Y "relampagues"

'TRON' es un fallido blockbuster bastante justito no exento de una serie de defectos a los que, además, el tiempo no ha tratado precisamente bien; hasta el punto de que sus logros visuales vistos hoy en día por cualquier irrespetuoso cinéfilo de nueva hornada pueden resultar hasta ridículos. Un filme que si bien pudo ser técnicamente importantísimo, innovador para su época y en la actualidad una merecida obra de culto conceptual, poco más que su interesante envoltorio puede ofrecer para salvaguardar su estatus de filme a considerar después de unos 43 años que han dejado obsoleto gran parte de su encanto...

En ese factor técnico era donde en gran medida 'TRON Legacy' encontraba su plena justificación y gozosa validez, sirviéndose de los oportunos avances tecnológicos para actualizar, y replantear un acabado técnico que lucía de forma magistral (también en 3D) durante sus muy distraídos 120 minutos de metraje. Puede que esto no hiciera de aquella una buena película per se... porque, tal vez, tampoco tuviera por qué serlo. Pero, una vez librados de prejuicios y gracias a entre otros Joseph Kosinski, Claudio Miranda o Daft Punk en poco deslucía un espectáculo y/o experiencia (audio)visual de muy grato visionado y recuerdo.

Incluso a pesar de CLU.


'TRON: Ares' se situaría en algún lugar entre medias de ambas películas. No es un espectáculo y/o experiencia tan apabullante o contundente como la de 2010, pero tampoco es un huevo Kinder que vaya a dejar con hambre a alguien con el estómago vacío. De hecho, 'TRON: Ares' es un blockbuster que como sugieren los dos puntos intercalados en su título, estaría un poco en medio. El clásico "medio-medio" industrial en el que se tiene tanto miedo a un extremo como respeto por el otro. Un blockbuster contenido, equidistante y tan buenista como ornamental que actúa como un Ferrari a 90 km/h por una autopista española.

Si en su momento describí a 'Avatar' como "la carrocería del Batmóvil", esta 'TRON: Ares' sería como "la carrocería de un Ferrari": un bonito envoltorio bajo cuyo capó, sin embargo, no encontramos el motor de un Ferrari... siquiera uno que le permita ponerse a 120 km/h como sí ocurría con 'TRON Legacy'. Aun a pesar de Nine Inch Nails o de Jeff Cronenweth. Y es que ni Joachim Rønning es Joseph Kosinski, ni Disney tampoco parece muy por la labor... ¿de qué? De arriesgar, siendo que esta nueva secuela repite patrones que la mantienen en todo momento transitando por lugares seguros. Incluso a nivel (audio)visual.

El filme de 2010, estrenado un año después de 'Avatar', llegaba a los cines como un evento cinematográfico capaz de rivalizar con la película de James Cameron. Sin embargo, tras echar un vistazo rápido a la filmografía de uno y otro, parece obvio que Rønning aspira a ser la sombra de un Kosinski a quien si podríamos imaginar dirigiendo una secuela de 'Avatar'. El sucedáneo de andar por casa en el que se erigió tras 'Piratas del Caribe: La venganza de Salazar' y 'Maléfica: Maestra del mal', sendas superproducciones tan apañadas en lo estético como estandarizadas y normalizadas en todo lo demás con la venia de Disney.

La misma Disney de 'TRON: Ares', una explotación de la franquicia con la que, oh, sorpresa, un gran estudio no ha querido correr riesgos, en un ejercicio similar llevado a cabo con la cuarta y quinta entrega de 'Piratas del Caribe' respecto a las tres dirigidas por Gore Verbinski. Películas que en realidad no estaban mal y daban el pego, pero que habían costado una millonada y, sobre todo, venían precedidas por tres filmes de tanta gozosa personalidad y enjundia como los de Verbinski. El "downgrade" que dicen ahora era tan evidente como también puede ser ahora, con 'TRON: Ares' respecto a 'TRON Legacy'.

Una película en lugar de un evento. Aunque a decir verdad el "downgrade" no sea tan acusado o vejatorio como en el caso de 'Piratas del Caribe'. Hasta el punto de que el principal problema de 'TRON: Ares' no es ella en sí misma, sino 'TRON Legacy', y las expectativas que su mero recuerdo genera... y que no parece querer saciar, en una nueva secuela que carece de la preponderancia que le podría haber dado por ejemplo Lana Wachowski. Pero eso supondría correr riesgos como los de 'El destino de Júpiter' o 'Matrix Resurrections'. Y Disney no quiere correr riesgos... como sin ir más lejos ya corrió en 1982.

Seamos justos: 'TRON: Ares' es tan solvente como poco desenvuelta, más no por ello sobradamente digna en casi cualquier aspecto. Pero sólo es "una simple película", según la consigna que la propia Disney podría haber dado. Importante caballero es Don Dinero, que puede comprar un bonito papel de regalo pero no el alma que 'TRON: Ares' ni amenaza con buscar. Un blockbuster que da el pego, se disfruta convenientemente frente a una gran pantalla y cuya contenida solidez estaría algo por encima de una media algo por debajo de lo que era la costumbre. Además, su muy logrado y exquisito CGI se siente real y no virtual.

Pero ni sorprende, ni emociona ni maravilla en alguna medida. No es una experiencia que se pueda vivir, sino más bien una suerte de bonito y entretenido déjà vu. Una simple película que da el pego... sin pegársela, ni pegársenos.

Nota: 6.75


Lo Mejor:
-Su muy logrado y exquisito CGI se siente real y no virtual

Lo Peor:
- Pero ni sorprende, ni emociona ni maravilla en alguna medida

SINOPSIS:
Hank Thompson (Austin Butler) era un fenómeno del béisbol en el instituto que ya no puede seguir jugando. Pero todo lo demás le va bien...


CRÍTICA: Como darle un 'Hulk' a Ang Lee

La última película de Darren Aronofsky me ha remitido a la última de Alberto Rodríguez. No porque 'Bala perdida' tenga mucho que ver con 'Los Tigres', sino porque las he visto en días consecutivos y encajan en lo que sería la moribunda clase media hollywoodiense (de haber sido la española también americana). Thrillers sólidos y solventes, de presupuesto tan moderado como holgado y apoyados en algunos grandes nombres de la industria, delante y detrás de las cámaras. Nadie piensa que esté haciendo la película de su vida... pero todos se entregan a la causa como si lo pudiera ser.

Todos se divierten mientras hacen lo que mejor saben hacer, sin la presión de tener por qué hacer lo que se dice "una gran película". Basta con hacer, muy entre comillas, una apañada y resultona que ya puestos, aguante el paso del tiempo. El tipo de película que en los últimos años ha cogido cierta mal fama por culpa de las plataformas de streaming o de directores como Jaume Collet-Serra. Y eso que el cineasta español tiene trabajos muy logrados, tanto como parece a menudo que se la sude lo que esté haciendo. Como cuando encadenó cuatro thrillers seguidos con Liam Neeson: Rutina.


Sin embargo, para Aronofsky no lo es. No es habitual encontrarse al responsable de 'madre!' al frente de un filme como 'Bala perdida'. O de lo que parece ser un filme que demuestra una teoría a la que en Hollywood se le tiene mucho miedo. Si pones al frente a un director con talento y personalidad... entonces, pasan cosas. Y lo que en manos de un Collet-Serra puede ser rutina se convierte en ímpetu; en energía; en nervio; en chispa; en gracia. Porque Aronofsky no se enfrenta a 'Bala perdida' como si fuera un buen sueldo, sino como si fuera una película de Don Darren Aronofsky. Lo que es.

Probablemente no en la que pienses cuando piensas en Aronofsky, pero sí tal vez a la larga la más popular; o la que a más gente acabe convenciendo. Porque a juzgar por el resultado, parece obvio que el cineasta está comprometido con un filme que no reforzará su prestigio, pero que sí ampliará su margen de maniobra. Algo parecido a lo que podría pasar con Paul Thomas Anderson y 'Una batalla tras otra', el autor que demuestra que también puede ser un estupendo artesano... sin dejar de ser un autor.

PTA sin ir más lejos ha comentado, medio en broma medio en serio, que le molesta que Tom Cruise nunca le haya ofrecido dirigir una película de 'Misión: Imposible'. ¿El de 'Magnolia' haciendo una de acción? 'Una batalla tras otra' sugiere que podría no haber sido una mala idea. Todo es ponerse de acuerdo en qué se quiere hacer. Y respetarlo. Algo que es mucho más sencillo hacer con una de 40 millones como 'Bala perdida'. Una que cuenta con el reparto que cuenta no por lo que pagan, sino por quién la dirige.

Un cineasta con talento y personalidad, comprometido y capaz de convertir "una de Jaume Collet-Serra" en algo más que una película efectiva y entretenida. En una película más completa, estilosa e impactante que no deja pasar la ocasión para evidenciar que detrás de las cámaras hay un cineasta con ganas de dejarse notar; y de que la película se haga notar, y sobre todo, merezca la pena. Buena historia, buen reparto, buen director... y el adecuado y oportuno respaldo por parte de un gran estudio. ¿Qué puede salir mal?

Suena al ABC de cualquier acto creativo grupal; con los mimbres adecuados y la implicación de todos, es muy difícil errar el blanco. 'Bala perdida' puede gustar más o menos al igual que 'Los Tigres' o 'Una batalla tras otra', pero no hay duda que son películas sólidas y solventes, con personalidad y encanto propio y reconocible que se disfrutan como las obras maestras que no tienen por qué (aparentar) ser. Películas que además aguantan el paso del tiempo; tal vez, porque no están hechas por asalariados complacientes, sino por cineastas con el culo pelado que ante todo, y sobre todo, aman el cine.

Nota: 7.5


Lo Mejor:
- El estilazo que le imprime Aronofsky

Lo Peor:
- Que este tipo de películas rara vez caen en manos de cineastas con la personalidad de Aronofsky

SINOPSIS:
En una noche de tormenta, Laura conduce por la autopista mientras mantiene una extraña conversación telefónica con su madre...


CRÍTICA: Abuela, ¿has visto el Iniston?

El punto de partida de la ópera prima de Martín Mauregui puede recordar vagamente al de 'Heretic (Hereje)'. Muy vagamente. Una casa aislada en un día de tormenta, un anfitrión con aviesas intenciones, un oportuno e ingenuo visitante... lo que diferencia a 'Vieja loca' de la película de Scott Beck y Bryan Woods es que ni va a más, ni va más allá de su premisa: la de un pobre infeliz a merced de lo han adivinado, una "vieja loca".

Hugh Grant tenía un plan, Carmen Maura no. Beck y Woods tenían un plan, y Mauregui tan sólo la idea. A su ópera prima, entre otras cosas, le falta sacar provecho de una premisa subdesarrollada. Como por ejemplo hacía Fede Álvarez con 'No respires', película que tenía el empuje, la garra y la mala leche retorcida que le falta a 'Vieja loca', una versión tamizada para eliminar lo que pueda ser realmente retador o perturbador. 


Dicho de otra manera: 'Vieja loca' es una película más para el Cine Sénior de los martes que para la medianoche de los viernes. Una acomodada, estancada y contenida, quién sabe por qué o para qué, que no va a por todas, algo que le pasa factura en un clímax y una resolución bastante exiguos y deslucidos. Hasta entonces ciertamente es una idea intrigante... por más que nunca encuentre acomodo en lo que vendría a ser una película.

Una idea intrigante y prometedora, que aguanta durante más de una hora pero que al final ni la revienta, ni tan siquiera se anima a amenazar con hacerlo. Una idea intrigante y prometedora que a diferencia de otros títulos como 'Heretic (Hereje)', 'No respires' o 'Nadie te salvará' no se reinventa sobre la marcha, sino que se abandona a una inercia cuyo destino, por más que nunca pierda las formas, conduce a la indiferencia y el olvido.

Nota: 6.0


Lo Mejor:
- Carmen Maura

Lo Peor:
- Un tramo final que diluye buena parte de sus (escasas) bondades

SINOPSIS:
'Los domingos' cuenta la historia de Ainara (Soroa), una joven idealista y brillante de 17 años que ha de decidir qué carrera universitaria estudiará. O, al menos, eso espera su familia que haga...


CRÍTICA: ¡Libres domingos y domingas!

La noticia pilla por sorpresa a toda la familia, provocando un abismo y una prueba de fuego para todos...

'Los domingos' no es tanto una película sobre una adolescente que se plantea ser monja, como una película sobre una familia que reacciona a una decisión que se sale de lo previsto, de lo habitual, de lo normal. Una decisión que como familia, afecta de una u otra manera a todos sus miembros. No hablamos de hacerse un piercing, o de pasar un fin de semana en casa de una amiga. Sino de algo a lo que por otro lado se enfrenta casi cualquier familia tarde o temprano: al hecho de que al fin y al cabo la familia no se suele poder elegir, pero lo que quieres hacer con tu vida sí.

Ese punto de indecisión, fricción y conflicto entre el compromiso y el amor, la costumbre y la elección, la inercia y la vocación. ¿Qué quieres ser de mayor, en la vida? La familia llama a menudo a una batalla entre lo que deberías hacer y lo que quieres hacer, lo que sientes y lo que necesitas; entre el individuo y el grupo; entre la libertad de ser uno mismo y la dependencia de formar parte de una familia, de una profesión, de una sociedad. El equilibrio, en resumen, entre uno mismo y la vida, uno mismo y los demás. Entre uno mismo y el universo. Entre el yo y mi circunstancia.


Hay algo que destaca en 'Los domingos' que también destaca en 'Cinco lobitos' y 'Querer': la falta de dogmatismo de una Alauda Ruiz de Azúa que presenta los hechos con aparente equidistancia, sin un obvio juicio de valor. La cineasta cede la palabra a sus personajes para que se expresen por ellos mismos, con libertad; como si no hubiera una cámara con ellos, en un refinado, comedido y ante todo sutil ejercicio de desnudez e intimidad narrativa en la que cobra importancia lo que con premeditación y alevosía se muestra y lo que no, lo que se dice -con palabras o miradas- y lo que no.

Como si fuera la vida misma, en la que nadie tiene todas las respuestas, ni toda la información. Rara es la persona que incluso está al 100% segura de sí misma. En cierto sentido, la vida es un continuo acto de fe. Una sucesión de apuestas de fe sustentadas por lo general en lo previsto, en lo habitual, en lo normal; en una serie de decisiones que a menudo ni son fruto de una elección, tan sólo la mera inercia de una vida marcada por las relaciones sociales, familiares y laborales que se siente real. Lo sea o no da igual. Lo importante, en el fondo, es que nos lo parezca. Que pueda serlo.

Como sin ir más lejos, lo es 'Los domingos'. No deja de ser una película, pero se percibe como si fuera un reflejo de la realidad. Una realidad plausible, lógica... creíble. Esa "verdad" escondida detrás de cada obra que alcanza la madurez necesaria para ser lo que quería ser de mayor, en la vida. Esa realidad, o verdad que Alauda Ruiz de Azúa y su equipo han elaborado con suma discrección para que parezca natural. O que se sienta como tal. Que nos la podamos creer sin necesidad de tener fe, mientras nos incita a reflexionar en paz y armonía sobre ese acto de fe llamado vida.

Porque si bien en 'Los domingos' hay conflicto, también hay paz y armonía. La de por ejemplo un coro en el que es obvio reparar, pero no tanto que es la única pista de su banda sonora. Aunque ante todo hay respeto y comprensión, en una película que no cuestiona tanto si una adolescente se mete a monja, como a la familia como refugio natural. De manera tan orgánica, templada, humanista y cercana como en 'Cinco lobitos' y 'Querer' donde al final, dejando de lado la necesidad de tener que cortar en algún momento, queda la impresión, real o ficticia, de un pequeño milagro.

Nota: 8.0


Lo Mejor:
- Tres de tres para Alauda Ruiz de Azúa

Lo Peor:
- La sensación de que queda parte de la historia por contar

SINOPSIS:
La película nos presenta a Antonio y a Estrella, dos hermanos que llevan toda la vida vinculados al mar.


CRÍTICA: Dos hermanos y un destino

Alberto Rodríguez y Rafael Cobos son una de las parejas creativas más sólidas y solventes del cine español.

Antonio de la Torre y Bárbara Lennie son dos de los intérpretes más sólidos y solventes del cine español.

Movistar Plus+ es, también, una de las productoras más sólidas y solventes de la industria española...

En efecto, 'Los Tigres' es una película tan sólida y solvente como cabía esperar que lo fuera. Tan sólida y solvente como convincente y eficaz a la hora de contar lo que cuenta, algo tan simple y a la vez tan potente como para poder resumirse en un apretón de manos. Un gesto muy sencillo y cotidiano que, sin embargo, en el contexto adecuado, puede resultar tan expresivo como emotivo.


Alberto Rodríguez, Rafael Cobos, Antonio de la Torre, Bárbara Lennie... 'Los Tigres' es la exquisita construcción de ese oportuno y adecuado contexto, planteado con férrea convicción y ejecutado con firme pragmatismo narrativo. Una película que si bien se siente muy sencilla, al mismo tiempo también resulta muy completa. La experiencia es un grado que marca diferencias.

Sobre todo, cuando hablamos de un thriller de corte tan relativamente clásico como 'Los Tigres', que puede no resultar especialmente sorprendente a nivel argumental; más, no por ello deja de estar narrado con brío, agudeza y descaro. Una película que tal vez recuerde a otras, pero cuya inquebrantable viveza y confianza en sí misma esculpe su propia y reconocible personalidad.

Nada que nos pueda sorprender, nada que pueda no satisfacer. 'Grupo 7', 'La isla mínima', 'El hombre de las mil caras', 'La peste', 'La peste: La mano de la Garduña', 'Apagón', 'Modelo 77'... por algo Alberto Rodríguez y Rafael Cobos son una de las parejas creativas más sólidas y solventes del cine español. Por algo también Antonio de la Torre y Bárbara Lennie son quienes son.

Porque siempre dan la cara, incluso en filmes como 'Los Tigres' que más de uno depreciará de "alimenticio" y/o "comercial". Un filme muy sólido, solvente y de muy fácil y gustoso ver que funciona, como y cuando tiene que hacerlo de manera tan exquisita como lo es su nivel de producción, situándose como una notable alternativa a la moribunda clase media hollywoodiense.

'Los Tigres' es una apuesta tan segura como satisfactoria, tan universal como local. El "clásico" que más Goyas se lleva, aunque sean de los "menores" porque ni es la mejor ni la más particular o especial. Pero sí es la más eficaz y completa, la que guste a más gente y que más consenso obtiene (porque no le disgusta a nadie). Esa excitante y estimulante clase media (muy) bien hecha.

Nota: 7.5


Lo Mejor:
- La incuestionable solidez y solvencia de todo el conjunto

Lo Peor:
- La incuestionable solidez y solvencia de todo el conjunto

SINOPSIS:
En 1932, un grupo de europeos busca una nueva vida en una isla deshabitada del archipiélago de las Galápagos...


CRÍTICA: En el corazón de la isla

La última película de Ron Howard está inspirada en el conocido como el "Asunto de las Galápagos", la historia de los primeros colonos de la Isla Floreana en la década de 1930. Primero llegaron el doctor alemán Federico Ritter y su pareja, Doré Strauch, con la idea de vivir en paz y dejar atrás el mundo moderno. A ellos se les unieron después Heinz y Margret Wittmer con su hijo adolescente, y más tarde la baronesa austriaca Antonia Wagner von Wehrborn Bosquet con sus dos amantes alemanes...

La metáfora que respalda a 'Edén' es evidente: el paraíso no existe para el ser humano. Porque siempre habrá una variable que hará de él un infierno: el propio ser humano. Nuestra propia naturaleza nos condena. Como dijo alguien alguna vez, "el hombre de un lobo para el hombre". El estado natural de la humanidad es una lucha constante y sibilina entre individuos, motivada por el egoísmo y la competencia por los recursos.

"Motivada por el egoísmo y la competencia por los recursos". Porque cuando las cosas van bien, todo va bien. Y tan amigos. Pero cuando se rompe el equilibrio y las cosas comienzan a torcerse... tonto el último y salvase quien pueda. En 'Edén' el (odioso) personaje de Ana de Armas es el agente desestabilizador. Hasta su llegada a este microcosmos había una tensa armonía, como la de la Guerra Fría, que se podía sobrellevar.


... pero al igual que ocurre por ejemplo en 'As Bestas', llega un momento que es insostenible. 'Edén' es la crónica de cómo se va todo al garete, por resumir, servida de la mano del mismo realizador de 'En el corazón del mar', en una referencia no casual. Y es que ambas películas nos dejan con una misma impresión final: la de enmarcar una historia tan estimulante sobre el papel como poco satisfactoria sobre la pantalla.

Una historia cuya representación se muestra algo insulsa, desapasionada y poco más que curiosa en la práctica. Por nada en particular, sino por la suma de la suma corrección de todas sus partes. Y es que 'Edén' es un filme sumamente correcto en todos los aspectos que a nivel formal luce intachable. El problema, como en 'En el corazón del mar', puede que no sea tanto el filme en sí mismo como los vaivenes de la propia historia.

Una en la que Ron Howard no profundiza, con unos personajes reducidos a bosquejos que el cineasta muestra con sucia pulcritud y aseada malicia. Una historia real cuya credibilidad, de alguna manera, no puede imponerse a la de una estilizada ficción. Como 'En el corazón del mar' respecto a 'Moby Dick'. Como si la ficción superase a la realidad.

En verdad, lo mismo que también hizo Howard en 'Trece vidas', si bien aquella era un historia real más directa, simple, intuitiva y visceral. Lo importante era el hecho, de ahí que funcionase tan bien. En 'Edén', sin embargo, el hecho es más bien una consecuencia, siendo que su probable debilidad derive de la necesidad de armar dicho hecho para que impacte.

No se equivoquen. 'Edén' es una película atractiva e interesante... mientras dura. Una película atractiva e interesante que sin embargo ni impacta ni deja poso, y si una sensación de curiosidad vacía que nos anima a buscar más información sobre el "Asunto de las Galápagos". Es como informarse de la historia y la vida a través de Wikipedia.

Algo que evidencia que no satisface del todo nuestras expectativas, a pesar de la entrega de su reparto y que no le pierda la cara en ningún momento. 'Edén' no es desde luego la película que más recordaremos de Ron Howard, aunque sí es el tipo de película que le define como un cineasta siempre interesante y solvente que, sin embargo, no levanta pasiones.

Nota: 6.5


Lo Mejor:
- Ron Howard, un cineasta siempre interesante y solvente...

Lo Peor:
- ... que no siempre levanta pasiones

SINOPSIS:
Arnold es un ratón de mediana edad atrapado en una crisis existencial...


CRÍTICA: El show de Arnold

A la tercera fue la vencida. Después de dos buenos y apreciables intentos como los de 'Psiconautas, los niños olvidados' y 'Unicorn Wars' con los que nos quedamos con las ganas, Alberto Vázquez por fin firma una fábula oscura y provocadora bastante redonda en líneas generales.

La primera no explotaba del todo sus posibilidades, y sus breves 75 minutos parecían el borrador de lo que debía haber sido la película terminada; la segunda parecía hecha "a trompicones", como una suma tosca de escenas, momentos y/o conceptos no siempre oportunos antes que una película con un guión tallado en piedra... El destino y el propósito estaban claros, pero la hoja de ruta y la manera de hilvanar lo uno con lo otro parecía un tanto aleatoria.


Algo que en 'Decorado' resulta mucho más natural y orgánico. Porque en efecto, se trata de una obra más redonda, y también más completa y lograda. A la tercera fue la vencida, y con su ya característico sello Vázquez propone otra sátira alegórica y onírica "con animalicos" que esta vez sí resulta del todo satisfactoria. Aun a pesar de un clímax cuya obviedad puede que no esté del todo afinada, por más que hasta entonces la sutileza tampoco fuera su fuerte.

Ni lo es ni lo pretende. De hecho la película ya resulta obvia desde su propio título, 'Decorado'. Una película que sin duda remite a 'El show de Truman', pero como si este hubiera sido concebida como una crítica mucho más feroz y menos complaciente de la sociedad de consumo moderna. El destino y el propósito están de nuevo claros, sin margen de duda; pero la hoja de ruta de 'Decorado' está mejor y más definida y pulida que la de 'Unicorn Wars'.

Puede que por eso mismo tampoco nos impacte con la vehemencia con la que pretende, toda vez que es tan fácil reconocer nuestro mundo en cada detalle de su excelente diseño conceptual y visual, que la crítica se pierde entre el mar de simpatía que esto suscita. Lo uno no quita lo otro, siendo 'Decorado' un mordaz y delicioso cuento macabro para adultos sobre lo que todos intuimos: la libertad no existe, por más que como 'Decorado' nos podamos sentir libres.

Y por si no nos volvemos a ver: buenos días, buenas tardes y buenas noches. ¿Una cancioncita antes de poner la tele e irnos a dormir?

Nota: 7.5


Lo Mejor:
- A la tercera fue la vencida

Lo Peor:
- Que haya pasado tan desapercibida

SINOPSIS:
Paul Rudd y Jenna Ortega encabezan el reparto de esta comedia negra con tintes de fantasía y terror que sigue a un padre y a su hija que, de camino a un evento de su empresa, un titán farmacéutico, atropellan accidentalmente a un unicornio.


CRÍTICA: Unicorn A24 Wars

De A24 uno siempre espera algo extraño, excéntrico o poco convencional. Algo que de alguna manera marque alguna diferencia respecto a los demás filmes "por el estilo" producidos por cualquier otro.

'La muerte del unicornio' es ese espíritu gonzo mal entendido y aún peor implementado. Alejarte de lo que podría ser lo estándar, funcional y meramente alimenticio para acabar haciendo una amalgama extraña, excéntrica y poco convencional que, como tal, tiene aún menos sentido que como una vulgar o simple película de monstruos. El tipo de película a la que remite 'La muerte del unicornio', pero que al mismo tiempo no termina de (querer) ser.


Es de A24. No puede tratarse de una vulgar o simple "peliculita de monstruos". Aun a costa de sí misma, de un inestable y desnortado híbrido mutante entre comedia negra, sátira paródica, relato de terror y gore explícito marcado por un tono inseguro, una sensibilidad imprecisa, un ritmo inconsistente y una pobre gestión de los recursos. Una amalgama extraña, excéntrica y pretendidamente poco convencional que no tiene nada claro qué es y qué quiere ser.

Ni tampoco a quién va dirigida, en un filme desafinado y sumido en una crisis de identidad constante en el que nada parece estar en su sitio; empezando por el abuso desmedido de un CGI muy deficiente y un reparto infrautilizado, incapaz de socorrer un filme que se empeña en intentar matar unicornios a cañonazos. Un filme que pide a gritos que lo salven de sus errores, en un continuado y ahogado grito de auxilio en claro rumbo de colisión con la eficiencia.

De A24 uno siempre espera algo extraño, excéntrico o poco convencional. Pero también algo que tenga sentido y fundamento, chispa o gracia. 'La muerte del unicornio' es la perversión gratuita y mal calibrada de este mantra convertido en un trastorno de la personalidad de resultados claramente adversos. Una "peliculita de monstruos" empeñada en (no) ser(lo) diferente, aunque no sepa para qué, por qué o cómo lo debe ser. Pero claro, es una película de A24...

Nota: 4.0


Lo Mejor:
- Su reparto...

Lo Peor:
- De entre todo, su terrible CGI

SINOPSIS:
Un selecto grupo de personas es invitado al remoto complejo de una legendaria estrella del pop que desapareció misteriosamente de la luz pública 30 años antes.


CRÍTICA: A... no, 24

De A24 uno siempre espera algo... Algo que de alguna manera marque alguna diferencia respecto a los demás filmes "por el estilo" producidos por cualquier otro. Por algo el logo de A24 genera alguna expectativa.

Por desgracia ya no sorprende tanto ver a A24 haciendo una película tan justita y normalita, tan corriente y moliente como 'La última obra' del debutante Mark Anthony Green. Una película que si tuviera que juzgarla por la portada diría que la han dejado en los huesos después de un rodaje problemático.


Es, al menos, la sensación que transmite: la de ser la sombra, los restos, el accidente de una película (al menos en potencia) más interesante. Puede que lo fuera sobre el papel, o puede que nunca fuera nada más que un anodino, obvio y superficial cruce sectario entre 'Parpadea dos veces' y 'El menú'.

Un anodino, obvio y superficial cruce sectario entre 'Parpadea dos veces' y 'El menú' que quiere creerse 'Midsommar' -A24 mediante- para deambular luego como alma en pena de forma frustrante, incapaz de explotar alguno de sus elementos de manera que les dote de algún valor, relevancia o interés.

'La última obra', al igual que por ejemplo 'La muerte del unicornio', es una película desafinada, endeble y vaciada demasiado cercenada por un tono inseguro, una sensibilidad imprecisa, un ritmo inconsistente y una pobre gestión de los recursos a la que el logo de A24 termina dando la puntilla.

Porque el logo de A24 genera alguna expectativa que 'La última obra' ni está cerca de satisfacer; ni aunque John Malkovich estuviera todo el rato cantando.

Nota: 5.0


Lo Mejor:
- https://youtu.be/F7rawKZkaWU?si=EXgDkaxnJ6mqHu47

Lo Peor:
- Puff

SINOPSIS:
Adaptación cinematográfica del relato de Warren Zanes sobre la grabación en 1982 del álbum "Nebraska" de Bruce Springsteen.


CRÍTICA: Oh, ese es el álbum

El biopic de Bruce Springsteen recuerda de forma inequívoca a títulos como 'A Complete Unknown', biopic sobre Bob Dylan que al igual que 'Springsteen: Deliver Me From Nowhere' estaba respaldado por lo que en su día era la Fox. Un gran estudio en cualquier caso, en uno de tantos biopics tan sólidos y convincentes, eficaces y respetables como a la hora de la verdad, efímeros y un tanto pasajeros.

En especial, si los comparamos con la profunda huella y el gran legado dejado por sus respectivos objetos del deseo. También, si como vuelve a ser el caso la interpretación de su protagonista está por encima de la propia película. Un "caramelo" que Jeremy Allen White no desperdicia, siendo de hecho, como suele ser costumbre, como suele ser la tradición lo mejor y más destacable de este o cualquier otro biopic.

Un biopic que junto a la propia 'A Complete Unknown' o 'The Smashing Machine' confirma que los grandes estudios van espabilando en al menos un aspecto: El género ya no tiene por qué limitarse al repaso superficial de toda una vida, en un por lo general complicado ejercicio de síntesis contraproducente. Tampoco por qué incidir, necesariamente, en algún gran éxito o momento de gran esplendor. 


'Springsteen: Deliver Me From Nowhere' se centra en cómo un músico lidia con una severa depresión mientras graba su álbum más sombrío, y a la postre, también uno de los más importantes de su carrera. La idea, conjugar con sencillez y de manera íntima problemas de salud mental y demonios internos con el proceso artístico y la clásica historia de éxito. Lo que acaba siendo la película: Un clásico.

Esa canción que nunca pasará de moda porque nunca llegará a estar de moda. Esa correctísima canción que nunca elegiremos de buenas a primeras para escuchar, pero que nunca nos saltaremos si la vida nos la pone delante. Una película centrada en el cómo, no tanto en el porqué, lo que reblandece una propuesta tan sólida como comercial, tan valiente como lo pueda ser sin dejar de ser complaciente.

El clásico biopic en el que destaca el influjo de su leyenda, la entrega de su protagonista, por supuesto que la música (aunque no sea ningún "greatest hits") y algún que otro secundario como Jeremy Strong, de dulce de un tiempo a esta parte. Destacan, porque la película no se permite (o no se le permite) destacar. Al fin y al cabo, Scott Cooper es un cineasta solvente, pero su pericia narrativa es bastante estándar.

El clásico biopic que en realidad no lo es tanto, dado que 'Springsteen: Deliver Me From Nowhere' no es en realidad lo que cabe esperar de una película biográfica sobre alguien como Springsteen... aunque, y he aquí el quiz de la cuestión, transmita la misma sensación que si lo fuera. Es una película más íntima, pequeña, sencilla, humana y realista. Es una película sobre Bruce antes que sobre Springsteen.

Sin embargo, Cooper, al igual que por ejemplo James Mangold, es un cineasta demasiado alineado con las inquietudes de un gran estudio; inquietudes que, por lo general, pasan por reducir las inquietudes a lo justo y necesario. Un cineasta demasiado obvio, capaz de hacer que una película tan interesante sobre el papel como esta resulte más entretenida que estimulante. Mucho más pop que rock.

Mucho más convencional que desafiante.

Nota: 6.75


Lo Mejor:
- Se aleja de la plantilla habitual de este tipo de biopics...

Lo Peor:
- ... pero sin llegar a resultar realmente transgresora

SINOPSIS:
Secuela de 'Black Phone'.


CRÍTICA: Simplemente, pasaba por aquí

La secuela explotation de 'Black Phone', una película según dejé por escrito hace tres años "autolimitada a lo mínimo exigible e incapaz de disimular que se trata de una chorrada; resuelta con oficio, pero de poco beneficio..." como lo es aún menos dicha secuela explotation. La, al menos, no tan típica secuela "de explotación" de Bluffhouse.

Es cierto que no me convenció 'Black Phone', como tampoco lo ha hecho esta secuela a la que al menos le reconozco no haber intentado repetir la misma jugada. Hubiera sido lo más cómodo, práctico y fácil aunque no necesariamente lo más fiable. Una secuela que muta en un derivado no oficial de 'Pesadilla en Elm Street' en el que Ethan Hawke sale más en el póster que en la propia película (si es que realmente es él).


Una secuela desestructurada, sobreescrita y demasiado reduccionista que insiste en vulgarizar a un villano arrinconado por la cristiana y nevada inercia de su deriva. Una inercia tan subrayada como estéril que a diferencia del icónico Freddy Krueger no se hace fuerte ni en el terror ni en la comedia, sino en el sueño de haber estado en Derry.

Pero Derry le queda muy lejos. No digamos ya al despertar, con una serie de personajes con los que Scott Derrickson, atrapado en medio como en 'El abismo secreto', no sabe muy bien qué hacer. Están por estar, metidos con calzador para que la escasa y nada intimidatoria presencia (del doble) de Hawke pueda pasar algo más desapercibida.

Una amenaza que no se siente como tal, en una secuela rodada con oficio pero (de nuevo) poco incisiva que además no acierta a bascular el protagonismo entre Mason Thames y Madeleine McGraw. Una deriva pesada, hueca, inane que sobre todo falla, como película de terror, en convertir a El Raptor en algo que no sea, simplemente, un tío que pasaba por ahí. Como lo es esta secuela "que simplemente pasaba por aquí".

Nota: 4.0


Lo Mejor:
- Su cartel...

Lo Peor:
- ... refleja la calidad de la película

SINOPSIS:
Nueva adaptación de la famosa y conocida obra de Mary Shelley.


CRÍTICA: Ese Del Toro enamorado de la Luna

En un momento dado de esta película alguien se pregunta "¿en qué parte de su cuerpo está su alma?", refiriéndose, por supuesto, a ese doble sentido con patas que representa "el monstruo de Frankenstein".

¿En qué parte de esta película está su alma? ¿Dónde está la pasión, vibrante y condenada? Guillermo del Toro se estanca en la retórica ornamental con esta superfluamente lujosa y excesivamente literal versión de una novela de Mary Shelley publicada en 1818 de la que puede que hayan oído hablar alguna que otra vez. Su nombre... 'Frankenstein; o, el moderno Prometeo'.


Una versión más, otra más que a efectos prácticos aporta más ego por parte de su creador que alguna novedad relevante o sustancial. Es obvio que el cineasta mexicano respeta la obra original, tanto como para no terminar de hacerla suya ni de imponer su caracter al recuerdo, vago o concreto de otras versiones más agudas y/o pujantes, más particulares y no tan comedidas.

O menos huecas y átona. O que simplemente llegaron antes.

Versiones quizá ni tan bonitas ni recargadas, pero sí mucho más eficientes a la hora de narrar (o reinterpretar) una historia que ni nos sorprende ni Del Toro hace porque nos sorprenda. Versiones más libres y/o espontáneas que tampoco se sienten como una lectura en voz alta ceremoniosa, grave y solemne envuelta en un dispendio de ampuloso, hinchado y acomodado pijerio.

Algo que unido a una "criatura" un tanto desubicada, y que recuerda más a otro tipo de seres que a un monstruo prefabricado que hace de este otro "monstruo" un preciosista, inflado y a la postre pesado y postizo envoltorio onanista de dos horas y media que no puede morir porque carece de vida. Porque no sabe dónde se encuentra un alma que no busca; sólo contempla.

Nota: 6.5


Lo Mejor:
- El cameo de Santiago Segura

Lo Peor:
- Un dispendio de ampuloso, hinchado y acomodado pijerio

SINOPSIS:
La vida de un padre de familia (Benedict Cumberbatch) da un giro tras la inesperada pérdida de su mujer.


CRÍTICA: La del pájaro negro

En medio del desconsuelo, la familia recibe la visita de Cuervo -antagonista, embustero, protector, terapeuta, niñero-, una ave negra y picuda que amenaza con quedarse en la casa hasta que sanen las heridas familiares...

'El duelo es esta cosa con alas' -un título muy claro y directo- es, en palabras de su autor, "una carta de amor al dolor indescriptible y a la formidable belleza del mundo. La vida es sombría. La vida es divertida. Esta es una carta de amor a mis familiares, vivos o muertos. Es una carta de amor a la poesía, a los cuentos para niños, a las fábulas, a los mitos, a los ensayos y a los dramas teatrales".


"La del pájaro negro" -como usualmente se la acabará conociendo- es una especie de cruce entre 'Un monstruo viene a verme' y 'Tuesday' con ecos a Edgar Allan Poe, un tono a lo 'Babadook' y un Benedict Cumberbatch que no está mal ni en películas como 'Los Rose'. Que conste que esta última no es una referencia, sino la constatación de que el actor no puede hacer milagros.

Como el que no es la adaptacion cinematográfica de la novela de Max Porter, que pierde "el duelo" de su título resultando con ello más esquiva (aunque no menos obvia), ni tampoco la actuación de un Cumberbatch tan solvente como en él es habitual (hasta en películas tan insustanciales como, no sé, 'Los Rose'...). Sin riesgo no hay gloria, pero tampoco puede haber gloria sin acierto.

Dylan Southern viste de terror un drama psicológico entre fantasía y realidad lastrado por una insistente, subrayada y repetitiva literalidad no exenta de interés, pero de una armonía reñida consigo misma que, a la postre, es igual de estimulante que de frustrante. Un distraído "ni contigo ni sin ti" durante el que pensamos más sobre si nos está gustando que sobre lo que nos está contando.

Nota: 6.0

SINOPSIS:
En un tranquilo suburbio de Massachusetts, allá por 1970, J. B. Mooney, un padre de familia desempleado y ladrón de arte aficionado, planea su primer atraco.


CRÍTICA: Granuja de medio pelo

La última película de Kelly Reichardt dura poco más de 100 minutos que parecen y, sobre todo, se sienten en el alma como si fueran más de dos largas horas... Lo que nunca es una buena señal.

La última película de Kelly Reichardt dura poco más de 100 minutos... pero podría haber durado poco más de 60, que no hubiera pasado nada. Porque puesta sobre plano, es una película tan sencilla que acaba quedando definida -de forma acertada aunque también un poco injusta- por una palabra: peñazo. Pero porque "coñazo" suena demasiado despectivo.


Una película demasiado sencilla y minimalista que deriva en un "peñazo" harto dilatado en el que no parece pasar gran cosa; peor, no parece tener mayor fundamento que ser un ejercicio de estilo tan estilizado y convincente como relativamente vacío y gratuito. A la película, estancada, le falta sustancia que ayude a justificar un ritmo tan laxo y contemplativo.

Josh O'Connor deambula sin más, de maestro del crimen amateur a fugitivo igual de amateur con su habitual cara de compungido, sin que nada parezca importar o ser relevante. Hasta que la asepsia reinante llega a su fin, sin más, sin haber levantado la voz ni haber hecho ningún ruido de una manera tan anticlimática como intrascendente que roza el troleo.

Sí, has leído bien. Pienso palabras que jamás pronunciaría...

Nota: 6.0


Lo Mejor:
- La curiosidad inicial...

Lo Peor:
- .. deja paso al tedio al final