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- Reinaldo Marcus Green dirigirá el piloto de 'Southern Bastards'

- 'No aptos para el trabajo', la nueva comedia de Mindy Kaling, llega en exclusiva a Disney+ el 2 de junio

- 'El deshielo' celebrará su estreno mundial en el Festival de Cannes

- Teaser tráiler

- 'Rehearsals for a Revolution' participará en la Sección Oficial Fuera de Concurso (Séance Spéciales) en Cannes

- 'La más dulce', dirigida por Laïla Marrakchi, en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes

- FATHERLAND, de Paweł Pawlikowski, competirá en la Sección Oficial del Festival de Cannes

https://x.com/mubi/status/2042192180911972356?s=20

- Termina el rodaje de 'La roja'

- KILL BLUE llega a Crunchyroll esta primavera

https://x.com/TheAcademy/status/2041622832984080450?s=20

- 'Love Me Tender' - Fecha de estreno en España

SINOPSIS:
En el Chicago de los años 30, un solitario Frankenstein pide la ayuda del Dr. Euphronius para crearse una compañera.


CRÍTICA: ¡Está viva!

Es normal que Netflix se echase para atrás a la hora de producir '¡La novia!' porque, igual que sucede con la reciente 'Cumbres Borrascosas', se trata de una película con personalidad, surgida de la rabia y la inquietud, que se sale del molde. O del algoritmo, si así lo prefieren expresar. Una película en busca de pulso y alma que, a diferencia de la de Emerald Fennell, sí termina encontrando.

A diferencia también del 'Frankenstein' de Guillemo del Toro, sin ir más lejos un enfundado de un clásico constreñido por el miedo a darle algún volumen que pueda salirse del marco. Maggie Gyllenhaal por contra se echa al cuello, tanto de la obra de Mary Shelley como de la no menos icónica de James Whale. Se lanza, se arriesga. Sin miedo al qué dirán, sin miedo al fracaso o a la obra original.


Contar para ello con el favor de Jessie Buckley y Christian Bale es una ventaja, obviamente; también, contar con la generosidad de una Warner Bros. que en el último año se ha dejado la pasta en 'Mickey 17', 'Los pecadores', 'Weapons', 'Una batalla tras otra', la citada 'Cumbres Borrascosas' o esta '¡La novia!', entre exclamaciones de orgullo y pasión. Fuck IA, que le den a los algoritmos.

Vida y muerte, amor y odio, rabia y pasión, orgullo y prejuicio. No es menos obvio que '¡La novia!' posee un alma controvertida, desafiante. Una especie de cruce entre 'Bonnie y Clyde' y 'Joker: Folie à deux' -también de WB- que te podría haber amagado con dirigir el Yorgos Lanthimos de 'Pobres criaturas'. Un cruce no del todo redondo, pero siempre consecuentemente estimulante.

Gyllenhaal busca, aspira a reemplazar al original -bajo un canon moderno- mientras lucha, se afana por encontrar su propia voz y el derecho a existir de su versión. Una que va más allá del lujoso e hinchado tintado de conveniencia de Del Toro, y que a diferencia de esta o del 'Cumbres Borrascosas' de Fennell captura la esencia de su propósito en beneficio, que no en perjuicio de la obra.

De su película, de su monstruo. Como las de un Lanthimos al que le tenemos más tomada la matrícula. Lo de Maggie Gyllenhaal puede ser una excepción, un capricho, una casualidad. Quién sabe. Una excepción, capricho y/o casualidad inquieta, brava y con ganas de vivir cuyo empoderado y resiliente grito de orgullo contenido se siente auténtico, fluido, orgánico. Esto es, se siente vivo.

Nota: 7.25


Lo Mejor:
- ¡Está viva!

Lo Peor:
- ¡Está muerta!

SINOPSIS:
La película nos presenta a Elsa, una directora de publicidad cuya madre muere durante un largo puente del mes de diciembre.


CRÍTICA: Dolor y gloria

No me gusta el cine de Jim Jarmusch. No obstante, 'Paterson' me gustó bastante. No sé hasta qué punto por méritos propios o por tratarse de LA excepción; de encontrarme de pronto con una película suya que, oh, sorpresa, me transmitió algo... hasta el punto de no querer volver a verla, no vaya a ser que la liemos.

No es que no me guste el cine de Pedro Almodóvar, pero no suelo conectar con él. Ni con su cine ni con su persona. Aunque aquí no hemos venido a hablar de esas cosas. Tampoco de 'Madres paralelas' o 'La habitación de al lado'. Aquí hemos venido a hablar de cine. Lo que es y representa 'Amarga Navidad'.

Almodóvar, el primero, quien deja de lado el subtexto político y/o ideológico que tan mal le sentó a sus dos últimos filmes para volver a centrarse en lo que, a juzgar por la propia película, mejor sabe hacer. No suelo conectar con su cine, porque su cine es profundamente personal, raramente confundible. Lo que desde la empatía esquiva, me atrevo a decir, establece un muro entre sus filmes más auténticos y los que lo son menos; al menos, de un tiempo a esta parte.


Puede que sí, o puede que no. Lo sea o no, 'Amarga Navidad' es un filme que, como se intuye a lo largo de todo su metraje trata, ante todo, sobre el propio Pedro. Como se intuye a lo largo de, y se acaba confirmando en un tramo final que despeja, de forma rotunda y explícita, dicha incógnita amparada y enriquecida por un malabarismo narrativo, para nada caprichoso que entrelaza tres historias que en realidad forman una sola. Como debe y tiene que ser.

Si el cine de Almodóvar es personal, 'Amarga Navidad' se siente una película genuina. Tal vez, demasiado enmarcada por la experiencia reflexiva de quien ya actúa más con la cabeza que con el corazón. Tal vez, también, demasiado autoconsciente, autorreferencial y autocomplaciente, en una obvia metaficción sobre el propio Pedro con aroma a déjà vu. Que, ante todo, parece e incluso se siente surgida de la imperiosa necesidad vital de un autor de expresarse.

El cine de Almodóvar siempre me ha parecido impostado y artificioso, epitome de un ego operístico que más que servir a una causa se regodea en su existencia como un fin en sí mismo. En 'Amarga Navidad', por descontado, hay bastante de eso... o de lo contrario, no sería una película de Almodóvar. Pero también hay eso -a menudo tan esquivo- que llamamos verdad. Se siente, o se puede llegar a sentir, la honestidad de la que, por ejemplo, carecen sus dos filmes anteriores.

Puede que sí, o puede que tan sólo esté tratando de justificar por qué me ha gustado la última película de un cineasta que no suele gustarme. El porqué he congeniado con una obra sobre la creación y los mecanismos que la vertebran. Sobre la necesidad de contar historias para afrontar la realidad; sobre cómo la existencia de quienes nos rodean nos sirven de inspiración para ser quienes somos. Porque somos lo que la vida (la empatía y el dolor) hace de nosotros.

Cómo nos deje expresarnos, siendo este dulce "amargo" una reflexión madura y serena sobre cómo la vida (y el dolor que la acompaña) inspira el arte y, a su vez, la vida no se puede entender (o afrontar) sin la autorrealización. Un juego de espejos que vertebra la que para un servidor es la no-ficción más lograda de Almodóvar desde 'Volver', otra de esas "raras" excepciones en las que un servidor, contra todo prejuicio, se dejó llevar -con mucho gusto- al huerto.

Nota: 7.5

SINOPSIS:
Jason Statham.


CRÍTICA: Otra de Statham

Una de Jason Statham.

Otra de Jason Statham.

'Shelter: El protector' es una Jason Statham, otra de Jason Statham. Es lo que parece. Es tal y como suena. Esta vez, dirigida por Ric Roman Waugh, el de títulos como 'Operación Kandahar', 'Greenland: El último refugio' o la secuela de esta, muy oportunamente titulada 'Greenland 2'.

¿Quién has dicho? Ric Roman Waugh. Aunque da lo mismo... para el caso, como si hubiera sido el de 'Beekeeper: El protector' o 'A Working Man'. Para el caso, sigue siendo una película de Jason Statham, otra película más de Jason Statham; alias, "el protector". Un protectorado en sí mismo.


Jason Statham, en una de Jason Statham. ¿Qué puedo decir que no haya quedado dicho ya de por sí? Su misión más importante, protegerla. Recordad: él es el protector. Y 'Shelter: El protector' es, por si no lo sospechan, un continuo recordatorio de eso. Una película hecha a su medida.

Una correcta y sólida película de acción de la vieja escuela en la que los malos cometieron un grave error: meterse con Jason Statham. Lo mismo se podría decir del espectador que apueste por verla si no le gustan las películas de Jason Statham. Películas como, sí, 'Shelter: El protector'.

Películas que Cuatro te vende como pocos. Películas con las que uno siempre tiene un déjà vu, dado que lo único que tienen de especial, de relevante o de distintivo es su protagonista. En este caso, Statham. En una, otra de Statham. En otra de tantas, correcta pero olvidable, de Statham.

Nota: 5.75


Lo Mejor:
- Una de Jason Statham

Lo Peor:
- Otra de Jason Statham.

SINOPSIS:
Una joven tiene que sobrevivir la noche en el Virgil, una guarida perversa y misteriosa...


CRÍTICA: Buena suerte, pásalo bien, no mueras

De '¿Por qué no te mueres?' a 'Te van a matar'.

A Kirill Sokolov le sigue faltando la madurez, el amor propio, la templanza y/o el refinamiento que ya echamos de menos en su, por otro lado, muy disfrutable ópera prima. Carne de cañón festivalera que es posible que muchos de ustedes desconozcan. Es normal. Suele pasar. Carne de cañón festivalera que parecía más preocupada en ser guay y llamar la atención, tanto del público como de la industria que en comportarse como algo que más allá del momento, ¡oh, qué momento!, pudiera dejar huella.

De aquella un servidor recuerda haber escrito (porque lo dejé por escrito) que, como un estudiante de primer año mitómano, Sokolov tiraba de referentes que, sin embargo, no hacía suyos. Sergio Leone, Sam Peckinpah, Sam Raimi, Sion Sono, Guy Ritchie, Quentin Tarantino, Edward Wright, Park Chan-wook... y si me apuras, incluso Wes Anderson. Es, de nuevo, facilísimo reconocer las múltiples influencias de este nuevo cachondo y violento relato desarrollado a golpe de ecos, homenajes, guiños y/o plagios.


A golpe de una pura y desprejuiciada desvergüenza que tira de un carro que podríamos definir como un cruce entre 'Redada asesina' y 'Posesión infernal: El despertar'; como un 'Delicatessen' con trasfondo demoníaco; como el auténtico 'Grindhouse' que Rodríguez y Tarantino no supieron hacer. Como la película que Sam Raimi no se atrevió a hacer en lugar de 'Send Help (Enviad ayuda)'. Carne de cañón tan festivalera como kamizake, que sorprende que venga de la mano de un gran estudio.

Porque su vocación, clara y manifiesta, no reside ni en el engaño ni en sumar a la causa a los indecisos, sino en alcanzar la categoría de filme de culto. De una película "para fans" predispuestos a sintonizar con su cándida honestidad, a perdonar la inmadura osadía de un Sokolov cuya pasión está peleada con el sentido común. 'Te van a matar' podría ser el resultado de un "sujétame el cubata" pagado por los Muschietti.

Los Muschietti, que al igual que Raimi les dejan las auténticas insensateces a otros. Como la que nos ocupa, de un cachondeo violento e hiperestilizado que tras un principio arrollador, por mera y gozosa reiteración sensacionalista, por bravucón amor incondicional al espectáculo, acaba perdiendo fuelle en un tercer acto un tanto precipitado; incluso anticlimático que nos deja con la sensación de un divertimento desfallecido y/o descabezado al que sólo acaba manteniendo con aire una arrebatadora Zazie Beetz.

Nota: 6.5


Lo Mejor:
- Un primer acto notable...

Lo Peor:
- ... que da paso a un segundo no tan logrado y un tercero tirando a flojo

SINOPSIS:
Una joven idealista compagina su vida familiar y laboral en una comedia sobre las personas que amas y cómo sobrevivir a ellas.


CRÍTICA: Propicios días

Es innegable que George Lucas acusó los más de 20 años que estuvo sin dirigir entre 'Una nueva esperanza' y 'La amenaza fantasma'. 20 años son muchos años... no sólo para una persona, sino también para el mundo en el que vivimos hoy en día. La de cosas que pueden cambiar en 20 años. Hacer cine no era para nada lo mismo a finales de los 70 que de los 90, o que ahora ya en el siglo XXI.

James L. Brooks vuelve a la dirección 15 años después de '¿Cómo sabes si...?', y lo hace con una película que se desarrolla en 2008. Una película que ha podido hacer por quién es; porque como productor de 'Los Simpson' puede hacer lo que quiera. Incluso una película como esta, que se siente por desgracia tan anacrónica y demodé. Tan fuera de lugar... como de espaldas a la realidad.

Quizá por eso mismo se desarrolla en 2008, para poder darle la espalda a lo que hoy en día nos preocupa. 'Ella McCay' remite a ese cine del Hollywood clásico que visto ahora, en perspetiva, parecía vivir en una pérfida burbuja. Propaganda buenista en la que los personajes, lejos de comportarse como personas de carne y hueso lo hacen como 'Los Sims' dentro de su perfecta realidad virtual. 


'Ella McCay' es una película humana, social, espiritual, moral y políticamente demasiado idealista, optimista y escapista sobre una servidora pública decidida a hacer lo correcto. Tan idealista, optimista y escapista que, lo dicho, se siente tan fuera de lugar como de espaldas a la realidad. Incluso a la de 2008, lo que provoca que se perciba como una película tan deshonesta como desubicada.

Incluso molesta, aunque sea una impresión relativamente injusta para con una película tan amable y bienintencionada. Como aquel bonachón al que lejos de apreciar, le tratan de tonto. El ingenuo que insiste en hostiarse contra el muro de una realidad cínica y nada amable. Se comprende tanto el propósito de Brooks que uno, como espectador, le encantaría poder abrazar su discurso.

Darle verosimilitud, creérselo. Ir a votar pensando que, oh, el mundo puede ser esa bonita utopía donde las cosas son justas y adecuadas.

Como a uno le encanta abrazar el discurso de películas como 'Qué bello es vivir' cada Navidad. Brooks parece ese "tonto" del que uno aprecia su idealismo, pero del que también molesta que te mire por encima del hombro mientras evita responder las preguntas incómodas que con mucha ligereza plantea. Hacer lo correcto porque es lo correcto, sin explorar el porqué es lo correcto.

Es lo correcto... porque sí. Porque lo es.

Viviendas, trabajo y papeles para todos. Hecho. Oye, ¿pero cómo lo hacemos? Lo hacemos, y punto. Así de fácil y sencillo. Porque es lo correcto. Porque es una película, y en una película como 'Ella McCay' los malos no pueden ganar. Una "feel-good movie" clásica y ligera, por supuesto que condescendiente que a uno le hace sentir como si hubiera vuelto al colegio, a cuando tenía ocho años.

A cuando el mundo y la realidad parecían una peli Disney, mucho antes de saber que los Reyes son los padres. De un buenrollismo casi infantil, blanco y nada irónico excusado siempre, de forma inofensiva por una sonrisa tan fácil y ligera como acartonada y efímera. Reconfortante tal vez, pero de la misma manera que el discurso vacío de cualquier político que sólo dice lo que quieres oír.

Nota: 5.5


Lo Mejor:
- Su inocencia retro tiene cierto encanto...

Lo Peor:
- ... aunque eso mismo es lo que impide que nos la podamos tomar en serio

SINOPSIS:
Cuando un nuevo asesino Ghostface aparece en el tranquilo pueblo donde Sidney Prescott (Neve Campbell) ha construido una nueva vida, sus peores miedos se hacen realidad cuando su hija (Isabel May) se convierte en el siguiente objetivo.


CRÍTICA: Esa señora de la que usted me habla

Y van siete. Como en su momento también hubo una séptima película de 'Saw', 'Halloween', 'Viernes 13' o 'La matanza de Texas'. Es posible que las hayan visto, pero así a bote pronto seguro que ni se acuerdan ni saben cuáles son. Bueno, tal vez de 'Saw' sí, pero porque era "la del 3D". ¿Era aquella en la que...? ¿En esa no era en la que salía...? Ah, ¿puede ser la de esa muerte tan...?

De 'Scream 7' nos preguntaremos, con el tiempo, si era en la que echaron a Melissa Barrera, la protagonista de las dos anteriores. Es complicado no pensar en ello, aunque sólo sea porque, en efecto, era la protagonista de las dos anteriores. Una nueva "scream queen" para una nueva generación... que ahora se (re)encuentra con Neve Campbell, la de la generación de sus padres.

No tengo nada en contra de Campbell, por siempre jamás "la de 'Scream'". Por eso ha vuelto, porque es "la de 'Scream'". Porque sobre todo pagaban muy bien. Y si pagaban muy bien era porque habían echado a Melisa Barrera. El porqué y eso, en verdad, da igual. O debería dar igual. Porque de lo que se trata, al menos en teoría, es de juzgar la película. Aunque en la práctica sea difícil.

No porque uno se pregunte qué hubiera sido con ella al frente, que también; sino porque la propia película, la séptima, en la que al igual que Laurie Strode en 'Halloween H20: 20 años después' reaparece Sidney Prescott, no nos da los suficientes argumentos como para que no dejemos de pensar tanto en eso como en otras cosas que mientras la vemos no dejemos de pensar.


No sé si se acuerdan, pero aquella 'Halloween H20: 20 años después' era también la séptima entrega de la saga, en una resurrección propiciada por el éxito, precisamente, de 'Scream', una película muy disfrutable, icónica y seminal que aún hoy en día sigue funcionando tan bien... que ninguna otra entrega de la franquicia -a excepción de la segunda- ha sabido cómo hacerle sombra.

Por algo vuelve Campbell, igual que en su momento volvió Jamie Lee Curtis. Por algo también vuelve Kevin Williamson, el "papá" de Ghostface. Para que la nostalgia haga su magia. Para que lo que no le pudimos perdonar a las otras entregas se lo podamos perdonar a esta. Para que no parezca que ha pasado tanto tiempo como ha pasado; para la película no, pero para la fórmula sí.

Es cierto que, lo admito, me he enfrentado a 'Scream 7' predispuesto a lo peor. Al fin y cabo no me convencieron ni la tercera ni la cuarta, y no me gustaron la quinta y la sexta. ¿Por qué iba a hacerlo la séptima? Porque uno, iluso de él, sigue guardando un buen recuerdo de 'Scream'. Porque uno, ingenuo de él, sigue creyendo que las películas se hacen por una buena razón. Ya ven.

Sin embargo, la franquicia ha degenerado hasta el punto de que uno ya no tiene claro cuál es la de coña y cuál es la de terror, si 'Scream' o 'Scary Movie'. Es una exageración, vale. Pero el concepto es el concepto, y el filón de 'Scream' con cada nueva entrega ratifica, o estar más que agotado, o estar explotado con pereza. De ser una copia de una copia de una copia de una copia de...

Una familiaridad desarrollada sin la frescura, chispa o ingenio, no ya sólo de las dos primeras películas. Da igual que intenten compensarlo con Sidney, o con más sangre y muertes, escenificadas en cualquier caso con la misma alarmante falta de pasión, voluntad o creatividad de una IA. 'Scream 7' es OTRO proceso mecánico y rutinario que deriva en una aburrida y cansina mediocridad.

Nota: 3.0


Lo Mejor:
- Alguna muerte tiene su gracia...

Lo Peor:
- ... la película en sí misma no mucha

SINOPSIS:
Película biográfica sobre Christy Martin, pionera del boxeo femenino.


CRÍTICA: Por el estilo

Las películas del estilo a 'Christy: El combate de su vida' suelen ser... por el estilo. Suelen ser, o tal vez sólo nos lo parezcan.

Ser o no ser. Parecer o no parecer.

'Million Dollar Baby', sin embargo, no es una película "por el estilo". Aunque pueda parecerlo vista desde fuera. Pero no, es 'Million Dollar Baby'. Y quien entiende, entiende. Es a lo que en teoría debería aspirar toda película, más una como 'Christy: El combate de su vida' inspirada en la vida real de alguien que destacó en su disciplina. Por eso se hace la película, esta película. A eso debería de aspirar toda película "por el estilo".

Las formas son las correctas, pero 'Christy: El combate de su vida' no logra superar esta barrera: La de una suma corrección que la sostiene tanto como la contiene. La suma corrección de lo que es complicado no ver como un vehículo para el lucimiento dramático de una Sydney Sweeney como marca el canon, afeada. De nuevo, lo sea de verdad... o sólo lo parezca. Aunque el que más destaque acabe siendo Ben Foster.


La relación entre ambos es lo que vertebra la película, siendo lo que debería de marcar la diferencia respecto a otras "por el estilo". Porque no es tanto un drama deportivo sobre una mujer que daba sobre el ring como uno sobre una que recibía en casa. En el recuerdo es inevitable pensar en 'Whiplash', aunque sólo sea porque, al igual que 'Million Dollar Baby', la de Damien Chazelle es de las que dejan huella. De las que destacan.

Por contra, 'Christy: El combate de su vida' es de las que recuerdan, mientras su recuerdo se apaga en pocos segundos a otras mucho más redondas, logradas y/o personales. A otras ni tan correctas ni tan encorsetadas. A otras no tan desangeladas e irregulares, que de tantos altibajos no parecen un todo firme y premeditado, mucho menos uno tan contundente como el de Clint Eastwood, sino una tosca resolución de un comité.

Uno de esos que como el jueves, digamos que están en medio. Donde justo termina 'Christy: El combate de su vida', película que se asemeja a lo que podría ser un comunicado conjunto entre PSOE y PP sobre cualquier tema institucional. Ese tipo de película que uno admite que no está mal pero que le da un poco igual, ya que no deja de ser "por el estilo" a otras en la que una chica guapa se pelea con la vida como una fea.

Lo sea de verdad, o sólo nos lo parezca.

Nota: 6.0


Lo Mejor:
- La esforzada interpretación de Sydney Sweeney...

Lo Peor:
- ... envuelta en una no tan esforzada película

SINOPSIS:
Tres historias interconectadas reflexionan sobre la esperanza, las relaciones humanas y el ciclo de la vida a lo largo de miles de años.


CRÍTICA: Todo está (des)conectado

¿Puede el amor, el poder del bien incluso en la adversidad, perdurar más allá de la vida que conocemos y prolongarse a través de siglos y lugares? 'El atlas de las nubes' de David Mitchell es una novela de 2004 que según la versión oficial da la vuelta al mundo y recorre desde el siglo XIX hasta un futuro apocalíptico a través de seis historias entrelazadas.

También, es una película de 2012, no por casualidad inspirada en la citada obra de Mitchell. Una película dirigida por Tom Tykwer, Andy Wachowski y Lana Wachowski que dura más o menos el triple que 'En un instante'. Es cierto que sólo son tres historias y no seis; tanto, como que también es imposible no pensar -con dicho referente en mente- que, en esencia, se trata de una especie de versión de andar por casa de aquella.


"De andar por casa", por no decir que "a lo pobre" a la que le falta colmillo. No es por comparar, pero 'El atlas de las nubes' poseía un arrojo y bravura de las que carece 'En un instante', una película claramente fallida a la que Andrew Stanton no le encuentra ni el pulso ni el tono, siquiera en algún momento puntual. Una película demasiado pulcra y bonita que parece rodada de la misma aséptica forma que un anuncio de colonia.

La idea de la película como concepto no está mal. Pero su plasmación en imágenes resulta demasiado blanda, marcada por una amabilidad y un buenismo que remiten por ejemplo a la reciente 'Ella McCay'. No es que no sea creíble, sino que se muestra como una postal de autoayuda que nunca cobra vida, deambulando con una actitud positiva y esperanzadora que resulta impostada e indolente. Tan frívola como inane. Es marketing, no cine.

Las intenciones sin duda son buenas, como lo es su mensaje. Pero en su salto a la pantalla el concepto, como tal, se ve desdibujado por una narrativa preciosista que adopta la misma mentalidad hermética que Ned Flanders. Una pose que se escuda en su buenismo y optimismo caquéxico para no profundizar en nada ni cuestionarse nada que no sea insistir en un burdo eslogan de campaña que repetir de cara a la galería como un imbécil.

Nota: 5.0


Lo Mejor:
- Sus buenas intenciones

Lo Peor:
- Sus pobres resultados