SINOPSIS: Martín es el último habitante de Auzal, un remoto y pequeño pueblo en las montañas, donde vive en paz con la naturaleza. Desciende hacia los valles dos veces al año, al comienzo de la primavera y al final del verano, donde comercia y consigue provisiones para el resto del año.

Pero un día tiene un tórrido y fugaz encuentro con Joxepi, "la molinera", y tras esto comienza a plantearse seriamente su actitud de lobo solitario. Así empezará a experimentar nuevos sentimientos, unos sentimientos que cuando afloran ya no pueden reprimirse.



CRÍTICA: No todo vale. Por mucho que le duela a Maquiavelo, en la vida hay cosas que necesitan un por qué para que su existencia cobre sentido, algo que también pasa, y puede que con mayor importancia, en el cine. Terrence Malick sólo hay uno, y no se puede usar su talento para fundamentar cualquier propuesta. Esto no significa que se esté oprimiendo la libertad de expresión o que se esté censurando cualquier muestra de arte, para nada. Ruben Östlund lo dejaba claro en 'The Square' cuando la cámara se paseaba por varias salas del museo donde la película tiene parte de su acción, que el arte es de quien lo siente, aunque no sea del que no lo comprenda.

En esta intención contradictoria se mueve 'Bajo la piel de lobo', una película que se pudo disfrutar en el Festival de Cine Europeo de Sevilla y que llega a los cines españoles 4 meses después de la celebración del mismo. El director de la cinta, Samu Fuentes, en la que debería estar considerada su ópera prima, usa a Mario Casas para adentrarse en la figura de los lobos solitarios que viven aislados y casi incomunicados entre nieve, pieles y barbas largas. No obstante, 'Bajo la piel de lobo' es una película fallida porque básicamente se olvida de contar una historia que quizá ni tiene o que quizá sólo Fuentes siente.

Una cosa es contar mostrando, y otra que lo que se muestre no tenga apenas coherencia (y menos cuando se usa como referencia obvia esa magnánima película como es 'El renacido' de Alejandro González Iñárritu). No hace falta hora y media de la vida de un trampero que sólo inhala vida humana cada primavera para cerciorarnos de que, como decía John Milton (y algún otro también), la soledad a veces es la mejor compañía. Si encima la nada desdeñable presencia de Irene Escolar y Ruth Díaz sólo se usa como mejunje para moldear el lado amoroso de la película (que no necesita por otro lado) y además tomando como motor la contención, el resultado termina siendo negativo.

Quizá el error de 'Bajo la piel de lobo' sea que el guión literario cuenta con sólo 3 páginas, o que el proceso en la sala de montaje fue demasiado cruel con la película, pero la cinta fracasa en su intento de reflexión interiorista sobre un páramo que, para más inri, sólo se asoma tibiamente a mirar una ventana más que interesante de este país: la España más rural, lúgubre y arcaica. La decisión de preferir silencios a diálogos termina por hundir a una película que cuenta con una partitura en clave de thriller muy notable y una fotografía francamente destacable (gracias a la ambientación, por supuesto, de los Oscos asturianos). No todo vale en esta vida.

Sinopsis: Un joven inmigrante recibe un disparo cuando está cruzando ilegalmente la frontera. Aterrorizado, herido y en estado de shock, Aryan se da cuenta de que es capaz de levitar. Le envían a un campo de refugiados del que escapa con ayuda del cínico Dr. Stern que quiere aprovecharse de su extraordinario secreto. Perseguidos por Laszlo, el enfurecido director del campo, se desplazan continuamente buscando la forma de ponerse a salvo y conseguir dinero. Inspirado por los asombrosos poderes de Aryan, Stern da un salto de fe en un mundo donde los milagros sirven de moneda de cambio...


Crítica: La idea de castigar a Occidente

A una idea hay que cuidarla casi como a la vida misma, o mejor, como a la vida de un amigo. Las ideas son el inicio de todo en este mundo, tengan carácter real o no. En el cine, esta necesidad se antoja más vital que nunca, no sólo porque puede ser el nacimiento de un proyecto en ciernes, sino porque de su cuidado dependerá la categoría de tal proyecto. Así nacen las películas, con una idea, la cual a veces es tan desorbitada que termina funcionando, aunque parezca improbable.

Así nació 'Jupiter's Moon', la nueva película del director húngaro Kornél Mundruczó, cuya idea original es la de darle un superpoder a nada más y nada menos que un inmigrante. Como ya ocurriese en el anterior filme de Mundruczó, 'White God (Dios blanco)', cuando a la historia le toca ponerse el traje de thriller de acción, la película va como un tiro, con una velocidad vertiginosa y a un ritmo desbordante. Su trato de la acción, pura taquicardia, convierten a Mundruczó en el Paul Greengrass húngaro (y casi europeo).

Esta talentosa cualidad del realizador natural de Gödöllö convierte en brutales escenas como la del opening (rodada en un asfixiante plano secuencia) o como la de la persecución en coche (desde abajo del vehículo con una perspectiva subjetiva). No sólo en el aspecto realizador brilla Mundruczó. También acreditado como guionista de la historia -junto a Kata Wéber, con la que colaboró también en 'White God (Dios blanco)'-, la película es intachable a niveles poéticos por su lectura y su trasfondo social.

'Jupiter's Moon' es un cuento intachable sobre los refugiados, un canto valiente y honorable a ojos de una Europa racista, discriminatoria y fronteriza que no tiene otra que quedarse petrificada ante la divinidad que trae la llegada de Aryan, que simplemente quiere ver a su padre, descansar y comer patatas fritas, en ese orden. Un toque de atención al comportamiento hipócrita, oportunista, vil e inhumano de Occidente, pero también una atípica mirada aportada al género de los superhéroes.

Todo empezó siendo una idea, quizá disparatada para unos, quizá con potencial desarrollo en la mente de un director húngaro que ya tenía crédito en Europa por su anterior trabajo (ojo al siguiente para el año que viene con Gal Gadot y Bradley Cooper en el reparto, Max Landis en el guion y David S. Goyer como uno de los mecenas). La idea terminó evolucionado en proyecto, y este ha desembocado en una realidad hecha película, una buena película. Todo empieza con una idea, absolutamente todo.




That's what I say.

Sinopsis: Álvaro (Javier Gutiérrez) se separa de su mujer, Amanda (María León), una exultante escritora de best-sellers, y decide afrontar su sueño: escribir una gran novela. Pero Álvaro es incapaz; no tiene talento ni imaginación... Guiado por su profesor de escritura (Antonio de la Torre), indaga en los pilares de la novela, hasta que un día descubre que la ficción se escribe con la realidad. Álvaro comienza a manipular a sus vecinos y amistades para crear una historia, una historia real que supera a la ficción...



Crítica: ¿Todo el mundo manipula?

Todo el mundo escribe, eso es algo que está claro. Todo el mundo ha escrito alguna vez algo, aunque sea un punto o una línea. La extensión y la forma dependen de las ganas que tenga quien escribe. La cosa varía cuando se cambia el verbo, cuando la escritura deja paso a la manipulación. Aquí la frase necesita de los dos signos interrogantes para que no suene a sentencia, ya que evidentemente no está tan claro que todo el mundo manipule. Lo que quedaría sería una muy buena pregunta: ¿Todo el mundo manipula?

Con esta premisa se puede introducir a la nueva película de Manuel Martín Cuenca, un habitual del cine patrio que lleva trabajando desde prácticamente inicios de siglo. De título 'El autor', el filme narra la historia de Álvaro, al que encarna el siempre eficiente Javier Gutiérrez, un hombre que va perdiendo su vida a pasos demasiado seguidos y que se niega a caer a los infiernos, apoyándose en lo único que (cree que) sabe hacer bien, ser novelista.

La película recuerda por momentos a la americana 'El ladrón de palabras', dirigida por los novatos Brian Klugman y Lee Sternthal, y protagonizada por Bradley Cooper. Si en aquella el personaje de Cooper se apropiaba de un texto encontrado para darle sentido a su enquistada carrera como escritor, el de Gutiérrez aquí se apropia de las vidas de su nueva comunidad de vecinos, a la que Álvaro (Gutiérrez) concibe como un horno de personajes por pulir más que por un edificio donde viven personas.

Su tono liviano aproxima al espectador, volviendo su relación con él más cercana. Cuenca, apoyado en las hojas de Javier Cercas (el escritor del libro en el que está basada la película), narra las peripecias que Álvaro vive en su vehículo transitorio entre realidad y ficción con un ritmo tan cotidiano que resulta casi familiar. Esto por un lado resulta un lastre a la hora de generar empaque e impacto, siendo difícil dotar al visionado de algo más que mero interés por la historia.

'El autor' es una película ante todo curiosa, trabajada más en el drama que en el suspense o la intriga, con Javier Gutiérrez doctorándose en eficacia interpretativa, con alegres apariciones en roles secundarios como las de María León o Antonio de la Torre, pero sobre todo, y haciendo honor a la ciudad que acogió uno de sus pases de prensa especiales, con una Sevilla esplendorosa sirviendo como ambientación de la historia. Ya sea escribiendo o manipulando, hacerlo con Sevilla de fondo es un punto a tu favor.




That's what I say.

Nota: 5/10

No es necesario engañarse más: la vida es distinta después de una película de Xavier Dolan. Mucho y variado es el mundo que todavía no ha asistido a una sesión de cine proveniente del que todos llaman "L'enfant terrible", algo así como una etiqueta para esos niños con más inteligencia, astucia pero sobre todo picardía, que sus adultos al cuidado. No es que corra una prisa mortal de necesidad el tener que ver la filmografía de Dolan, pero sí que, ahora que experimentar con el sentir en el cine está de rigurosa y objetiva búsqueda intencional, se antoja altamente recomendable contemplar una de sus obras para cerciorarse de que este chico de 27 años no es un cualquiera del negocio.

El realizador canadiense brinda con su último trabajo, 'Solo el fin del mundo', un retrato magistral del caos familiar, donde es imposible no verse reflejado en muchas de las distintas situaciones que propone la historia. Un filme que rebosa un estilo de cine íntimo, personal, realista, rico en detalles y minucioso en el plano, y de una clase totalmente innovadora, volviendo a categorizar el género, algo que Dolan lleva haciendo desde su ópera prima, 'Yo maté a mi madre', allá por el año 2009. Es innegable el soplo de aire fresco para el cine europeo que ha supuesto este joven canadiense, y será igual de irreversible su influencia pasada la treintena de edad en el cine americano.

El uso de la música, potenciando la escena a niveles extrasensoriales, es un auténtico escándalo. Sólo alguien como el genio de Montreal es capaz de emocionar retrotrayendo el relato al pasado con Dragostea Din Tei de fondo, o arrollar a un espectador entregado a su merced por el clímax de la película con Moby cuando más que nunca el silencio regenta el visionado. A todo esto se le añade un trabajo de fotografía exquisito, resaltando al personaje en los primeros planos y dándole vida a paisajes interiores y cerrados. Todo obra de André Turpin, colaborador de Dolan en el pasado y creador de la atmósfera visual apabullante de la 'Incendies' (2010) de Denis Villeneuve.

'Solo el fin del mundo' es como la 'Agosto' de John Wells, pero con una histeria rompedora. Es una joya contemporánea, una película espeluzante que reúne muchos arquetipos familiares que sufrían un insufrible hastío talentoso, que aborda temas que son tabú en muchos senos familiares y que se arriesga con valentía sobre la moralidad que emana del conocerse alguien una enfermedad terminal. Xavier Dolan sabe más de la vida con 27 años que cualquiera de los presentes en aquella mañana de Cannes en la que fue abucheado junto a su película, pero quizá duela tanto saber eso, que es mejor callarlo que aceptarlo.

Vamos a animarnos, hombre, que es hoy

MEJOR PELÍCULA DRAMA: Manchester By The Sea
MEJOR PELÍCULA COMEDIA/MUSICAL: La La Land
MEJOR DIRECTOR: Damien Chazelle
MEJOR ACTOR DRAMA: Cassey Affleck
MEJOR ACTRIZ DRAMA: Natalie Portman
MEJOR ACTOR COMEDIA/MUSICAL: Ryan Gosling
MEJOR ACTRIZ COMEDIA/MUSICAL: Emma Stone
MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Mahershala Ali
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Viola Davis
MEJOR GUIÓN: La La Land
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: Elle
MEJOR PELÍCULA ANIMADA: Zootropolis
MEJOR CANCIÓN: City Of Stars (La La Land)
MEJOR BSO: La La Land

Nah es en serio, me está diciendo una película con parámetros de búsqueda generalmente reconocibles pero no caigo. A ver si la sacáis vosotros.

Solo recuerdo de la película que trataba de un joven que se acostaba con la mujer de un millonario y este los descubre, el millonario amenaza al joven con arruinarle la vida si no consigue entrar en su casa y robar algo (unas joyas creo), y cuando el joven lo consigue el millonario cierra la casa completamente y le dice que lo va a perseguir y matar. Se que es poca información y como al principio lamento las molestias pero me está volviendo loco. Muchas gracias de antemano!

• Noticias previas:

   - Malditos y villanas del cine europeo en el del XIII Festival de Cine Europeo de Sevilla.

   - El SEFF responde con "Yo NO soy esa" a la imagen institucionalizada de la mujer en el cine.

   - Con 215 títulos el SEFF apuesta firmemente por los autores que están transformando el cine europeo

   - El Cine Andaluz presenta sus obras más recientes

   - Día 1: Sevilla lluviosa, Sevilla de cine.

   - Día 2: Nivel aceptable.

   - Día 3: El tiempo pasa y Dinamarca gana.

   - Día 4: La vida después de Xavier Dolan.

   - Día 5: La mañana chanante, chanante!

   - Día 6: Pasa la vida.

   - Día 7: Por más visión femenina.

   - Palmarés del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2016

   - Resumen de los mejores títulos del SEFF 2016

That's what I say.

SINOPSIS: Sangaile, de diecisiete años, está fascinada por los aviones de acrobacias. En un espectáculo aeronáutico de verano, cerca del pueblo de sus padres, conoce a una chica de su edad. Sangaile permite a Auste descubrir su secreto más íntimo y en el proceso descubre el amor adolescente y a la única persona que realmente le anima a volar.


CRÍTICA: Hay películas que llegan de sorpresa. Esa es su naturaleza, pertenecer en el saco de la mundanidad cinéfila sin ningún ápice de distinción, hasta que son, de entre muchas otras, las elegidas para un visionado y se muestran con un potencial que tiene lo mismo de brillante que de inesperado. Ese es el caso de 'The Summer Of Sangaile', una película con patronaje de festival y con etiqueta de "no interesa a la gran masa", con carácter mundano y aspecto de apuesta perdedora, pero de un contenido, una calidad y un mensaje (todo en orden ascendente) fantásticos. Es el ejemplo de que no todo es lo que parece.

'The Summer Of Sangaile', de origen lituano pero de co-producción francesa, es una preciosidad de esas que enamoran desde los primeros 5 minutos de metraje. Tiene incidencias del cine francés remarcables en los brutales toques extrasensoriales que se le dan a los planos, haciendo partícipe al espectador de la escena, invitándole a sumarse a lo que acontece en la misma. Detalles, tactos, anhelos, etc. A aspectos meramente ínfimos se les da una proporción inmensa y se les dota de relieve, porque se perciben, porque se ven, porque se sienten.

La minuciosidad en el trato de la fotografía, con unos planos imborrables, que se pegan horas y horas dando vueltas en la cabeza del espectador por su inenarrable belleza, justifican una merecidísima victoria en Sundance en la categoría de mejor dirección. Alanté Kavaïté narra ese amor inolvidable que es el de verano con una doble visión que brinda condescendencia y dolor en la misma dosis. La mirada enamorada y la mirada de necesidad, el complemento perfecto de cada una de las dos chicas en la otra, la confianza que da sentirse amado, que libera tanto que uno se siente capaz de vencer hasta al más intrínseco de los miedos.

Gran parte de culpa la tiene Julija Steponaityte, a.k.a la preciosa Sangaile, que enmarca todo esto en una actuación emotiva, bella y redonda. Ella es una de las pruebas de que de esto también consta el cine, de saber elegir y de saber equivocarse, de jugársela con algo y perder, o de jugársela con algo y no solo ganar, sino dar sentido por un tiempo al vivir. La elección de Sangaile es Auste, la de usted, querido lector, es una película. No hay que olvidar que equivocarse es un lujo, pues esto siempre será señal de que podemos elegir y de que el catálogo sigue siendo amplio y diverso. Este es el éxito del cine, que siempre hay más de una opción, y que la que menos esperas que te gane, no solo te gana, te enamora.




That´s what I say.

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SINOPSIS: En un pequeño pueblo, al norte de Turquía, cinco hermanas huérfanas de edades comprendidas entre los 12 y los 16 años pasan el verano en un jardín paradisíaco de risas y juegos inocentes sobre las olas del Mar Negro con los chicos de la escuela. Sin embargo, la condición de la mujer en el país no tardará en provocar rumores de inmoralidad y escándalo de las jóvenes, así que sus familiares, a través de la abuela y el tío, deciden hacerse cargo del asunto; esto es, prepararlas y precipitarlas hacia su destino de futuras esposas.


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CRÍTICA: Que nadie se engañe por la omnipresencia que 'Mustang' ha tenido en la temporada de premios. Esta película (ópera prima además) francesa dirigida por Deniz Gamze Ergüven es tan exitosa porque está hecha con un tacto emocional sin parangón. Su sonora ovación en su paso por varios festivales como ocurrió en el último SEFF (Festival de Cine Europeo de Sevilla) dan fe de que no es una sentencia muy equivocada. No se puede enamorar más narrando una historia de opresión juvenil en una sociedad represiva y retrógrada.

Tomando el verano como destino paradisíaco inalcanzable, la película va rotando el drama adolescente que viven 5 hermanas que pagan justas por pecadoras por haber nacido en un lugar de categoría rural pero de actitud medieval. La forma en la que se describe el robo de la libertad de simples niñas golpea directo al corazón, urdiendo más en la llaga a través de miradas decaídas, abrazos grupales o risas arrancadas de los angelicales rostros de las muchachas. Esta es la vida en Turquía, donde la condición de ser mujer conlleva la triste violación de su derecho ya no a la libertad, sino a vivir.

A través de la pequeña Lale, la más chica de las 5 hermanas, se denuncia con rigor pero sin dureza a la Turquía más anclada en un ideal machista y totalitario. Otra vez más se pone de manifiesto el talento que tiene el cine francés para emocionar con la más íntima de las sensibilidades a la hora de relatar una historia. La película aprovecha todos los recursos de los que dispone, incluida la música, obra de Warren Ellis (colaborador de Nick Cave en películas de innegable calidad), que rezuma libertad y ansia de vida.

Incluso se permite el lujo de, como ya hiciese Juan José Campanella en la maravillosa 'El Secreto de sus Ojos' (2009), usar el fútbol como fórmula de escape de una realidad opresora, aunque ambas realidades sean en su jaula de opresión abismalmente diferentes. No tiene fallos ni peros que poner, solo disfrute y amor por un film inolvidable que a buen seguro seguirá asomando por crónicas, críticas y análisis más allá de este fantástico año 2015 donde tanta gloria ha tocado.




That's what I say.

Spoiler

Nota: 8,5

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SINOPSIS: Una historia de amor en un futuro cercano y distópico donde según las reglas de la ciudad se arresta a los solteros para trasladarlos al Hotel. Allí son obligados a encontrar pareja en menos de 45 días. Si fracasan, son transformados en un animal de su elección y soltados en el bosque.


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CRÍTICA: La idea de criticar al presente con una situación futura es sinónimo, muy generalmente, de éxito. Libros, tesis, teorías y películas fundamentan esta idea crítica en dimensionar una distopía ficcional y futurista para elevar una queja sobre el mundo actual, el cual enorgullece a muy poca gente. El ejemplo más reciente de este recurso es "Her", maravillosa película dirigida por Spike Jonze, quién destroza el patriarcal estado matrimonial con una historia tan conmovedora como descorazonadora, la del bueno de Theodore y su SO (Sistema Operativo).

Yorgos Lanthimos utiliza este método para, en "Langosta", abofetear, quebrar y mancillar la figura del matrimonio de una forma casi chanante. Lanthimos se carga a la sociedad contemporánea en una historia versátil, que se desliza sin problemas a lo largo de su metraje, evolucionando y vistiéndose de drama a la vez que de comedia. El director griego mira satíricamente a las relaciones como si fuese algo obligatorio, de infeliz alcance y de naturaleza opresiva. Su humor crítico es la principal baza para no desentonar y para conseguir una atención que jamás pierde y que desde el minuto uno de película deja de ser mera curiosidad.

Obviamente, como lo fuese Joaquin Phoenix en "Her", la tención debe tener un protagonista. En "Langosta", el afortunado es Colin Farrell, cuya actuación es excelsa. Su trabajo, de tono insensible (aunque toda la película así lo es) y de atmósfera ciertamente dulce, es una fuente inagotable de regusto, potenciada por secundarios como la bella Rachel Weisz, el nuevo Q, Ben Whishaw, o el siempre profesional John C. Reilly, que brindan interpretaciones las cuales ayudan a que Farrell no tenga el monopolio de la escena, cosa que se agradece pues hay empatía e interés por todo el reparto.

"Langosta", es, sin lugar a dudas, una demostración de que el humor negro tiene sólidas bases de éxito en el cine y de que siendo cínicos en la comedia es como más atención (de la buena o de la mala, eso da igual) se genera. Una película que parte el molde de lo patriarcal de una civilización que ha instaurado la figura del matrimonio como un deber y que clama contra dicha institución etiquetándola de opresiva y arcaica. Si encima a la dirección se le da un toque wesandersoniano, pues además de buena, la película es bonita, y el espectador, que es siempre el que manda, sale más contento que nunca.



NOTA: 8,5



That´s what I say.

SINOPSIS: Dos hombres, una mujer, un amor, un deseo más fuerte que la ley y que la naturaleza salvaje del mundo que les rodea. Leonardo, El Novio y La Novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y La Novia tienen un hilo invisible, feroz, imposible de romper... Pasan los años y ella, angustiada e infeliz, se prepara para su boda con el Novio en medio del desierto blanco, de tierras salinas y yermas, donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia, a su puerta llama una Mendiga anciana que le ofrece un regalo y un consejo: "No te cases si no le amas", mientras le da dos puñales de cristal. Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de la Novia.


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CRÍTICA: No son fáciles las adaptaciones cinéfilas de clásicos literarios. Nunca lo fueron y nunca lo serán, dado que el elemento que hace triunfar al papel es la imaginación. Un aspecto poderoso, diferencial e inimitable, que lastra indirectamente al cine a la hora de representar la obra que se precie, ya que el séptimo arte cambia la imaginación por la visualidad, y en gran parte le funciona, puesto que un libro podrá tener la imaginación de una fotografía mágica, o la imaginación de una música preciosamente perpetua, pero es el cine quién la muestra de una manera real y tangible, dejando por obsoleta la imaginación. Es obvio que las sensaciones que deja un buen libro no las da una buena película, y viceversa.

Puede que Paula Ortiz, cuando decidió llevar al cine su oda particular a modo de largometraje de la novela de Lorca 'Bodas de Sangre', tuviese muy en cuenta este matiz entre imaginación y realidad, tanto, que su realidad es portentosa. 'La Novia', que así es como se llama la 2ª película de esta joven directora aragonesa, es la piel estremecida de Federico García Lorca si levantase la cabeza. Con una fotografía alucinante, de una belleza estética indescriptible (bestial trabajo de relieve de Migue Amoedo), y con una Inma Cuesta eterna que capitanea un elenco que tiene a la metáfora por bandera, la película es el mejor producto español del año y uno de los ejercicios más poéticos y bellos de este año 2015.

Proyectada en festivales otoñales, como San Sebastián o el SEFF en Sevilla, la estela que deja a su paso es de estupefacción por motivos de índole diversa y todos positivos; por no aflojar nunca en esa tensión in crescendo desde el inicio de la película, por su narración perfecta, inequívoca, clavando los tiempos de pausa y aprovechando hasta el máximo de los acelerones dramáticos, por su lenguaje tan sensible y cuidado, por sus actuaciones memorables (qué penúltima maravilla firmó Carlos Álvarez Novoa) o por su mimado trabajo fotográfico, de una paz hinchada de sentimiento contenido imposible de recoger mejor. Y lo mejor de todo, nunca hay que dejar de decirlo, es que es cine nacional, por incrédulo que se sea al saberlo.

95 minutos que regalan más que una película un recuerdo, de esos imborrables que son como citas, besos o abrazos que no se van de nuestra mente. Un recuerdo que desgarra desde el más acérrimo de los amores, que solloza y se estremece entre los parajes desérticos de la comarca de Los Monegros y que aprieta y asfixia en la bella pero sin alma región de la Capadocia turca. Una adaptación contemporánea de una de las obras más laureadas y preciadas del poeta sentimental por antonomasia, y que tiene por Inma Cuesta a la imagen y voz de uno de los más bellos y duros cuentos de Destino y romance hechos en toda la historia.


Nota: 9,25




That´s what I say.

SINOPSIS: El cuento de los cuentos ambientada en el Barroco, narra, con tintes fantásticos, la historia de tres reinos y sus respectivos monarcas. Desde una reina celosa que pierde la vida por su propio marido, hasta llegar a la misteriosa historia de dos hermanas que ensalzan la pasión de un rey hasta llevarlo a límites insospechables.



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CRÍTICA: La vida está, sobre todo desde su infancia, llena de cuentos infantiles. Disneyha sido la encargada de rellenar nuestra memoria desde mucho tiempo atrás con películas fantásticas e inolvidables como 'La Sirenita', 'Aladdin', 'La Bella y la Bestia' o '101 Dálmatas, o recientemente, con cintas maravillosas como 'Shrek', 'Los Increíbles', 'Big Hero 6' o la eterna saga de 'Toy Story'. Sufábulas, metáforas y enseñanzas han criado y siguen criando a muchas generaciones casi con la misma importancia que lo han hecho y hacen madres, padres o abuelos, pero hay un chico italiano que, no se sabe si en su infancia o ahora en su adultez, ha querido sodomizar a dichos cuentos.

Ese chico, hoy con 47 años, responde al nombre de Matteo Garrone, y en su última película, 'El Cuento de los Cuentos', pretende destrozar esa dulzura y encanto que conforman el aura de las películas de marca Disney. El director de la fantástica 'Gomorra' fantasea con la disección en pequeños relatos de un universo de fantasía y color donde para que todo siga igual todo tiene que cambiar. La película empieza insoportable, con arcos argumentales realmente grotescos, como el que le toca protagonizar al siempre interesante Toby Jones, pero, para sorpresa de propios y extraños, la cosa cambia, y para bien.

Su vuelta de tuerca es alucinante, y lo que antes era absurdo y cargante, ahora se muestra y se percibe entretenido y mágico. En una versión más optimista y light del universo mental de Guillermo del Toro, la estética de la película, preciosa gracias a la ambientación dimensionada sobre exteriores de auténtico cuento de hadas y a un atrezzo de época espectacular donde no se ha escatimado en gastos, termina por refrendar como positivas esas buenas sensaciones que la película iba transmitiendo tras su primera hora de metraje, terminando por ser una curiosa, peculiar y delirante familia de cuentos fantásticos que amenizan bastante el visionado.

El reparto, encabezado por figuras como Salma Hayek o Vincent Cassel y reforzado por nombres como los de Alba Rohrwacher o John C. Reilly (aunque lo de este último sea prácticamente un cameo), se contagian de esa mejora tanto argumental como de ritmo en la película y consiguen ser personajes más redondos que generan mucho más interés. Incluso Garrone, cerca del epílogo, lanza un puñetazo gore al espectador con un clímax espeluznante. Y es que, al final, la visión de Disney de la vida va a resultar que no es tan entretenida como parecía, o al menos como se la imagina ese chico romano de apellido Garrone y de nombre Matteo.

NOTA: 6.25





That´s what I say.

Necesito ayuda. Busco asesoramiento sobre películas que cuenten o traten acerca de los grandes imperios de la historia; el español, el alemán (nazi), el francés (Napoleón) y, por supuesto, el romano.

Un ejemplo de película que se ajustaría perfecta a estos parámetros es La Vida De Brian, ejemplo satírico pero genial sobre la romanización.


Would you mind?

SINOPSIS: Una nueva ley da preferencia a los perros de raza e impone un tributo considerable por las razas cruzadas. Rápidamente, los refugios caninos se llenan con perros abandonados. Lili, de 13 años, lucha por proteger a su perro, Hagen, pero su padre lo suelta en la calle. Hagen y su ama se buscan por todos los medios, hasta que un día Lili baja los brazos. Por su parte, Hagen lucha por sobrevivir y rápidamente se da cuenta de que no todo el mundo es el mejor amigo del perro. Se une a un grupo de perros errantes, es capturado y enviado a la perrera. Entonces, los perros aprovechan para escapar y hacer una revolución contra los seres humanos. Su venganza será despiadada. La única que podría terminar con la guerra entre el hombre y el perro sería Lili.



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CRÍTICA: El perro es el mejor amigo del hombre. Frase que constituye un sistema hastiado y agotado por la de fotos de Instagram, estados de Tuenti y atribuciones a Paulo Coelho sufridas durante su sentencia allá por no se sabe cuando por no se sabe quién. Pero, en el fondo, es una verdad como una catedral. El perro es ese animal con un sentido de la inteligencia emocional más desarrollado que ningún otro ser humano existente; sabe hacerte compañía en momentos de enfermedad, parece que conoce el momento exacto en el que necesitas que aparezca por la puerta para sacarte una sonrisa al mirarte con esa cara entre ignorancia y curiosidad, pero, sobre todas las cosas, sabe de algún modo hacerte feliz, y lo mejor es, si cabe, que ni él mismo ni el dueño saben cómo a ciencia cierta. El problema, como todo animal, es el instinto, primitivo por antonomasia, que aflora en situaciones de peligro inminente para el cánido.



Y no tan inminente. Un leve ruido, un ligero soplido, algo que no esperen, les alerta. Visionen qué alerta generan en el perro que se ve abandonado y que acaba siendo domado con excesiva violencia y castigo para robarle toda la bondad y espíritu que ostentan con el único propósito que volverlo un cacho de carne mordedor. De esta premisa emana el encanto de "White God", última película del realizador Kornél Mundruczó, un habitual cada año que estrena cinta del Festival de Cannes de origen húngaro. El film es una intensa odisea perruna que bebe de muchos géneros como el drama, el thriller, la acción o por momentos el terror. Este batido de géneros, aunado a una gran banda sonora orquestada, reconforta de placer al espectador al visionar la película, pues no sólo está viendo un telefilm de A3 cómo se la puede prejuzgar, sino que encuentre fundamento, motivación, sentimiento y calidad técnica.


La película desprende una sensación de inteligencia y de talento a la hora de haber sido creada. Se aprecia meticulosidad y un trabajo a conciencia para obtener un resultado altamente satisfactorio, objetivo que se consigue con muchísimo margen de error. El film sabe pausarse en su arranque no apto para sensibles como también sabe arrasar la pantalla junto a esa manada de perros como un torrente de agua embravecida cercana su parte final. Esa corriente últimamente muy utilizada en el cine como es el dramatismo intenso (algo así como dotar de un ritmo constante e inconteniblemente frenético a una trama de asunto triste) aquí encaja a la perfección gracias, también, a una actuación solvente de la protagonista del relato, Lily (Zsófia Psotta), cuyo personaje transmite y emociona en momentos puntuales y adecuados de la cinta, sobretodo en el epílogo. Un placer, gracias a que la película ha sido proyectada en más festivales, no sólo en Cannes (Sevilla), descubrir que en Hungría el cine tiene bastante calidad y categoría.

That´s what I say.

SINOPSIS: Ocho años después de la desaparición de Cassandra, algunos indicios perturbadores parecen indicar que aún está viva. La policía, sus padres y la propia Cassandra intentan esclarecer el misterio de su desaparición.

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CRÍTICA: En el cine el éxito es muy ambiguo. Éxito económico (buenos números en taquilla), éxito crítico (opiniones bastante acordadas en lo buena que es la película en cuestión) o éxito de premios (tras una gran temporada de triunfos en Festivales y en ediciones de premios de diversa índole). Hay películas que simplemente son exitosas por crear un patrón argumental muy potenciable, independientemente de su calidad. Un ejemplo de esto último (y aquí es donde se demuestra la ambigüedad del término "éxito") es "Prisioneros", la penúltima película de Dennis Villenueve sin contar su "Sicario" que próximamente podrá verse en el Festival de los Festivales, Cannes.




"Prisioneros" es un thriller de tintes dramáticos que recordó que un buen pozo de calidad narrativa se construye con la fórmula del secuestro de un menor en una familia. La película es muchísimo más, esto es obvio, pero de aquí es donde se vale Atom Egoyan (could be true, why not?) para escribir la idea de "The Captive", película que bebe mucho de la protagonizada por Gyllenhaal y Jackman pero con mimbres propios que la hacen, se la considere mejor o peor, diferente. "The Captive" cuenta con una trama de estructura sólida pero de montaje terrible. Pocas grietas se le ven al guión seguramente si se deja ser leído, pero el recurrir constantemente al flashback y al flashforward brindan confusión en el seguimiento de la película. Quizá éste sea su mayor pecado y le resta muchos puntos cara a la opinión post-visionado.



Del reparto no hay apenas queja. Todo el elenco está bien, cumplidores y aseados la mayoría, destacando a un notablemente dramático Ryan Reynolds (defensor a muerte de que este hombre tiene talento interpretativo a raudales pero su filmografía no le permite demostrarlo aún) y, cómo no, al showstopper del film, Kevin Durand, vilmente perturbador en el rol de antagonista de la función. Dicen las lenguas entendidas que lleva repitiendo el mismo papel en piloto automático muchos años, algo así como cuentan que le pasa a Denzel Washington desde que fuese Alonzo Harris en "Training Day". ¿Y qué si es así? ¿Acaso no pueden permitírselo los actores con talento? ¿Donde hay que firmar para que así sea por más y más años?



Otro aspecto muy plausible de la película es su estética, la cual recuerda ineludiblemente a la obra de culto de los Hermanos Coen "Fargo"; Esos terrenos nevados, poco poblados, desolación, soledad y frío a partes iguales. Su ambientación, también gracias a una fotografía remarcable a cargo de Paul Sarossy, colaborador acérrimo de Egoyan en incontables películas, es uno de los logros más admirables de una película buena y seria, sabedora de lo que tiene y de cómo presume de ello, sin alardes ni pretensiones autoaduladoras, sin necesidad de teñirse en música atronadora o incesante o de sobrarse a diálogos pedantes. Una película que se ve igual de amena que se escribe, y esto es ya un hito digno de elogio en esto del cine hoy día.