SINOPSIS: Un corrupto militar pone en las calles unas innovadoras y peligrosas armas. John Hery (Shaquille O'Neal), un diseñador de armas que trabaja para el ejército norteamericano, se convertirá en la única esperanza que tendrán los desesperados ciudadanos para luchar contra las bandas que asolan las calles. Contará para ello con la ayuda de una experta en electrónica (Annabeth Gish) y la imaginación de un trabajador del metal (Richard Roundtree). Ambos prepararán un equipo de acero con el que Hery podrá enfrentarse en una despiadada guerra en las calles para detener al militar.



"NUNCA SE ME DIERON BIEN LOS TIROS LIBRES"

28.596 puntos en la NBA, 13.099 rebotes, 2.732 tapones, 4 campeonatos de la NBA, campeón olímpico en Atlanta 1996, campeón del mundo en Canadá 1994...menos mal que el baloncesto se le dio bien.

Shaquille O'Neal está considerado unánimemente como uno de los pivots más dominantes que han pisado una cancha de baloncesto e intentó ser otra cosa aparte de solamente un jugador de basket, lo cual está bien, y se metió a actor, lo cual está mal. Dentro de su filmografía figuran algunos títulos que huelen a terrorismo cinematográfico que tira para atrás, entre ellas 'Steel, un héroe de acero', que coge como protagonista a John Henry Irons, uno de los personajes surgidos durante la novela gráfica 'La muerte de Superman' y que fue el superhéroe Acero. Tuvo el dudoso honor de ser por primera vez interpretado por Shaquille O'Neal.

Ya sabía perfectamente que iba a ver, así que el resultado calamitoso que he visto no me pilla precisamente por sorpresa, para que luego digan que no se puede saber si una película es buena o no hasta que no se ve, solamente he confirmado sospechas. No sé si cualquiera de los involucrados delante y detrás de las cámaras tenía esperanzas en que esto fuese un éxito, imagino que alguno habría. Lo plasmado en el montaje final desde luego que no hace justicia al personaje.

Ya para empezar escoger a Shaquille O'Neal. Entiendo que el mote que le pusieron de 'Superman' y el tatuaje con el logo del superhéroe que lleva en un brazo, pero, como dijo Gary Oldman en un sketch del programa de Jimmy Kimmel, que los deportistas se alejen de las películas. Shaquille seguro que le puso todo el ahinco, aunque se nota que no le da, intimida más sin el traje puesto y todo. Escoger a ya un actor en horas bajas en ese entonces como Judd Nelson como el villano de la historia tampoco es que fuera a llevar a la gente a los cines en masa. James Cameron pudo respirar tranquilo aquel año 1997 y pudo llevarse una gran pasta de 'Titanic' y 11 premios Oscar cuando parecía que quizás esta se podría haber llevado todos los elogios.

La película se puede poner a algún niño o niña si se aburre muchísimo en su casa porque la historia es más básica que el vestuario de Tarzán y tiene algún mensaje bonito como el de ayudar a los inválidos (¿se puede decir eso hoy día o es carne de cancelación?), pero ayudarles también a valerse por sí mismos como, por ejemplo, en ls escena donde 'Sparky' se cae de la silla. Eso sí, como opción para ver debería estar entre lo más profundo de la lista a no ser que seas un mal padre o madre y odies a tus hijos.

Me gustó el toque honesto de O'Neal consigo mismo con las bromas de los tiros libres, al menos siempre supo reírse de sí mismo.

3

SINOPSIS: Un equipo de comandos de las Fuerzas Especiales es abducido por una misteriosa nave espacial durante una operación militar. Al despertar, los soldados desconocen su paradero y pronto descubren que están prisioneros de una despiadada raza alienígena, lo que desencadena una frenética lucha por su supervivencia.


USAR Y TIRAR

Cuando uno ve 'Osiris' (o traducido al español, 'Aliens vs. Comandos') uno no puede esperar ver de antemano una de las mejores películas que ha visto en su vida, este año, este mes o incluso esta semana o este día si ha visto más de una. Con eso en mente, ya se puede entrar de lleno en lo que se ofrece. Una producción donde destacan nombres como LaMonica Garrett (a quien conocí como Monitor/Antimonitor en el cruce de series del 'Arrowverso', 'Crisis en Tierras Infinitas'), Brianna Hildebrand (trilogía de 'Deadpool') o la mítica Linda Hamilton, quien no ha tenido demasiada fortuna en la mayoría de su filmografía y cuando ha tenido la oportunidad de resurgir el material no estaba a la altura, como en 'Stranger Things' que ha coincidido su entrada con la peor temporada de las cinco. 'Terminator: Destino oscuro' ya es directamente una vergüenza.

Al inicio, vemos un grupo de soldados que se las tienen muy duras con otro grupo de soldados, supuestamente árabes, en el que hay más tiros que en una discoteca ('yatusabeh'), pero una luz roja proveniente de una nave para toda la situación en seco. Cuando despiertan dentro, pueden traducir el idioma alienígena o usar algunas de sus armas con la explicación sencilla y coherente de que lo hizo un mago. Más adelante, conocerán a otras dos supervivientes llamadas Anya (Hamilton) y su hija Ravi (apodo de su nombre completo, el cual no recuerdo y no creo que sea importante), a las que le unirán el objetivo en común de salir como sea de ese armatoste haciendo un genocidio con los monstruos si es necesario.

Premisa en principio prometedora que podría haber beneficiado al resultado si se hubiese respetado y no hubiese tirado por un camino más convencional de acción y explosiones con personajes clichés y situaciones también clichés. Incluso su escena final recuerda a una escena final eliminada de su montaje en cines que si han visto el filme sabrán a cual me refiero. La presencia de sus actores más conocidos hace que el relato no sea una pasarela de nombres irrelevantes y aporten algo de clase a la narración, aunque solamente con ellos no se puede sacar adelante esta producción.

Una producción donde el aspecto de los enemigos llega al aprobado muy raspado si no se quiere ser un completo examinador cabrón. En algunos planos canta a leguas que son gente disfrazada y su apariencia desde luego que no es la más original del mundo con una clara inspiración en el xenomorfo de la saga 'Alien' y en sus características vitales inspiradas en el Depredador. Eso sí, el porqué de que hacen lo que hacen pues también lo hizo un mago.

No esperaba gran cosa y, no se podía saber, no es gran cosa. Da un poco de pena ver a Linda Hamilton en cosas como esta cuando sabemos de lo que es capaz, pero ya no me pilla de sorpresa después de tantos años. Verla en esta producción que tira por tierra un interesante punto de partida para ser algo más por defecto de usar y tirar es otro clavo más dentro de una filmografía, la cual no ha brillado tanto como podría haber sido. En lo que respecta a 'Osiris', pasará dentro de mis visionados de este 2026 como uno de los irrelevantes. ¿Por qué la vi? ¿Sadomasoquismo? Algo de eso hay, simplemente a veces uno le apetece desconectar el cerebro.

4

SINOPSIS: Tras ayudar con su espada a que California se convierta en el estado número 31 de la Unión, el Zorro debe cumplir la promesa que le hizo a su mujer Elena: abandonar su identidad secreta y llevar una vida normal como Alejandro de la Vega.


ESTA PELÍCULA YA LA VI

'La máscara del Zorro' fue un éxito de taquilla en 1998 con unos 250 millones de dólares contantes y sonantes recaudados a nivel mundial respecto a un presupuesto (según Wikipedia) de entre 65 y 95 millones de dólares. No era una sorpresa alguna que se diese luz verde a una secuela teniendo a una pareja de protagonistas como Antonio Banderas y Catherine Zeta-Jones que tan bien se complementaban, sin Anthony Hopkins ya a bordo. Regresaron también Martin Campbell en la dirección y James Horner, que en paz descanse, para componer la banda sonora, lo cual para una segunda parte suele ser buenas noticias si repiten los nombres que dieron éxito al material original; pero es una teoría.

En este caso, la teoría no se cumplió del todo debido en cierta medida a un guion firmado por dos nuevos nombres en este universo como son Roberto Orci y Alex Kurtzman, quienes parece que vieron 'La máscara del Zorro' y solamente adaptaron unas cuantas cosas aquí y allá para parecer que es una idea completamente original y que no lo cogieron de El rincón del vago y pusieron su nombre solamente.

Tenemos una subtrama donde toma protagonismo el personaje de Elena de la Vega, donde una Catherine Zeta-Jones a la que adora la cámara tiene espacio para el lucimiento en acción, como ya se vio en la primera, drama y comedia. Sin ser una trama totalmente apasionante, sí que se preocupan de dar una justificación creíble y se puede pasar por el aro si uno quiere no rendirse ya en el filme desde el inicio. Junto a Elena, cobra protagonismo el hijo de ambos llamado Joaquín, un personaje que tira en personalidad bastante de su famoso padre, si bien el joven actor Adrián Alonso roba las escenas allá donde aparece con su gracia natural y su desparpajo.

Rufus Sewell es el nuevo villano de la función como el conde Armand, quien como es de esperar, tendrá más intereses de lo que parece a simple vista y pronto chocarán tanto él como Alejandro de la Vega. A pesar de la más que aceptable interpretación del actor de 'Dark City' o 'El ilusionista' con esa mezcla de encanto y arrogancia, muchos de los elementos de la nueva aventura ya se vieron en la cinta de finales de los 90 como el drama personal, el hombre poderoso que busca aún más poder (estos dos apartados mezclados donde uno tiene que ver con otro) dentro de un contexto histórico, en este caso la entrada de California como futuro estado de los Estados Unidos.

Es por ello que esta secuela que imagino que sería muy esperada no termina de cuajar como la primera. Durante buena parte del metraje no dejaba de ver paralelismos entre ambos largometrajes porque si uno tiene ojos y las neuronas funcionando las ve. No pierde su ritmo narrativo y un elenco inspirado, además de un trabajo a la altura de las circunstancias de James Horner usando música con toques españoles y su célebre 'parabará', de aparición breve, pero obvio.

Puedo entender que no se siguieran con más aventuras. Sinceramente, si todas las entregas iban a tener el mismo esquema para eso es mejor no hacer nada y retirarse a tiempo. Es una pena desaprovechar a dos nombres como Banderas y Zeta-Jones porque demostraron ser los ideales para sus personajes y que pueden aguantar el liderazgo ellos solos. Si están ellos dos a bordo y la historia se repite sin muchos riesgos no hay nada donde rascar. Una retirada a tiempo es una victoria.

6

SINOPSIS: He-man y sus amigos deben viajar a la Tierra del siglo XX para rescatar una llave cósmica que les permita derrotar a Skeletor, que se ha apoderado del castillo de Grayskull y que mantiene prisionera a Sorceress. Los inconvenientes son que Skeletor posee otra llave y que la original está en manos de unos jóvenes terrícolas, que creen que es un instrumento musical.


NO VENGO A HACER LEÑA DEL ÁRBOL CAÍDO

De esta película se habrá dicho ya de todo en los casi 40 años de existencia desde que se estrenara un 7 de agosto de 1987. En principio, debería haber sido una producción perfecta para pasar el cálido verano, pero la taquilla (17 millones a nivel mundial respecto a 22 millones de presupuesto) y la crítica fueron todo lo contrario, más frías que vivir en el Antártico. Y tenía a todo un actor de moda como Dolph Lundgren que venía de interpretar a Ivan Drago y que daba físicamente el pego como el protagonista.

Aún con todo, ¿fueron los palos merecidos? Esto es como todo, en casi cualquier producto audiovisual puede haber cierta estima, cierta negatividad o una corriente positiva o negativa, pero incluso dentro de esta corriente habrá quienes vayan a favor cuando está en contra o en contra cuando se está a favor. Yo me sumo a la categoría de remar contra la negatividad, puesto que desde el principio no vi argumentos para darle unos palos que no creía que merecieran.

Cierto es que Dolph Lundgren nunca ha sido Al Pacino, ni tampoco ha pretendido serlo. Y su trabajo en esta película no estaría por encima de tan mítico personaje o del infravalorado papel en 'Soldado universal', pero cumple dignamente con un personaje tan famoso y querido como es He-Man. Podría haber habido mejores elecciones, cierto, mas no he tenido la sensación de llamar la policía del cine para que le arresten.

Quien se lleva todos los elogios es Frank Langella. El actor de 'El desafío: Frost contra Nixon' o 'Buenas noches, y buena suerte' realizó una interpretación fantástica como Skeletor. De todo el elenco es el que ha tenido mejor carrera (salvo Courteney Cox, a la que tampoco le ha ido del todo mal) y tiene una filmografía más que buena y con razón, sus habilidades se ven aquí dando vida a un villano en el que no cae en el estereotipo de malo maloso e incluso, según IMDB, aporta algunas líneas propias a sus frases como la de la soledad del bien y la soledad del mal. Sin Langella a bordo, quien sabe si esta película no hubiese salido peor parada aún.

Puede decepcionar que la historia no transcurra enteramente en Eternia y buena parte suceda en la Tierra con los personajes de una debutante Courteney Cox y su novio Kevin (Robert Duncan McNeill) con una historia algo tonta donde toman la llave como si fuera un instrumento musical. Si uno sabe donde se mete de antemano, puede dejar pasar por alto algunos detalles como esos y seguir adelante, puesto que la bajada de nivel no supone nada realmente alarmante. Dentro de lo que cabe, la justificación de la Tierra está bien introducida.

Por otra parte, aunque estemos hablando de una producción de la extinta, aunque entrañable, Cannon no quiere decir que los medios técnicos fueran penosos. En todo lo que tiene que ver con la recreación de Eternia y sus personajes hay que decir que lucen bastante bien y el tiempo apenas hace mella en ellos. No solo salvaron los muebles, sino que aprobaron con holgura y contando además con la ayuda de Bill Conti en la banda sonora en un trabajo de calidad buena en las escenas de acción, aunque quizás demasiado presente durante el metraje.

Su reputación de mala película seguramente perdurará hasta el fin de los tiempos. Yo, y mucha más gente, pensará que se dramatizó en exceso y que sin perder de su vista sus limitaciones y sus defectos, es un producto en el que se puede entrar en su juego sin problema alguno. Más allá del típico producto ochentero de videoclub para nostálgicos, yo también viví parte de esa época de videoclubs así que no me pilla de nuevas, tiene argumentos para defenderse.

6

SINOPSIS: En El Paso, punto fronterizo entre México y los Estados Unidos, es frecuente el tráfico de drogas y el paso clandestino de inmigrantes ilegales, lo que lo convierte en un lugar especialmente peligroso para la policía. Charlie Smith es un guardia de frontera que vive en permanente conflicto con su conciencia.


UN PEZ FUERA DEL AGUA

Cuando el cartero dejó de llamar siempre dos veces, Jack Nicholson pasó del granuja Frank Chambers, y ese mismo año el dramaturgo Eugene O'Neill en 'Rojos', al honrado agente de inmigración Charles Smith a las ordenes del director oscarizado por 'Tom Jones', Tony Richardson donde estaría acompañado por tres nombres muy relevantes como son Harvey Keitel (con quien volvería a coincidir en 'Los dos Jakes'), Valerie Perrine y Warren Oates.

El Charles Smith que interpreta el triple ganador del Oscar puede que sea uno de los personajes más decentes que haya hecho en su larga carrera, donde es más dado a dar vida a gente mentalmente inestable con toques nada disimulados de chulería en ocasiones como lo era Randle Patrick McMurphy en 'Alguien voló sobre el nido del cuco'. Smith es un agente de inmigración, recién llegado desde California hasta El paso donde vive con su mujer, la compradora compulsiva Marcy. Allí comienza su nueva etapa donde verá que no todo es limpieza como lo dejaría el mayordomo de Tenn.

Ciertamente, no he visto mucho de la carrera del ya fallecido realizador británico, aunque a juzgar por lo que sí he podido ver ('Las cosas que nunca mueren' y esta) no le hacía ascos al cine de denuncia social. En este caso, se trata el tema de la inmigración, un tema que décadas después sigue dando de que hablar cuando está siendo muy cuestionado. Una de las inmigrantes lleva el rostro de la debutante Elpidia Carrillo, a quien muchos reconocerán por 'Depredador' ("la jungla se lo llevó") en un papel como inmigrante que irá sufriendo la peor cara de intentar pasar la frontera.

Sobre los otros tres nombres hay que comentar que no tienen papeles que les pueda hacer explotar mucho su talento interpretativo -hablo de Perrine, Keitel y Oates-, si bien tienen su razón de ser en la historia y no se entendería sin ellos. La actriz de 'Superman' por ser la esposa de Charlie llevándolo por el camino de la amargura y hacerle tomar decisiones de moral dudosa por su impulsividad a la hora de comprar y Keitel siendo parte de la cara sucia de los agentes de inmigración. En todo este contexto, Charles se siente como un pez fuera del agua, dejándolo ver por lenguaje corporal y gestos, no solo por la zona donde vive donde sus vecinos no parecen tener mucho en común con él, sino por lo que tiene que ver dentro de su trabajo.

Aunque seguramente esta no sea ningún gran éxito dentro de las carreras de los involucrados, 'La frontera' supone una elegante aproximación al mundo de la inmigración donde hay rayos de esperanza entre tanta miseria moral, liderado por unos actores de garantías y sonorizado con una banda sonora compuesta por Ry Cooder que al igual que el filme es sobrio y elegante. Ni siquiera lo tildaría de joya escondida; sin embargo, no creo que en general suponga una perdida de tiempo para nadie.

6

SINOPSIS: Un joven llamado Stefano compra una vieja maquina de escribir y accidentalmente descubre que tiene unos textos en la cinta. Él comienza a reconstruir la historia de un científico llamado Paolo Zeder, quien en 1950 descubrió unos terrenos arqueológicos con unas teorías de revivir a los muertos. Las investigaciones de Stefano atraen a un grupo de científicos rebeldes que quieren probar si la teoría de Zeder es verdad...


UNA SERIE B QUE SE TOMA EN SERIO

Que la serie B/cintas de videoclub se ha convertido en un placer culpable en los últimos años, antes de la pandemia incluso, no es ningún secreto. Descubrí a lo largo del tiempo cintas nada desechables como 'La noche del cometa', 'Posesión infernal', 'El gato de las nueve colas', 'Viaje al centro de la tierra' (de nuestro Juan Piquer Simón) o 'El terror llama a su puerta', entre tantos otros. Hoy tocaba otro de esas cintas de gente semi desconocida en el largometraje 'Revenge of the Dead', dirigida por el italiano Pupi Avati, primera película que veo de su autoría.

La cinta empieza en el año 1956 en Chartres -Francia- con una niña llamada Gabriella que parece tener poderes psíquicos y el Dr. Meyer acude a ella para descubrir algo que se esconde en el sótano. Varias décadas después, un escritor llamado Stefano tiene como regalo de cumpleaños de parte de su novia Alessandra una vieja máquina de escribir, la cual tiene un texto oculto en la cinta que lleva a Stefano a una investigación sobre la llamada 'zona K', en la cual un cuerpo puede volver a la vida (se explica mejor en la misma peli) en la que cada vez se irá obsesionando más.

Al principio, la cinta parece la típica serie B con algún susto y una música electrónica de Riz Ortolani que no parece que vaya a despegar. No obstante, la historia y la misma música irá mejorando con el paso de los minutos mientras se ven las partes interesantes de la trama donde hay más de lo que parece a simple vista y la misma partitura de Ortolani pasa de electrónica a música orquestal con algunos tramos de cierta brillantez. Cuando termina, se deja la sensación de que ha sido un filme que ha ido mejorando y mejorando de un cinco que me estaba pensando si darle a darle un seis sin pensarlo mucho.

Cierto es que la mayoría de involucrados en la producción, salvo el mismo Ortolani, no son demasiado conocidos. A veces el bajo estatus engaña y detrás de la poca relevancia hay gente capaz que puede dar grandes películas como 'Terminator' o 'Posesión infernal' o esta misma 'Revenge of the Dead', la cual empieza flojito y se termina pensando "pues no ha estado tan mal". Hay veces en la vida en los que hay que trascender de los prejuicios.

Spoiler

Aunque solamente el título en inglés lo deje caer, no se menciona la palabra 'zombi' en ningún momento; al menos, en su doblaje al inglés. Entiendo que en realidad trata sobre eso, más aún cuando creo ver en la escena final que una Alessandra resucitada de entre los muertos muerde a Stefano (solamente se ve gritar a él, pero por la construcción de la escena todo lleva a pensar eso).

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6

SINOPSIS: Un hombre que experimenta con los poderes telekinésicos de su hijo, atrae a un demonio del infierno, que se ocultará en el armario de su hijo para robarle su alma.


PODERES SOBRENATURALES PARA UNA PELÍCULA NADA SOBRENATURAL

Película del año 1988 dirigida por Armand Mastroianni (ningún parentesco con Marcello), quien su carrera como director cinematográfico no ha sido un desecho de virtudes, aunque puede decir que con su película 'Sabe que estás sola' (1980) debutó un actor llamado Tom Hanks.

A pesar del dato sobre su filmografía, esta primera aproximación no ha sido ni mucho menos un desastre. Esperaba cierto tufo a serie B que se da especialmente cuando el maquillaje y los efectos especiales aparecen en la pantalla, aunque por lo demás es una cinta de terror construida con una premisa seria y realizado de la manera más formal posible dentro de los medios disponibles.

Tab Hunter ('La ciudad sumergida', 'El juez de la horca'...) es el miembro más conocido del reparto e interpreta al padre del niño protagonista, aunque no esperen muchas escenas para él; el peso de la historia recae sobre Cameron (Scott Curtis), el sargento Talliaferro (Cotter Smith) y la psiquiatra Nora Haley (Mel Harris) con la madre de Cameron (Kim Lankford) también apareciendo aquí y allá. Un reparto sin mucho empaque, al que yo doy mi visto bueno, pues sus interpretaciones son al menos respetables para una producción que no tiene nada que ver con las grandes ligas.

El tema de la telequinesis es el pivote sobre el que se centra la narración y está tratado con ingenio, pues irá encadenando alguna trama secundaria haciendo que todo sea relevante y el interés no se pierda por el sumidero. El personaje del sargento Talliaferro también tendrá su propio arco narrativo que está vinculado con la trama principal y, por supuesto, se irán sucediendo las muertes aquí y allá.

Para los que no les importe ver cintas de serie B, esta propuesta puede quizás ser de su agrado. No es de esas cintas con mucha carisma encubierta como 'La noche del cometa' o tantos otros que la mala memoria no me permite recordar ahora mismo. Sin embargo, si uno la ve con ojos no demasiado prejuiciosos puede pasar la prueba del algodón sin problemas; si bien tampoco muy holgado.

Spoiler

No tiene desperdicio el plano cantoso de la muerte de Owen (Tab Hunter), quien es decapitado y se nota sin disimulo que es un muñeco. 10 minutos dura el personaje vivo.

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5

SINOPSIS: México, 1821. Un enmascarado y romántico héroe popular, conocido como El Zorro, lucha valientemente contra el dominio colonial español en la Alta California. Sin embargo, la víspera de la liberación de México, el despótico gobernador don Rafael Montero descubre que el Zorro es don Diego de la Vega. Un ataque contra la casa del rebelde, se salda con su captura, la muerte de su mujer, el secuestro de su única hija Elena y la destrucción de sus propiedades. Veinte años después, Montero regresa del exilio con Elena, que ignora la identidad de su padre, y se propone comprar California al Presidente de México, el General Santa Anna. Cuando don Diego de la Vega se entera, escapa de la prisión dispuesto a vengarse de Montero. Parte del plan consiste en adiestrar y transformar a Alejandro Murrieta, un bandolero con un tortuoso pasado, en el nuevo Zorro, para que le ayude a frustrar los planes de Montero de una vez para siempre. Murrieta se hará pasar por un rico hacendado español dispuesto a ganarse la confianza de Montero.



EN EL LUGAR ADECUADO, EN EL MOMENTO OPORTUNO

Contó Catherine Zeta-Jones recientemente que fue vista por Steven Spielberg mientras el rey Midas (otro tanto en descubrir a una actriz que llena la pantalla con su deslumbrante belleza e igual magnetismo para la cámara) la vio en la miniserie 'Titanic' y la recomendó al director, Martin Campbell. Afortunadamente -sin tener nada en contra de la elección inicial, Izabella Scorupco, que también podría haber rendido muy bien como ya se le vio en 'Goldeneye'- Campbell escuchó al mito.

'La leyenda del Zorro' es una historia donde, como el héroe, hay dos actores que estuvieron en el lugar adecuado en el momento oportuno. Uno fue la misma Zeta-Jones, cuya aparición en aquel título le sirvió para ganarse el papel de Elena, y también Antonio Banderas. El malagueño sorprendió gratamente como estrella de acción en 'Desperado' y subió a bordo del proyecto junto con Robert Rodriguez, quien desavenencias con TriStar por el presupuesto le hizo bajarse del caballo y optar por Martin Campbell. Nunca sabremos como hubiese sido con Rodriguez, pero el reemplazo fue, a juzgar por el resultado, muy bueno.

El prólogo donde Diego de la Vega (Anthony Hopkins) se las ve con su némesis, Rafael Montero (Stuart Wilson), ya es una declaración de intenciones de que hemos venido a ver un largometraje tan entretenido como cuidado en su estética con unos lugares, vestuarios y acción de muy buen nivel. Además, servido de manera ingeniosa para el salto temporal justificando el relevo y la historia donde Montero vuelve a maquinar. Es aquí donde entra Elena, una soberbia Catherine Zeta-Jones de quien ya está todo dicho en el primer párrafo y la suya es una de esas coincidencias con la que el público hemos salido ganando muchos enteros. Ella es el nexo de unión entre pasado y presente.

La elección de Antonio Banderas como Alejandro Murrieta diría que fue la mejor por encima de otros posibles candidatos como Andy García o Tom Cruise. Banderas siempre ha tenido una presencia carismática y una imponente desenvoltura para la acción y aquí no es menos, aportando las esperadas peleas con la espada del héroe enmascarado, siendo entrenado por el mítico Bob Anderson, unido a una presencia la cual hace que hasta todo un actorazo como Anthony Hopkins no le pueda eclipsar.

El guion es cierto que narrativamente no se complica la vida, mas sabe cuando meter comedia sin que quede forzado y dejar respirar a la historia para que no sea empalagosa. Por otro lado, un detalle el de ciertos paralelismos entre secuencias. La banda sonora, obra del tristemente fallecido James Horner, aporta su trozo en un trabajo que hace lucir esta producción. ¿Es su mejor composición? No diría tanto, aunque estuvo inspirado en las secuencias de acción y alguno dramático, sin olvidar sus recurrentes 'parabarás'.

Es raro que solo tuviese una secuela cuando, a juzgar por este filme, podría haber dado para más entregas. A veces se dice que "una retirada a tiempo es una victoria" y puede que fuese lo mejor. Para eso, primero habría que ver 'La leyenda del Zorro' y ver si el prematuro fin fue justificado.

7

SINOPSIS: La estrella de cine Marlon Brando recluta a un arquitecto de Los Ángeles para construir el primer retiro ecológicamente perfecto del mundo en una pequeña isla inhabitable de Tahití.


PROYECTANDO EL PARAÍSO

Puede que solamente los más cinéfilos recordemos a Billy Zane. Aunque lleva años retirado de la relevancia cinematográfica en su currículum aparece 'Regreso al futuro' y 'Regreso al futuro II' (papeles muy secundarios, eso sí), 'Calma total', 'Tombstone: La leyenda de Wyatt Earp', 'The Phantom (El hombre enmascarado)' o nada más y nada menos que 'Titanic'. Entre finales de los 80 y parte de los 90 parecía que su nombre iba a aparecer en grandes proyectos durante mucho tiempo; no fue así, si bien creo que no es ni mucho menos un pésimo actor. Es más, no habría sido un mal Batman si Val Kilmer y/o George Clooney no hubiesen sido los elegidos, ya que tenía talento y el físico adecuados.

Su nombre ha vuelto a sonar entre los titulares debido a su apariencia física para 'Waltzing with Brando' donde da vida al ya fallecido legendario actor Marlon Brando, teniendo además un parecido espectacular. Si bien el tráiler vendía mejor el filme de lo que realmente es, sí que hay que darle mérito al trabajo de Zane encarnando al actor de 'La ley del silencio' o 'El último tango en París'.

Dudo mucho que esta película le vaya a servir para impulsar su carrera puesto que su estreno no ha pasado de los Estados Unidos y no se sabe a ciencia cierta cuanto dinero ha recaudado. En lo que sí puede serle útil es para reivindicar su trabajo, puesto que es evidente que se ha tomado en serio el papel de un icono del cine y se ha molestado en parecerse lo más posible a Marlon Brando en físico, vestuario, personalidad y en gestos. Claro que aún se nota el rostro del actor detrás del personaje, aunque decir que es una interpretación pésima y que el parecido no es para tanto sería faltar a la verdad.

La cinta retrata el periodo entre finales de los 60 hasta mitad de los 70 donde el actor vivía en Tahití y tenía proyectos de construcciones en mente para el bien de la isla junto a Bernard Judge, un arquitecto a quien interpreta Jon Heder ('Napoleon Dynamite') en una amistad (real, puesto que la película se basa en las memorias de Judge de toda esta experiencia) que atravesó buenos y malos momentos. Si bien es muy fiel sobre esa época de la vida de su protagonista (los rodajes de 'El padrino' o 'El último tango en París', el rechazo de su segundo Oscar...), quien da más momentos de interés es Judge, el cual se transforma en todos sus años allí cuando solamente era un estirado arquitecto de Los Ángeles. Dicho todo esto, no es una película para conectar con una historia, sino con la forma de ser de su personaje principal con su gusto por el medio ambiente y su aura y el como se embarcó en un proyecto muy ambicioso.

Mis motivos para ver el filme son que Brando siempre ha sido uno de mis actores favoritos -sin querer justificar ninguno de sus errores- y me interesa saber lo más posible de su trabajo y vida, además de llamarme la atención el tráiler y ver el parecido asombroso de quien lo iba a encarnar con la persona real. ¿He salido decepcionado? Sí, pero no tanto. Si uno no es ingenuo sabe, con todos mis respetos, que Billy Zane no es un actor que actualmente lleve a la gente a las salas o, incluso, a las plataformas y este largometraje no ha tenido más repercusión que lo mostrado en aquel avance. Que aparezcan los nombres de Tia Carrere (en un cómico papel que clava en su breve aparición) y Richard Dreyfuss que han conocido días mejores, da una idea de que este no es una de esas ocasiones donde han tirado la casa por la ventana. La película ofrece lo que promete, un vistazo a aquella época de Brando, intentando ser lo más fidedigno posible subrayando el mérito de las escenas donde los actores y la hemeroteca se funden en uno solo, especialmente en las escenas de Brando en el show de Dick Cavett.

Un visionado que atraerá a los admiradores de Marlon Brando especialmente, mas no creo que -seas admirador o simplemente un curioso- vaya a cambiar la vida de nadie. Al menos, se ve que Billy Zane aún puede hacerse valer.

5

SINOPSIS: Sam Walker (Kate Mara) regresa en extrañas circunstancias de su primera misión espacial. El general William Harris (Laurence Fishburne) la obliga a permanecer en cuarentena, bajo la estricta vigilancia de la NASA, en una casa aislada de alta seguridad. Pese a vivir en una aparente normalidad, Walker empieza a percibir sucesos inquietantes en los alrededores de la propiedad. Es entonces cuando comienza a temer que no haya vuelto sola a la Tierra.


UN 'CASI WIN'

Kate Mara ha sido una actriz que se ha visto superada (cinematográficamente hablando, claro está) por su hermana Rooney, de quien la hemos visto en filmes como 'Carol, 'Her' o 'El callejón de las almas perdidas' y estuvo nominada al Oscar como Mejor Actriz por 'The Girl With the Dragon Tatoo' y como Mejor Actriz de Reparto por 'Carol'. Aún con todo eso, Kate se ha abierto camino como actriz a lo largo de los años y se ha dejado ver en 'Transsiberian', '127 horas' o la serie 'House of Cards' (experiencia aparte fue la fallida '4 fantásticos').

Con esa reputación en cuenta, su nombre también es capaz de atraer a otros nombres igual de famosos a producciones donde ella aparezca, siendo 'La astronauta' uno de sus últimos trabajos donde la vemos acompañada por nombres como Laurence Fishburne o Gabriel Luna (el villano en ese insulto a la inteligencia que fue 'Terminator: Destino oscuro' o el motorista fantasma en la serie 'Agentes de S.H.I.E.L.D.'). En esta película, Mara es la protagonista llegando después de su primera misión espacial llegando en unas condiciones nada halagüeñas y teniendo que pasar unas revisiones periódicas para comprobar si está apta para volver allí arriba.

Claro que como era de esperar, no todo es lo que parece y dentro de la casa que se ha dejado para que Sam (Mara) pueda recuperarse empiezan a pasar cosas cada vez más extrañas y se irán conociendo rincones de la misma casa por el bien de la narrativa y que la misma instalación entrará en distintas situaciones provocando tensión. Dicho todo esto, no estamos ante un filme que abrace el terror como medio final, aunque sí que se hará cargo del tono en algunas secuencias donde ingeniosamente lo que va experimentando la astronauta empieza a afectar a su cordura y también al espectador al hacernos partícipes de lo que va viendo hasta llegar a su resolución final.

Ignoro si han habido escenas eliminadas puesto que en el elenco vemos nombres como los de Ivana Miličević (la doctora que visita a Sam en la casa) o la cantante Macy Gray (la madre adoptiva de Sam) en roles que no son tan importantes para la trama general y quien sabe si había más por mostrar de lo que finalmente terminó estrenándose.

Del ya extinto año 2025, 'La astronauta' no creo que entrase dentro de mejores películas del año para alguien, pero sí que seguramente más de uno pensase que es una de esas películas curiosas que parece contar lo mismo de siempre con un giro sorprendente. Además, su ritmo va en aumento permitiendo no perder el interés en lo que se va contando. No es un 'win-win' (como dicen los modernos), pero sí un 'casi win'.

6

SINOPSIS: Había una vez dos reyes que esperaban con alegría el nacimiento de su primera hija, a la que llamarían Aurora. Para celebrarlo, organizaron una fiesta a la que invitaron a todos los habitantes del reino. Pero olvidaron invitar a la malvada bruja Maléfica que, enfurecida, lanzó un terrible hechizo sobre la princesa: el día de su décimosexto cumpleaños, se pincharía con el uso de una rueca y moriría...


CUIDADO CON LA RUECA, AURORA

Cuando fui niño no era demasiado de ver películas de animación y de filmes orientados para niños en términos generales (claro que tuve mis visionados de referencia como 'Matilda, 'Space Jam', o 'Power Rangers: la película') y es ahora cuando poco a poco estoy eliminando películas pendientes de las consideradas más relevantes para poder irme al otro barrio sin tanto déficit de largometrajes pendientes.

Ayer fue el turno para uno de los grandes clásicos de la Disney, cuando el estudio acumulaba triunfos y no dudas y tropiezos gordos como ahora, como es 'La bella durmiente', relato del que leo (según Wikipedia) se basó mayormente en la versión escrita por los hermanos Grimm y es mi primera aproximación a este cuento; ni siquiera vi las versiones en acción real donde Angelina Jolie interpretaba a la villana.

Esta versión de animación cuenta con una duración de 75 minutos, que pudiera parecer que se iba a deber en muchas cosas y casi para nada es así. Y digo "casi" porque sí que se nota que la bruja aparece poco para ser uno de los mejores personajes del filme y del que justificaron sacar películas con ella como protagonista décadas después. A pesar de eso, el guion escrito por Erdman Penner condensa bastante bien el cuento y para los espectadores, niños o no, tendrán un título con acción, drama, romance y comedia con personajes bien perfilados.

Unos personajes en los que destacan especialmente la bruja Maléfica por su aspecto intimidante y su personalidad sin caer en la burla en la que se desata en la parte final y compensa en parte su poca aparición hasta entonces y, por otro lado, las hadas que cuidan a Aurora hasta los 16 años llamadas Flora, Fauna y Primavera, cada una con su encanto personal y no sobrando ninguna de las tres (aunque lo de la pelea entre el color rosa y el color azul ya era algo cansino). También los reyes tienen su momento cómico en el intermedio.

'La bella durmiente' debería verse no solo porque ya de por sí es una muy buena película, sino porque para los más pequeños de la casa es un buen inicio en esto del séptimo arte que tanto bien ha hecho a lo largo de estos más de cien años de existencia. Sobre si se es demasiado mayor para ver algo así, diré que la cifra es anecdótico, lo importante es conectar con la historia y con el como lo cuenta (además de contar con unas secuencias visuales cuando aparece la magia muy meritorias para ser el año 1959).

8

SINOPSIS: Película independiente de bajo presupuesto estrenada en 1969. Es el primer film dirigido por Tobe Hooper, quien la describe como "una película hippie". Fue escrita por Kim Henkel y Tobe Hooper, autores de "La matanza de Texas".


EL OCASO DE LOS MELENUDOS

'Eggshells' supuso el debut como realizador de largometrajes del ya fallecido Tobe Hooper (1943-2017), quien más tarde saltaría a la fama por 'La matanza de Texas'. Aunque una cuenta una historia sobre los últimos días del movimiento hippie, personalizado en un grupo de personas, y la otra es una cruda historia de terror, ambas comparten el que se centre buena parte del relato en un grupo de personas que viven al margen de la sociedad (en la cinta de 1974 tenemos al grupo de la familia de 'Leatherface', quienes cumplen con esa condición).

La curiosidad por ver los principios de la carrera de un realizador de la talla de Tobe Hooper fue lo que me atrajo hasta aquí, incluso aún con su ambigua sinopsis, la cual no ofrecía mucha información sobre lo que iba a ver. Durante su visionado tampoco uno parece enterarse mucho de que se pretende narrar; sin embargo, hay conexiones. Poniéndome a pensar, se extrae que estamos ante gente que conviven en la época final de los hippies mientras que el resto del mundo está a otra cosa, como ya se ha dicho en el primer párrafo, y como pretenden poco a poco sentar cabeza algunos de ellos.

A pesar de su poco menos de hora y media de duración, el largometraje puede hacerse algo tedioso debido a los diálogos de los personajes, aunque sin mucha utilidad para el espectador, que discuten sobre cosas banales como novelas o el ir tirando con una economía tan precaria. Las transiciones en forma de alucinaciones, alguna se hace un poco larga, no ayudan mucho a que este filme pueda entusiasmar tampoco, pero poco a poco va encontrando su camino.

Este es uno de esos largometrajes donde quien lo ve debe armarse de valor y tener un poco de imaginación para que pueda entrar ante un trabajo tirando hacia lo experimental cuyo guion cuenta un tema interesante como el ocaso de los melenudos llegando a la década de los 70, aunque contado de una manera tan superficial que puede colmar la paciencia de mucha gente preguntándose que es lo que está viendo. Si bien los asuntos subyacentes de la trama se ven, sus argumentos cinematográficos no es que sean tampoco de tirar la casa por la ventana. El elenco tiene unas interpretaciones decentes, aunque no conozca a casi ninguno de ellos -solamente a Allen Danzinger, aparecido en la posterior 'La matanza de Texas'- y la banda sonora camina entre la alegría con temas propios de ese tipo de gente y la tensión en alguna secuencia, pero en términos técnicos no hay mucho a subrayar, salvo las secuencias alucinógenas.

Pensándolo fríamente, se puede ser un poco indulgente y darle un aprobado viendo el poso que deja aún sabiendo la confusa forma de narrar en 'Eggshells'. Dedicarle más entusiasmo sería mentirse a uno mismo.

5

SINOPSIS: Un psicópata asesino se infiltra en la tuna universitaria de Salamanca y elige sus víctimas a través de internet. Con la noche y la juerga desmadrada como cómplice, el "Tuno Negro" comete sus crímenes con una pauta simple: morirán aquellos que sean los peores estudiantes de cada clase. El último no pasará de curso, ni tendrá la opción de repetir...


LA IGNORANCIA MATA Y VER ESTA PELÍCULA CASI QUE TAMBIÉN

No sé si se acordarán de Silke (de nombre real Silke Hornillos Klein), los que ya veían cine entre los 90 y los 2000 sí por películas como 'Hola, ¿estás sola? o 'Tierra', siendo uno de los rostros más relevantes del cine español durante esos años hasta que desapareció reconvirtiéndose en joyera artesana años después. En el currículum vitae de aquella breve estrella aparece 'Tuno negro', del cual no creo que ella ni mucha gente involucrada en el proyecto se sienta orgullosa; y con razón.

Hay una referencia clara dentro de este título, el cual es 'Scream. Vigila quien llama', por la cual rueda el mismo tipo de escena inicial aquí usando a una actriz famosa y, además, haciendo parecer que Maribel Verdú es peor actriz de lo que es y diría que la reciente por aquel entonces 'American Pie' también habría servido de inspiración, puesto que en la historia encontramos a estudiantes universitarios con las hormonas como si estuvieran corriendo en el circuito de Indianápolis deseosos de compartir fluidos; que se lo digan al personaje de Carla Hidalgo.

Cambiando el teléfono de la película de Wes Craven por un chat en Internet con la frase "la ignorancia mata" como un mantra (con unas pantallas de información tan clara que parece 'Internet para tontos'), la trama recorre las universidades de Alcalá de Henares primero y Salamanca después donde un tuno en vez de ponerse a hacer música recorta el número de censo a nivel español de forma definitiva, especialmente entre los estudiantes. Si lo lees sin ver el filme parecería que estamos ante un interesante producto; una vez visto, el resultado es para pedir que el mismo tuno acabe con tu sufrimiento.

Como ya dije, Maribel Verdú en su aparición parece una actriz de segunda o tercera categoría, pero hay nombres como Jorge Sanz o Fele Martínez quienes da la impresión de estar mal dirigidos porque sus interpretaciones están pasando la línea de la sobreactuación haciéndolos quedar poco naturales siendo actores con cierto peso en la industria. El libreto escrito además por los mismos directores, quienes deberían haber sido juzgados por tremendo terrorismo cinematográfico, tiene alguna inconsistencia como lo de la identidad del tuno asesino o la facilidad de entrar en la base de datos de la universidad, como si pudiera entrar hasta el menos dotado para la tecnología.

La mezcla de terror y comedia de adolescentes pasado por el filtro ibérico en mejores manos podría haber sido uno de los primeros buenos títulos del siglo XXI, pero pasó a ser uno de los primeros atentados en la industria cinematográfica patria por la vulgaridad reinante en muchas escenas entre interpretaciones que dejan bastante que desear, personajes que deseas que se lo pasen pronto por el cuchillo y una narración del que a veces hay que hacer de tripas corazón para continuar. Quienes estuvieran prendados de Silke en aquellos tiempos verían sus deseos concedidos (la verdad es que la chica no pasa desapercibida), pero poco más a destacar sin tirar por la ventana mi honestidad.

2

SINOPSIS: La película cuenta cómo la confianza entre los integrantes de un equipo de policías de Miami comienza a disiparse tras el descubrimiento de millones en efectivo en un escondrijo abandonado. Cuando las fuerzas externas se enteran de la incautación, se pondrá todo en tela de juicio... y ni siquiera sabrán de quién se pueden fiar.


PARANOIA COLECTIVA

Parece mentira, pero este proyecto ha llegado directamente a Netflix protagonizado por dos actores ya de sobra conocidos como Ben Affleck y Matt Damon como si aún estuviésemos en los tiempos de la pandemia donde los estrenos eran mayormente destinados a plataformas digitales. Un caso similar a este 'El botín' podría ser 'Wolfs', la cual llegó directamente a Apple TV y que comandaban dos pesos pesados de la actuación de las últimas décadas como son George Clooney y Brad Pitt.

Batman y Robin (es decir, Affleck y Damon) lideran a un reparto con más caras conocidas aparte de ellos dos como son Kyle Chandler, Catalina Sandino Moreno, Steven Yeun, Scott Adkins o Sasha Calle (dando así la curiosidad de que tanto el Batman como la Supergirl de ese mismo universo extinto comparten pantalla) en una producción donde un grupo de policías de Miami se entera de la localización de una casa con dinero oculto y, claro, el dinero es -y siempre será- muy goloso, dando pie a una historia de paranoia colectiva como fue, salvando las distancias, aquella 'La cosa', de John Carpenter, la cual sí comparte la casi exclusividad de una sola ubicación, salvo secuencias sueltas en otros lugares como la comisaría o a las afueras del barrio.

En un principio, podría parecer que estamos ante un producto alimenticio donde los compadres Affleck y Damon simplemente están ahí para llevarse el cheque calentito y tirando hacia otros proyectos que les estimulen más. No obstante, el guion escrito por el mismo Joe Carnahan (y basado en un hecho real, como se dice al inicio) se toma la molestia de jugar con el respetable público poniendo un anzuelo para ver si picamos o no; personalmente, piqué debido a que la historia iba introduciendo dudas razonables y por esos elementos es el porqué este largometraje no es lo que parece a simple vista.

El elenco principal cumple con sobrado margen de lo que se espera de nombres como esos. Llama la atención el ver como Matt Damon va lidiando con el lado bueno y el lado malo de su personaje y el como le queda bastante bien, sabiendo que en su carrera ha dado vida a tipos de moral intachable, salvo algunas excepciones. Por otro lado, el ambiente de paranoia que poco a poco se va impregnando en la narración e intentando contagiar al espectador hace efecto y en algunos momentos es ciertamente agobiante porque parece que no se iba a acabar nunca.

Personalmente, no diría que este filme es uno de los grandes tapados del año porque para eso debería haber sido más espectacular, si bien cuenta con algunas secuencias de acción que merecen la pena, con más reto para las interpretaciones de los actores y con más profundidad en su libreto. Aún así, lo pondría de entrada como uno de los mejores visionados de este 2026, el cual quizás pueda sobrevivir a final de año en un top 10. Dependerá de su competencia.

7

SINOPSIS: Debido a una serie de fatales coincidencias, dos jóvenes neoyorkinos, que viajaban al sur del país, son tomados por asesinos. Como no pueden pagar los honorarios de un buen abogado, deciden llamar al primo de uno de ellos, que es un abogado sin experiencia. En estas circunstancias, se prevé que el resultado del juicio puede ser verdaderamente desastroso.


PON UN VINNY EN TU VIDA

'Mi primo Vinny' dio bastante que hablar en su día, aunque yo era un niño por aquel entonces, debido al Oscar que ganó Marisa Tomei como Mejor Actriz de Reparto en 1993 por su papel como Mona Lisa Vito, la experta en automóviles más lista que el hambre. Hoy he visto por primera vez este filme y no he visto una interpretación no merecedora del galardón. Vaya por delante que del resto de las nominadas solo vi a Miranda Richardson en 'Herida' y hace bastante tiempo, pero el trabajo de la Tomei desde luego que es más que una digna ganadora.

Si bien los rostros principales -al menos los más conocidos- eran Ralph Macchio y Joe Pesci, la futura Tía May con su personaje de robaescenas y un vestuario que engaña su personalidad es quien sale como la mejor miembro del elenco. A destacar su escena durante el juicio demostrando su conocimiento sobre los automóviles dejando cero resquicios de duda o cuando acaba totalmente harta de las faltas de respeto de su novio dejándolo ver solamente con sus gestos.

La actriz no es el único motivo de gozo de este largometraje. La interpretación de Joe Pesci como el personaje que da nombre a la película como un recién licenciado en derecho sin experiencia en los juzgados y con labia para parar un tren es también de un robaescenas como es su pareja en el filme, Mona Lisa Vito. Un rol de robaescenas que tan bien le ha sentado a lo largo de su trayectoria y que es uno más de esos tipo de personajes que se adaptan a él como un guante.

'Mi primo Vinny' tiene un libreto en el que sabe combinar el enredo y la comedia de golpe fácil como los hilarantes y confusos diálogos de sobre sentido o los tomas y dacas entre el juez Chamberlain Haller (Fred Gwynne) y el mismo Vinny (aunque es imposible no empatizar con el juez porque Vinny no es que entre precisamente con buen pie, a pesar de su arrollador carisma). Es un caso curioso, por otra parte, porque los supuestos protagonistas (Ralph Macchio y Mitchell Whitfield) quedan relegados a un segundo plano en favor de otros personajes y daba la sensación de que se podía haber sacado algo más de jugo de ellos, si bien no tengo quejas de los demás personajes, pues saben sostener perfectamente la narración.

Hoy día en su mismo género de comedia ha quedado relegada en favor de producciones pasadas y futuras. Considero, aún con todo, que sus virtudes son más que suficientes para darle un aprobado sobrado y que merece la pena darle la oportunidad para comprobar que puede hacer pasar un buen rato sin problemas.

6

SINOPSIS: Chuck, un muchacho sin padre y criado entre un grupo de mujeres intrigantes y autoritarias, se relaciona con Justin McLeod (Mel Gibson), un profesor que tiene el rostro desfigurado. Una historia sobre la justicia y sobre cómo aprender a vivir sin prejuicios.


ENSEÑANZA MUTUA

Habiendo sido Max Rockatansky en tres películas de 'Mad Max' y tres veces, hasta entonces, el policía loco Martin Riggs en las entregas de 'Arma letal', Mel Gibson era considerado principalmente un actor del género de acción, con excepciones como 'El año que vivimos peligrosamente' o 'Motín a bordo'. No obstante, para su debut en la dirección decidió apostar por una novela escrita por Isabelle Holland con el mismo título en inglés y publicado en 1972.

Gibson no solo dirigiría sino que interpretaría el rol protagonista del profesor Justin McLeod, un hombre caído en desgracia que, desde entonces, lleva recluido en soledad en una casa en las montañas hasta que conoce a un niño llamado Charles Norstadt (el también debutante, pero delante de las cámaras, Nick Stahl), quien busca su tutoría para ingresar en una academia y salir huyendo de su madre y su hermanastra (y la verdad es que no le culpo).

Ahora mismo es fácil decirlo, viendo lo que ha sido su trayectoria desde entonces, pero en este primer paso ya se veían mimbres de que había dentro de Gibson no solo un muy buen actor, sino además un prometedor director como ya demostró después con 'Braveheart', el cual le consagró. Si bien este filme no tira la casa por la ventana, se vislumbra una muy buena dirección de actores sacando un notable debut para Stahl siendo un pre-adolescente, así como de los actores secundarios que interpretan a la familia de 'Chuck' (apodo para los que se llaman Charles). Cada una de las actrices (Gaby Hoffman, Fay Masterson y Margaret Whitton) que son la familia del niño coprotaginista tienen sus momentos de lucimiento, consiguiendo la madre y la hermanastra (especialmente esta) mayor que caigan mal en algunos segmentos.

A diferencia del libro, el guion adopta otro enfoque entre la relación entre el profesor y el alumno, el cual yo creo que es más acertado viendo como se enfoca en la novela. En el largometraje hay una amistad que parecía improbable en el que ambos se sacan lo mejor de ellos mismos y siendo un apoyo fundamental en unos momentos tristes para ambos en el que, además, se trata también el tema de la toxicidad de los rumores infundados.

Otra de las buenas noticias derivadas de 'El hombre sin rostro' fue la primera colaboración entre Mel Gibson y el compositor James Horner, el cual sería el encargado de 'Braveheart' y 'Apocalypto'. En esta ocasión, no aporta un trabajo muy rimbombante, pero luce lo suficientemente bien como acompañamiento intimista del drama o de escenas más alegres. Tampoco pienso que fuese necesario explayarse necesario, puesto que la historia no lo necesitaba.

Un debut como director no es fácil para cualquiera, salvo que tengas un talento descomunal, estilo Orson Welles. La ventaja de Mel Gibson fue haber estado a las órdenes de grandes directores como Richard Donner (D.E.P.), George Miller o Peter Weir (D.E.P.), entre otros, de los que imagino que iría aprendiendo cositas que le sirvieron para manejarse por su cuenta. No ha tenido la carrera mega espectacular de un Steven Spielberg, un Clint Eastwood o un Martin Scorsese, pero mal no le ha ido en este campo.

7

SINOPSIS: Cuando las mujeres comienzan a sufrir una extraña dolencia provocada por el uso de un nuevo cosmético, surgen sectas que intentan secuestrar a las pocas mujeres que no padecen esta enfermedad. Una de las secuestradas es una niña de cinco años, a quien busca un agente secreto.


CUANDO TE PASAS DE EXPERIMENTAL

Aunque ahora es un reputado director, el canadiense David Cronenberg tuvo unos inicios humildes antes de triunfar con películas como 'La mosca' o 'Una historia de violencia'. Tan humildes que entraban en el cine experimental con actores totalmente desconocidos y rodados de una forma que no se puede negar que son llamativos.

Para este segundo largometraje, Cronenberg relata como las mujeres han desaparecido de la faz de la tierra, salvo una niña pequeña de unos cinco años que aparece en el final, por unos cosméticos, quedando mayormente los varones. ¿Como viven los habitantes de ese mundo sin el sexo opuesto? Visto desde fuera como si hubieran perdido todos los tornillos.

Es natural que para sentir placer algunos tengan comportamientos homosexuales, pero con el filtro de David Cronenberg esto es un festival de fetichismo en el que se dan alegría tocándose los pies y en una de las escenas parece que intercambiaban ropa interior de mujer. Queda una sociedad futurista en el que la ausencia del 99,9% de las hembras sume al hombre en la locura, al menos desde la perspectiva del realizador nacido en Toronto.

No tengo nada en contra del cine experimental, pero cuando se ve realizado de formas como en este título en el que sólo hay la voz en off del protagonista, banda sonora que en los pocos momentos de aparición es bastante raro y pocos estímulos para el espectador más allá de ver edificios de corte futurista, estamos ante un filme cuya mayor utilidad es contemplar como se gestaba el tono del que iba a ser los futuros trabajos de Cronenberg. Todo aquí pinta a raro en el mal sentido y es una suerte que dure poco más de una hora, de lo contrario habría sido incluso peor. Salvo alguna escena particular y los mencionados edificios, este visionado va a pasar en este 2026 sin pena ni gloria.

2

SINOPSIS: El detective de Los Angeles Vincent Hanna (Scott Plank) está tras el rastro de una banda de criminales extremadamente despiadada. Pero cuanto más avanza en la investigación, más se da cuenta de las cosas que tiene en común con su líder. Seis años mas tarde de este telefilm, pensado inicialmente como un episodio piloto para una serie que no llegó a crearse, Michael Mann hizo una nueva versión para el cine con mucho mas presupuesto: la película se llamó "Heat".


VERSIÓN BETA

'Heat' es considerada una de las mejores películas de acción no solo de los años 90 sino de toda la historia del cine, entre los que me incluyo; pero los orígenes de esa película son bastante curiosos, puesto que realmente hubo una versión beta llamada 'L.A. Takedown' la cual iba a ser un episodio piloto de una serie para la cadena NBC que nunca arrancó, por lo que se reconvirtió en película.

En este filme para televisión encontramos algunas tramas que luego se vieron en la versión de 1995 como la trama amorosa entre Neil McCauley (aquí Patrick McLaren) y Eady o los problemas maritales entre Vincent Hanna y su mujer Justine (aquí Lilian). Algunas subtramas no aparecen en esta versión para la pantalla pequeña y sí para la versión 'deluxe' como, por ejemplo, la hijastra de Justine, la cual interpretó Natalie Portman.

Tendría todo el sentido comparar ambas porque esta es la semilla de la otra, pero realmente se pensó como un lanzamiento para una serie de TV y no era su propósito competir en el cine hasta que el proyecto no despegó; aún así, su recorrido comercial no fue nada del otro mundo y hoy día está más como una curiosidad que como un producto con reputación por derecho propio.

Pero no se vayan, todo esto no quiere decir que no merezca la pena echarle un vistazo. Evidentemente no tenemos el reparto de estrellas de la de los noventa, destacando en esta ocasión los nombres de Michael Rooker en el personaje que luego daría vida Ted Levine, Richard Chaves (visto en 'Depredador') compartiendo personaje con Wes Studi, Clarence Gilyard Jr. (fallecido en noviembre de 2022 y que fue Theo en 'La jungla de cristal') haciendo el rol de Dennis Haysbert, Xander Berkley como uno de los personajes clave -Waingro- que luego interpretaría Kevin Gage y que aparecería para la nueva versión dando vida a Ralph o el recientemente fallecido Cary-Hiroyuki Tagawa en un rol que luego haría Henry Rollins. Aunque reputados nombres todos ellos, no se lucen mucho dejando ese espacio para los actores que interpretan a Hanna y McLaren o sus respectivas mujeres. El trabajo de estos no es nada del otro mundo, es imposible competir con nombres como Al Pacino o Robert De Niro, la paliza es monumental, aunque estoy seguro que lo hicieron lo mejor que pudieron.

Como ya se ha mencionado, hay subtramas que aparecerían en el futuro sin tanta buena interpretación ni tantas florituras visuales, pero se deja ver. Con hora y media de metraje se basta para contar la historia de atracos con sus ramas que luego se perfeccionaría, las secuencias de acción tienen un pase -otro campo en el que es imposible siquiera compararlas- y las historias lejos de la acción tienen su interés, sabiendo que son bastante similares a 'Heat'. Aún siendo consciente de lo opacado que quedó por su futura versión, es un largometraje que mantiene la atención gracias a su buen guion. Mi consejo para no caer en el tedio es olvidarse de las comparaciones y tomarlo como un experimento.

6

SINOPSIS: Un joven aventurero llamado Milo encuentra un antiguo diario que contiene pistas de cómo llegar a Atlantis, el mítico reino hundido. Junto a otros intrépidos personajes Milo decide embarcarse en el Ulises, un impresionante submarino, en una arriesgada expedición al fondo del mar.


VIVA LA PACA

Durante finales de los 80 y la década de los años 90 la Walt Disney Animation Studios recuperó en el cine gran parte de la grandeza que perdió gracias a títulos como 'La sirenita', 'La bella y la bestia', 'Aladdin', 'El rey león' y unos cuantos más que mucha gente sabe cuales son (tampoco es plan de ponerme a contar como si fuese la Wikipedia). Llegaron los 2000 y si bien no hay filmes tan inolvidables en términos generales como los antecesores, eso no significa que no merezcan su atención; incluso alguna puede dar una sorpresa.

El dúo Gary Trousdale/Kirk Wise antes de 'Atlantis: El imperio perdido' se encargaron de dos de las producciones que ayudaron a reimpulsar a Disney como fueron la ya mencionada 'La bella y la bestia' y 'El jorobado de Notre Dame'. Para el año 2001 se vuelven a juntar una tercera vez para contar la leyenda de la ciudad perdida de Atlantis. Hay que decir que puede recordar mucho a una película dirigida por Roland Emmerich, mas se puede disfrutar por igual como aquella del realizador alemán.

Milo Thatch es un cartógrafo y lingüista tratado como un felpudo por sus compañeros del Instituto Smithsonian (Washington D.C., Estados Unidos) que cree firmemente en la existencia de la ciudad de Atlantis. Su abuelo Thaddeus, gracias a un diario con sus investigaciones dando pie a una de las mejores escenas cómicas como es la del beso en la boca, le da el regalo final para que por fin pueda demostrar su existencia y ganarse el respeto que merece. Hasta la localización del lugar le seguirá una expedición con especialistas de todo tipo como son 'Vinny' Santorini (explosivos), Helga Sinclair (mano derecha del comandante Tiberius Rourke), Joshua Sweet (médico y armario empotrado), Audrey Ramírez (mecánica), Gaetan Moliére (experto en excavaciones y guarro), Jebidiah Farnsworth (cocinero no precisamente de estrella Michelín), el comandante Rourke y la operadora Wilhelmina Pakcard (llamada en el doblaje al español castellano 'Paca') por quien tenés que cerrar el estadio porque los genios hacen eso. La indiferencia y el "me suda todo el coño" como forma de vida.

La aventura no solamente cuenta con el típico esquema de este género con persecuciones, acción y sorpresas, sino que también cuenta con elementos de ciencia-ficción en el inicio donde sucede el 'flashback' y se integra de una forma en la que aventura y ciencia-ficción se retroalimentan sin estar perjudicado ninguno de los dos bandos. Incluso el tramo inicial, que es más bien introducción de personajes y presentación de la historia es bastante entretenido contando además con bastantes e ingeniosos golpes cómicos que no me veía venir. Por supuesto, el tramo con toda la acción y en su máximo potencial es un disfrute mezclando de manera inteligente acción, aventura y algo de comedia, todo ello obra de un guion que condensa todos esos géneros en poco más de hora y media y unos personajes con sus personalidades muy carismáticas, cada uno a su manera.

El paso del tiempo hizo que esta producción pasase a un segundo plano entre éxitos pasados y futuros dentro de Disney/Pixar, mas -en opinión de quien escribe- estamos ante una película ciertamente infravalorada por el que la mezcla de narración y técnica (principalmente efectos especiales y el espléndido trabajo en la banda sonora de James Newton Howard) a un nivel muy alto hace que 'Atlantis: El imperio perdido' sea un largometraje altamente recomendable. Esta es la Disney que enamora.

8

SINOPSIS: Una noche, mientras vuelven a casa, Franco Arno, ciego de nacimiento, y su sobrina Lori son testigos de una siniestra discusión entre un ladrón y un chantajista, que acaba en asesinato. A pesar de su invalidez, Franco colaborará con el periodista Carlo Giordani para desentrañar el misterio que se oculta tras una enrevesada trama de espionaje industrial y crímenes brutales. Ambos parten de una teoría según la cual las tendencias psicopáticas de un individuo pueden ser detectadas estudiando la configuración de sus cromosomas.


TIENE COLAS EL ASUNTO

'El gato de las nueve colas' supuso el segundo largometraje dirigido por el italiano Dario Argento (Roma, 7 de septiembre de 1940) en el que ya contó con dos actores conocidos (uno más que otro) como fueron James Franciscus (1934-1991) a quien se le vio en 'Regreso al planeta de los simios' o 'Atrapados en el espacio' y Karl Malden (1912-2009), visto en grandes películas como 'Un tranvía llamado deseo', 'La ley del silencio', 'El hombre de Alcatraz' o 'Patton' y que poco después de esta experiencia italiana protagonizaría la serie 'Las calles de San Francisco', junto a Michael Douglas.

Argento es también coautor del guion, junto a Luigi Cozzi y Dardano Sacchetti, en el que un experiodista ciego llamado Franco Arno (Malden) y su sobrina son testigos de una conversación entre un ladrón y un chantajista que más tarde termina en muerte. Es ahí donde entra Carlo Giordani (Franciscus) que empieza a investigar el caso gracias a la ayuda de Arno. Como se puede esperar hay mucho más de lo que parece a simple vista.

En lo que respecta a este filme, no hay mucho más de lo que parece. La historia de investigación incluyendo los toques de terror hace que preste interés en ver como se irán desarrollando los acontecimientos de la investigación llevado a cabo entre Arno y Giordani, incluso consigue dar secuencias con lograda tensión como la que sucede durante el cementerio o la persecución de coches bastante antes de dicha escena. El como se van desarrollando los acontecimientos está bien hilado no haciéndome arquear una ceja por cosas que pudiesen estar fuera de sitio; o, al menos, no para mí.

El maestro Ennio Morricone (1928-2020) tuvo su segunda colaboración de un total de cinco con el realizador y en esta ocasión aporta un trabajo que no diría que está entre los mejores de su mítica trayectoria, pero es de esas ocasiones en que tiene un algo que hace cautivar el oído cuando sale a escena, nunca mejor dicho, con su tono de misterio y algún tema algo más movido. Si este largometraje consigue pasar la prueba del algodón es gracias en parte a la labor del compositor.

Cuando uno piensa en Dario Argento dudo que 'El gato de las nueve colas' surja de manera automática estando eclipsado por otros títulos como 'Phenomena' o 'Suspiria' que han calado más dentro de su filmografía. No quiere decir que esta no merezca atención, pienso que motivos tiene de sobra para darle una oportunidad y si bien no deja con ganas de dar volteretas, el sabor no es ni mucho menos agridulce.

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