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SINOPSIS:
Gabriel, un ángel bienintencionado, pero bastante inepto, baja a la Tierra con el propósito de ayudar a Arj, un organizador de conciertos en apuros y Jeff, un rico inversor de capital riesgo.


CRÍTICA: Un poco de nada y algo de todo

Lo mejor de 'Movida celestial' es a su vez lo peor: Su modesta ligereza.

Es obvio que Aziz Ansari no aspira a nada más que hacer de ella una película ligera, simpática y agradable. Y en efecto, 'Movida celestial' es una película ligera, simpática y agradable. Lo que se dice una comedieta muy fácil de ver. Un bienintencionado caramelo que dura lo que dicen que dura un caramelo en la puerta de un colegio.


La ligereza y clara falta de ambiciones marca sin duda a una película con la suficiente inquietud para reinventarse cada pocos minutos. Eso es lo mejor: Ansari no se limita a plantear una situación y a exprimirla sin más. Lo peor es que, sin embargo, no apuesta por ningún giro en concreto. Todo se desarrolla... sin mayor desarrollo.

Un poco sin más, y de manera harto esquemática y amable hasta la inevitable moraleja, servida con la condescendencia populista de quien ficha de nueve a cinco y para casa. Y es que más que una película, 'Movida celestial' al final parece la suma de cuatro o cinco premisas distintas que, aun así, ni juntas parecen una película.

Que tampoco actúan como una, en el sentido que se siente como un continuo amago que nunca termina de explotar, aun a pesar de la nobleza y honestidad que transmite su ligereza. Una ligereza por otro lado muy blanca, no por ello menos simpática y agradable que, cuanto menos, no es una suma de chistes o improvisaciones. Vacía o no.

Lo es, y no lo es. El humor de 'Movida celestial' surge de un guión que no construye sketches, pero tampoco una película con cuerpo que no sea una suma de momentos, sin que su reparto tenga mucho más que hacer que simplemente estar. Lo que termina siendo 'Movida celestial'. Un simplemente estar... tan agradable como terrenal.

Nota: 6.0


Lo Mejor:
- Su modesta ligereza

Lo Peor:
- Su modesta ligereza

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SINOPSIS:
El aclamado director de cine Esteban Martínez le ofrece un papel a su hija Emilia con el pretexto de ayudarla en su estancada carrera de actriz.


CRÍTICA: El cine se abre camino

Sí, es complicado no pensar en 'Valor sentimental'. Pero no, eso no supone ningún problema. Puede que a grandes rasgos la premisa de 'El ser querido' sea (o parezca) la misma que la de la película de Joachim Trier. Pero ni Rodrigo Sorogoyen es el cineasta noruego, ni Javier Bardem es Stellan Skarsgård, ni tampoco Victoria Luengo es Renate Reinsve.

A efectos prácticos, ambas películas, totalmente complementarias, se parecen tanto como 'Deep Impact' se parece a 'Armageddon'. En la que nos ocupa, de hecho, la hija sí acepta la propuesta del padre. Es más, la película se desarrolla durante el rodaje, no antes del mismo. Aunque ambas comparten un mismo y poderoso atributo: su incuestionable solidez.

Sí, es complicado no pensar en 'Valor sentimental'. Tanto como no caer en la tentación de compararlas. "El 'Valor sentimental' de Sorogoyen" es tan buen titular como tan buen resumen. Porque ambas, a su manera, aun con sus numerosas diferencias, funcionan (casi) de la misma manera. La vida es lo que pasa mientras dos personas intentan conectar.

La teoría es sencilla, pero la práctica es jodida. Llámalo como quieras llamarlo, que todo se resume en un "es complicado". En la última película de Sorogoyen (e Isabel Peña), esto sucede durante un rodaje de otra película sobre el Sáhara. Muy de fondo, porque aquí no hemos venido a hablar de política. Aunque sea tan fácil mezclarla con cualquiera de los Bardem.


Un padre y una hija. Él, director y ella, actriz, que comparten un rodaje. Él nunca ha ejercido como padre, ni ella como hija. El conflicto es claro. Pero Sorogoyen, como siempre, no lo encara de frente. Desde luego, no tanto como Trier, siendo 'El ser querido' una película con muchas más capas (para quien se las quiera encontrar y guste de un cine menos aburguesado).

No es por comparar... pero puestos a hacerlo la de Sorogoyen, dentro de la incuestionable solidez de ambas a cualquier nivel, es más completa... y a su vez más dispersa. Mientras que la de Trier es muy clásica, y en cierto sentido muy obvia, la de Sorogoyen es más esquiva. Es, quizá, la gran diferencia entre ambas: una quiere ser más precisa, y la otra más intangible.

Mientras que el noruego se plegaba al melodrama, el español no deja que esto le fije el encuadre. Así, mientras 'Valor sentimental' se sentía un filme un tanto encorsetado, 'El ser querido' se siente mucho más libre y casual. Es cierto que ambas, a grandes rasgos, comienzan y acaban (casi) en el mismo punto. Pero cada una traza la curva de manera muy diferente.

La vida puede ser complicada, y a la vez puede ser muy sencilla. El cine también. Todo está en las personas. Todo se resume en las personas y en las relaciones que establecen, en las miradas y en los gestos que aportan espontaneidad a la rigidez en la que cae en muchas ocasiones el cine. Es de hecho un puntal de 'El ser querido': su espontaneidad entre bambalinas.

Cualquier otro se hubiera despistado, deslumbrado como Damien Chazelle en 'Babylon'. Que si el cine, que si el Sáhara, que si la abuela fuma.

Sin embargo, Sorogoyen (e Isabel Peña) se encuentran.

Con su habitual toque cercano y terrenal, Sorogoyen se monta su particular 'MegaDoc'. Al igual que Mike Figgis, Sorogoyen se pasea por lo que parece un auténtico rodaje ajeno, no tanto para hacer un making of del mismo como para crear un perfil de su director. No es ni es cine. Es vida. Todo se resume en las personas, todo se resume en un padre y una hija.

En Sorogoyen e Isabel Peña, una de las parejas creativas más estimulantes de la actualidad. No tanto por la incuestionable solidez de todos sus proyectos, sino por la fina perspicacia dramática con la que deconstruyen cada proyecto y lo interpretan como un ente orgánico al que no hay que intentar controlar. Si el cine es vida, el cine también puede abrirse camino.

Y la mayor virtud de 'El ser querido' no es lo que muestra, sino lo que sugiere. Si el silencio da voz al sonido y la oscuridad brillo a la luz, lo que le da fuerza es la sensación, manifiesta, que al igual que 'MegaDoc' sólo es una parte de un todo. Un vistazo entrecortado a algo más grande que no pretende ponerle puertas al mar, sino entender que hay vida más allá del cine.

Nota: 8.0


Lo Mejor:
- Su consistencia

Lo Peor:
- La sensación de que aún con sus bondades, ha faltado película por contar

SINOPSIS:
Adaptación a la gran pantalla de la novela de Peter Heller de igual titulo.


CRÍTICA: Buscando una amiga para el fin del mundo

Supongo que no será la primera vez que lo diga, tampoco la última: Ridley Scott es un cineasta muy sólido y solvente. Lo que no por casualidad es, en efecto, su última película: una producción tan sólida como solvente. Lo que deberían de ser, sino todas, sí la mayoría de las producciones de clase media de Hollywood lideradas por uno, dos o tres nombres de algún tipo de alcance popular.

Jacob Elordi. Margaret Qualley. Josh Brolin. Y de regalo Guy Pearce, Benedict Wong o una Allison Janney que aún no tengo claro si estaba o no en la misma película que todos los demás.


Sea como fuere, no se puede decir que 'La constelación del perro' sorprenda, tampoco que decepcione. Es, a grandes rasgos, lo que aparenta que es. Una película que da lo que promete sin apenas algún extra, obra de un cineasta que no tiene nada que demostrar, pero cuya suficiencia y experiencia se bastan para ofrecer una producción, lo dicho, muy sólida y solvente a todos los niveles.

Scott es como ese jugador experimentado y discreto al que echas de menos cuando no juega. La constante que te sostiene los partidos cuando las estrellas no tienen el día. El compañero fiable y regular que no se complica ni tampoco arriesga más que lo justo. Sin cometer errores (de bulto), puede que porque no arriesga, o porque no se complica. O porque no sale de su zona de confort.

Como producción complaciente, puede que 'La constelación del perro' no le suponga ningún reto, ni a Scott ni al espectador, ni puede que tampoco a nadie de su equipo técnico o artístico.

Pero no por ello se deja de seguir en todo momento con el debido interés. Scott puede que no arriesgue, puede que no se complique, puede que no salga de su zona de confort. Pero sabe perfectamente lo que se hace, y sabe perfectamente cómo lo hace. No es tanto que pueda o deba emocionar, como que sea un término medio de consenso tan sólido y solvente como entretenido y eficaz.

Al fin y al cabo, haga lo que haga Scott será siempre (y desde hace muchos años) el director de 'Alien, el octavo pasajero', 'Blade Runner', 'Thelma & Louise' y 'Gladiator', aun siendo también el de 'Los duelistas', 'Black Hawk derribado', 'El reino de los cielos', 'El consejero', 'Marte (The Martian)', 'El último duelo' o 'Napoleón'. A estas alturas... ¿por qué o para qué jugarse sus viñedos?

Nota: 6.25


Lo Mejor:
- La solvencia de Ridley Scott...

Lo Peor:
- ... también puede interpretarse como pereza

SINOPSIS:
El amor te volverá loco.


CRÍTICA: Alan el sucio

Puede que tal vez le reconozcan: Alan Ritchson es conocido por ser Jack Reacher en la serie de Prime Video. Antes, cuando (o me lo parece a mí) no estaba tan hinchado, también fue una de las 'Tortugas ninja' de Michael Bay o uno de los protagonistas de 'Blood Drive', una serie B televisiva bastante divertida. En fin, a diferencia del otro 'Jack Reacher', su imponente presencia no parece permitirle demasiadas opciones. No es, desde luego, una persona que pase desapercibida cuando entra en un bar...

De hecho, cuando entra en un bar... sin duda, intuyes problemas. Sólo con mirarle. No hacen falta palabras.


'Motor City' se aprovecha precisamente de esto: De unos músculos que no necesitan palabras. Como tampoco las necesitó Joel Kinnaman en 'Noche de paz', o Kaitlyn Dever en 'Nadie te salvará'. Porque a veces, para decir una tontería, mejor no decir nada. Baste una mirada... baste una presencia como la de Ritchson que de por sí augura problemas, que de por sí exige problemas. Las dos cosas que precisamente destacan de 'Motor City': Ni Ritchson ni la violencia necesitan de subtítulos.

Son un lenguaje universal. Como las matemáticas, pero más entretenido y divertido. No hacen falta números.

'Motor City' destaca por su honestidad como una arquetípica, estilizada y cruda película de acción (y alma) setentera que cumple exactamente lo que promete. La ausencia de diálogos, como elección estilística, tiende tanto a la simplificación y la sobreactuación como a una depuración de la narrativa visual en la que el sonido toma la palabra. Sin diálogos, el director Potsy Ponciroli se centra en la pureza de una propuesta desacomplejada que no tiene por qué negar la mayor para encajar en la actualidad.

Si la imponente presencia de Ritchson no es sutil, 'Motor City' tampoco tiene por qué serlo. Remitiendo a filmes como 'Hardcore Henry', vive y muere por una apuesta que el mencionado Ponciroli esculpe sin ambigüedad, vergüenza o tibieza. Puede que a veces de manera forzada, pero la mayor parte del tiempo como un estiloso divertimento tan histriónico como contundente, tan kitsch y genuino donde la ausencia de diálogos realza la visceralidad de sus virtudes frente a sus posibles defectos.

Esto es, ¿para qué hablar pudiendo darnos de hostias? Por algo el Reacher de Ritchson es más grande que el otro...

Nota: 7.0


Lo Mejor:
- La pelea en el ascensor

Lo Peor:
- Es muy complicado no ver a Alan Ritchson como un matón

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SINOPSIS:
Stéphanie, agente de policía de Asuntos Internos, es asignada a un caso relacionado con un joven gravemente herido durante una tensa y caótica manifestación en París.


CRÍTICA: Asuntos internos

La nueva película de Dóminik Moll -uno de los obreros del thriller europeo más solventes y eficientes- es un retrato de la violencia institucional y policial, así como de los mecanismos de protección internos del propio sistema. 'Caso 137' coloca al espectador en un terreno incómodo, entre el deber institucional y la responsabilidad individual, a través de una investigación a través de las zonas grises de un sistema marcado por la burocracia y la ambigüedad moral.

Una rigurosa, analítica y muy distante revisión de los valores policiales a partir de los incidentes derivados de las manifestaciones de 2018 en la capital de Francia, Paris. Una movilización que trascendió en la historia como la de los "Chalecos amarillos".


Un thriller de marcado carácter procedimental que examina cómo se investiga -y hasta qué punto se limita o reconduce- la rendición de cuentas y el "relato" dentro de las administraciones públicas y los Cuerpos de Seguridad del Estado. Un thriller realista que, de hecho, integra imágenes auténticas de los incidentes entrelazadas con la ficción para reforzar una sensación de inmediatez que remite a la de la Guardia Civil española carcomida por las cloacas del PSOE.

El resultado, un retrato directo y cerebral de una institución atravesada por sus propias contradicciones guiado por el personaje de Léa Drucker, quien se enfrenta a una creciente tensión entre su lealtad al cuerpo, su trabajo y su convicción personal.

Una interpretación contenida y precisa de un personaje maniatado por sus vínculos, pero repleto de honradez y valentía que sostiene en su mirada la complejidad moral de un relato demoledor con las instituciones de seguridad francesas. Con el equilibrio de poderes completamente desestructurado, el proteccionismo y corporativismo de estos estamentos socavan los principios de justicia y verdad mientras la integridad es cuestionada en vez de elogiada.

Nota: 6.75

- Tráiler de 'El juicio'

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