SINOPSIS: México, 1821. Un enmascarado y romántico héroe popular, conocido como El Zorro, lucha valientemente contra el dominio colonial español en la Alta California. Sin embargo, la víspera de la liberación de México, el despótico gobernador don Rafael Montero descubre que el Zorro es don Diego de la Vega. Un ataque contra la casa del rebelde, se salda con su captura, la muerte de su mujer, el secuestro de su única hija Elena y la destrucción de sus propiedades. Veinte años después, Montero regresa del exilio con Elena, que ignora la identidad de su padre, y se propone comprar California al Presidente de México, el General Santa Anna. Cuando don Diego de la Vega se entera, escapa de la prisión dispuesto a vengarse de Montero. Parte del plan consiste en adiestrar y transformar a Alejandro Murrieta, un bandolero con un tortuoso pasado, en el nuevo Zorro, para que le ayude a frustrar los planes de Montero de una vez para siempre. Murrieta se hará pasar por un rico hacendado español dispuesto a ganarse la confianza de Montero.



EN EL LUGAR ADECUADO, EN EL MOMENTO OPORTUNO

Contó Catherine Zeta-Jones recientemente que fue vista por Steven Spielberg mientras el rey Midas (otro tanto en descubrir a una actriz que llena la pantalla con su deslumbrante belleza e igual magnetismo para la cámara) la vio en la miniserie 'Titanic' y la recomendó al director, Martin Campbell. Afortunadamente -sin tener nada en contra de la elección inicial, Izabella Scorupco, que también podría haber rendido muy bien como ya se le vio en 'Goldeneye'- Campbell escuchó al mito.

'La leyenda del Zorro' es una historia donde, como el héroe, hay dos actores que estuvieron en el lugar adecuado en el momento oportuno. Uno fue la misma Zeta-Jones, cuya aparición en aquel título le sirvió para ganarse el papel de Elena, y también Antonio Banderas. El malagueño sorprendió gratamente como estrella de acción en 'Desperado' y subió a bordo del proyecto junto con Robert Rodriguez, quien desavenencias con TriStar por el presupuesto le hizo bajarse del caballo y optar por Martin Campbell. Nunca sabremos como hubiese sido con Rodriguez, pero el reemplazo fue, a juzgar por el resultado, muy bueno.

El prólogo donde Diego de la Vega (Anthony Hopkins) se las ve con su némesis, Rafael Montero (Stuart Wilson), ya es una declaración de intenciones de que hemos venido a ver un largometraje tan entretenido como cuidado en su estética con unos lugares, vestuarios y acción de muy buen nivel. Además, servido de manera ingeniosa para el salto temporal justificando el relevo y la historia donde Montero vuelve a maquinar. Es aquí donde entra Elena, una soberbia Catherine Zeta-Jones de quien ya está todo dicho en el primer párrafo y la suya es una de esas coincidencias con la que el público hemos salido ganando muchos enteros. Ella es el nexo de unión entre pasado y presente.

La elección de Antonio Banderas como Alejandro Murrieta diría que fue la mejor por encima de otros posibles candidatos como Andy García o Tom Cruise. Banderas siempre ha tenido una presencia carismática y una imponente desenvoltura para la acción y aquí no es menos, aportando las esperadas peleas con la espada del héroe enmascarado, siendo entrenado por el mítico Bob Anderson, unido a una presencia la cual hace que hasta todo un actorazo como Anthony Hopkins no le pueda eclipsar.

El guion es cierto que narrativamente no se complica la vida, mas sabe cuando meter comedia sin que quede forzado y dejar respirar a la historia para que no sea empalagosa. Por otro lado, un detalle el de ciertos paralelismos entre secuencias. La banda sonora, obra del tristemente fallecido James Horner, aporta su trozo en un trabajo que hace lucir esta producción. ¿Es su mejor composición? No diría tanto, aunque estuvo inspirado en las secuencias de acción y alguno dramático, sin olvidar sus recurrentes 'parabarás'.

Es raro que solo tuviese una secuela cuando, a juzgar por este filme, podría haber dado para más entregas. A veces se dice que "una retirada a tiempo es una victoria" y puede que fuese lo mejor. Para eso, primero habría que ver 'La leyenda del Zorro' y ver si el prematuro fin fue justificado.

7

SINOPSIS: La estrella de cine Marlon Brando recluta a un arquitecto de Los Ángeles para construir el primer retiro ecológicamente perfecto del mundo en una pequeña isla inhabitable de Tahití.


PROYECTANDO EL PARAÍSO

Puede que solamente los más cinéfilos recordemos a Billy Zane. Aunque lleva años retirado de la relevancia cinematográfica en su currículum aparece 'Regreso al futuro' y 'Regreso al futuro II' (papeles muy secundarios, eso sí), 'Calma total', 'Tombstone: La leyenda de Wyatt Earp', 'The Phantom (El hombre enmascarado)' o nada más y nada menos que 'Titanic'. Entre finales de los 80 y parte de los 90 parecía que su nombre iba a aparecer en grandes proyectos durante mucho tiempo; no fue así, si bien creo que no es ni mucho menos un pésimo actor. Es más, no habría sido un mal Batman si Val Kilmer y/o George Clooney no hubiesen sido los elegidos, ya que tenía talento y el físico adecuados.

Su nombre ha vuelto a sonar entre los titulares debido a su apariencia física para 'Waltzing with Brando' donde da vida al ya fallecido legendario actor Marlon Brando, teniendo además un parecido espectacular. Si bien el tráiler vendía mejor el filme de lo que realmente es, sí que hay que darle mérito al trabajo de Zane encarnando al actor de 'La ley del silencio' o 'El último tango en París'.

Dudo mucho que esta película le vaya a servir para impulsar su carrera puesto que su estreno no ha pasado de los Estados Unidos y no se sabe a ciencia cierta cuanto dinero ha recaudado. En lo que sí puede serle útil es para reivindicar su trabajo, puesto que es evidente que se ha tomado en serio el papel de un icono del cine y se ha molestado en parecerse lo más posible a Marlon Brando en físico, vestuario, personalidad y en gestos. Claro que aún se nota el rostro del actor detrás del personaje, aunque decir que es una interpretación pésima y que el parecido no es para tanto sería faltar a la verdad.

La cinta retrata el periodo entre finales de los 60 hasta mitad de los 70 donde el actor vivía en Tahití y tenía proyectos de construcciones en mente para el bien de la isla junto a Bernard Judge, un arquitecto a quien interpreta Jon Heder ('Napoleon Dynamite') en una amistad (real, puesto que la película se basa en las memorias de Judge de toda esta experiencia) que atravesó buenos y malos momentos. Si bien es muy fiel sobre esa época de la vida de su protagonista (los rodajes de 'El padrino' o 'El último tango en París', el rechazo de su segundo Oscar...), quien da más momentos de interés es Judge, el cual se transforma en todos sus años allí cuando solamente era un estirado arquitecto de Los Ángeles. Dicho todo esto, no es una película para conectar con una historia, sino con la forma de ser de su personaje principal con su gusto por el medio ambiente y su aura y el como se embarcó en un proyecto muy ambicioso.

Mis motivos para ver el filme son que Brando siempre ha sido uno de mis actores favoritos -sin querer justificar ninguno de sus errores- y me interesa saber lo más posible de su trabajo y vida, además de llamarme la atención el tráiler y ver el parecido asombroso de quien lo iba a encarnar con la persona real. ¿He salido decepcionado? Sí, pero no tanto. Si uno no es ingenuo sabe, con todos mis respetos, que Billy Zane no es un actor que actualmente lleve a la gente a las salas o, incluso, a las plataformas y este largometraje no ha tenido más repercusión que lo mostrado en aquel avance. Que aparezcan los nombres de Tia Carrere (en un cómico papel que clava en su breve aparición) y Richard Dreyfuss que han conocido días mejores, da una idea de que este no es una de esas ocasiones donde han tirado la casa por la ventana. La película ofrece lo que promete, un vistazo a aquella época de Brando, intentando ser lo más fidedigno posible subrayando el mérito de las escenas donde los actores y la hemeroteca se funden en uno solo, especialmente en las escenas de Brando en el show de Dick Cavett.

Un visionado que atraerá a los admiradores de Marlon Brando especialmente, mas no creo que -seas admirador o simplemente un curioso- vaya a cambiar la vida de nadie. Al menos, se ve que Billy Zane aún puede hacerse valer.

5

SINOPSIS: Sam Walker (Kate Mara) regresa en extrañas circunstancias de su primera misión espacial. El general William Harris (Laurence Fishburne) la obliga a permanecer en cuarentena, bajo la estricta vigilancia de la NASA, en una casa aislada de alta seguridad. Pese a vivir en una aparente normalidad, Walker empieza a percibir sucesos inquietantes en los alrededores de la propiedad. Es entonces cuando comienza a temer que no haya vuelto sola a la Tierra.


UN 'CASI WIN'

Kate Mara ha sido una actriz que se ha visto superada (cinematográficamente hablando, claro está) por su hermana Rooney, de quien la hemos visto en filmes como 'Carol, 'Her' o 'El callejón de las almas perdidas' y estuvo nominada al Oscar como Mejor Actriz por 'The Girl With the Dragon Tatoo' y como Mejor Actriz de Reparto por 'Carol'. Aún con todo eso, Kate se ha abierto camino como actriz a lo largo de los años y se ha dejado ver en 'Transsiberian', '127 horas' o la serie 'House of Cards' (experiencia aparte fue la fallida '4 fantásticos').

Con esa reputación en cuenta, su nombre también es capaz de atraer a otros nombres igual de famosos a producciones donde ella aparezca, siendo 'La astronauta' uno de sus últimos trabajos donde la vemos acompañada por nombres como Laurence Fishburne o Gabriel Luna (el villano en ese insulto a la inteligencia que fue 'Terminator: Destino oscuro' o el motorista fantasma en la serie 'Agentes de S.H.I.E.L.D.'). En esta película, Mara es la protagonista llegando después de su primera misión espacial llegando en unas condiciones nada halagüeñas y teniendo que pasar unas revisiones periódicas para comprobar si está apta para volver allí arriba.

Claro que como era de esperar, no todo es lo que parece y dentro de la casa que se ha dejado para que Sam (Mara) pueda recuperarse empiezan a pasar cosas cada vez más extrañas y se irán conociendo rincones de la misma casa por el bien de la narrativa y que la misma instalación entrará en distintas situaciones provocando tensión. Dicho todo esto, no estamos ante un filme que abrace el terror como medio final, aunque sí que se hará cargo del tono en algunas secuencias donde ingeniosamente lo que va experimentando la astronauta empieza a afectar a su cordura y también al espectador al hacernos partícipes de lo que va viendo hasta llegar a su resolución final.

Ignoro si han habido escenas eliminadas puesto que en el elenco vemos nombres como los de Ivana Miličević (la doctora que visita a Sam en la casa) o la cantante Macy Gray (la madre adoptiva de Sam) en roles que no son tan importantes para la trama general y quien sabe si había más por mostrar de lo que finalmente terminó estrenándose.

Del ya extinto año 2025, 'La astronauta' no creo que entrase dentro de mejores películas del año para alguien, pero sí que seguramente más de uno pensase que es una de esas películas curiosas que parece contar lo mismo de siempre con un giro sorprendente. Además, su ritmo va en aumento permitiendo no perder el interés en lo que se va contando. No es un 'win-win' (como dicen los modernos), pero sí un 'casi win'.

6

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SINOPSIS: Había una vez dos reyes que esperaban con alegría el nacimiento de su primera hija, a la que llamarían Aurora. Para celebrarlo, organizaron una fiesta a la que invitaron a todos los habitantes del reino. Pero olvidaron invitar a la malvada bruja Maléfica que, enfurecida, lanzó un terrible hechizo sobre la princesa: el día de su décimosexto cumpleaños, se pincharía con el uso de una rueca y moriría...


CUIDADO CON LA RUECA, AURORA

Cuando fui niño no era demasiado de ver películas de animación y de filmes orientados para niños en términos generales (claro que tuve mis visionados de referencia como 'Matilda, 'Space Jam', o 'Power Rangers: la película') y es ahora cuando poco a poco estoy eliminando películas pendientes de las consideradas más relevantes para poder irme al otro barrio sin tanto déficit de largometrajes pendientes.

Ayer fue el turno para uno de los grandes clásicos de la Disney, cuando el estudio acumulaba triunfos y no dudas y tropiezos gordos como ahora, como es 'La bella durmiente', relato del que leo (según Wikipedia) se basó mayormente en la versión escrita por los hermanos Grimm y es mi primera aproximación a este cuento; ni siquiera vi las versiones en acción real donde Angelina Jolie interpretaba a la villana.

Esta versión de animación cuenta con una duración de 75 minutos, que pudiera parecer que se iba a deber en muchas cosas y casi para nada es así. Y digo "casi" porque sí que se nota que la bruja aparece poco para ser uno de los mejores personajes del filme y del que justificaron sacar películas con ella como protagonista décadas después. A pesar de eso, el guion escrito por Erdman Penner condensa bastante bien el cuento y para los espectadores, niños o no, tendrán un título con acción, drama, romance y comedia con personajes bien perfilados.

Unos personajes en los que destacan especialmente la bruja Maléfica por su aspecto intimidante y su personalidad sin caer en la burla en la que se desata en la parte final y compensa en parte su poca aparición hasta entonces y, por otro lado, las hadas que cuidan a Aurora hasta los 16 años llamadas Flora, Fauna y Primavera, cada una con su encanto personal y no sobrando ninguna de las tres (aunque lo de la pelea entre el color rosa y el color azul ya era algo cansino). También los reyes tienen su momento cómico en el intermedio.

'La bella durmiente' debería verse no solo porque ya de por sí es una muy buena película, sino porque para los más pequeños de la casa es un buen inicio en esto del séptimo arte que tanto bien ha hecho a lo largo de estos más de cien años de existencia. Sobre si se es demasiado mayor para ver algo así, diré que la cifra es anecdótico, lo importante es conectar con la historia y con el como lo cuenta (además de contar con unas secuencias visuales cuando aparece la magia muy meritorias para ser el año 1959).

8

SINOPSIS: Película independiente de bajo presupuesto estrenada en 1969. Es el primer film dirigido por Tobe Hooper, quien la describe como "una película hippie". Fue escrita por Kim Henkel y Tobe Hooper, autores de "La matanza de Texas".


EL OCASO DE LOS MELENUDOS

'Eggshells' supuso el debut como realizador de largometrajes del ya fallecido Tobe Hooper (1943-2017), quien más tarde saltaría a la fama por 'La matanza de Texas'. Aunque una cuenta una historia sobre los últimos días del movimiento hippie, personalizado en un grupo de personas, y la otra es una cruda historia de terror, ambas comparten el que se centre buena parte del relato en un grupo de personas que viven al margen de la sociedad (en la cinta de 1974 tenemos al grupo de la familia de 'Leatherface', quienes cumplen con esa condición).

La curiosidad por ver los principios de la carrera de un realizador de la talla de Tobe Hooper fue lo que me atrajo hasta aquí, incluso aún con su ambigua sinopsis, la cual no ofrecía mucha información sobre lo que iba a ver. Durante su visionado tampoco uno parece enterarse mucho de que se pretende narrar; sin embargo, hay conexiones. Poniéndome a pensar, se extrae que estamos ante gente que conviven en la época final de los hippies mientras que el resto del mundo está a otra cosa, como ya se ha dicho en el primer párrafo, y como pretenden poco a poco sentar cabeza algunos de ellos.

A pesar de su poco menos de hora y media de duración, el largometraje puede hacerse algo tedioso debido a los diálogos de los personajes, aunque sin mucha utilidad para el espectador, que discuten sobre cosas banales como novelas o el ir tirando con una economía tan precaria. Las transiciones en forma de alucinaciones, alguna se hace un poco larga, no ayudan mucho a que este filme pueda entusiasmar tampoco, pero poco a poco va encontrando su camino.

Este es uno de esos largometrajes donde quien lo ve debe armarse de valor y tener un poco de imaginación para que pueda entrar ante un trabajo tirando hacia lo experimental cuyo guion cuenta un tema interesante como el ocaso de los melenudos llegando a la década de los 70, aunque contado de una manera tan superficial que puede colmar la paciencia de mucha gente preguntándose que es lo que está viendo. Si bien los asuntos subyacentes de la trama se ven, sus argumentos cinematográficos no es que sean tampoco de tirar la casa por la ventana. El elenco tiene unas interpretaciones decentes, aunque no conozca a casi ninguno de ellos -solamente a Allen Danzinger, aparecido en la posterior 'La matanza de Texas'- y la banda sonora camina entre la alegría con temas propios de ese tipo de gente y la tensión en alguna secuencia, pero en términos técnicos no hay mucho a subrayar, salvo las secuencias alucinógenas.

Pensándolo fríamente, se puede ser un poco indulgente y darle un aprobado viendo el poso que deja aún sabiendo la confusa forma de narrar en 'Eggshells'. Dedicarle más entusiasmo sería mentirse a uno mismo.

5

SINOPSIS: Un psicópata asesino se infiltra en la tuna universitaria de Salamanca y elige sus víctimas a través de internet. Con la noche y la juerga desmadrada como cómplice, el "Tuno Negro" comete sus crímenes con una pauta simple: morirán aquellos que sean los peores estudiantes de cada clase. El último no pasará de curso, ni tendrá la opción de repetir...


LA IGNORANCIA MATA Y VER ESTA PELÍCULA CASI QUE TAMBIÉN

No sé si se acordarán de Silke (de nombre real Silke Hornillos Klein), los que ya veían cine entre los 90 y los 2000 sí por películas como 'Hola, ¿estás sola? o 'Tierra', siendo uno de los rostros más relevantes del cine español durante esos años hasta que desapareció reconvirtiéndose en joyera artesana años después. En el currículum vitae de aquella breve estrella aparece 'Tuno negro', del cual no creo que ella ni mucha gente involucrada en el proyecto se sienta orgullosa; y con razón.

Hay una referencia clara dentro de este título, el cual es 'Scream. Vigila quien llama', por la cual rueda el mismo tipo de escena inicial aquí usando a una actriz famosa y, además, haciendo parecer que Maribel Verdú es peor actriz de lo que es y diría que la reciente por aquel entonces 'American Pie' también habría servido de inspiración, puesto que en la historia encontramos a estudiantes universitarios con las hormonas como si estuvieran corriendo en el circuito de Indianápolis deseosos de compartir fluidos; que se lo digan al personaje de Carla Hidalgo.

Cambiando el teléfono de la película de Wes Craven por un chat en Internet con la frase "la ignorancia mata" como un mantra (con unas pantallas de información tan clara que parece 'Internet para tontos'), la trama recorre las universidades de Alcalá de Henares primero y Salamanca después donde un tuno en vez de ponerse a hacer música recorta el número de censo a nivel español de forma definitiva, especialmente entre los estudiantes. Si lo lees sin ver el filme parecería que estamos ante un interesante producto; una vez visto, el resultado es para pedir que el mismo tuno acabe con tu sufrimiento.

Como ya dije, Maribel Verdú en su aparición parece una actriz de segunda o tercera categoría, pero hay nombres como Jorge Sanz o Fele Martínez quienes da la impresión de estar mal dirigidos porque sus interpretaciones están pasando la línea de la sobreactuación haciéndolos quedar poco naturales siendo actores con cierto peso en la industria. El libreto escrito además por los mismos directores, quienes deberían haber sido juzgados por tremendo terrorismo cinematográfico, tiene alguna inconsistencia como lo de la identidad del tuno asesino o la facilidad de entrar en la base de datos de la universidad, como si pudiera entrar hasta el menos dotado para la tecnología.

La mezcla de terror y comedia de adolescentes pasado por el filtro ibérico en mejores manos podría haber sido uno de los primeros buenos títulos del siglo XXI, pero pasó a ser uno de los primeros atentados en la industria cinematográfica patria por la vulgaridad reinante en muchas escenas entre interpretaciones que dejan bastante que desear, personajes que deseas que se lo pasen pronto por el cuchillo y una narración del que a veces hay que hacer de tripas corazón para continuar. Quienes estuvieran prendados de Silke en aquellos tiempos verían sus deseos concedidos (la verdad es que la chica no pasa desapercibida), pero poco más a destacar sin tirar por la ventana mi honestidad.

2

Hoy he visto el 'Legacy Cut' (un montaje nuevo no oficial hecho por un grupo de fans llamado A34K) y he salido decepcionado. Primero no le favorece mezclar los montajes de cines de 1992 y el extendido de 2003 porque da lugar a algunas inconsistencias como,

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por ejemplo, primero viene la escena del plan del horno y escenas después todos hablan para saber que hacer como si la idea de llevar el alien al horno surgiese ahí mismo. También usan lo del perro como huésped del xenomorfo, pero mantienen una escena donde recogen un buey muerto que fue el huésped en el montaje extendido.

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Sobre la banda sonora han cambiado temas en según que secuencias, han alterado algunos efectos especiales, efectos de sonido del bicho y algunos efectos sonoros de armas y demás (me da la sensación de que han cogido de 'Aliens, el regreso' y del videojuego 'Alien Isolation'). De lo poco que me ha gustado de estos nuevos cambios ha sido el filtro de color rojo que han metido para las tomas de vista subjetiva del xenomorfo. Que hablando del color, han retocado el color general de la película y queda muy bien, todo hay que decirlo.

Lo más sangrante ha sido...

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el suicidio de Ripley. Mantienen lo del revientapechos apareciendo, pero los efectos especiales están hechos como el culo y se ve a Ripley cayendo hacia el fuego como si fuera un efecto especial mal hecho. Ha sido penoso contemplarlo y para ver esto prefiero incluso la versión donde no sale, que no termina de gustarme porque le quita epicidad, pero los efectos son bastante mejores.

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En fin. Esperaba un montaje que sacase todo el potencial disponible y me ha decepcionado bastante. Prefiero el montaje extendido del año 2003 y lo mantengo como mi versión favorita.

SINOPSIS: La película cuenta cómo la confianza entre los integrantes de un equipo de policías de Miami comienza a disiparse tras el descubrimiento de millones en efectivo en un escondrijo abandonado. Cuando las fuerzas externas se enteran de la incautación, se pondrá todo en tela de juicio... y ni siquiera sabrán de quién se pueden fiar.


PARANOIA COLECTIVA

Parece mentira, pero este proyecto ha llegado directamente a Netflix protagonizado por dos actores ya de sobra conocidos como Ben Affleck y Matt Damon como si aún estuviésemos en los tiempos de la pandemia donde los estrenos eran mayormente destinados a plataformas digitales. Un caso similar a este 'El botín' podría ser 'Wolfs', la cual llegó directamente a Apple TV y que comandaban dos pesos pesados de la actuación de las últimas décadas como son George Clooney y Brad Pitt.

Batman y Robin (es decir, Affleck y Damon) lideran a un reparto con más caras conocidas aparte de ellos dos como son Kyle Chandler, Catalina Sandino Moreno, Steven Yeun, Scott Adkins o Sasha Calle (dando así la curiosidad de que tanto el Batman como la Supergirl de ese mismo universo extinto comparten pantalla) en una producción donde un grupo de policías de Miami se entera de la localización de una casa con dinero oculto y, claro, el dinero es -y siempre será- muy goloso, dando pie a una historia de paranoia colectiva como fue, salvando las distancias, aquella 'La cosa', de John Carpenter, la cual sí comparte la casi exclusividad de una sola ubicación, salvo secuencias sueltas en otros lugares como la comisaría o a las afueras del barrio.

En un principio, podría parecer que estamos ante un producto alimenticio donde los compadres Affleck y Damon simplemente están ahí para llevarse el cheque calentito y tirando hacia otros proyectos que les estimulen más. No obstante, el guion escrito por el mismo Joe Carnahan (y basado en un hecho real, como se dice al inicio) se toma la molestia de jugar con el respetable público poniendo un anzuelo para ver si picamos o no; personalmente, piqué debido a que la historia iba introduciendo dudas razonables y por esos elementos es el porqué este largometraje no es lo que parece a simple vista.

El elenco principal cumple con sobrado margen de lo que se espera de nombres como esos. Llama la atención el ver como Matt Damon va lidiando con el lado bueno y el lado malo de su personaje y el como le queda bastante bien, sabiendo que en su carrera ha dado vida a tipos de moral intachable, salvo algunas excepciones. Por otro lado, el ambiente de paranoia que poco a poco se va impregnando en la narración e intentando contagiar al espectador hace efecto y en algunos momentos es ciertamente agobiante porque parece que no se iba a acabar nunca.

Personalmente, no diría que este filme es uno de los grandes tapados del año porque para eso debería haber sido más espectacular, si bien cuenta con algunas secuencias de acción que merecen la pena, con más reto para las interpretaciones de los actores y con más profundidad en su libreto. Aún así, lo pondría de entrada como uno de los mejores visionados de este 2026, el cual quizás pueda sobrevivir a final de año en un top 10. Dependerá de su competencia.

7

SINOPSIS: Debido a una serie de fatales coincidencias, dos jóvenes neoyorkinos, que viajaban al sur del país, son tomados por asesinos. Como no pueden pagar los honorarios de un buen abogado, deciden llamar al primo de uno de ellos, que es un abogado sin experiencia. En estas circunstancias, se prevé que el resultado del juicio puede ser verdaderamente desastroso.


PON UN VINNY EN TU VIDA

'Mi primo Vinny' dio bastante que hablar en su día, aunque yo era un niño por aquel entonces, debido al Oscar que ganó Marisa Tomei como Mejor Actriz de Reparto en 1993 por su papel como Mona Lisa Vito, la experta en automóviles más lista que el hambre. Hoy he visto por primera vez este filme y no he visto una interpretación no merecedora del galardón. Vaya por delante que del resto de las nominadas solo vi a Miranda Richardson en 'Herida' y hace bastante tiempo, pero el trabajo de la Tomei desde luego que es más que una digna ganadora.

Si bien los rostros principales -al menos los más conocidos- eran Ralph Macchio y Joe Pesci, la futura Tía May con su personaje de robaescenas y un vestuario que engaña su personalidad es quien sale como la mejor miembro del elenco. A destacar su escena durante el juicio demostrando su conocimiento sobre los automóviles dejando cero resquicios de duda o cuando acaba totalmente harta de las faltas de respeto de su novio dejándolo ver solamente con sus gestos.

La actriz no es el único motivo de gozo de este largometraje. La interpretación de Joe Pesci como el personaje que da nombre a la película como un recién licenciado en derecho sin experiencia en los juzgados y con labia para parar un tren es también de un robaescenas como es su pareja en el filme, Mona Lisa Vito. Un rol de robaescenas que tan bien le ha sentado a lo largo de su trayectoria y que es uno más de esos tipo de personajes que se adaptan a él como un guante.

'Mi primo Vinny' tiene un libreto en el que sabe combinar el enredo y la comedia de golpe fácil como los hilarantes y confusos diálogos de sobre sentido o los tomas y dacas entre el juez Chamberlain Haller (Fred Gwynne) y el mismo Vinny (aunque es imposible no empatizar con el juez porque Vinny no es que entre precisamente con buen pie, a pesar de su arrollador carisma). Es un caso curioso, por otra parte, porque los supuestos protagonistas (Ralph Macchio y Mitchell Whitfield) quedan relegados a un segundo plano en favor de otros personajes y daba la sensación de que se podía haber sacado algo más de jugo de ellos, si bien no tengo quejas de los demás personajes, pues saben sostener perfectamente la narración.

Hoy día en su mismo género de comedia ha quedado relegada en favor de producciones pasadas y futuras. Considero, aún con todo, que sus virtudes son más que suficientes para darle un aprobado sobrado y que merece la pena darle la oportunidad para comprobar que puede hacer pasar un buen rato sin problemas.

6

SINOPSIS: Chuck, un muchacho sin padre y criado entre un grupo de mujeres intrigantes y autoritarias, se relaciona con Justin McLeod (Mel Gibson), un profesor que tiene el rostro desfigurado. Una historia sobre la justicia y sobre cómo aprender a vivir sin prejuicios.


ENSEÑANZA MUTUA

Habiendo sido Max Rockatansky en tres películas de 'Mad Max' y tres veces, hasta entonces, el policía loco Martin Riggs en las entregas de 'Arma letal', Mel Gibson era considerado principalmente un actor del género de acción, con excepciones como 'El año que vivimos peligrosamente' o 'Motín a bordo'. No obstante, para su debut en la dirección decidió apostar por una novela escrita por Isabelle Holland con el mismo título en inglés y publicado en 1972.

Gibson no solo dirigiría sino que interpretaría el rol protagonista del profesor Justin McLeod, un hombre caído en desgracia que, desde entonces, lleva recluido en soledad en una casa en las montañas hasta que conoce a un niño llamado Charles Norstadt (el también debutante, pero delante de las cámaras, Nick Stahl), quien busca su tutoría para ingresar en una academia y salir huyendo de su madre y su hermanastra (y la verdad es que no le culpo).

Ahora mismo es fácil decirlo, viendo lo que ha sido su trayectoria desde entonces, pero en este primer paso ya se veían mimbres de que había dentro de Gibson no solo un muy buen actor, sino además un prometedor director como ya demostró después con 'Braveheart', el cual le consagró. Si bien este filme no tira la casa por la ventana, se vislumbra una muy buena dirección de actores sacando un notable debut para Stahl siendo un pre-adolescente, así como de los actores secundarios que interpretan a la familia de 'Chuck' (apodo para los que se llaman Charles). Cada una de las actrices (Gaby Hoffman, Fay Masterson y Margaret Whitton) que son la familia del niño coprotaginista tienen sus momentos de lucimiento, consiguiendo la madre y la hermanastra (especialmente esta) mayor que caigan mal en algunos segmentos.

A diferencia del libro, el guion adopta otro enfoque entre la relación entre el profesor y el alumno, el cual yo creo que es más acertado viendo como se enfoca en la novela. En el largometraje hay una amistad que parecía improbable en el que ambos se sacan lo mejor de ellos mismos y siendo un apoyo fundamental en unos momentos tristes para ambos en el que, además, se trata también el tema de la toxicidad de los rumores infundados.

Otra de las buenas noticias derivadas de 'El hombre sin rostro' fue la primera colaboración entre Mel Gibson y el compositor James Horner, el cual sería el encargado de 'Braveheart' y 'Apocalypto'. En esta ocasión, no aporta un trabajo muy rimbombante, pero luce lo suficientemente bien como acompañamiento intimista del drama o de escenas más alegres. Tampoco pienso que fuese necesario explayarse necesario, puesto que la historia no lo necesitaba.

Un debut como director no es fácil para cualquiera, salvo que tengas un talento descomunal, estilo Orson Welles. La ventaja de Mel Gibson fue haber estado a las órdenes de grandes directores como Richard Donner (D.E.P.), George Miller o Peter Weir (D.E.P.), entre otros, de los que imagino que iría aprendiendo cositas que le sirvieron para manejarse por su cuenta. No ha tenido la carrera mega espectacular de un Steven Spielberg, un Clint Eastwood o un Martin Scorsese, pero mal no le ha ido en este campo.

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https://www.marca.com/tiramillas/television/2026/01/16/laliga-vuelve-tv-abierto-teledeporte-emitira-partido-semana-narracion-juan-carlos-rivero.html

Vuelve el fútbol en abierto con la 'leyenda' Juan Carlos Rivero.

- Primera imagen de Sophie Turner como la nueva Lara Croft

¡Muchas felicidades a uno de los pilares de la web! 

SINOPSIS: Cuando las mujeres comienzan a sufrir una extraña dolencia provocada por el uso de un nuevo cosmético, surgen sectas que intentan secuestrar a las pocas mujeres que no padecen esta enfermedad. Una de las secuestradas es una niña de cinco años, a quien busca un agente secreto.


CUANDO TE PASAS DE EXPERIMENTAL

Aunque ahora es un reputado director, el canadiense David Cronenberg tuvo unos inicios humildes antes de triunfar con películas como 'La mosca' o 'Una historia de violencia'. Tan humildes que entraban en el cine experimental con actores totalmente desconocidos y rodados de una forma que no se puede negar que son llamativos.

Para este segundo largometraje, Cronenberg relata como las mujeres han desaparecido de la faz de la tierra, salvo una niña pequeña de unos cinco años que aparece en el final, por unos cosméticos, quedando mayormente los varones. ¿Como viven los habitantes de ese mundo sin el sexo opuesto? Visto desde fuera como si hubieran perdido todos los tornillos.

Es natural que para sentir placer algunos tengan comportamientos homosexuales, pero con el filtro de David Cronenberg esto es un festival de fetichismo en el que se dan alegría tocándose los pies y en una de las escenas parece que intercambiaban ropa interior de mujer. Queda una sociedad futurista en el que la ausencia del 99,9% de las hembras sume al hombre en la locura, al menos desde la perspectiva del realizador nacido en Toronto.

No tengo nada en contra del cine experimental, pero cuando se ve realizado de formas como en este título en el que sólo hay la voz en off del protagonista, banda sonora que en los pocos momentos de aparición es bastante raro y pocos estímulos para el espectador más allá de ver edificios de corte futurista, estamos ante un filme cuya mayor utilidad es contemplar como se gestaba el tono del que iba a ser los futuros trabajos de Cronenberg. Todo aquí pinta a raro en el mal sentido y es una suerte que dure poco más de una hora, de lo contrario habría sido incluso peor. Salvo alguna escena particular y los mencionados edificios, este visionado va a pasar en este 2026 sin pena ni gloria.

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