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SINOPSIS:
Gretchen, de 17 años, deja a regañadientes su hogar estadounidense para vivir con su padre, que acaba de mudarse a un complejo turístico en los Alpes alemanes con su nueva familia.


CRÍTICA: Algo huele a podrido en los Alpes

Una película tan solvente, cachonda y traviesa como por ejemplo 'Strange Darling'. Y a su particular manera, más lograda y sobre todo juguetona que 'Longlegs', en una gratuita comparación instigada poco más que por el logo de una Neon que le empieza a comer la tostada a A24.

Porque me apetecía decirlo, sin más.


Sea como fuere, 'Cuckoo' responde a una apuesta tan potencialmente disparatada y delirante como sumamente entretenida y vigorizante que disfruta, y te hace disfrutar (si entras en su juego, claro) de la impúdica libertad con la que retuerce una premisa tan volátil y abocada al caos.

Un caos caprichoso por el que Dan Stevens se mueve, de nuevo, con una gracia a prueba de posibles vergüenzas y desastres que, tal vez, no sea tanto lo que pueda ser como lo de buenas o de malas que nos pille ese día, en ese momento y en ese lugar;  ya sea sólo o bien acompañado.

Nota: 6.75


Lo Mejor:
- Una película tan juguetona...

Lo Peor:
- ... como caótica

SINOPSIS:
En un futuro cercano donde la paternidad está estrictamente controlada, la evaluación de siete días de una pareja para obtener el derecho a tener un hijo se convierte en una pesadilla psicológica.


CRÍTICA: Tan sólo ser

"Un drama romántico enredado en la rutina y monotonía de un relato de ciencia ficción reflexivo que desfallece antes de llegar a despegar por su solemne e intensa falta de pegada y de audacia".

Este comentario lo hice en relación a 'Intruso', una de esas películas que lamentas no haber disfrutado. Porque una vez puesta sobre plano, vista y analizada en su conjunto y valorada fríamente, sin motivos personales, no cuesta encontrarle el porqué alguien apostó por ella como película. Y es que así como hay proyectos como el de 'Kool-Aid' que no se entienden, hay otros que se comprenden perfectamente.

Pero del dicho al hecho hay un trecho, a veces insondable o insalvable. Puesta sobre plano, 'Intruso' me atrae tanto como lo hace 'La evaluación', si bien su trasladación a la gran pantalla tampoco me termina de convencer. Es, claramente, una película más lograda y por lo tanto más interesante, pero en ella sigo encontrando un tono demasiado frío, solemne y distante. Demasiado contenido aun a pesar de los berrinches infantiles de una Alicia Vikander entregada a la causa. A las dos causas.


La entrega de Vikander, así como la entereza de Elizabeth Olsen, son tan meritorias como en aquella lo eran las de Saoirse Ronan y Paul Mescal. Todos ellos, sostenes de sendos relatos que uno siente como una lluvia de misiles chocando contra un escudo antimisiles. Relatos de ritmo plácido y sosegado, claramente reflexivos que, sin embargo, traducidos con minimalismo en imágenes, no terminan de ponerse a tono y a pesar de su insistencia, explotar como sin duda está escrito en el guión.

A 'Intruso' la equiparé con tragarse un polvorón entero sin masticar; a un cruce de andar por casa entre un spin-off de 'Interstellar' y un episodio de 'Electric Dreams' ahogado en una monótona y altanera pretenciosidad que anulaba cualquier posible alegranza emocional. 'La evaluación' podría encajar también en este molde, como una de esas películas que parecen atascadas y/o estancadas en una aparentemente inmóvil e inmisericorde reiteración que se acaba haciendo algo de bola al final.

Aun a pesar de su elegante y convincente caligrafía audiovisual, no menos que altamente correcta en el peor de los casos. Aun a pesar de estar claramente por encima de 'Intruso', no siendo a diferencia de ella un filme fallido, sino uno, como tantos otros, que no termina de poner en valor sus intenciones y convicciones como para que el espectador las pueda adoptar como propias de una manera más o menos vivida.

De proyectar su mensaje por encima de unas maneras apreciables que, sin embargo, se sienten tan asépticas y funcionales como lo puede ser un estand de IKEA; por encima de una película que se siente demasiado hierática e impostada a la hora de modelar cualquier tipo de emoción, un tanto opacada por una solemnidad que lejos de percibirse como un sentido grito de dolor, se asume como un mero requisito para ser.

Tan sólo ser.

Nota: 6.5


Lo Mejor:
- La solvencia de Alicia Vikander y Elizabeth Olsen

Lo Peor:
- Su contenida frialdad

SINOPSIS:
Una reina (Amara Okereke), desesperada por encontrar la felicidad en el amor, envía a la poderosa bruja Gray Alys (Milla Jovovich) a las Tierras Perdidas, en busca de un poder mágico que permite a una persona transformarse en un hombre lobo.


CRÍTICA: ¿Por qué, señor Anderson?

Me cae bien Paul W.S. Anderson. Al fin y al cabo lleva treinta años haciendo y viviendo de lo que también me gustaría hacer y vivir. Y además, con la aparente libertad para poder hacerlo a su gusto y encima presumir de ello; como para que su nombre sirva para promocionar sus películas... para promocionarlas, y también como advertencia: ojo, una película de Paul W.S. Anderson. No el de 'Magnolia', sino el otro.

Y efectivamente, 'Tierras perdidas' es una película de Paul W.S. Anderson, con todo lo que eso asociamos a lo que parece haber terminado siendo el cine de este Sr. Anderson; el de 'Resident Evil'. Una suerte de cómic digital rodado en estudio que actúa como un reverso de serie B, mucho más modesto, pulp y campy de Zack Snyder. También, mucho más autoconsciente y sobre todo menos pagado de sí mismo. 

A su favor, que el Sr. Anderson va al grano; en su contra, que no tiene el poderío visual del Sr. Snyder. Ni sus presupuestos... que por algo es. Porque 'Tierras perdidas', al igual que el grueso de su filmografía, no deja de ser un producto de explotación para lo que antaño conocíamos como "videoclubs". No deja de ser curioso que, sin embargo, el Sr. Anderson haya esquivado -al menos por ahora- la bala del VOD o el streaming...


... y siga estrenando en salas, cosa que no sucede con el Sr. Snyder. Sea como fuere, 'Tierras perdidas' viene a ser, por desgracia, lo que ahora cabe esperar de quien fuera el director de 'Horizonte final', 'Soldier', 'Alien vs. Predator' e incluso 'Death Race: La carrera de la muerte' o el primer 'Resident Evil': un subproducto barato que al igual que los que hacían Robert Rodríguez... o Albert Pyun se siente muy pobre.

De hecho, podría ser un cruce entre el Sr. Rodríguez y el Sr. Pyun pasado por el filtro del Sr. Snyder. Tal cual. Poco más de 90 ahuecados, tópicos e insulsos minutos a mayor gloria de la Sra. Anderson y el Sr. Bautista... si el epiléptico montaje, un guión con trono pero sin nada de juego o la sobredosis digital lo hubieran permitido. Con resignación 'Tierras perdidas' puede ser distraída, con sentido común se antoja... pobre.

Recuerdo con cariño los tiempos en los que cuando 'Horizonte final' estaba aún reciente, Paul W.S. Anderson era el otro Anderson, no el de 'Magnolia'. Ahora no hay duda. Es el de 'Resident Evil', y por si las hubiera ahí está Milla Jovovich, su señora, para rematarlas. 'Tierras perdidas' es un arquetipo pobre y simplón, un producto de mínimos. Un Albert Pyun dirigido por el Zack Snyder de Hacendado esquálido y barato.

Y que además es evidentemente esquálido y barato, como si alguien en vez de desarrollarlo y sacarlo adelante lo hubiera estado esquilmado y reduciéndolo a la nada. Como si el Sr. Anderson, la Sr. Jovovich y el Sr. Bautista la hubieran hecho por pura rutina... que es lo que es, una esquálida, barata y pobre rutina que certifica que, por desgracia, el nombre de Paul W.S. Anderson, el del otro Sr. Anderson, es una advertencia.

Nota: 3.5


Lo Mejor:
- Al menos es corta...

Lo Peor:
- ... pero no por ello sigue siendo

SINOPSIS:
Una oscura historia de espionaje que sigue a una tensa relación padre-hija en un negocio familiar.


CRÍTICA: Yo estuve aquí

No tengo claro cómo valorar la última película de Wes Anderson; precisamente, porque se trata de, inequívocamente, una película de Wes Anderson. Una que no engaña y que en todo momento no sólo lo parece, sino que también se comporta como, en efecto, una película de Wes Anderson. Una obviedad que por otro lado cualquiera podría asegurar incluso sin haberla visto.

Esa es en resumen la cuestión. 'La trama fenicia' es puro Wes Anderson. No hay nada en ella que no incida y reincida, casi obsesiva y obstinadamente en lo que conocemos como "el cine de Wes Anderson". No hay nada en ella que no incida y reincida, casi obsesiva y obstinadamente en lo que exactamente, a grandes rasgos, estamos esperando encontrarnos en ella.

Lo dicho, una obviedad.

También, una reiteración. Y una sensación que ya emanaba de 'Asteroid City': la de un precioso, aunque hueco capricho, estancado en su propia y hierática realidad alternativa. De hecho, mucho de lo escrito respecto a su anterior filme lo podría reutilizar para 'La trama fenicia'. La duda está, particularmente, en si el orden de los factores puede alterar o no el producto.


Si 'La trama fenicia' fuera la primera de Wes Anderson que viese, ¿me gustaría tanto como en su momento lo hicieron 'Moonrise Kingdom' o 'La crónica francesa'? Desde luego es más consistente y satisfactoria que la mencionada 'Asteroid City', si bien sigue emanando de ella la misma sensación de estéril mecanicidad autosatisfecha. De capricho autoindulgente.

De que el cineasta ha pulido y perfeccionado tanto su estilo que ya ni sorprende, ni funciona, ni mucho menos impacta de la misma manera. El desfile de caras conocidas, por ejemplo, ya no es tanto un activo como un compromiso de dudoso valor. Y es que el cineasta vuelve a contar de nuevo con un reparto de lujo cuya participación resulta, por lo general, anecdótica.

Hasta parecer que, de hecho, es un compromiso que en algunos casos no pasa de una sola frase o unos pocos segundos en pantalla. Un poco a lo "yo estuve aquí" que refleja al propio filme. Un "yo estuve aquí" que visto en su conjunto, no se puede decir que aporte o nos transmita gran cosa salvo redundar en la obviedad: se trata de una otra película de Wes Anderson.

Una más que incide y reincide en lo que a grandes rasgos esperamos, de una manera tan decorativa, artificiosa y formalmente brillante como de costumbre sin suponer alguna progresión o evolución. Es la perfección de un estilo que no es que se muestre agotado, sino demasiado a gusto en una zona de confort que parece representar tan pocos riesgos como alicientes.

Esto es, una obviedad: la de ser lo que a grandes rasgos esperamos que fuera y sin embargo no poder disfrutar de ello por ser, precisamente, no más que lo que a grandes rasgos estábamos esperando que fuera. 'La trama fenicia' es, en resumen, una otra más de Wes Anderson. Sin poder fingir cara de sorpresa, ni tampoco de decepción. Como ir a misa los domingos por rutina.

Nota: 6.0


Lo Mejor:
- No se puede decir que Wes Anderson engañe a nadie...

Lo Peor:
- ... pero tampoco que sorprenda

SINOPSIS:
En los años 70, el director Kim está obsesionado por el deseo de volver a rodar el final de su película recién terminada 'Cobweb'.


CRÍTICA: o (la inesperada virtud de hacer cine)

Una comedia negra sobre un rodaje imposible en la Corea de los años 70.

La décima película de Kim Jee-Woon, a menudo conocido y también reconocido como "el responsable de 'Encontré al diablo'", es una comedia negra sobre un director que se obsesiona con volver a rodar el final de su última película recién terminada, en una época especialmente complicada para el cine de Corea del Sur; cuando en los años 70 el estricto control gubernamental se lo puso muy complicado a los cineastas del país.


Parece obvio. 'Tela de araña' es metacine. Metacine que funciona a ratos y de manera alterna como comedia, o como sátira, o como thriller. A Jee-Woon le salen muchas cosas bien en este su 'Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)' particular, una caótica e irregular carta de amor que se puede decir que cuenta dos historias diferentes pero complementarias: la del rodaje, y la de la propia película que están rodando.

Una carta de amor al cine como arte, obviamente. Una caótica e irregular carta de amor que funciona a ratos y de manera alterna. La presencia siempre solvente y carismática de Song Kang-Ho como principal protagonista, ese director empeñado en rodar un nuevo final para su (tal vez) última película, apuntala una producción, por lo general y en general, disfrutable aunque, eso sí, más sólida en el recuerdo que en directo.

Nota: 6.75


Lo Mejor:
- La solvencia que siempre aporta Song Kang-ho

Lo Peor:
- Su irregularidad

SINOPSIS:
Romain, de 18 años, hace una parada en casa de su camello, prueba una nueva pastilla y se dispone a irse de fiesta...


CRÍTICA: One Cut of the Dead

'MadS' comienza con Romain, un joven de 18 años que hace una parada en casa de su camello, prueba una nueva pastilla y se dispone a irse de fiesta. Pero conduciendo ve a una mujer herida en el arcén y para a socorrerla. Al subir a su coche, silenciosa y con un aspecto muy extraño, empieza a comportarse de forma aterradora.

Y este es sólo el principio de la noche... De una noche filmada por David Moreau en un único plano secuencia, en una película que se promociona en virtud de cómo se ha rodado; en virtud de lo que le da sentido y fundamento. Un arma de doble filo, pues a menudo te hace estar más atento de la técnica que de la historia. En 'MadS', sin embargo, ambas cosas van de la mano, siendo en la práctica el resultado de la fusión entre ambas.

No habría película de lo contrario.


La historia es la técnica. La técnica es la historia. Todo ello servido con mucha, mucha intensidad y acoso musical. Un loco y trepidante plano secuencia de 90 minutos que en parte se siente como una nueva entrega de 'V/H/S', en una irresistible y arrolladora huída hacia ninguna parte que funciona por su fe ciega en un proyecto cuyo visionado, al igual que 'One Cut of the Dead', debería de venir acompañado de algún 'making of'.

Porque no hay película sin la técnica.

Porque la historia es la técnica. Porque la técnica es la historia. Y para disfrutar de 'MadS' hay que ser consciente de ello, y asumirlo como sucede de igual manera con cualquier entrega de la citada 'V/H/S'. Porque en esencia, viene a ser lo mismo; no por casualidad, 'MadS' cambia de protagonista sin que al final importe gran cosa lo que ha sucedido o dejado de suceder. Porque la historia es la técnica. Porque la técnica es la historia.

Y porque la parte verdaderamente interesante es su 'making of', lo que le da sentido al igual que sucedía con 'One Cut of the Dead'.

Nota: 6.5


Lo Mejor:
- Un planteamiento interesante...

Lo Peor:
- ... a la sombra de su aún más interesante making of.

SINOPSIS:
Josh (Ben Foster), un padre de familia, presencia un brutal accidente de tráfico en la curva cerrada frente a su casa.


CRÍTICA: El hombre y su circunstancia

Vaya por delante que 'La casa al final de la curva' tiene poco o nada que ver con el 'Crash', de David Cronenberg. Por suerte cabe añadir, aunque sus protagonistas desarrollen una similar obsesión por los accidentes de coches...

La película nos presenta a Josh McCall, un hombre convencional que parece tener la vida encarrilada. Pero tiene una sensación de vacío constante. Es como si algo le faltara. Todo cambia cuando varios coches se salen de la cerradísima curva que hay justo enfrente de su casa y empieza a obsesionarse con salvar a las víctimas de los accidentes....

'La casa al final de la curva' no es solo un drama psicológico, sino también una oscura sátira sobre la frágil naturaleza de la masculinidad actual y la naturaleza de la heroicidad; sobre si Josh es una aberración o un producto de la sociedad actual. No pretende ser un juicio moral, sino un retrato realista de la lenta e inexorable caída de este hombre.


Un hombre que se esfuerza por darle sentido a su vida en plena crisis de la mediana edad. Ha ido cerrando fases vitales, como advertía Tyler Durden, por inercia y medio adormilado, y el primer accidente le despierta de sopetón. Cuando su jardín se convierte en un punto negro, se plantea, por primera vez en su vida, quién es o quiere ser.

Y así durante poco más de 100 contenidos minutos de sostenida calma tensa durante los que seguimos a un estupendo Ben Foster que, poco a poco, muy poco a poco es consumido por su obsesión. En voz baja y sin grandes alardes. De manera cotidiana, plausible. Como si fuera la vida misma y en cualquier momento fuera a explotar...

'La casa al final de la curva' no es una película en la que pasen muchas cosas. Como en el 'Crash' de Cronenberg, poco más que un hombre que se obsesiona con encontrar el sentido de la vida, de su vida en los accidentes de coche. Como espiar a un vecino a través de la ventana, alimentado por la incertidumbre y el morbo de saber si pasará algo.

O qué.

Nota: 6.5


Lo Mejor:
- Ben Foster

Lo Peor:
- Habrá a quien le parezca que no pasa... nada

SINOPSIS:
Totone, de 18 años, pasa la mayor parte del tiempo bebiendo cervezas y de fiesta en la región del Jura con su grupo de amigos...


CRÍTICA: Aceptamos pulpo

Partamos de la siguiente base: 'La receta perfecta' es un relato naturalista y luminoso poco creíble en el que, por ejemplo, un chaval de 18 años sin trabajo, estudios o ingresos y que sólo sabe beber cerveza se hace cargo de una niña de 7 años sin que nadie diga ni mú. O que se quiere presentar a un exigente concurso agrícola sin siquiera haberse leído las normas, a pesar de que uno de sus mejores amigos empeña su coche para que lo pueda hacer (para más tarde, por cierto, recuperarlo sin que nadie explique cómo).

Da igual. Aceptemos pulpo como animal de compañía por el bien de la causa.


¿Qué causa? La de un 'coming of age' quesero que no destaca por nada en particular. 'La receta perfecta' es agradable, se deja ver, fluye con ligereza y se agradece que no cargue las tintas en lo dramático, siendo en esencia una comedia positiva y ligera muy cercana a una fábula (y a lo peligrosamente "remakeable"). O más bien, una comedieta entretenida con cierto encanto pero que resulta demasiado sencilla, directa, clásica y perfilada como para sobrevivir al momento y arraigar en algún lugar de la memoria.

Da igual. Aceptemos pulpo como animal de compañía por el bien de la causa.

Nota: 6.0

SINOPSIS:
Adi (17 años) pasa el verano en su pueblo natal, en el delta del Danubio...


CRÍTICA: Un lugar tranquilo

Hay una cosa que admiro mucho de películas como la que propone el rumano Emanuel Parvu, y es su manera de construir el suspense de una manera natural y cotidiana, incluso aparentemente rutinaria con toda la calma del mundo. Como si no pasase nada especial y fuera un día más como otro cualquiera, en un modélico ejemplo de cómo desarrollar, con rigor, la que parece una historia de intriga mundana y terrenal durante la que el tiempo, a través del empleo panorámico de planos fijos y largos, parece detenerse.


"La que parece una historia de intriga" con la que Parvu envuelve a la auténtica. Un alegato contra la homofobia y el conservadurismo religioso profundamente arraigado. Sin moralismos ni subrayados innecesarios, dejando que la historia fluya a su ritmo y se despliegue de manera orgánica para poder valerse por sí misma. Esto es, Parvu, en la práctica, se limita a hacer lo que se supone hace un cineasta: contar una historia... y al igual que hacían en 'Origen', hacerle creer al espectador que la reacción (a priori lógica) es cosa suya.

La falta de diálogo, de comprensión y de amor conducen al fin del mundo en palabras del propio Parvu. De ahí los 'Tres kilómetros al fin del mundo' del título de este filme que a unos tres kilómetros del fin de una familia desarrolla una historia sobre la intransigencia; en especial, hacia aquellos que son diferentes a través de los sentimientos contradictorios y en conflicto alrededor de aquello que no puedes o no quieres entender, el riesgo de regirse por etiquetas o el cómodo inmovilismo de la parálisis social.

Nota: 7.0

SINOPSIS:
Lucas (Josh Hartnett) es un mercenario retirado en Tailandia que recibe el encargo inesperado de atrapar a un asesino que va a embarcar en un vuelo rumbo a Estados Unidos.


CRÍTICA: Siéntate, relájate y disfruta del vuelo

Viendo 'Fight or Flight (Sicarios en el aire)' no podía dejar de pensar en 'Bullet Train'; más concretamente, en que 'Fight or Flight (Sicarios en el aire)' podría ser una secuela de 'Bullet Train'. Perfectamente. Una secuela en la que Brad Pitt ha sido reemplazado por Josh Hartnett del mismo modo que Keanu Reeves fue reemplazado por Jason Patric en 'Speed 2'.

Aunque la secuela de 'Speed' no sea el mejor ejemplo, ya que aquella fue más grande, cara y se supone que ambiciosa que la primera; por no mencionar que Josh Hartnett no es un soseras como Jason Patric. Pero para el caso, la idea viene a ser la misma: Si la primera es en un autobús, la segunda en un barco; si la primera es en un tren, la segunda en un avión.


Para el caso, la idea viene a ser a la misma: Pasar un buen rato, distraídos y con una sonrisa; dejarse llevar, sin más ni menos. Una especie de 'Bullet Train' en un avión más directo, sencillo y violento, menos glamuroso, refinado y dentro de lo que cabe, ambicioso. Como si fuera una secuela un tanto a lo barato; aunque no tanto como para ir directa a streaming.

Pero sí lo suficiente para que Josh Hartnett sea el único nombre a destacar de su reparto. Y el único reclamo. Un reclamo eso sí tan destacable como puede ser el de Brad Pitt en aquella, disfrutando y haciéndonos disfrutar, como ya hizo en 'La trampa' de M. Night Shyamalan, de una guasona segunda juventud que parece que le está sentando mejor que la primera.

En suma, un divertimento tontorrón y sangriento como 'Kill Boy'. Películas muy resultonas y simpáticas que aún con sus más y sus menos, cumplen y resultan efectivas en las distancias cortas. Por más que sus carencias, como que nos dejen sin final bajo la promesa de una secuela residual, les impidan convertirse en clásicos inolvidables como 'The Raid' o 'Kill'.

Nota: 6.5


Lo Mejor:
- Es muy resultona...

Lo Peor:
- ... aunque su "no final" corta un poco el (buen) rollo

SINOPSIS:
En un edificio del centro de Madrid, una comunidad de vecinos se reúne para votar el cambio de ascensor...


CRÍTICA: Disfruten lo votado

Todos somos como somos. Eso nos gusta pensar. Pero la realidad es que, muy posiblemente, la gran mayoría sólo nos lo creemos porque es lo que parece. Vivimos en una sociedad, y como tal estamos sujetos a las convenciones sociales y al escrutinio de los demás, ya sea de forma directa o indirecta. Y es que no somos como somos, sino cómo puedan vernos o podamos encajar dentro de una sociedad sobre la que además no tenemos el control.

En una comunidad de vecinos, como también puede ocurrir en tu trabajo o en tu bar de referencia, todos nos conocemos "de vista". Por lo general, sabemos ubicarnos unos a otros dentro de un contexto dado: el que le da fundamento a nuestra relación. Es mi vecino, es mi compañero de trabajo, etc. Y a base de pequeños esbozos nos hacemos una idea de quién es quién, y de cómo es cada uno. "Este vecino es majo... porque saluda por la escalera".


'Votemos' incide en todo esto de una manera tan clara como rotunda. Somos como somos... hasta que las circunstancias nos liberan del yugo del qué dirán. Del cómo se supone que somos, o tenemos que ser para encajar... o no encajar. Porque los vecinos no se eligen; te tocan. O se aguantan, porque no hay más remedio... En 'Votemos', eso sí, tienen la aparente oportunidad de elegir a un nuevo vecino... en base a lo dicho, un (muy) pequeño esbozo.

Por descontado, la de 'Votemos' se trata de una reunión de vecinos "caliente" en la que se dirán muchas cosas. El tipo de cosas que uno piensa, deduce, cree o sabe... pero que no dice en voz alta, porque no es educado. Porque es una falta de respeto. Vivimos en una sociedad residencial cimentada en un castillo de naipes formado por el interés, la apariencia, la oportunidad, el bienquedismo y la conveniencia. Porque no podemos valernos por sí mismos.

"Un problema de salud mental" es el detonante del 'Votemos' de su título, una comedia amarga, ácida y percutora sobre, obviamente, quiénes somos o dejamos de ser cuando las circunstancias nos aprietan las tuercas. Cuando nos calentamos. Cuando dejamos de ser... normales, y tal vez nos convertimos en anormales. Una película de claras reminiscencias teatrales, fundamentada en el diálogo sin pausa y que se desarrolla en un único escenario.

Una comedia arrolladora, por cuanto el terreno de juego y el efecto bola de nieve complica sobremanera que perdamos de vista la pelota. Una pelota que, por supuesto, se va haciendo más y más grande, hasta dar forma a una intensa e incómoda reunión de vecinos, tan punzante como divertida que ojalá no durase tan sólo 85 minutos. Es complicado no identificarse en alguna medida, tanto como lo es no disfrutar (desde fuera) de 'Votemos'.

Una película que, en resumen, demuestra que la democracia es una mierda. Porque seamos sinceros: los demás, por lo general, y llegado el caso, son unos gilipollas. Aunque saluden amablemente por las escaleras como si no lo fueran.

Nota: 7.0

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