Bueno, lo primero de todo comentar que sólo voy a poner las que conozco de primera mano. Haber, hay casi infinitas. Pero en estas son en las que me he ahorrado un montón de pasta y donde compro habitualmente.



http://www.amazon.co.uk/ (UK)

La mejor. No sólo tiene buenos precios y ofertas a menudo (2x1, 3x2, etc..), sino que tiene el mejor servicio de atención al cliente de todas si surge cualquier problema con el envío. Aquí uno sí que siente CLIENTE de verdad, todo son facilidades. Las novedades, pasadas pocos meses de su salida se ponen muy bien de precio o entran en ofertas combinadas con otras. Al ser ediciones europeas, muchas son los mismos discos que se venden aquí después, por lo tanto traen también castellano. Rapidez en los envíos (2-4 días) y coste de los mismos contenido.

http://www.amazon.com/ (USA)

La tienda en América de amazon. Los precios son buenos también, aunque en dólares parecen más abultados por el cambio de moneda. Las desventajas son la lejanía, que hacen que los envíos salgan algo más caros que en su homóloga inglesa (compensa si se pillan varias cosas) y que tardan bastante más en llegar. También hay que tener en cuenta que de sus ediciones son Zona A, abunda el español latino, y sin  reproductores multizonal no se pueden ver las películas. Aún así, se pueden encontrar verdaderos chollos, y si el reproductor y el idioma no suponen problema, se puede uno poner las botas. Criterion edita sólo allí, y sus magníficos trabajos me ponen siempre los dientes largos

* Existen otros amazon por europa como el de Alemania http://www.amazon.de/ y Francia http://www.amazon.fr/, aunque sus precios (más por oídas que por comprar yo ahí) no son tan competitivos como en los de habla inglesa. Aunque no está de más echarles un vistazo de vez en cuando. Y para buscar frikadas extremas siempre puedes echarle un ojo al de Japón http://www.amazon.co.jp/ (si te aclaras).


http://www.play.com/ (UK)

Más cara que la anterior. Esta es más para buscar ofertas concretas, que en ocasiones son bastantes buenas. Mi última compra aquí, Hijos de los hombres y Frost VS Nixon (BD ambas), a 14,50€ cada una puesta en casa, envío incluido. Mismos discos que aquí. Ventaja, que puedes ver desde el principio el precio en € y con el envío incluido. La segunda tienda en la que más he comprado.


http://www.thehut.com/home.dept (UK)

Carilla (siempre en comparación con resto de tiendas UK, ojo. Con España, "reagaladas" muchas cosas.) Pero tiene ofertas concretas muy buenas rebuscando sin mucho esfuerzo. Como muestra un botón. Hoy la oferta del día incluye Daredevil DC (BD) por 10,93 € (su free delivery es sólo en Reino Unido, pero el envío a España es muy barato). La misma edición en España creo que anda de 21 para arriba. El otro día me llegó Instinto Básico en BD por 7€ puesta en casa. Hay que estar atentos porque según van vendiendo el precio sube.


http://hmv.com/hmvweb/home.do (UK)

Parecida a la anterior. Una vez creo que he comprado nada más y sin problemas. Ofertas concretas y puntuales. El problema con todas las tiendas es que una vez compras BD a 10 €, todo lo que suba de ahí ya te parece caro  Comento aquí también que entre todas suelen compartir las mismas promociones. Como podréis ver, ahora hay un 2x1 en títulos Disney en muchas de ellas.
Por poner algo de ella, aquí tenéis la trilogía Matrix en HD (con el español latino, ojo) por 16,99 Libras. Si sois extremistas de la V.O., por 20-21 € en casita. Id a mirarle el precio al Corte Inglés..


http://www.blahdvd.com/topselling_blu-ray.htm?link=linkline2 (UK)

En esta nunca he comprado, pero por oídas no anda muy allá del resto y también tiene sus cosillas. En Reino Unido sí puede decirse que existe competencia entre ellas, lo que acaba beneficiando al consumidor.



Y para no ser malo, voy a poner aquí también la mejor tienda online que hay en España:

http://www.moviesdistribucion.com/  (ESP)


De precios, para ser España, es de las mejores si no la mejor, aunque no llega al nivel de las inglesas. La atención al cliente es muy buena (que aprendan otras). El único inconveniente es que hay que sumarle los gastos de envío (SEUR), aunque son rapidísimos (alguno del foro lo puede atestiguar). Yo lo que hago, con las ediciones que no salen fuera o que me interesa tener las españolas por el motivo que sea, es esperar a alguna oferta o juntar varias que me interesan. Si el pedido pasa de 65€, los 6,95 de los gastos de envío no te los cobran. En esta tienda me he puesto las botas con la promoción 2x1 Warner BD (11€ título). Ahora estoy esperando una posible 2x1 Fox.



TODO esto lo combináis con esto:

Puedes mirar aquí las películas que tienen audio en castellano. Se actualiza constantemente y la información es de primera mano:

http://www.forodvd.com/showthread.php?t=56561


Y aquí el código de región de los blu ray por si tuvieras alguna duda:

http://www.blurayregioncodes.com

...y con esto para hacer buscar rápidas comparando precios en tiendas inglesas:

http://www.find-dvd.co.uk/


y ya tenéis las herramientas básicas para lanzaros a la caza y captura de vuestras gangas en películas. No querréis volver a comprar aquí salvo última necesidad.

* Los pagos con tarjeta de crédito/débito. No sé qué más opciones existen en cada una de ellas puesto que sólo uso esta. Ningún problema en más de un año comprando.



PD: No sólo de pelis vive el hombre. Los que tengáis consola os vais a quedar alucinados con los precios de los juegos allí. Eso y otras cosas en electrónica y tooooodo lo que tienen...

FICHA TÉCNICA:

Título original: Harvey
Año: 1950
Nacionalidad: USA.
Director: Henry Coster.
Guión: Mary Chase (novela), Oscar Brodney y Miles Connolly.
Música: Frank Skinner.
Fotografía: William H. Daniels (B/N).
Reparto: James Stewart, Josephine Hull, Peggy Dow, Charles Drake, Cecil Kellaway,  Jesse White, Victoria Horne, Wallace Ford.
Productora: Universal International Pictures.                                                                                                                  Duración: 104 min.
Premios: Oscar y Globo de Oro 1951 a la Mejor Actriz de reparto para Josephine Hull.


SINOPSIS:

Elwood P. Dowd es un amable hombre con una filosofía de la vida de lo más optimista, rozando lo ingenuo. El único problema es que siempre va acompañado de Harvey, un conejo invisible de 1.91 m. con el que habla y al que presenta a todo el mundo. Su hermana mayor y su sobrina, con las que vive en la casa familiar, avergonzadas ante la actitud de Elwood, deciden internarlo en un psiquiátrico para que se recupere.



CURIOSIDADES:

• Aunque el personaje de Elwood bien podría interpretarse como el de un alcohólico, sólo se le ve en una ocasión tomando un Martini.
• Universal pagó 750.000$ para hacerse con los derechos para el film.
• Josephine Hull ya había interpretado su papel con anterioridad en la versión de Broadway de Harvey..
• Ante la sugerencia de Stewart, el director modificó muchas tomas. Las hizo más anchas en pantalla para que Harvey “apareciera” en ella.
• Aunque Elwood dice que Harvey mide más de 1.90 m. (el mismo dato que en la novela y más o menos la misma altura que Stewart), el actor siempre mira para arriba cuando se dirige a él. En 1990 Stewart explicó en una entrevista que él mismo se imaginó a un conejo de 2.10 m. en el rodaje para poder hacerlo así.
• Antes del estreno se rumoreó que la Mula Francis tendría un cameo en la película. Supuestamente ella pasaba por detrás de Elwood y Harvey y decía algo. Stewart se giraba y la saludaba, a lo que la mula respondía que no se estaba dirigiendo a él sino al conejo gigante.
• La obra original en Broadway se estrenó el 1 de Noviembre de 1944 en el Teatro de la calle 48, alcanzó las 1775 representaciones y ganó el Premio Pulitzer a la mejor representación teatral en 1945.

COMENTARIO PROPIO:

Encasillar El Invisible Harvey dentro de un género, aparte de complicado, sería hacer lo mismo que hacen los personajes con Elwood P. Dowd, llevarse una impresión equivocada. Porque si algo comparte película y espectador, es que todos empezamos del lado de los cuerdos, y queremos acabar en el mundo de los “locos”. Es un paralelismo nada casual, llevado extraordinariamente, y sobre todo creíble teniendo a James Stewart en el rol principal. Alternando comedia, drama y fantasía,  es una de esas películas que como diría el antipático Melvin de Mejor Imposible, invitan a “querer ser mejor persona”.

Más allá de las situaciones cómicas y confusiones que se dan con un conejo invisible en escena, El Invisible Harvey plantea interesantes cuestiones sobre el comportamiento humano, sobre todo en base al miedo ante lo desconocido y/o lo diferente. Elwood es un tipo realmente encantador, amable, simpático, educado, sin maldad alguna de ninguna clase. Sí, vale, tiene un conejo invisible de más de dos metros de altura como mejor amigo, pero ¿es eso suficiente para considerarlo como un peligro para la sociedad, para querer encerrarlo? ¿Es el "qué dirán" uno de los pilares básicos de nuestra sociedad que condiciona/justifica nuestros actos? ¿Nos empeñamos sin darnos cuenta en matar la felicidad? Hay una frase magistral del protagonista a este respecto:  Hace años mi madre solía decirme: “En este mundo, Elwood, tienes que ser..” – ella siempre me llamaba Elwood – “En este mundo, Elwood, tienes que ser o muy listo o muy agradable”. Bueno, durante años fui listo. Yo recomiendo ser agradable. Puede Ud. citarme. Lo dicho, no la juzguéis anticipadamente porque casi seguro que os vais a equivocar. Vedla hasta el final y sacad conclusiones. ¿Naïf total o no?. En mi opinión de ingenua tiene bastante, bastante menos de lo que aparenta.

Por mi parte ya estoy buscando a mi “pooka” particular, aunque me queda la duda de si en los tiempos que corren no es más fácil encontrarse con uno más parecido al de Donnie Darko que con el afable Harvey. Será cuestión de enfoque.




PD: Sí, James Stewart. Ese actor con más peliculones a la espalda que ha parido la historia del cine..

<a href="http://www.youtube.com/v/EXqe_m1nJcs&amp;hl=es&amp;fs=1&amp;" target="_blank" rel="noopener noreferrer" class="bbc_link bbc_flash_disabled new_win">http://www.youtube.com/v/EXqe_m1nJcs&amp;hl=es&amp;fs=1&amp;</a>

Más razón que un 

FICHA TÉCNICA:

Título original: Il buono, il brutto, il cattivo.
Año: 1966
Nacionalidad: Italia/España/Alemania.
Director: Sérgio Leone.
Guión: Sérgio Leone, Age, Furio Scarpelli y Luciano Vincenzoni.
Música: Ennio Morricone.
Fotografía: Tonino Delli Colli.
Reparto: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè, Mario Brega,  Luigi Scarchilli, Rada Rassimov.
Productora: Arturo González Producciones Cinematográficas, S.A, Constantin Film Produktion, Produzioni Europee Associati (PEA).
Duración: 161 min. / Francia: 186 min. / España: 182 min. / RU: 180 min. (re-lanzamiento) / 179 min. (2005 DVD Edición Especial) /  Finlandia: 142 min (1984).
Premios: Laurel de oro 1968 (USA), Mejor héroe de acción a Clint Eastwood.



SINOPSIS:

Un pistolero a sueldo conocido como Sentencia (Lee van Cleef), llega a un pequeño pueblo a hacer un trabajo. De casualidad se entera sobre la existencia de una caja repleta de dólares, de la que sólo un tal Bill Carlson conoce su paradero. Por otro lado están Rubio (C. Eastwood) y Tuco (Eli Wallach), un solitario y un delincuente que se las apañan para ir estafando de pueblo en pueblo cobrando recompensas por nada, mientras tratan de soportarse el uno al otro como bien pueden. En una de sus "disputas" se encuentran fortuitamente con un agonizante Bill Carlson, que les revela - a cada uno una parte de la dirección - donde está la caja. Comienza entonces una carrera entre los tres por hacerse con el dinero, en la que nadie puede fiarse de nadie.


CURIOSIDADES:

• En el tráiler, Sentencia era El Feo y Tuco El Malo, lo contrario que en la película. Eso se debió a una incorrecta traducción al inglés del título original, que tenía al malo antes que al feo. Al exhibirse el orden no se cambió, de ahí el error al referirse a los personajes.
• Leone, tras acordar con Eli Wallach que Tuco llevaría la pistola atada con un cordón alrededor de la nuca, le pidió al actor que para usarla hiciera un movimiento con ella de modo que la pistola fuese a parar directamente a su mano. Wallach le dijo que no podía hacerlo incitando al director a que le enseñara cómo. Leone lo intentó pero la pistola acabó golpeando su entrepierna, así que finalmente le dijo a Wallach que la portase en el cinturón.
• El valor de una onza de oro en 1862 era de 20,672 $. A 13 de Enero de 2009 el valor de una onza de oro es de 821,77 $. Así que los 200.000 $ que persiguen Sentencia, Tuco y Rubio serían hoy el equivalente a 7.950.561 $ con 15 centavos.
• Dado que Leone sólo chapurreaba el inglés, y Eli Wallach el italiano, ambos se comunicaban perfectamente en francés.
• Leone siempre pensó que El Feo sería Gian Maria Volontè, que hizo de Ramón Rojo e Indio en sus dos anteriores westerns.
• Jack Elam rechazó el papel del hombre de un solo brazo que intenta matar a Wallach en la bañera.
• Sólo los tres protagonistas, Eastwood, Van Cleef y Wallach decían sus diálogos en inglés, con la excepción de las pequeñas intervenciones del Sheriff y el hombre de un solo brazo. El resto del reparto lo hacía en su lengua natal, tanto en italiano como en español, y luego se doblaban.
• En la escena en que Tuco empieza a correr por el cementerio, aparece un perro en la parte derecha de la pantalla. En realidad fue algo que se improvisó en el set de rodaje. Leone, que tenía miedo a que esa escena pareciese demasiado melodramática, soltó al perro sin avisar a Wallach de lo que iba a hacer. De ahí que el susto que se lleva el actor al verlo sea totalmente auténtico.
• Morricone y su conocido tema principal, fue montado tratando de imitar el sonido de una hiena llorando.
• La película fue rodada con una técnica llamada Techniscope, que permitía rodar sin lentes anamórficas o como mucho usando la mitad de las que se usarían en la mayoría de rodajes. La técnica consistía en recoger dos fotogramas en pantalla ancha en uno sólo de 35 mm.
• En la escena de la cadena y el tren, Wallach hubiera muerto decapitado con tan solo levantar la cabeza. En el plano largo pueden verse los escalones del tren que lo hubieran provocado..
• Leone le dio el papel de Tuco, no por hacer de Calavera en Los Siete Magníficos (1960) como todo el mundo pensaba, sino por el que hizo en La Conquista del Oeste (1962).
• El hombre de un solo brazo, era incapaz de recordar sus diálogos, así que Leone le dijo que contara en voz alta de uno a diez en italiano, al tiempo que ponía cara de malvado. Los diálogos se añadieron después, doblados en la sala de edición.
• El puente que Rubio y Tuco hacen saltar por los aires, fue construido por ingenieros del ejército español. Los españoles estuvieron de acuerdo en reventarlo pero sólo si su capitán hacía los honores. Cuando llegó el capitán, no avisó a Leone al apretar el detonador y voló el puente sin que hubiera ni una cámara rodando. Apenados por el suceso, los militares españoles construyeron de nuevo el puente sólo para volver a volarlo.
• Hubo cuatro escenas cortadas que nunca se doblaron del italiano al inglés. En el relanzamiento de la película, muchos años después, se contó con Eastwood y Wallach para doblarlas. Hubo que contratar a otro actor para doblar a Lee Van Cleef, que había fallecido en 1989.
• No hay ni un diálogo hasta los diez minutos y medio (en la versión extendida. Nueve y medio en la de 161 min.).
• El presupuesto fue de 1.6 millones de $. Una cantidad considerable para aquella época. 
• El rodaje en el desierto de Almería contó con 1500 soldados españoles como extras.
• Wallach casi muere envenenado al beber por accidente un ácido usado para quemar las bolsas de monedas de oro (con el fin de que se rompieran fácilmente al golpearlas con la pala). El ácido estaba metido en una botella de refresco de limón. El actor bebió mucha leche para recuperarse y rodó esa escena con la boca llena de llagas.
• La pistola que usa Eastwood tiene relieves de plata con una serpiente de cascabel dibujada. Es la misma que llevaba en Por un puñado de dólares, y es idéntica a la que le quitaba a un forajido en un capítulo de la serie Látigo.
• La historia del puente tiene más miga. El error se debió a un malentendido por walkie-talkie. Leone iba a dar la señal al capitán español diciendo la palabra “Vai” (vamos en italiano). Pero un miembro del equipo usando la misma frecuencia, dijo “vai, vai” hablando de otro asunto con otro miembro de rodaje, y se montó el desaguisado. Leone cabreadísimo despidió al responsable. El capitán español, apenado, le propuso volver a construir el puente con la condición de que lo readmitiera en el rodaje. Leone accedió, el miembro del equipo fue perdonado y la escena acabó rodándose con éxito.
  
• De nuevo en la escena de la voladura del puente, la carrera de C. Eastwood estuvo a punto de acabar en ese mismo instante. Parapetados tras unos sacos para protegerse de los cascotes, puede verse una gran piedra volando e impactando fuertemente contra un saco a escasos centímetros de la cabeza del actor. Puede verse perfectamente sin usar la cámara lenta.
• La escena en la armería con Tuco es totalmente improvisada. Wallach no sabía casi nada sobre armas, así que le dijeron que hiciera lo que le diese la gana.
• A pesar de que Eastwood figure el primero en los títulos de crédito, Wallach tiene más tiempo en pantalla que él.
• El duelo final es conocido como un truel (en lugar de duel). Es parte de la teoría de juegos, avalada por la ciencia matemática. Otras películas que lo utilizan son Reservoir Dogs (1992) y Pulp Fiction (1994), ambas de Q. Tarantino, declarado admirador del director italiano.

COMENTARIO PROPIO *:

En la a veces absurda manía de clasificar las películas como mejores o peores, te encuentras con casos como El Bueno, El Feo Y El Malo, dónde no sabes si es igual, algo mejor o está un poquito por debajo de La Muerte tenía un precio. Y es que si hay un elemento claramente distintivo de la última entrega de esta trilogía, es el sentido del humor y la fogosidad que aporta el personaje de Tuco, al que acabas por cogerle cariño sí o sí. Por eso mismo puede hacerse muy difícil mostrar alguna preferencia por una de ellas (en mi caso), aunque hablando a estos niveles de cine en dosis industriales, no deja de ser casi una anécdota, algo banal a todos los efectos.

Para empezar el tema de Morricone, otro de sus trabajos más reconocidas en todo el mundo. Historia del cine. Un tío que compone obras maestras como esta, y ese mismo año pone música a otras dieciocho películas...¿hace falta decir más sobre él? A partir de ahí y tras conocer al Feo, el personaje de Lee Van Cleef es el primero que nos pone tras la pista sobre la que va a girar la historia. Una caja repleta de dólares en monedas de oro escondida en algún lugar. Algo por lo que merece la pena morir y matar, dinero. Lo demás es irrelevante. Típico de Leone. Sentencia desaparece entonces de pantalla hasta bien entrada la cinta para dejar paso a las correrías de Rubio y Tuco, que haciéndose putadas el uno al otro (con su vida en juego) dejan muy claro que venderían a sus madres por semejante botín, hasta que uno acaba por hacerse imprescindible para el otro - y viceversa - viéndose obligados mal que les pese a asociarse de nuevo. No sólo es que este tramo de la peli sea de lo más divertido, sino que entre venganza y venganza acaba disfrutándose de un ejercicio de amor-odio como espectador de primera;  ¿cómo pueden caerme bien estos dos tíos? ¿Les daría la espalda en la vida real? No, pero te conquistan. Es lo que tienen. La magia del cine, dicen.

Tras algunos encuentros con un viejo amigo (Sentencia de nuevo), una visita al frente de las tropas unionistas y la voladura de un puente (impresionante), llegamos a dónde queríamos hacerlo. El clímax que tiene que existir en todo buen western que se precie, el duelo a tres bandas en un cementerio con el dinero aguardando por el superviviente, si es que hay alguno. Tres minutos, ¡¡tres!! De miradas, de primeros planos, A degüello sonando de fondo, ¡parece no acabarse nunca..! ¿El mejor duelo de la historia? ¿El más recordado? Como dije al empezar, a ¿quién le importa a estas alturas? Sólo cabe pensar que ya no se puede acabar mejor, pero sí. Con los últimos ocho minutitos que (también) son para enmarcar, decimos adiós a Rubio, Tuco y Sentencia con una sonrisa de oreja y volviendo a silbar aquello de...

El Bueno, El Feo y El Malo.




* (en base a la versión de 161 min)

FICHA TÉCNICA:

Título original: Per un pugno di dollari
Año: 1964
Nacionalidad: Italia/España/Alemania.
Director: Sergio Leone.
Guión: A. Bonzzoni, Víctor Andrés Catena, Jaime Comas Gil y Sergio Leone.
Música: Ennio Morricone.
Fotografía: Massimo Dallamano & Federico G. Larraya.
Reparto:  Clint Eastwood, Marianne Koch, Gian Maria Volonté, Antonio Prieto, José Calvo, Wolfgang Lukschy, Mara Krup, Klaus Kinski, Luigi Pistilli, Joseph Egger, Panos Papadopoulos.
Productora: Constantin Film Produktion, Jolly Film y Ocean Films.                       
Duración: 99 min.
Premios: Lazo de Plata 1965 del Sindicato de críticos Italianos a Ennio Morricone, por la mejor BSO.


SINOPSIS:

Un pistolero a sueldo llega a un pequeño pueblo mejicano donde dos familias de contrabandistas enfrentadas, los Rojo y los Baxter, conviven a duras penas intentando destruirse mutuamente para hacerse con todo el negocio de las armas y el alcohol. Viendo una oportunidad para hacer dinero, el pistolero empezará a ofrecerse a unos y a otros indistintamente en un peligroso juego.



CURIOSIDADES:

• Fue la primera película en la que S. Leone y Morricone trabajaron juntos. Al principio Sergio no estaba muy convencido de la colaboración, pero tras escuchar el tema de trompeta interpretado por Lacerenza, dejó a un lado cualquier reserva. Sergio y Ennio, que se conocían desde 3er curso, iniciaron a partir de aquí una estrecha colaboración que se extendió a todos los trabajos posteriores del director.
• Se la conoció como la primera película perteneciente al “Spaghetti Western”, aunque antes de ella ya había al menos 25 películas de este tipo rodadas en Italia. Sin embargo, esta fue la primera en contar con una distribución internacional.
• Se iba a titular El Magnífico Desconocido (The Magnificent Stranger), pero se cambio por Un puñado de Dólares justo tres días antes de su estreno en cines. Nadie tuvo la idea de comentárselo a su estrella, Clint Eastwood, por lo que este estuvo desinformado completamente de las buenas críticas que circulaban sobre ella hasta que un periodista de una revista se lo dijo tres semanas después.
  
• "El hombre sin nombre", de hecho, es llamado Joe por el enterrador del pueblo en una escena, así como en los títulos de crédito al final.
• C. Eastwood contribuyó a crear el aspecto de su personaje. Los vaqueros negros los trajo de una tienda de deportes de Hollywood Boulevard, el Sombrero de una tienda de Santa Mónica, y los cigarros de una tienda de Beverly Hills. Él mismo los cortaba en tres partes para hacerlos más cortos. Eastwood no era ni es fumador.
• Como era una co-producción entre tres países, el idioma era un problema. Eastwood básicamente se comunicaba sólo con leone Leone, y el resto del equipo italiano a través de el especialista Benito Stefanelli, que acabó haciendo también de traductor oficial en el set.
• Cuando la película hizo su debut televisivo en USA, se le añadió un prólogo en el que una especie de hombre de la ley (Harry Dean Stanton) instaba a Joe a deshacerse de la banda de criminales del pueblo de San Miguel a cambio de recibir el perdón. Ni Eastwood ni Leone participaron en su rodaje. Se usó un doble del actor que tapaba su cara con el sombrero e imágenes grabadas del mismo. Esta intro puede verse en la edición especial lanzada en 2005.
• Rodada en 1964 pero no lanzada en USA hasta 1967.
• Es un remake de Yojimbo (1961). Akira Kurosawa and Ryuzo Kikushima, como guionistas, demandaron a los productores por violar los derechos de autor. Ganaron y consiguieron un 15% de todas las ganancias generadas por el film, así como sus derechos de distribución para Japón, Corea del Sur y Taiwan. Kurosawa más tarde afirmó que ganó más con Por un Puñado de dólares que con Yojimbo.
• Leone consideró en primer lugar a Henry Fonda para el papel de hombre sin nombre. Pero se lo ofreció fianlmente a James Coburn, pero era demasiado caro. Charles Bronson lo rechazó diciendo que era el peor guión que había visto en su vida. La tercera opción, Richard Harrison, también la rechazó, pero dirigió al director hacia la serie Látigo (1959-1966). Leone se lo ofreció entonces a la estrella de la misma, Eric Fleming, que también lo rechazó al tiempo que sugería a su compañero de reparto, un tal Clint Eastwood. El resto ya es historia.
• Antes de este film, en las películas americanas, cuando disparaban a una persona, una cámara enfocaba al tirador y un segundo después se cortaba el plano por otro en el que se mostraba a la víctima recibiendo el tiro y cayendo al suelo. Eastwood lo sabía pero no se molestó en decírselo a Leone, que grabó el primer tiroteo con la cámara colocada a la altura del brazo del actor, buscando que el espectador tuviera la sensación de encontrarse allí mismo.
• El contrato que tenía Clint Eastwood con Látigo, le impedía rodar en EE.UU. mientras la serie siguiera emitiéndose. Pero podía participar en cualquier película europea. 
• Llevaba las mismas botas en la película que las que utilizaba en la serie.

COMENTARIO PROPIO:

Para hablar de un Puñado de dólares hay que referirse inevitablemente a Yojimbo (1961), del maestro Kurosawa, del que copia - paso a paso - el devenir de los acontecimientos. El japonés ya llevaba tiempo bordando "westerns a la japonesa", así que puedo imaginar su cara de asombro tras comprobar cómo resultaba su película cambiando a un samurai por un pistolero a sueldo, katanas por revólveres y rifles, un pueblo japonés por otro mejicano rodeado por desierto, y no ver aparecer su nombre por ningún lado en los títulos de crédito. Plagio claro. Descarado incluso. Pero no creo que haya mucha gente que habiendo disfrutado de Yojimbo, desprecie o minusvalore a Por un puñado de dólares. Porque al fin y al cabo, llámese copia, remake, homenaje o lo que sea, este primer "spaghetti western" derrochaba estilo, carisma y personalidad por todos sus poros. Era una nueva forma de rodar en el género, de romper esquemas, de modernizarse, y además se hacía al otro lado del charco, en Europa. El cine acogía en sus brazos a Sérgio Leone, Clint Eastwood y a Ennio Morricone…

En esta su primera entrega de la llamada trilogía del dólar [después vendrían La Muerte tenía un precio (1965) y El Bueno, El Feo y El Malo (1966)], y a pesar de lo comentado antes sobre la evidente "inspiración japonesa", Leone ya marcaba un distanciamiento claro con lo que venía siendo el western clásico americano. Aparece un supuesto héroe y se queda impasible viendo como le pegan una paliza a un niño. Mata a sangre fría, sin remordimientos, provocando incluso. Los problemas no vienen a él porque sí, sino que los crea, inventa toda clase de artimañas con las que ganarse unos dólares. No importa la sangre que corra. Y lo mejor de todo es que disfruta haciéndolo. Lo que viene siendo un anti-héroe en toda regla, vamos.

Sin ser mi preferida de sus westerns, sin tener un gran guión, interpretaciones o profundidad en los personajes (no hace falta), sí que trasciende como una pieza de entretenimiento sobresaliente, debido sobre todo a la mano del director que iría perfeccionando lo aquí visto en posteriores trabajos. Innova con la posición de la cámara, no le asusta la violencia ni la sangre (si tienen que morir muchos, lo harán), sabe crear clímax y tensión prolongadas, juega como pocos con los ojos, con los (no) gestos y miradas de Eastwood, diálogos sencillos y contundentes cuando deben serlo, y hasta en cierta forma parodia al género (desde la seriedad) con disparos del todo imposibles o situaciones con más de una pega a cuestas. Pero no sería como es si no hubiera estado acompañado de un estupendo Morricone (talento llama a talento) que aportaba aún más entidad al conjunto, y que era condición necesaria para la fórmula que llevaba al éxito. La reinvención del Western.

FICHA TÉCNICA:

Título original: The Manchurian Candidate
Año: 1962
Nacionalidad: USA
Director: John Frankenheimer.
Guión: George Axelroad, John Frankenheimer  & Richard Condon (novella).
Música: David Amram
Fotografía: Lionel Lindon (B/N)
Reparto: Frank Sinatra, Laurence Harvey, Angela Lansbury, Janet Leigh, James Gregory, Leslie Parrish, John McGiver, Madame Spivy.
Productora: M.C. Productions.
Duración: 126 min.
Premios: Globo de oro y National Board of Review para Angela Lansbury, Mejor Actriz de reparto, entre otros.


SINOPSIS:


1952, Guerra de Corea. Un pequeño grupo de soldados estadounidense es hecho prisionero por el enemigo. Sometidos a un lavado de cerebro durante tres días, y puestos más tarde en libertad sin recuerdo alguno de lo sucedido, uno de sus integrantes, Raymond Shaw (L. Harvey), es propuesto para la más alta distinción del ejército por salvar la vida al pelotón. Pero cuando el mayor Ben Marco (F. Sinatra) y el cabo Melvin empiezan a tener la misma pesadilla sobre lo allí sucedido, se enciende la luz de alarma ante lo que parece una oscura conspiración de fines aún por descubrir.



CURIOSIDADES:

• El avión del Senador Iselin, era en realidad el avión de Frank Sinatra.
• Una escena fue rodad en el Bar & Grill, propiedad de un amigo del actor.
• En la pelea con Henry Silva (Chunjin), Sinatra se rompió un dedo cuando parte una tabla de un golpe. Debido a la agenda de rodaje no pudo tratarse adecuadamente de la lesión, así que la herida acabó curando mal. Arrastró molestias por ello el resto de su vida.
• Angela Lansbury tenía 36 años cuando rodó esta película. Sólo 3 más que Laurence Harvey, su hijo en pantalla.
• La escena del sueño llevó una semana entera de rodaje.
• Sinatra aparece desenfocado en la secuencia en la que le da una baraja repleta de Reinas de Diamantes a L.Harvey. Había tenido problemas para hacerse con la escena, así que Frankenheimer lo dejó así. El público interpretó que se debía a una visión borrosa del personaje de Shaw.
• Sinatra quería a Lucille Ball para el papel de Angela Lansbury.
• El tema de la película se consideró como de alto contenido político, por eso fue censurada antes de su estreno en varios países que componían el llamado Telón de Acero, como Polonia, Hungría, Rumanía, Bulgaria o Checoslovaquia. Se estrenó en 1993 tras la caída de la Unión Soviética.
• Un falso mito acompaña a este film. Se pensó que tras el asesinato de JFK fue retirada de circulación en todos los ámbitos, ante las similitudes con la forma de actuar de Lee Harvey Oswald en el magnicidio. En realidad fue debido a un descuido en los derechos que tenía Sinatra sobre ella (aunque llegó a emitirse alguna vez en ese tiempo). El propio actor, de acuerdo con la Metro y United Artists se encargó de promocionar ese falso mito para su re-lanzamiento en 1988. Cuando se esclareció tiempo después, fue sustituido por otro, una supuesta pelea entre Sinatra y UA por parte de los beneficios.
• La escena del lago en Central Park se rodó en el día más frío en 30 años. Tuvieron que romper una gruesa capa de hielo para que Harvey pudiera saltar al agua.
• La secuencia con artes marciales fue una de las “primeras” que se usaron en una escena clave, mucho antes de la fiebre por el Kung Fu de los años 70.
• Antes de dar el salto de novela a película, Arthur Krim (Presidente de United Artists y también jefe de finanzas del Partido Demócrata), expresó sus reticencias a ese paso. JFK, como favor personal a su amigo Sinatra, le llamó y le dijo que él no tenía inconveniente alguno para que se llevara a cabo.
• John Frankenheimer se embarcó en este film tras fracasar los intentos de llevar al cine la novela de Richard Yates, Revolutionary Road, estrenada este año de la mano de Sam Mendes junto a su mujer Kate Winslet y Leonardo Di Caprio.
• En la novela de Richard Condon, la relación entre madre e hijo está explícitamente tratada como incestuosa, escena de cama incluida. Frankenheimer y Axelroad quisieron rodarla, pero acabaron reduciéndola a un simple beso en la boca entre Lansbury y Harvey. A pesar de ello no gustó nada a la censura, por lo que el director dio instrucciones a la actriz para que lo tapara con su mano lo más posible. El remake de Jonathan Demme todavía es más conservador en este aspecto, retirando la cámara cuando Meryl Streep va a besar a Liev Schreiber, dándola a entender*

*Desconozco la versión emitida en USA. Yo recuerdo beso (al menos aquí). Se encuentra en youtube fácilmente.[/list]



COMENTARIO PROPIO:

Me gustó el remake de 2004, y me había quedado con las ganas de ver la original. Al final he dejado pasar demasiado tiempo para poder establecer una comparación entre ambas más justa, pero con seguridad la película de 1962 es clara vencedora del duelo.
Frankenheimer compone aquí un thriller político de muy alto nivel. En plena Guerra Fría adapta a la pantalla grande la novela de R. Condon, en la que entre técnicas avanzadas de espionaje - a medio camino entre el lavado de cerebro y la hipnosis – y cierta propaganda anticomunista, también se vierten críticas internas hacia la Caza de Brujas que por entonces iniciaba el senador McCarthy, extraordinariamente reflejadas en la película de G. Clooney, Buenas Noches y Buena Suerte (2005). Si alguien iba en contra de tus intereses, nada mejor que una llamadita al Comité de Actividades Antiamericanas para denunciarle por comunista. El personaje de Lansbury, republicana, difamando sabe un poco.

En cuanto a la historia en sí, está hilada de forma envidiable (la de 2004 la recuerdo más embarullada y desestructurada) y con gran pulso narrativo. Dos horas de muy fácil digestión. Con una secuencia estupenda simulando una pesadilla, pronto se coge la temperatura que nos engancha sin remedio al sillón. A partir de ahí la mezcla entre la variante detectivesca a hombros de F. Sinatra, y la más oscura por parte de L. Harvey  (bordando el papel de y Angela Lansbury (tremenda en su papel de madre dominante), se va volviendo cada vez más estrecha hasta resolverse el entuerto del curioso procedimiento usado sobre el autómata de Raymond Shaw. Y el final todavía alberga alguna que otra sorpresa más.

En la parte negativa habría que poner alguna laguna en la investigación del mayor Marco, como esa extraordinaria capacidad de deducción para averiguar la clave de acceso a Shaw, o el papel de Janet Leigh como novieta del mismo, que bien podía haberse reducido a la mínima expresión por lo poco que aporta a la historia. Por lo demás, ésta es de las que crea escuela.

FICHA TÉCNICA:

Título original: The King of Comedy
Año: 1982   
Nacionalidad: USA 
Director: Martin Scorsese
Guión: Paul D. Zimmerman
Música: Robbie Robertson
Fotografía: Fred Schuler
Reparto: Robert De Niro, Jerry Lewis, Sandra Bernhard, Diahnne Abbott, Lou Brown, Ed Herlihy, Shelley Hack, Tony Randall, Martin Scorsese.
Productora: 20th Century Fox.
Duración: 109 min.
Premios: BAFTA (1984) al mejor guión original.


SINOPSIS:

El amateur Rupert Pupkin (De Niro) quiere triunfar en el mundo del espectáculo como comediante, y a sus 34 años quiere hacerlo por la vía rápida y a lo grande, en la televisión nacional y en el espectáculo de Jerry Langford (Jerry Lewis). Negativa tras negativa, el acecho al que somete a su ídolo va en aumento, hasta que un día él y su amiga Masha (otra acosadora) deciden secuestrarlo para cumplir con su propósito.


CURIOSIDADES:

• Johnny Carson, Fran Sinatra y Dean Martin fueron considerados para el papel del cómico con éxito antes que Jerry Lewis.
• Robert De Niro empleó varios comentarios antisemitas para cabrear a Lewis durante el rodaje de la escena que transcurre en la casa de campo. Jerry, que nunca antes había trabajado con un actor del método, quedó francamente horrorizado y espantado, pero compuso una interpretación extremadamente creíble.
• Martin Scorsese hace dos cameos en esta película. El primero ocupando el asiento del conductor en una furgoneta verde aparcada, justo antes de que una mujer pare a Lewis por la calle para pedirle un autógrafo. El segundo, más visible, haciendo de director de televisión dando instrucciones a Tony Randall antes de salir a escena.
• Las escenas del Talk Show fueron grabadas en vídeo y traldadas directamente así al montaje de la película.
• De Niro se preparó para su papel estudiando un libro de Richard Beltzer sobre cómo ser un buen monologuista.
• Jerry Lewis encontró frustrante la forma de trabajo de Scorsese, que le tuvo 3 días esperando en plaató sin actuar. Lewis le dijo que le tendría que pagar por ello porque él era un profesional, y que si había pensado en no usarlo durante ese tiempo debería habérselo comentado antes.
• Meryl Streep rechazó el papel de Masha, que finalmente hizo Sarah Bernhard.
• Una huelga de directores hizo que la película sobrepasase el presupuesto inicialmente acordado.
• Cuando Rupert está en el restaurante con Rita, hay un hombre al fondo imitando los gestos del protagonista.
• El incidente con la señora de la calle, que al enfadarse grita: ojalá te dé un cáncer, es algo que le ocurrió a Jerry Lewis en la vida real.
• Liza Minelli rodó una escena que no apareció en el montaje final. Sí aparece como silueta de cartón en el piso de Rupert.

COMENTARIO PROPIO:

No recuerdo haber oído hablar de esta película de Scorsese nunca. Lo más que recuerdo fue haber visto alguna vez su cartel con De Niro en portada, pero nada más. Considerada por muchos como una obra menor en su filmografía, El rey de la Comedia está repleta de momentos absolutamente destacables, empezando por una soberbia interpretación del actor fetiche por muchos años del director - ahora sustituido por un irregular Di Caprio - lo que me hace aún más raro la especie de mutismo que rodea al film.

El guión, sin ser nada enrevesado, me ha parecido bastante fresco en todo momento. Sin llegar a encuadrarse del todo en un género claro, esta especie de comedia dramática, que parodia en cierta forma el mundo del espectáculo, tiene la virtud de hacer "reír" desde el patetismo encarnado en Rupert Pupkin, hasta la seriedad y la contención que muestra Jerry Lewis. La filosofía de "Más vale ser rey por una noche que un tonto toda la vida" es la que resume la obsesión del personaje de De Niro, obstinado por salir en tv y tener sus cinco minutos de fama a toda costa. ¿A algo nos suena, verdad? Sin duda la caja tonta tiene mucho que ver en la percepción social (borreguismo dirían algunos) del éxito personal, del triunfo en la vida, y es con esto con los que Scorsese se dedica a jugar desde el principio. Por un lado mostrando la poca atractiva vida de la mega-estrella televisiva y por otro la de un don nadie, un admirador con aspiraciones que en su insistencia, logra inquietar al espectador de manera cautivadora, simpática. Escenas como la de la casa de campo son sencillamente magistrales, sin mencionar otras como la cena "romántica" o el monólogo final. Y la resolución de toda la historia no puede dejar más claro que algo así, sólo es posible en un país como Estados Unidos, tanto para lo bueno como para lo malo. Se puede sacar partido casi de cualquier cosa, y es que "un tipo puede tener lo que quiera mientras pague el precio". ¿O no es así?


Ojalá la disfrutéis tanto como lo he hecho yo.