Título original: His Girl Friday
Año: 1940
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos
Director: Howard Hawks
Guión: Charles Lederer (Remake: Ben Hecht & Charles MacArthur)
Música: Morris Stoloff
Fotografía: Joseph Walker (B&W)
Reparto: Cary Grant, Rosalind Russell, Ralph Bellamy, Gene Lockhart, Porter Hall, Ernest Truex, Cliff Edwards, Clarence Kolb, Roscoe Karns, Frank Jenks, Regis Toomey, Abner Biberman, Frank Orth, John Qualen, Helen Mack, Alma Kruger, Billy Gilbert, Pat West, Edwin Maxwell
Productora: Columbia Pictures
Género: Comedia. Romance | Comedia romántica. Periodismo. Remake
Sinopsis:  Hildy Johnson, la mejor reportera del periódico Morning Post, anuncia que va a dejar el periodismo para casarse y dedicarse a su familia y a las labores del hogar. Pero Walter Burns, el editor del periódico y ex-marido de Hildy, no puede aceptarlo, por lo que se sirve de toda clase de tretas para retenerla en el periódico y, de paso, intentar reconquistarla.

Breve comentario:

Como no la tengo muy reciente y me costaría hacerle justicia, tiraré de comentarios ya hechos de otras personas que vengan a reflejar lo que pienso.
Una comedia de las que me gustan y que desgraciadamente ya no se hacen... Basada en una obra de teatro, que ya tuvo una primera versión que no he visto aún, luego esta de Howard Hawks y una posterior de Billy Wilder (Primera Plana), que también es una delicia.


El periodismo, esa maldita profesión.
Por  vircenguetorix

No es que a Howard Hawks le interesase especialmente la comedia, sin embargo igual que John Ford será recordado por sus westerns, Hawks lo será por sus comedias, cuando realmente tiene más películas de otros géneros. Lo que pasa es que sus comedias son todas buenas o muy buenas y “Luna nueva” no podía ser una excepción.

El de Indiana ya había probado la comedia con “La fiera de mi niña” consiguiendo un gran éxito de público, aunque hay que decir que la comedia en aquel entonces estaban considerada por la crítica como un género menor, de mero entretenimiento y apenas nunca lograban éxitos y premios.

Aún así Hawks realizó una adaptación de la obra de Broadway “The Front Page” que ya había sido llevada al cine por Lewis Milestone diez años antes. Más que nada era un experimento cinematográfico ya que algunos planos y sobre todo diálogos yuxtapuestos no se habían rodado de esa forma hasta entonces. “Luna nueva” es una de las primeras películas donde claramente se impone el texto sobre la imagen, el cine también puede ser narrativo, literario y auditivo y no siempre visual. El texto escrito entre otros por Ben Hecht, que ya había trabajado con Hawks en “Scarface”, es prodigioso y de una modernidad increíble para la época.

No cabe duda que los actores ayudan mucho a ello, ya que tenemos en uno de sus mejores papeles a Cary Grant que ya era un actor bastante conocido con éxitos como “Historias de Filadelfia” o “Gunga Din” entre otras. Y sobre todo destacar a una Rosalind Russell, simplemente maravillosa, es una pena que esta actriz no hiciera mucho cine porque en realidad podía sin lugar a dudas haber sido una de las grandes, pero su matrimonio se lo impidió. !Qué pedazo de papel hace con Hildy!

También cuenta la película con una magnífica fotografía de Joseph Walker el de “¡Qué bello es vivir!” que en decorados e interiores saca perfectamente partido de la luz, consiguiendo unos claroscuros formidables.

NOTAS PARTICIPANTES:

- Dragondave: 8
- Jescri: 9
- Amármol: 6
- Jfr. Sach: 7,75

NOTAS DE OTROS USUARIOS

- Wanchope: 8

America for business, France for love

Populaire supone el debut en la dirección de Régis Roinsard, por la que recibió una de las 5 nominaciones en total que obtuvo la película en los premios César.
A Régis le surgió la idea de hacer una película sobre los concursos de mecanografía tras ver un documental sobre la historia de las máquinas de escribir, donde se incluía una secuencia sobre un concurso de mecanografía. A partir de ahí empezó a recopilar información sobre este singular “deporte” hasta llegar a formarse el guión de esta singular historia que tiene lugar en la primavera de 1958. La joven Rose Pamphyle vive con su padre, un viudo cascarrabias que dirige la tienda del pueblo. Comprometida con el hijo del mecánico local, parece destinada a la vida tranquila y monótona de un ama de casa. Pero no es eso lo que ella desea. Cuando viaja a Lisieaux, en Normandía, dónde el carismático jefe de una agencia de seguros, Louis Echard busca una secretaria, la entrevista de trabajo resulta un desastre. Pero Rose revela un don especial, puede mecanografiar a una velocidad extraordinaria.
Inconscientemente, la joven despierta el durmiente espíritu de competición de Louis. Si Rose quiere el trabajo tendrá que participar en una competición de mecanografía. Cualquiera que sean los sacrificios que tenga que hacer, Louis se declara su entrenador. La convertirá en la chica más rápida no solo del país, sino del mundo. Pero el amor al deporte no siempre combina bien con el amor a secas.

Régis siempre tuvo presente durante el proyecto lo que quería para su película, y su amor al cine de los 50 y 60, la estética de Jacques Demy, la comedia de Stanley Donen y Billy Wilder o el encanto de Audrey Hepburn o Marilyn Monroe están presentes en Populaire, aunque Régis lo adapte a su manera.
Ya en los créditos iniciales nos metemos de lleno en la situación temporal, todo un homenaje a una época y una declaración de intenciones para con el espectador.
Eran los años precedentes a la liberalización de la mujer, las cuales soñaban, como la protagonista, con ser secretarias y despuntar a la moda de París. La competitividad era tal que hasta en los curriculums se incluían las pulsaciones por minuto. La rapidez era fundamental y ese deseo se extrapola a sus personajes, donde Rose desea abandonar su pueblo para destacar.


Todo este aire de superación a lo Rocky, con entrenamiento incluido, viene de la mano de la guapa Déborah François, que ya despuntaba maneras en El niño de los hermanos Dardenne y en El primer día del resto de tu vida de Bezançon. Con el estilo y la belleza de Shirley MacLaine y Audrey Hepburn, su fragilidad pero a la vez fuerza y voluntad para conquistar el mundo si hace falta, François se come la pantalla, irradia magnetismo. Además, el entrenamiento que hace en la película aprendiendo mecanografía fue casi real, pues François le dedicó de dos a las tres horas al día durante tres meses en la fase de preparación, y luego durante el rodaje, a formarse como mecanógrafa.
No se queda atrás Romain Duris, el cual estuvo siguiendo a un entrenador de fútbol para opreparar su papel. Duris, cada vez más popular y con la chispa de siempre para la comedia, posee un encanto extraño, y el personaje le queda perfecto. Misterioso pero a la vez simpático.
Bénérice, guapa como de costumbre, aquí relegada a un papel más secundario pero no por ello menos importante, juega un papel vital, sobre todo para el personaje de Romain Duris y su evolución interna.

Quizás podamos decir que carece de un guión sorpresivo, la historia es previsible pero no pretende lo contrario. La importancia reside en los protagonistas y su relación, y ello se nota en el especial cariño con el que están trabajados y plasmados en pantalla.
Sí que se echa en falta un poco, quizás, una leve explicación de las reglas de los concursos de mecanografía, pues es un acontecimiento tan extraño a ojos de casi todo el mundo actualmente que la expectación recae en esperar a que el jurado dicte veredicto, pese a que se nota tensión entre los participantes, no te sientes implicado con tanta intensidad.

Otro apartado en el que destaca especialmente Populaire es la fotografía gracias a Guillaume Schiffman, quien gracias a The Artist ha ganado reputación. Aquí vuelve a hacer un trabajo muy destacado sobre todo cromáticamente, emulando correctamente la estética de los 60 y su viveza visual. La escena de cama entre Rose y Louis, con sus tonos rojizos y azules sería un buen ejemplo de la gran labor realizada.


Una opera prima que costó la inusual cantidad de 15 millones de euros (para un trabajo de un principiante), pero que gracias a la implicación de todo el reparto y el equipo técnico y, sobre todo, por el amor con que está hecha ha logrado llegar a buen puerto. Y es que la frase “America for business, France for love” viene a reflejar la película en sí, pues aunque nunca se descuide el negocio (sobre todo cuando hay tanto dinero en juego) la impresión es que se ha hecho más pensando en el amor a cierto cine de una época que a la taquilla.
Por suerte, ese amor y simpatía que derrocha se traslada al espectador, que pese a que sea la historia mil veces vista pero con vestido diferente, se gana su afecto y le conquista una vez más.

Sinopsis:

Clara, Eloisa, Rina y Vincenza comparten una terrible culpa, el infanticidio. Ingresadas en un hospital psiquiátrico, expían su condena intentando asimilar la responsabilidad de una acción que ha arruinado sus vidas como personas y madres. Mientras, conviven forzadamente con otras mujeres, en las que ven su culpabilidad reflejada. Familias y amistades rotas, la angustia vital que sienten y un consuelo que nunca reconfortará las convierten en mujeres rechazadas por la sociedad y por sí mismas. Pese al dolor, entre ellas todavía queda una oportunidad para la amistad y la esperanza.

Crítica:

Lloricas no, gracias

Con Maternity Blues nos encontramos ante el típico caso de un “quiero y no puedo”, por parte de Fabrizio Cattani, donde se ha escogido un tema espinoso como el de los infanticidios.
Ante este tema, caben dos vertientes: una seria, desde un punto de vista casi didáctico, u otra ficticia y dramática, hecha para fomentar la venta de kleenex. Y es una pena que se haya decantado por esta segunda opción.

Basada en una obra de teatro llamada De Medea, de la propia Gazia Verasani, que también participa en el guión de la película. El nombre de la obra hace referencia al 'síndrome de Medea', llamado así por la mitología griega, cuando Jasón abandonó a Medea y ésta mata a la amante de su esposo y mató o dejó matar a sus hijos por venganza.
No todos los que padecen este síndrome responden a motivos de venganza, pueden darse otros casos como en la película, por depresión, psicosis alucinatoria, incapacidad o incompetencia paternal... Y lo más grave, que no tiene cura, simplemente se puede seguir una terapia si se interviene a tiempo para evitar males mayores.
De este síndrome, aunque no se le llegue a mencionar, trata Maternity Blues, donde cuatro mujeres se encuentran en un hospital psiquiátrico por matar a sus hijos. Cada una lo lleva a su manera, pero a todas les une el sentimiento de culpa y el rechazo de la sociedad. Al menos se tienen entre ellas para, a través de la amistad, darse una oportunidad.


El tema tratado es bastante interesante, y se agradece que alguien tenga el atrevimiento de sacarlo a la palestra.
Se derriban falsos mitos, como el instinto materno. A nadie le surge por arte de magia, tras tener un niño, tras el parto. Pero lo que sí puede surgir es depresión post-parto. Y es que no todas las personas están preparadas para la responsabilidad que es tener un hijo, tanto moral como monetarial o temporal. Siempre pensé, personalmente, que al igual que hay que hacer exámenes teóricos y prácticos para sacarse el carnet de conducir, deberían existir también para ver si se está cualificado para ser padre o no. Y tras ver Maternity Blues, más concienciado estoy de esa idea.
El problema con la película de Fabrizio Cattani viene al exponer esas ideas al lado de la pornografía sentimenal, donde parece más preocupado de emocionar que de comprender la verdadera raíz del problema. Se esbozan ideas pero se subrayan en demasía las emociones que acaba irritando al avispado espectador que sabe ver en cada escena donde nos indica Fabrizio que debemos emocionarnos.
Tampoco ayuda a meterse en la historia una realización bastante cercana al telefilme de sobremesa, sobre todo por un guión que no ahonda lo suficiente en los personajes, sino que se limita a perfilarlos superficialmente y a mostrar gratuitamente a modo de flashback las muertes de los niños para intentar sobrecoger.
Es, sobre todo en estas películas de temas tan serios, donde hay que dejar aparcado el melodrama para que las emociones exageradas no se coman el contenido de la trama, lo verdaderamente importante.


Cattani no quiere mojarse en mostrar culpables, por lo que se lava las manos a lo Poncio Pilato y deja que el público sea el que juzgue a estas cuatro mujeres. Pero, paradójicamente, en la película se juzga a la sociedad que no entiende los problemas de estas personas y se quedan únicamente con el infanticidio, y se esboza un intento culpabilidad hacia los maridos que dejan toda la responsabilidad a las mujeres en la crianza de sus hijos.
Las medias tintas no funcionan bien en las películas, o juzgas a todos o a nadie.

Así, de ideas interesantes, acabamos asistiendo a una película bastante desechable por no saber tratar un tema con rigor y seriedad, sino volviéndolo lacrimoso y descaradamente sensiblero, para ganarse el favor de unos y otros.

Sinopsis:
Una joven estudiante de cine y su madre huyen a Mohang, una ciudad junto al mar, con la esperanza de eludir a sus acreedores. La joven empieza a escribir el guión de un corto para tranquilizarse.

Aparecen tres mujeres llamadas Anne y cada una de ellas visita la ciudad. La primera Anne es una exitosa directora de cine. La segunda es una mujer casada que tiene una aventura con un coreano. Y la tercera está divorciada del marido que la dejó por una mujer coreana. Una joven se ocupa de un pequeño hotel que pertenece a sus padres construido a orillas del mar. En la playa cercana siempre hay un socorrista. Cada una de las tres Anne se hospeda en el hotel, entabla una amistad con la hija de los dueños y pasea por la playa donde conoce al socorrista.


Crítica:

Huppert al cubo


Hong Sang-soo presentó hace poco su nuevo trabajo, Nobody's Daughter Haewon, en el Festival de Berlín, pero la que nos llega a las carteleras españolas es su anterior trabajo, En otro país, que cuenta con la veterana Isabelle Huppert, que casualmente llega esta semana con dos películas a nuestras carteleras, la coreana y Dead Man Down, un thriller del director de Los hombres que no amaban a las mujeres.

En otro país, nos habla de la historia de una joven estudiante de cine y su madre que huyen a Mohang, una ciudad junto al mar, huyendo de los acreedores que quieren cobrar las deudas de su marido. Para evadirse, la joven empieza a escribir tres breves historias, sobre tres mujeres llamadas Anne (las tres interpretadas por Isabelle Huppert), una de ellas es una directora de cine francesa visitando a un amigo en Mohangh, la segunda está casada con un ejecutivo de una empresa automovilística y aprovecha el viaje de éste a Hong Kong para ver a su amante, director de cine. La última es un ama de casa rica de la que recientemente su marido se ha divorciado para irse con su amante coreana, y para consolarse visita Mohang junto a una amiga.


Podría decirse que hablamos más de un drama con algunos toques cómicos, más que de una comedia en sí, donde muchas situaciones, personajes y objetos se repiten (aunque no exactamente de la misma forma) en las tres historias que forman la película, creando un entramado de simbolismos y referencias internas que forman una interesante madeja de la que ir tirando, aunque las historias que se cuentan son bastante sencillas y livianas, que de degustan como caramelos, pero, desgraciadamente, se esfuman en la memoria con la misma rapidez.

Hablar de la película es imposible sin mencionar a Huppert, la cual se involucra de lleno en la película con sus tres personajes, aportando toda su simpatía y presencia.

Huppert está bastante contenta con el rodaje íntimo de la película, pero mostraba su inquietud en una entrevista de The Hollywood Reporter sobre si la gente llegaría a conectar con la película, ya que el mundo de Hong Sang-soo es “muy poético y bastante esotérico, pero también ligero y burlesco”, un enfoque que quizás no estemos muy acostumbrados los occidentales tovadía.

Y es que entre esas situaciones livianas se atisba que hay unas segundas intenciones del director, algo que intenta contar de más peso, pero eso ya queda en la cabeza de cada uno para darle vueltas en el post-visionado.


Fríamente las historias son simpáticas y poco más, y la historia de la joven que escribe todo, al final parece ser un mero McGuffin, pues ni siquiera se vuelve a ella al acabar las tres... como si toda la película quedara en un limbo sin justificación alguna. Eso deja la sensación de una película poco cohesionada internamente, como si asistiésemos a una película por episodios, conectada por los detalles repetidos, pero no en cuanto a unidad temática.

La fotografía de look ligeramente amateur (buscando expresamente) le otorga ese aire de transitoriedad al relato, como las conversaciones improvisadas o los amores de verano, pero particularmente el uso del zoom no me agrada salvo en muy contadas ocasiones, y no es en esta una de esas, pues me da la sensación de artificiosidad, sabiendo en todo momento que hay un cámara operando.

Las sensaciones finales son que, después de los sueños efímeros, el Soju y faros perdidos, sin ser ni mucho menos una mala película, tampoco trascenderá en nuestra memoria, se deja ver amablemente pero ni compartimos el humor ni la visión poética tan propia del cine oriental. Supongo que estas son las desventajas de vivir en otro país.

Dedícate a los documentales, John (sin acritud)

El amante de los océanos, John Stockwell, como ya demostró con Al filo de las olas e Inmersión letal, vuelve una vez más a sumergirse en las profundidades marinas con Marea letal (cómo les gusta a los traductores de títulos hacer estos chascarrillos entre títulos propios de los directores...), una película protagonizada por la pareja Halle Berry-Olivier Martínez, con todo el revuelo de su romance post película, que en Estados Unidos no ha gozado de un buen recibimiento, estrenándose en cines de forma muy limitada y prácticamente yendo directa al dvd, lo que sorprende un poco que, en nuestro caso, sí se estrene en cines (aunque es de suponer que también de forma limitada...).

Y es que la película carece de gran interés salvo por su lado semidocumental, ya que la historia que nos cuentan tiene poco donde rascar, ni mucho menos da para las casi dos horas que dura y todos sabemos el único camino posible que puede tomar la trama para que tenga sentido como película, lo que la convierte en altamente previsible, y el camino hasta dicho final se haga rutinario, de mero trámite. La película cuenta la historia de una pareja que trabaja estudiando a los tiburones, en una de sus salidas tienen un percance y muere un amigo que trabaja con ellos devorado por un tiburón. Esto afecta a la pareja emocionalmente y deciden separarse. Al año, ella está sin dinero y a punto de perder su barco embargado, aparece su marido con una suculenta oferta de un millonario y su hijo, que quieren nadar con tiburones, fuera de las jaulas habituales. A pesar de las reticencias iniciales de ella, acabará accediendo por la necesidad monetaria


A historias simples, personajes clichés. Eso debieron pensar los guionistas, pues nos encontramos con unos personajes poco trabajados con estereotipos preestablecidos que ni se molestan en desarrollarlos, más allá de un par de datos con la finalidad de que el espectador empatice con ellos, pero esto no se consigue de forma tan sencilla, y encima, realmente, no aporta prácticamente nada a la trama.

Por si los problemas fueran pocos, hay que sumar que hay dos escenas que trascurren de noche (la de los cazadores ilegales y el final) que se hacen difíciles de seguir por la falta de iluminación, no se muestran claramente los hechos y por ello pierden intensidad.

Así, se enturbia un poco lo más rescatable de la película, las escenas submarinas, así como los ataques de los tiburones, donde se nota la verdadera pasión del director/actor John Stockwell, y donde mueve la cámara como pez en el agua, consiguiendo escenas de bella factura.

Quizás debiera sentarse a meditar y plantearse dedicarse más enteramente al apartado documental que a las películas de ficción. Al menos así no engañaría a nadie con tramas baratas y nos dedicaríamos a contemplar felizmente el mundo submarino en todo su esplendor.

Sinopsis:

En algún lugar de África subsahariana, en una pequeña y remota aldea, Komona, una niña de 12 años, vive pacíficamente con sus padres, hasta el día en que es secuestrada por el ejército rebelde y se ve obligada a combatir como niña soldado. Por su capacidad para salvarse, le nombran “bruja de la guerra”. Su única salida y amigo será Mago, un chico de 15 años que desea casarse con ella.

Crítica:

Gallo blanco, negra guerra


Los Oscars hace tiempo que ya nos dieron nuestra dosis anual necesaria de premios y premiados, pero a las carteleras españolas aún nos llegan películas de aquella 85ª gala.
Este es el caso de Rebelde, la película del canadiense Kim Nguyen, que consiguió colarse entre los cinco candidatos a mejor película de habla no inglesa.
Nguyen ya tenía en su haber otras tres películas, pero es con Rebelde con la que ha conseguido darse a conocer al mundo, siendo premiada en festivales como el Tribeca Film Festival, el Círculo de Críticos de Vancouver, el Canadian Screen Awards, Sitges o Berlín, aparte de multitudinarias nominaciones en otros tantos.

Este drama bélico nos cuenta la historia de Komona, una joven de doce años que vive en el África subsahariana, donde un ejército rebelde la secuestra y obliga a matar a sus padres, convirtiéndola en una niña soldado, justo a otros niños y niñas de su edad.
La película se presenta cruda, sin concesiones ni artificios, pero tampoco es un plato que se atragante en su escabroso relato, pues sabe dosificarse con lirismo y toques humanitarios lo suficiente como para que incluso veamos un toque positivo dentro de tanta inmundicia.


Nguyen juega muy bien con los pocos medios a su alcance y los explota sabiamente, como se puede observar, por ejemplo, en su banda sonora, haciendo una inquietante canción con el chirrido de una vieja puerta de metal.
Guerra y amor, remordimientos e infancias rotas, todo se mezcla en la película, dejando detalles para el recuerdo como la búsqueda de ese gallo blanco, o un inocente juego entre niños guerreros, uno de los pocos atisbos de inocencia en estos niños que son enseñados a que su único padre y madre es el arma que llevan consigo.

Vista fríamente podría parecer otra película denuncia de niños en la guerra, pero Rebelde no quiere caer en sentimentalismos baratos, y quizás sea ese el mayor logro de la película, resultar veraz, cruda, honesta pero a la vez con un toque humano que nos la hace cercana sin ser melodramática, ayudado en gran parte por la buena interpretación de Rachel Rwanza en el papel de Komona.

Una buena apuesta, cercana al estilo de Bestias del sur salvaje, pero a la vez distinta completamente en temática. Quizás no llegue a conmover como debiera, pero sin duda tiene las aptitudes necesarias para decir que merece la pena su visionado.

Sinopsis:
Christian tiene una tienda de vinos al borde de la quiebra. Y en otros aspectos de su vida no le va mucho mejor. Su mujer Anna le ha dejado. Ahora trabaja como representante deportivo en Buenos Aires y vive una vida de lujo con la estrella del fútbol Juan Díaz. Un día Christian y su hijo de 16 años cogen un avión destino Buenos Aires. Christian llega con la excusa de querer firmar los papeles de su divorcio con Anna, pero en realidad su intención es otra. Quiere intentar recuperar a su mujer.


Crítica:

Divorcio a la argentina


Ole Christian Madsen se une al selecto grupo, junto a sus compatriotas Lars Von Trier, Thomas Vinterberg, Susanne Bier, Nicolas Refn, Ole Bornedal, entre otros, que destacan en esta nueva ola danesa que tan buenos frutos está dando cinematográficamente.

Madsen, que con Noche de vino y copas se inicia en el mundo de la comedia, logró llevar su película entre las nueve finalistas a los Oscars en la categoría de habla no inglesa, aparte de haber recibido diez nominaciones a los premios Robert (algo así como los Goya daneses) y el premio Bodil (que otorga la crítica danesa) a la actriz secundaria para Paprika Steen y que, como no, ha logrado ser un éxito de taquilla en su país.

Tras el buen recibimiento de Flame & Citrón y Prage, ahora explora en el género de la comedia,ahora en Buenos Aires con coproducción argentina, donde el protagonista Christian, dueño de una bodega, junto a su hijo Oscar, que atraviesa una crisis de identidad, irán en busca de su mujer Anna, que les abandonó hace once meses por un futbolista de éxito del Boca Juniors con el cual pretende casarse.

Las situaciones se vuelven hilarantes y los personajes pintorescos están a la orden del día, desde la asistenta Francesca que le echa el ojo a Christian, el pichichi Juan Díaz, el viticultor Mendoza o la guía del cementerio, Victoria. Un elenco de personajes excéntricos, hipérboles al servicio del gag, unos más acertados que otros, pero que se les acaba cogiendo cariño.

Los consolidados actores daneses, Anders W. Berthelsen y Paprika Steen se encargan de la pareja protagonista, acompañados por Sebastián Estevanez (famoso por sus papeles en telenovelas argentinas), Jamie Morton, Dafne Schiling y Adriana Mascialino. Se puede decir que cada uno cumple con su cometido, sin destacar uno por encima del otro.


Enmarcada la historia entre el “Superclásico” del fútbol argentino (Boca vs River), lo cual da el título a la película en el original danés, Christian intentará entender el por qué su mujer le ha pedido los papeles del divorcio, a su vez que intentará restaurar su amor. Rodeado de fútbol, tango y mucho vino, la situación se descontrolará por completo.

Como trama secundaria, destacaría la historia de Oscar, que se enamora de la intérprete Victoria y pone el contrapunto amoroso al divorcio de sus padres.

Si bien la película de Madsen tiene cierto toque original, más que en la historia en sí, un tanto trillada (aunque se agradece el enfoque positivo), lo que más luce de la película son los personajes, que serán meras caricaturas muchas veces, pero se les sabe sacar provecho en pos de la risa.

Los problemas surgen cuando el gag queda demasiado estirado, forzado o, simplemente, no funciona como debiese. Esto ocurre en varias ocasiones, y es ahí cuando ese mismo personaje curioso y gracioso, a veces cae en el ridículo (un ejemplo sería la surrealista apuesta de los penaltis)


Sin entrar en la absurdez de, a estas alturas, criticar los títulos traducidos de las películas (esa batalla jamás se ganará), al menos se podría haber escogido algo con más sentido, ya que “vino” y “copas” viene a ser lo mismo en el caso de la película, lo cual carece de sentido alguno.

Títulos aparte, nos encontramos con una simpática película en gran parte, con algún que otro gag no tan conseguido y que, sin ser nada verdaderamente especial, se deja ver y, según se deje uno llevar y el tipo de humor que se tenga, se lo podrá pasar decentemente, bien o muy bien.

Sinopsis:
Willie Molina, es un famoso actor de Hollywood de películas de serie b, cuando practicando la caza, su mayor hobbie, hiere de forma superficial a una chica de un grupo de amigas que están pasando el día en el monte. Willie las atiende en su casa y las invita a pasar un buen rato en su finca. El oficio de las jóvenes es el de ejercer de gancho en la carretera a hombres ingenuos a los que desvalijan valiéndose de sus encantos. Al descubrir que Willie tiene bastante dinero, las chicas y su protector, Robín, junto a una nueva chica, acorralan al viejo actor amordazándole y golpeándole. Pero las cosas no acaban así. Willie consigue liberarse y convierte su casa en coto de caza.


Crítica:

Basura de serie (con pretensiones de serlo)

 Del creador en los ochenta de títulos tan singulares y cachondos como Sueca bisexual busca semental y No me toques el pito, que me irrito (a ver quien es el listo que los lee sin una sonrillisa en la cara) llega, tras treinta años de parón en la gran pantalla (ha trabajado en series de TV y TV movies) Serie B, título que pretende homenajear a ese género marginal de su título, las películas de bajo presupuesto, con altas dosis de carnaza, sangre y mala leche en sus venas.
Dirigida principalmente a los cinéfilos frikis, amantes de la caspa que simplemente desean pasárselo teta con este tipo de películas.

Ya, en el prólogo de la película, el propio Reguant nos avisa de lo que vamos a ver, un homenaje a esas películas de tetas y culos de los setenta/ochenta/noventa, de guión fácil y divertimento igual de gratuito. Avisa que puede herir sensibilidades tanto emocionales como artísticas... Y acto seguido, unos títulos de crédito cutres (como deben de ser) como si una parodia de las de James Bond pero con estilo salvapantallas de Windows, cantado por Gisela (sí, la de Operación Triunfo). Declaración de intenciones en toda regla.


En este tipo de películas, no se exige un guión excelente ni interpretaciones para el recuerdo. La serie B se juzga con otras “reglas” menos objetivas y que variarán mucho según el tipo de frikismo y caspa que lleve de serie el espectador. Lo que para unos es una brillante obra maestra bizarra para otros puede ser una aburrida ida de olla con falta de gancho. Teniendo esto como premisa, esta crítica, por tanto, es simplemente una visión personal desde mi particular visión de lo que debe ser una película de serie B decente y destacable.

Destacando en el reparto el clásico del género Manuel Zarzo (con unas ciento cincuenta películas en su haber) y la televisina Sonia Monroy, el argumento se reduce a la típica película de venganza sangrienta entre escenas de sexo gratuito. Si bien no se la puede criticar por algo que no pretende ser, sí se puede decir que queda demasiado 'light' en casi todos los aspectos como para dejar huella. Tienes toques de humor, añadidos a las malas actuaciones (buscadas o no) y a los movimientos de cámara y zooms cutres a conciencia; pero la película aqueja de un ritmo poco fluido, falta de más mala leche, poco sangrienta y poca “chicha” para lo que se podría esperar de ella.
Y no hay nada peor que ir de rebelde y quedarse en el intento.


No nos meteremos con sorpresas estúpidas de guión, pues le dan 'salsa' dentro de la cutrez necesaria, pero la auténtica serie B, la que intenta homenajear, es algo más que cuatro tetas, guiones malos y algo de sangre. Son películas que, por amor al arte, se hicieron pretendidamente buenas pero por falta de medios quedaros cutres pero, dentro de su cutrez, se les notaba cierta magia, un 'no-se-qué' que las separa de las otras aberraciones fílmicas y las lleva al paraíso de las “cutres con encanto”. Tienen en sus historias ingeniosas absurdeces, frases memorables que repetirán sus seguidores y escenas para el recuerdo.

Lamentablemente, por mucho que sea de agradecer que alguien apueste por la serie B como género predilecto en su filmografía, la película de Ricard Reguant no posee estas cualidades para hacerla memorable, sólo un breve pasatiempo, con mayor o menor acierto según el humor de cada uno, la compañía y la bebida que acompañe en el día de su visionado.
Al menos, eso sí, podemos decir que Serie B satisface uno de los placeres ocultos de muchos espectadores: ver a Sonia Monroy recibir contundente (en varios sentidos, además).