El cine, en general, brilla más cuando nos habla de tú a tú, cuando expone temas comunes con los que es fácil sentirse identificado. Las grandes películas de terror lo son por esto mismo, porque a través de fenómenos sobrenaturales nos están ayudando a enfrentar (o al menos, visualizar) nuestros mayores miedos o problemas. El miedo a estar de noche perdido en un bosque, el temor de ser perseguido por alguien con las peores intenciones que pueda uno imaginar, ser asaltado en tu propia casa o ser atacado incluso en tus propios sueños. Todas estas son situaciones que, por mucho que las trasladen al cine de forma exagerada, artificial o efectista, hacen clic en nuestra cabeza al ser experiencias que cualquiera ha podido pensar. El mayor ejemplo que encuentro de este estilo es Akira Kurosawa, uno de los directores más humanistas de la historia que, independientemente de la ambientación (un gran grueso de sus films son en el Japón feudal), siempre conseguía reflexionar sobre las bondades y maldades del ser humano conectando sin obstáculos con el espectador. No voy a decir que Ryūsuke Hamaguchi sea el nuevo Akira Kurosawa, pero 'Drive My Car' me ha recordado muchísimo al discurso de A.K por la naturalidad de sus escenas y el aparentemente poco llamativo trabajo detrás de las cámaras, plagado de grandes detalles en realidad.

'Drive My Car' forma parte del cine japonés sensible y sofisticado. Ese tipo de cine al que muchos le achacan que está vacío, que no cuenta nada y que es altamente pretencioso. La película de Ryūsuke Hamaguchi dura casi tres horas, así que la crítica fácil se hace sola: "No logro llegar al final, la modorra me invade desde el principio. Qué manía la de alargar tanto las películas. Le ocurre fundamentalmente a aquellas en las que el director no sabe contar una historia o esta carece del menor interés". No me ha hecho falta buscar mucho para encontrar una opinión así y desde que la nominaron al Óscar a mejor película por redes sociales es la tónica general. He visto producciones asiáticas premiadas en festivales prestigiosos que son la pretenciosidad materializada en film, como la taiwanesa 'El sabor de la sandía' que empieza siendo curiosa para pasar a ser insoportable. Pero el caso de 'Drive My Car' es muy distinto. Son tres horas bien rellenas de contenido, donde cada personaje tiene su viaje particular y el espectador el suyo propio, aquel a donde le lleven sus sentimientos. Su duración forma parte de su brillantez a la hora de tratar temas donde el qué no es novedoso pero el cómo es capaz de moldear el drama de forma amplia y serpenteante donde la frialdad y el arrepentimiento se van acercando poco a poco.

El guion de Ryûsuke Hamaguchi y Takamasa Oe es una maravilla. Adapta una relato corto de Haruki Murakami como ya hacía 'Burning' de Lee Chang-Dong, dos películas muy distintas pero en las que se pueden ver ciertos puntos en común en cuanto al magnetismo y lo enigmático de sus historias. 'Drive My Car' cuenta con un brillante prólogo de 40 minutos que marca el punto de partida de la historia que veremos en los 140 minutos restantes. No es que el prólogo sea prescindible o que no forme parte de la historia, pero es indispensable partir de aquí para comprender y sentir al protagonista de la cinta durante el resto del metraje. Antes de eso, te introducen de lleno en la intrahistoria de ficción que se desarrolla en los preparativos de la obra de teatro que tiene como epicentro el largometraje, donde la realidad y la ficción se fusionarán en más de una ocasión siendo un ejercicio de metaficción extraño, difícil y vital para potenciar el discurso del film. Cuando aparecen los créditos iniciales después de todo este tiempo empiezas a encajar las piezas, es el primer signo de estar viendo una gran película. No hay flashbacks ni escenas de relleno que corten el constante ritmo u entorpezcan la fluidez de su narrativa. Ambos escritores realizan una gran labor construyendo a unos personajes muy universales y completos a los que les van añadiendo capas escena tras escena, logrando que parezcan estar vivos, traspasan la pantalla.

Es el reparto quien se encarga de dar vida a este grupo de personajes encabezado por el protagonista Yusuke Kafuku, interpretado por un bestial Hidetoshi Nishijima en el papel de su vida. Cada mirada, cada gesto y lo mucho que cuenta con su rostro inexpresivo acaba en un trabajo de contención espectacular, de una naturalidad pasmosa y un carisma supremo con simplemente su presencia. Tôko Miura es la co-protagonista y el personaje menos natural de todos, el más caricaturesco por su forma de vestir y su exagerada impasibilidad siendo su gran mérito ser capaz de que te olvides de ello gracias a un excelente trabajo vocal. La relación entre ellos dos es uno de los puntos más trabajados de la película y otro ejemplo de como es capaz de sacar oro de algo tan trillado. Masaki Okada interpreta al tercer personaje clave en esta historia y le ha tocado el trabajo más delicado, donde cada detalle es importante. La dupla que hacen él y Hidetoshi Nishijima nos brinda una de las mejores escenas de todo el conjunto.

En mi primer visionado no le vi nada especial a la dirección de Ryūsuke Hamaguchi. El conjunto me fascinó, pero no aprecié su labor detrás de las cámaras. Fue la segunda vez cuando me di cuenta de que la elegancia y naturalidad que tiene en todo momento no deja ver la gran cantidad de recursos visuales que utiliza. Son sutiles, estamos ante un director que pone por delante la suma de todas las partes al elogio individual. Es una gran dirección, pero no de la misma forma que lo es la de George Miller en 'Mad Max: Furia en la carretera'. Ahí puedes ver rápidamente la grandeza de cada plano y lo vibrante que es cada escena gracias a un despliegue audiovisual abrumador. Aquí Ryūsuke Hamaguchi le da una gran importancia a objetos como los espejos o el propio coche del protagonista, dándoles un significado y no siendo simplemente parte del escenario. Tiene un don para crear inmersivas conversaciones entre personajes. El que parece un plano más de dos personajes mirando al horizonte es en realidad una composición fabulosa en la que con solo la imagen y una linea de diálogo es suficiente para intercambiar sensaciones con el espectador. Otra escena que tiene lugar en una comida aleatoria termina siendo el momento más bonito y esperanzador de la película mientras habla de que a pesar de los claroscuros que tiene la vida, puedes y debes ser feliz. Como estos hay mil detalles más.

Está difícil que este año salga alguna otra película que supere a 'Drive My Car'. Puedo entender a quien no conecte con sus personajes y a quien se le haga demasiado pesada. Pero decir que es una película vacía es directamente no haberla visto o no haberla acabado. Si es la duración un problema, recordad que un buen puñado de películas de acción de gran presupuesto solo duran 15-30 minutos menos y tres capítulos de tu serie favorita ya te roban tres horas de tu tiempo. El tiempo es relativo, pero con 'Drive My Car' es cien por cien seguro que no lo vais a malgastar


Nota: 9,0

El terror asiático nos ha dado grandes películas que se han convertido en clásicos dentro del género. 'The Ring' o 'La maldición' son las que representan más claramente el J-Horror. 'Pulse', 'Cure', 'Audition' o 'Dark Water' no son tan representativas, pero tienen una legión de fans importante. Hablo de Japón porque es de donde provienen la mayoría, pero Corea del Sur o Tailandia también tienen algo que decir con 'Dos hermanas' o 'Shutter'. La forma de tratar a lo sobrenatural (especialmente a los fantasmas) que tienen los asiáticos y la gran distancia que guardan respecto al terror estadounidense hace que sean fácilmente convertibles en films de culto. Estos elementos también son un arma de doble filo pues el muro que separa lo dramático y lo ridículo es muy delgado, tanto que puede ser derribado con facilidad, y si esto ocurre resulta imposible tomarse en serio la película. 'The Medium' se toma su tiempo para tomar un cariz de film importante y que ese muro sea irrompible, pero acaba cayéndose por su propio peso.

Dirigida por Banjong Pisanthanakun (encargado de la antes mencionada 'Shutter') y co-escrita por él y Na Hong-jin esta era una de las películas más esperadas en el festival de Sitges 2021. Banjong Pisanthanakun volvía al terror después de tantos años y Na Hong-Jin es el responsable de 'El extraño', una de las películas de terror más ambiciosas, especiales e interesantes de los últimos años. La participación de ambos se ve claramente reflejada en el resultado final, con 'The Medium' no estamos ante otra cinta found footage, está jugando en la misma liga que 'Lake Mungo' o sobre todo 'Noroi', con la que comparte muchísimos elementos. Sus 131 minutos son atípicos para su condición de falso documental pero los utiliza de forma inteligente, dándole mucho más peso a la construcción de los demonios y su maldición que a aterrorizar al espectador con jumpscares o escenas tensas.

El núcleo de este largometraje no es el terror, es el drama y la mitología chamán que existe en algunos pequeños pueblos de Tailandia. Su ambientación es fantástica, sumando mucho a su gran componente dramático gracias a su gris fotografía, la incesante lluvia o la suciedad de cada una de las localizaciones. La forma en la que te presenta a los personajes y sus costumbres es inmersiva y no para de desarrollarlo hasta el final. Llama más la atención los entresijos familiares antes que la posesión desencadenante de (casi) todo el horror. No voy a decir que en algún momento me creí que lo que estaba viendo fuera real, pero la dirección de Banjong Pisanthanakun y un reparto absolutamente desconocido logran que todo fluya con amplia verosimilitud. Sabes que no es cierto lo que estás viendo porque has ido al cine a ver una película, pero la forma en la que está realizada es calcada a como se haría si fuera verdad. El director utiliza recursos sutiles para mostrarnos de forma breve al demonio y crea situaciones que nos pueden recordar a 'Possession' por la influencia que tiene esta posesión en el día a día de la víctima. Aunque esto no ocurre durante todo el metraje.

Cuando dije al principio de este texto que la barrera entre lo dramático y lo ridículo se cae por su propio peso en esta película es por su tramo final, donde deja de lado el intimismo y la sensibilidad con la que estaba tratando su triste historia para convertirse en un derivado de 'Paranormal Activity' o un segmento más de una nueva entrega de 'V/H/S'. Sería muy injusto decir que todo está mal en su último acto, hay algunas set-pieces de terror logradas, pero también hay muchas que no casan con el estilo que nos ha vendido durante más de la mitad del metraje y que desentonan en conjunto. Su atípica propuesta choca con unos últimos 30 minutos absolutamente rutinarios y que no tienen nada que aportar más allá de alguna risa involuntaria. Es una película de terror que falla cuando más terrorífica se pone.

La sensación final que deja es la de una oportunidad algo desaprovechada, algo agridulce, pero no sería justo juzgarla solo por eso. 'The Medium' es una propuesta que merece la pena, uno de esos casos en los que el terror asiático no falla en cuanto a ofrecernos una experiencia distinta a lo habitual. Alguna de sus decisiones es muy cuestionable, sí, pero otras son brillantes, como sus últimos cinco minutos que sirven para cerrar esta desagradable, triste y desgraciada historia de chamanes, espíritus y rencores familiares.

Nota: 6,0

Paco Plaza lleva desde 2002 en el mundo del cine, pero no fue hasta 2007 cuando se convirtió en un nombre clave para el cine de terror de aquel momento y el que vendría más tarde. '[REC]' es un clásico del cine de terror, una de las mejores muestras de 'found footage' que ha habido nunca, influyente, una película que está muy cerca de ser perfecta... por lo que empezar a ser conocido a raíz de esta obra era un arma de doble filo. Las expectativas para su siguiente película no podían ser más altas y tanto él como su compañero Jaume Balagueró salieron bien parados con su secuela, '[REC]²', muy distinta a su predecesora en cuanto a intenciones. Entonces llegó el momento de partir caminos. Plaza hizo '[REC]³: Génesis', la entrega más alocada y naif de la saga (también la más divertida) que se salía de los esquemas vistos en las dos películas anteriores para homenajear a la serie B más absurda (véase la etapa inicial de Peter Jackson). Fue una buena secuela, pero seguía atado a '[REC]'.

No fue hasta 2017 que pudimos verle fuera de la saga con esa fantástica película que es 'Verónica', haciendo gala de un estilo visual muy atractivo y bastante identificativo, algo que se reforzaría en 'Quien a hierro mata', donde dejaba de lado el terror fantástico para inmiscuirse en el terror real. Paco Plaza no ha parado de crecer, de perfeccionar su estilo, demostrando que es capaz de envolverse correctamente en diferentes géneros. Con 'La abuela' ha conseguido anotarse otro tanto, y ya van unos cuantos seguidos.

El núcleo dramático de la película trata temas complicados, relacionados con la vejez. Desde el primer momento sabemos en que tipo de film estamos, no es su intención marcarse un 'Amor' de Michael Haneke. El guion de Carlos Vermut está cargado de ironía y mala baba, por lo que no serán pocos los momentos en los que soltaremos una buena carcajada. Pero esto no invalida la recreación de momentos dolorosos donde se ve un reflejo de los problemas que tienen muchos abuelos: Abandono, incapacidad, sentirse como una carga para los demás... Ahí entra un sorprendentemente sensible Paco Plaza, centrado en transmitir la tristeza de vivir una situación como la de Susana, nieta de la abuela protagonista, y no duda en incomodar al espectador con los problemas que tiene hacerse mayor. Para que os hagáis una idea rápida, es similar a lo que hace el "terror elevado" pero sin dejar de ser una película de terror y sin avergonzarse de ello. Esto hace que se desmarque de otras cintas de terror y sea bastante singular, al menos durante su primera mitad.

Es en la parte más terrorífica donde no acaba de estar a la altura de todo lo anterior. Consigue ser un estimulante tren de la bruja, con un despliegue audiovisual fantástico, pero sin el toque distintivo de todo lo anterior, más rutinario. Todo fluye mucho más en la primera parte de la película que en la segunda, y es donde más se ven las flaquezas que tiene el conjunto. Lo más destacable es la interpretación de la casi debutante Almudena Amor, a quien se le nota que tiene un estilo de actuación bastante particular pero también que le queda un poco grande protagonizar la película. La abuela, Vera Valdez, está inmensa: Da miedo, tiene momentos divertidos, desconcierta y no tiene ningún pudor en absolutamente nada. Es uno de los puntos fuertes de esta propuesta, sin ninguna duda, junto con su agobiante ambientación. Prácticamente todo ocurre dentro de una casa, aprovechando muy bien está situación para transmitir agobio y paranoia.

'La abuela' es una película imperfecta, donde brillan más sus luces que sus sombras, y otro ejemplo de que Paco Plaza es un cineasta prácticamente infalible. Es su mejor película hasta ahora, aunque no sea la más redonda, y solo por su atípica propuesta (lejos del cine de terror habitual) vale la pena darle una oportunidad.


Nota: 7,0

Cada año por estas fechas hay un buen cargamento de estrenos que tratan de aprovechar el tirón que tiene la Navidad entre el gran público, y desde que existen las plataformas de streaming aún más. Generalmente se trata de un tipo de producción con un tono muy marcado, familiar o infantil, con toques de humor pero sustentado en una base melodramática en la que todo suele tener un final feliz. A veces también llegan películas de animación para los más pequeños (esos especiales de TV/VOD protagonizados por personajes de franquicias archiconocidas) o alguna comedia un poco picante ('Bad Santa', 'Los tres reyes malos', 'Elf'), pero este año únicamente se estrenará un film navideño en cines, y no se lo puede meter en ninguna de estas categorías. 'Silent Night' puede ser la película ambientada en Navidad con menos sentimiento navideño que yo recuerde.

La película está producida por la compañía de Matthew Vaughn y nadie se extrañaría si el guion estuviese firmado por él. En el contexto actual en el que estamos, donde se mira con lupa cualquier publicación en redes sociales o cualquier conversación para ver si alguien puede sentirse ofendido, esta pequeña y silenciosa película es una bomba. Apunta directamente a todos los frentes susceptibles de ser ofendidos, para reírse de lo idiotas que somos y lo mucho que nos estamos esforzando en ir a más. El contexto de cena navideña le viene ni que pintado para sacar a relucir los trapos sucios de estos eventos, donde la falsedad es una prioridad en pro del buen rollo y la cordialidad, donde si hay algún problema se soluciona con un "Dejarlo ya hombre, que es Navidad". Solo que, claro, aquí hay otro agravante, y es que con toda probabilidad será el último día de vida de todos los protagonistas de la cinta. Esta sensación de contrarreloj, de disfrutar de cada segundo que les queda, estará presente a lo largo de los escuetos 90 minutos de metraje, que si entras en el juego que te propone no te darás ni cuenta cuando haya terminado.

Es un largometraje que depende muchísimo de su guion y de sus actores para tirar hacia adelante. El trabajo de Camille Griffin a los lápices es lo más destacable de todo el conjunto, un guion mordaz, letal, que va a la yugular, lleno de diálogos punzantes y dardos que van de un personaje a otro. Aquí entra en juego también su excelente reparto, que da vida a esas líneas de una forma muy caricaturesca y exagerada, creando un grupo de personajes estereotipados (a propósito) hasta la médula. Keira Knightley es la gran estrella pero hay otras caras conocidas, como Matthew Goode ('Watchmen', 'Downton Abbey') o Annabelle Wallis (en un divertidísimo papel), recientemente vista en la absolutamente maravillosa 'Maligno'. Aunque, como ya ocurrió en su primera aparición en una película, el que se roba el show es el pequeño Roman Griffin Davis haciendo del único personaje sensato de todos los que desfilan por la pantalla. Donde no está tan acertada Camille Griffin es tras las cámaras. En absoluto se puede decir que la dirección es mala, es más, la dirección de actores es magnifica como ya he recalcado en el párrafo anterior. Pero la planificación visual no pasa de ser funcional, no destaca por encima del guion (algo que no es malo) pero tampoco tiene ninguna imagen para el recuerdo. Recuerdo perfectamente algunos de los diálogos pero no hay ni un solo plano que se me haya quedado grabado. Creo que cumple con su cometido, pero se nota mucho que es su primera película y se limita a cumplir con ciertas normas.

Aún así, 'Silent Night' es una comedia negra tan divertida como dura, que funciona como un reloj suizo. Os hará reír mientras veis a los inútiles que protagonizan el film y os dolerá cuando os veáis reflejados en ellos. Y creedme, eso os pasará.


Nota: 8,0

'El amor en su lugar' es una película con la difícil labor de ser (conceptualmente) una película más ambientada en la Segunda Guerra Mundial, un período del que se han hecho una cantidad enorme de films, de todo tipo y de toda clase. Es difícil destacar entre todas ellas y, para hacerlo, es necesario tener algo especial, algo distintivo. Sin entrar en comparaciones, el primer caso que se me ocurre es el de 'La vida es bella' y Roberto Benigni, que dirigía, escribía y protagonizaba la película, mostrando el horror de la guerra desde un punto de vista afable y divertido, sin olvidarse del terror auténtico que suponía ser judío en esa época. O 'La lista de Schindler' dirigida por el gran e inagotable Steven Spielberg, de una dureza y sensibilidad difícilmente alcanzables por cualquier otra película bélica estadounidense. En la cinta que nos ocupa, ese punto especial se lo otorga Rodrigo Cortés. Él está detrás de las cámaras, del montaje, del libreto, de algunas canciones y de la concepción de la propia película. Nunca ha sido un director muy prolífero pero cada una de sus cintas van sobradas de personalidad. Sin Rodrigo no podría existir esta película y precisamente por eso destaca.

Su plano secuencia inicial de 12 minutos nos pone en situación, enseñándonos como es vivir en el gueto donde se sitúan los hechos, a través de una serie de situaciones desagradables que vive la protagonista. Cortés mueve la cámara de forma sigilosa, metiéndose entre los recovecos del gueto y luciendo siempre una frialdad desoladora. Pasado este fabuloso inicio, nos metemos en el teatro, donde sucederá prácticamente toda la película haciendo gala de un gran uso del espacio (algo que en 'Buried (Enterrado)' ya se vio) y dejando un poco de lado el gran conflicto para centrarse en uno más pequeño (pero no menos importante): El de nuestro grupo de teatro protagonista. Centrándose en esto, es capaz de transmitir la presión y tristeza a la que están sometidos estos personajes en la Segunda Guerra Mundial a la vez que desarrolla los conflictos internos que hay entre ellos. Aquí entra en juego la dualidad de los actores y los personajes que interpretan, intercalando de forma sutil y fluida la obra de teatro con la vida real. Las transiciones entre actos son vitales para el desarrollo de la historia y el saber separar la realidad de la ficción llega a un punto en el que se hace casi imposible. La mano de Rodrigo Cortés se nota aún más cuando el film es capaz de pasar del drama romántico adolescente al thriller en cuestión de segundos, sin que te des cuenta y sin forzarlo. Es ahí cuando la película brilla más, cuando el director da rienda suelta a su imaginación y evidencia la influencia de Alfred Hitchcock en su obra. Especialmente destacable una escena con primerísimos planos de la cara de los personajes, terrorífico momento.

Ante todo, estamos ante una carta de amor. Una carta de amor al teatro, al romance juvenil y al amor en general. En ella se plantean cuestiones como que significa realmente amar a alguien o la importancia de las actividades culturales en el día a día de las personas. La dureza de la situación que les ha tocado vivir está sobrevolando el teatro Fémina durante toda la película, pero eso no quiere decir que ahí dentro no esté pasando algo precioso. Otro punto a favor es esto, el no apoyarse en la pornografía emocional para emocionar al espectador, sino en la construcción de personajes y el desarrollo de las relaciones que hay entre ellos, con multitud de matices. Se trata de un guion bastante redondo, que mide muy bien los tiempos y te hace sentir parte del público que hay en el teatro, con una sensación constante de estar todo el tiempo a contrarreloj (potenciado exponencialmente por el gran trabajo sonoro de Víctor Reyes). Los diálogos son tan afilados como siempre con Cortés y están plagados de sarcasmo y un punto de cinismo. Un libreto interpretado fantásticamente por un reparto coral con muy buena química, destacando a Clara Rugaard en la tarea complicada de interpretar a una protagonista perdida y moralmente dubitativa, a un breve pero intensísimo Magnus Krepper y a Henry Goodman en un papel a medio camino entre lo entrañable y lo desagradable.

Tengo mis inconvenientes, aunque son detalles pequeños que mientras la estás viendo te haces a ellos. Primordialmente, la decisión de que prácticamente todo el film sea en inglés cuando vemos a judíos y alemanes le quita algo de impacto a la parte histórica. No es la primera ni será la última en hacer esto, pero en 2021 es algo que se me hace raro y me saca un poco de la ambientación. Los últimos minutos son potentes pero me parecen algo precipitados y no acabo de empatizar por culpa de ello. Eso no empaña esta fantástica película, muy sólida, que abarca de forma fresca y original el conflicto bélico más explotado de todos los tiempos. Funciona como drama, como thriller y como musical. Una apuesta segura.

Nota: 7,0

'Lamb' tiene el honor de ser la primera película europea distribuida por A24 en Estados Unidos y lo raro es que no esté producida también por ellos. La productora estadounidense ha creado un sello, reconocible en todas sus películas, que le ha hecho tener una base de fans muy fiel. No solo eso, también goza de una regularidad en la calidad media de sus producciones que asusta. No hay película de A24 que no sea potente audiovisualmente e interesante en su propuesta argumental. A las pruebas me remito: 'La bruja', 'La habitación', 'Ex_Machina', 'The Florida Project', 'A Ghost Story' o 'Diamantes en bruto' dejan claro el gran abanico de géneros que abarca A24 y lo mucho que cuidan cada una de sus producciones. 'Lamb' tiene muchos puntos en común con las películas de terror que suele producir esta compañía, a todos los niveles, y es normal. Ari Aster y Robert Eggers, dos de los estandartes de la productora y del cine de terror actual, han sido muy influenciados por el cine de terror europeo, y sin avergonzarse de su origen, está claro que la compañía ha querido vender siempre esa imagen. 'Lamb' no desentona entre la filmografía de A24, ni por su nacionalidad ni por su calidad.

Esta es la historia de una pérdida, de una de las peores cosas que le puede pasar a un ser vivo. El debutante Valdimar Jöhansson no tiene miedo a meterse en terreno pantanoso, a arriesgarse y contar las cosas de una forma excéntrica y difícil. La trama de la película la hemos visto muchas veces, en diferentes géneros, contada de mil maneras. Es uno de los casos en los que es vital la labor del director y Jöhansson hace un trabajo fantástico, elaborando un folk horror muy cotidiano, sin mucho aspaviento ni floritura. Todo es muy frío en ella pero hay muchos sentimientos y emociones durante todo el metraje. Todo muy contenido, haciendo que el dolor de los protagonistas gane mucho en credibilidad y naturalidad. 'Lamb' se pasea constantemente en la barrera entre el drama familiar intimista y el cine fantástico más cazurro. Siempre con muchísima sensibilidad y con un estilo visual muy marcado. Deja un buen puñado de imágenes para el recuerdo. Su ritmo, lento y pausado, aporta mucho al páramo desolador donde se desarrolla la película, y donde estaremos los 100 min que dura.

Una vez pasado el impacto inicial, empiezas a ver a ese cordero como el símbolo de esperanza que escenifica. Esa chispa de esperanza a la que aferrarse cuando no tienes nada más. La protagonista prefiere aprovechar la oportunidad que el destino le ha brindado antes que hacerse preguntas, una idea que ya exploró M. Night Shyamalan en la serie de televisión 'Servant' de una forma similar en la que lo hace esta película. Dejar de lado lo racional para darle prioridad a lo emocional es algo que nos pide, para poder disfrutar de ella. Un objetivo que logra sin que te des cuenta, y llegado a cierto punto, te emocionas viendo una escena en concreto que gana un gran significado por todo lo que le precede. Es un momento precioso, que, como todo en esta vida, también tiene su parte triste. No es una película complaciente para el espectador, toma decisiones arriesgadas que refuerzan a los personajes a la misma vez que los afea moralmente.

Personajes interpretados por el escueto reparto de forma magnifica, desde la naturalidad y no la excentricidad. La mejor actuación de Noomi Rapace en toda su carrera está aquí, transmitiendo el dolor y la desesperación contenida que sufre la protagonista de forma gélida. Desde su primera aparición sabes que es una persona completamente rota por dentro, aunque por fuera no se note en exceso. Hilmir Snær Guðnason y Björn Hlynur Haraldsson no llegan al nivel de la gran actuación de Noomi Rapace, pero también hacen un gran trabajo. En especial Björn, capaz de hacerte reír mientras le odias. Cuando los tres están juntos la película gana enteros, pues tienen mucha química y a nivel de guion el rol de cada uno está perfectamente definido.

No puedo irme sin hacer una mención especial a sus sorprendentes efectos especiales, que destacan en su gran integración con el entorno. No quiero estropearos el visionado, que Vértigo Films se ha encargado de proteger durante toda la genial campaña promocional que ha hecho desde que adquirieron la película, así que no voy a extenderme más. 'Lamb' estaba llamada a ser una de las mejores y más interesantes películas de este año, y no falla.


Nota: 8,0

'Halloween Kills' es una secuela valiente. Se atreve a hacer cosas, se atreve a dejar atrás las películas originales para dar paso a algo nuevo, y eso hay que valorarlo. 'La noche de Halloween' de 2018 era muy disfrutable, divertida y un buen punto de partida para una nueva trilogía, especialmente por el trato que le daban a Laurie Strode como una mujer atrapada en aquella noche de Halloween de 1978. Pero tenía más de remake que de secuela, quizá no tan descarado como en el retorno de hace unos años de Star Wars o Parque jurásico, pero se repetían muchos patrones del film de John Carpenter. En ese sentido, 'Halloween Kills' es una evolución, una declaración de intenciones por parte de David Gordon Green y Blumhouse de querer construir algo con identidad propia. El problema es que la valentía y originalidad no van siempre de la mano con una buena ejecución.

Tiene dos partes claramente diferenciadas: una más pausada en la que se desarrolla todo el conflicto sobre el que gira la trama y otra mucho más salvaje y frenética. La primera parte es donde fracasa, con un prologo absolutamente innecesario y una forma errónea de enfocar una secuela que no necesitaba apoyarse en la reconstrucción del final de la película de 1978 para ser interesante. A partir de ahí, todo es un devenir de flashbacks de su predecesora que lastran su ritmo, una parte dramática que a nivel de implicación no funciona con ningún personaje (aún menos con el protagonista) y unas dosis de matanza por parte de Michael Myers bastante escasas, pero brutales. David Gordon Green sabe cómo rodar set-pieces de asesinatos. Ya lo demostró en la anterior, y en esta va más allá. Es interesante ver cómo recuperan a personajes prácticamente olvidados, manteniendo el reparto, para darle empaque como secuela directa de la original a esta nueva trilogía. Con algunos funciona bien, y con otros se centran demasiado en cerrar heridas que nadie pidió que volvieran a ser abiertas. En general es un recurso que no funciona del todo.

En su segunda parte es cuando se anima y sale a escena la película que debería haber sido todo el tiempo 'Halloween Kills'. Un bodycount por parte de un brutal y amenazante Michael Myers, con violencia muy explicita, perseguido por la masa enfurecida del pueblo de Haddonfield que ya están hartos de vivir con miedo. El ritmo de la cinta se vuelve frenético. John Carpenter se desata en la BSO, que como era de esperar, es uno de los puntos fuertes de la película. David Gordon Green consigue transmitir la frustración y agresividad de la gente de Haddonfield, especialmente en una escena que tiene lugar en un hospital y que habla muy bien de los linchamientos públicos que suceden hoy en día. El director potencia aún más la brutalidad de las set-pieces y se marca un tramo final visualmente atractivo, muy lejos de la propuesta tan plana que es durante el resto del metraje, contando con un final abrupto e impactante, que funciona a la perfección. Con 15 minutos menos su primera parte no se sentiría tan dilatada y el ritmo no se vería tan afectado. No es el único de sus problemas, pero para un film como este, que su principal propósito es el de ser un disfrute puro y duro, es un gran hándicap y hace que el resto de sus tropiezos resalten aún más.

'Halloween Kills' nos da una de cal y otra de arena. Sus fallos pesan mucho y me impiden disfrutar del todo de ella. Ganas no me faltaban. Era de los estrenos que más esperaba del año. Tenían un punto de partida excelente, y han decidido inventarse caminos nuevos que no aportan; solo restan. Esperemos que con 'Halloween Ends' le den un colofón digno a la trilogía.

Nota: 5,0

Phil Tippett era una persona desconocida por la mayoría a pesar de ser un maestro de los efectos especiales. Él es la persona detrás de esas criaturas que tanto nos impresionaron la primera vez que vimos 'Parque jurásico' o 'Star Wars'. Dentro de su campo es todo un referente, participando también en películas como 'Robocop', 'Starship Troopers', 'Willow' o 'Howard, un nuevo héroe', siempre en el apartado de los efectos especiales, en muchas ocasiones en la animación stop-motion.

Llegó agosto de este año y, de repente, su nombre empezaba a resonar por todo Internet. Salió a la luz el tráiler de 'Mad God', para muchos una agradable sorpresa en forma de película original, para otros no tan sorprendente. Tippett llevaba gestando la creación de esta obra más de 30 largos años y algunos hacía tiempo que seguían este proyecto de película imposible. El dicho tráiler de por si ya prometía emociones fuertes, y saber que era una obra cumbre acabó de rematarlo; las expectativas, de golpe, eran enormes. Esto ya son palabras mayores, pero entrando en comparaciones con otras obras definitivas de grandes directores, estábamos presenciando el nacimiento de otra 'Ran', 'La cosa', '2001: Una odisea del espacio' o 'Mulholland Drive'. Lo que ocurre es que, normalmente, la obra definitiva, aquella en la que pones todo tu ser y tu esfuerzo, en la que te abres en canal al resto del mundo, se realiza después de haber hecho unas cuantas películas y para Tippett esta era su primera experiencia al mando de un largometraje. Algo que le ha dado exactamente igual. Se ha sacado de la chistera una obra maestra absolutamente descomunal.

He podido disfrutar de ella en el 54º Festival de Cine de Sitges, un marco prácticamente inmejorable para verla. Sus primeros minutos tienen una potencia desmesurada, una fuerza que te da de lleno en la cara y te pone en situación. Es tan ambiciosa como suena su creación. La escala de su animación en stop-motion es sumamente surrealista, como si de una película épica se tratase, sus sets de rodaje dan una sensación de profundidad y tamaño gigantescos. Hay una cantidad desorbitada de elementos en pantalla, similar a lo que pasaba con la también fabulosa 'La LEGO Película', es imposible cerciorarse de toda la información que te da cada plano con solo un visionado. El nivel de detalle en cada elemento es absurdo, especialmente en el caso de los personajes y criaturas que van desfilando por pantalla. Esta maestría en la artesanía se ve complementado por un diseño artístico salido de una mente enferma, malsana. Ya no es solo que el diseño de las criaturas sea desagradable e incómodo, es que su mundo está diseñado de forma infernal. Vas a pasar 80 minutos en el peor infierno que te puedas imaginar. Empiezas aplaudiendo y disfrutando su soez y exageradísima violencia constante para pasar a inquietarte y pensar, ¿Cuándo va a parar esto? La respuesta es nunca.

El mayor miedo que había respecto a 'Mad God' es que, si técnicamente iba a ser una maravilla con toda seguridad, su guion era una incógnita, no había trabajos previos de Tippett para comparar. No son pocos los largometrajes que en lo técnico son una obra maestra pero no tienen un guion que potencie lo suficiente su apartado audiovisual como para que el conjunto sea memorable. Tippett se planteó que su película no iba a ser un envoltorio bonito vacío por dentro, y la ambición de su trama está al mismo nivel que el resto. Descendemos al infierno a través de los ojos de un explorador, que tiene el objetivo de llegar a un lugar en concreto. Esta sencilla premisa le da un abanico de posibilidades que se molesta en explorar a fondo. Los siete pecados capitales aparecen a lo largo del metraje, y veremos pasar por delante de nuestros ojos todo tipo de atrocidades relacionadas con el comportamiento del ser humano. Salvajada tras salvajada, no da tregua, y no tiene ningún atisbo de piedad con los seres que habitan el lugar donde sucede todo. Se antoja muy complicado no sentirse abrumado ante toda la información, y procesarla con un solo visionado es imposible, más aún si nos fijamos en su tramo final, donde se vuelve existencialista, rompiendo la cuarta pared de forma bestial. Llegado a cierto punto, su estructura se vuelve completamente loca y es raro no perderse, pero ahí se convierten en un film en el que es mejor dejarse llevar y sumergirse en la experiencia.

Esta obra descomunal en su paso por festivales está recibiendo multitud de elogios tanto de crítica como de público, pero es el tiempo el que la pondrá en su lugar, en gran parte por su apuesta técnica por lo real, lo orgánico, lo artesanal. 'Mad God' tiene un lugar reservado en esa lista de películas que no envejecerán jamás y en el olimpo de la animación. De la misma forma que 'La momia' o 'Black Panther' eran caducas nada más salir a pesar (y por culpa) de su gran apuesta por el CGI; o poniendo un ejemplo más cercano con 'Toy Story' y su rudimentaria (y revolucionaria) animación en 3D, el stop-motion es inmortal. Tan solo hay que echar la vista atrás y fijarse en 'Pesadilla antes de Navidad', 'Krysar' o 'Chicken Run' para ver que tienen más años que las mencionadas anteriormente, pero se conservan como el primer día y siguen luciendo espectacular. 'La cosa', 'Robocop', 'Parque jurásico' o 'E.T., el extraterrestre' tienen a los efectos especiales prácticos como parte importante del conjunto, '2001: Una odisea del espacio' (con la que 'Mad God' comparte varias cosas) apuesta muy fuerte por el uso de sets y maquetas o la trilogía original de 'Star Wars' por crear todo un universo tangible a base de animatrónicos y gente disfrazada. Películas que perduran en la memoria colectiva y que son historia del cine, donde puedes sentir el gran esfuerzo detrás de ellas. En parte, este texto es una carta de amor hacia lo rudimentario, hacia lo artesanal, y una queja hacia el modelo de cine comercial actual, sobrecargado de efectos especiales digitales, perdiendo toda la magia que tenía el cine de antaño. No es que ahora se haga mejor o peor cine que antes, pero se ha perdido el concepto del cine más puro para pasar a la computarización de todo lo posible.

Pero aún queda algo de esperanza. Aún quedan artesanos, gente que entiende por cine como algo puro y no digital. Como algo que puede tener imperfecciones y seguir siendo maravilloso. Laika Studios lleva toda su vida apostando por la animación en stop-motion, James Wan hace poco sorprendió a todos con su 'Maligno' por como evoca a una época donde el cine era diferente y desde Japón han llegado 'One Cut of the Dead' y 'Beyond the two infinite minutes', dos películas que nos recuerdan porque sentimos pasión por el cine, una pasión que transmiten a través de la pantalla todo el equipo de ambas cintas. El cine que perdurará, del que se hablará dentro de 50 años, será este, el que no utilice el croma como herramienta principal. Así que no todo está perdido.

Tippett nos ha otorgado el placer de disfrutar de su obra maestra. El trabajo de una vida. Y yo solo puedo rendirme a sus pies.

Nota: 9,0