FICHA TÉCNICA

Título Original: Mutiny on the Bounty
Año: 1935
Nacionalidad: Estados Unidos
Dirección: Frank Lloyd
Intérpretes: Charles Laughton, Clark Gable, Franchot Tone, Herbert Mundin, Donald Crisp, Dudley Digges, Eddie Quillan
Guión: Jules Furthman, Talbot Jennings y Carey Wilson
Música: Herbert Stothart
Fotografía: Arthur Edeson
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer
Duración: 132 minutos


SINOPSIS

(La sinopsis es idéntica para las tres versiones de la película, de modo que si la lees en uno de los comentarios, podéis eludirla en los otros dos).

Las otras dos versiones son:


En diciembre de 1787 el barco británico “Bounty” está anclado en el Puerto de Portsmouth, poco antes de su marcha a Tahití. Su misión una vez allí será embarcar brotes del árbol del pan para trasladarlos a Jamaica y trasplantarlos allí como alimento fácil de cultivar y económico que proporcionará comida a los esclavos que el Imperio Británico mantiene en sus colonias de las Indias Occidentales, en Jamaica concretamente. Pero es cosa sabida que ni el barco ni los frutos llegaron a su destino porque es algo histórico y porque, como el propio título de la película indica, hubo una rebelión a bordo, un motín de la tripulación. ¿Qué ocurrió en ese barco para que este hecho se produjera?


ANÉCDOTAS Y/O CURIOSIDADES

1) El guión de la película adapta los dos primeros volúmenes de la trilogía “La Bounty”, de Charles Nordfort y James Norman Hall, que está basada en hechos reales y que propiciaron el cambio de las Leyes vigentes de la Marina británica en los buques de su Armada. Los títulos de esta trilogía son ““Mutiny on the Bounty”, “Men Against the Sea” y “Pitcairn's Island”. Los tres guionistas acreditados eran profesionales muy reputados en el mundillo cinematográfico, Carey Wilson por “Scaramouche”, Talbot Jennings por “La buena tierra” y Jules Furthman por “Río Bravo”.

2) Ganadora del Oscar a la mejor película, obtuvo 7 nominaciones más: Dirección, actor principal (triple candidatura a sus tres intérpretes principales, Clark Gable, Charles Laughton y Franchot Tone), guión, montaje y banda sonora. Curiosamente las estatuillas a mejor director y mejor actor fueron para la misma película, El delator, de John Ford y Victor McLaglen.

3) Se utilizaron para el rodaje de los exteriores escenarios naturales de California (San francisco, Monterrey), y de islas del Océano Pacífico y la Polinesia, incluida la isla de Tahití, donde transcurre gran parte de la historia. Y para las escenas en interiores loas instalaciones de los estudios de la MGM en Culver City, California.

4) Cuando la película ya estaba lista para su estreno, se descubrió que los británicos habían rodado también una historia sobre el mismo tema, relatando este histórico motín en el buque “La Bounty”. Irving Thalberg, productor no acreditado de la película, compró los derechos de esta película británica para evitar su coincidencia en los cines y tuvo la idea de resumirla a una especie de documental sobre los hechos ocurridos en el barco, para exhibirla en los cines justo antes de la película que nos ocupa, como un modo bastante eficaz de informar al público asistente de lo ocurrido y preparándoles para lo que iban a ver a continuación. Como curiosidad añadida comentar que en esta película británica figuraba un joven actor llamado Errol Flyn, que no tardaría en ser descubierto por la industria cinematográfica norteamericana y convertido en una gran estrella  del cine de aventuras precisamente.

5) Contó con un presupuesto de 2 millones de dólares de la época que, para estar hablando del año 1935, resulta una cifra más que considerable.

6) Existen dos versiones posteriores, la realizada en 1962 con igual título, “Rebelión a bordo”, protagonizada principalmente por Marlon Brando y Trevor Howard, y la realizada en 1984 “Motín a bordo”, con Mel Gibson y Anthony Hopkins al frente.


COMENTARIO PROPIO

Durante los primeros compases de la película, mientras el barco se prepara y está avituallándose para su partida a los mares del Sur, se nos presenta a los diferentes personajes que van a tener un papel destacado en el desarrollo de los acontecimientos.

La presentación del Capitán William Bligh (Charles Laughton) es todo un prodigio de concisión y precisión; según sube a bordo y ve a los familiares de los marineros despidiéndose de ellos pues van a estar ausentes más de dos años, su primera fase es “Señor Christian, despeje de gentuza la cubierta”. No tardaremos mucho en conocer el carácter de este hombre, sus modales y sus acciones. Es un hombre severo, estricto, inflexible con las normas y su aplicación, pero también es alguien déspota, tiránico y cruel. Impone su autoridad a golpe de látigo y castigos, humilla a los que están bajo sus órdenes, roba y engaña aprovechándose de su rango, resulta malévolo y malvado, y tan sádico como para ser capaz de ordenar azotar a un cadáver simplemente porque así lo establecen las ordenanzas y para que sirva de ejemplo de disciplina al resto de la tripulación. Es... el malo.

El 2º de a bordo es el Teniente Fletcher Christian (Clark Gable), un buen oficial, estricto cuando hay que serlo y comprensivo cuando hace falta. Experto, disciplinado, recto y, sobre todo, justo. Tiene una buena relación con el resto de los oficiales y  con la tripulación que lo respeta y es el puente entre éstos y el Capitán. Su sentido del deber le hace obedecer las órdenes del capitán aunque es evidente que no está en absoluto de acuerdo con él y con su modo de gobernar el barco. Es evidente que él es... el bueno.


Amén del resto de los marineros, el botánico que viaja para hacerse cargo del árbol del pan cuando éste esté a bordo y el médico que es un personaje simpático y borrachín, el tercer personaje destacado es el Guardamarina novato Roger Byam (Franchot Tone).

Ni qué decir tiene que la travesía resulta un auténtico infierno y sólo será cuestión de tiempo el que veamos cuándo y cómo se va a producir el enfrentamiento y cuál será el motivo.

Aunque se trata de una película bastante coral, el protagonismo indiscutible recae sobre los tres personajes que he mencionado que están francamente bien, con unos enfrentamientos verbales tan intensos como impecables. Laughton con unas cejas postizas para acentuar un rostro malvado ya que, tan orondo, por lo general resulta bastante afable y bonachón. Gable sin bigote, que creo que es la primera y única vez que lo he visto sin él y que me costó un poco darme cuenta de qué era lo que me resultaba extraño en él. Y un para mí desconocido Tone, a quién se le reserva el emotivo y moralizador discurso final.

Es una historia en la que la intensidad narrativa va de menos a más paulatinamente, hasta la parte en que por fin llegan a Tahití y se nos ofrece un pequeño paréntesis romántico que, curiosamente, coincide con la ausencia de Laughton en pantalla. Bien la parte de vestuario, maquillaje y puesta en escena en general. Bellísima la fotografía en blanco y negro que nos regala unas estupendas imágenes del barco, precioso, y de la travesía en el mar. Y una música que, sin ser  nada del otro mundo, resulta apropiada para el relato.

Una pena que la película decaiga bastante en su tramo final, para mi gusto resuelto de un modo muy precipitado y un tanto entrecortada su narración, sobre todo cuando aparecemos, de repente, en el Consejo de Guerra. No obstante, es todo un clásico del cine de aventuras que habría que ver, al menos, una vez.


PEQUEÑA COMPARATIVA

(Este apartado es idéntico para las tres versiones de la película, de modo que si la lees en uno de los comentarios, podéis eludirla en los otros dos).

Las películas comparadas son:

      1ª.- Rebelión a bordo (1935), en adelante la 1ª.
    2ª.- Rebelión a bordo (1962), en adelante la 2ª.
      3ª.- Motín a bordo (1984), en adelante, la 3ª.

Básicamente, las 3 cuentan la misma historia, las dos primeras basadas en la misma novela, la trilogía “La Bounty”, de Charles Nordfort y James Norman Hall, y la 3ª basada en la novela  “Capitán Bligh y Señor Christian”, de Richard Hough.

De duración similar, poco más de hora y media la 1ª y 3ª, la de mayor duración es la 2ª, que se va a las 3 horas. Sin embargo, a mí la que se me hace más larga de las 3 es la última, la más moderna, porque es la más lenta de desarrollo y, de lejos, la más aburrida. En la 1ª me parece que le hubiera venido bien unos minutillos más, pues el final es un tanto precipitado y se resuelve de un modo demasiado rápido y atropellado. En cambio a la 2ª, la de mayor duración, yo creo que le sobran unos minutos que la hubieran aligerado un poco y que se podrían haber conseguido fácilmente eliminando algunas escenas aquí y allá que no aportan gran cosa al grueso de la historia.

La ambientación y la fotografía son estupendas en las 3 películas, en blanco y negro la primera y a todo color en las otras dos. También la música está bastante bien en todas, siendo la más normalita la de la 1ª y la más extraña por no pegarle demasiado a la historia, la de la 3ª, aunque a mí me gusta bastante las melodías de Vangelis. Para mí la mejor es la de la 2ª, mucho más épica que la de su predecesora y con acompañamiento coral en su gran tema central, y también más acorde con lo que se narra, aunque ya digo que la de Vangelis también está muy bien.

El motivo del viaje es el mismo en las tres versiones. Hay que ir a Taihí a buscar árbol del pan y llevarlo a Jamaica, colonia británica, para plantarlo y conseguir comida barata para los esclavos. Pero tanto en la 1ª como en la 3ª apenas es una excusa argumental para emprender el viaje y casi no tiene mayor importancia luego en el desarrollo de la historia, mucho más en el segundo caso. En cambio en la 2ª no sólo es el motivo del viaje si no que se nos cuentan más cosas sobre este fruto, el botánico encargado de él y que viaja en el barco tiene mucho más papel y también tiene el arbolito mucha importancia en los acontecimientos que se desarrollan en el barco. Refleja mucho mejor que la 1ª y de una forma más coherente las situaciones por las que tiene que pasar la tripulación hasta llegar al motín, que en la 1ª son una serie de incidentes, mostrados uno tras otros sin mucho hilo narrativo. Y ambas, 1ª y 2ª, le dan 200.000 vueltas a la 3ª.

El barco es similar en las tres, bellísimo. El incidente del robo del queso también se menciona en las 3, aunque sucede en momentos distintos e influyen en la historia de diferentes modos. Las 3 expediciones llevan un médico a bordo, pero su papel no es especialmente importante excepto en la 1ª versión, donde se nos presenta como una persona alegre y simpática, borrachín que cuenta cómo perdió su pierna de un modo diferente cada vez, y cobrando su papel un momento de relevancia en el desarrollo del drama.

En fin, que al ser tres versiones de la misma historia, encontraremos muchas similitudes, algunas cosas son prácticamente iguales, otras con diferencias más o menos sutiles, pero no es cuestión de irlas enumerando una por una porque este apartado se haría excesivamente largo y tedioso.

Y es que lo que realmente diferencia a las 3 películas es la forma de narrar la historia y los detalles en que se hace más hincapié y, sobre todo, la definición de sus dos personajes principales, el capitán William Bligh y el Primer Oficial Fletcher Christian y en cómo se suceden los acontecimientos que provocan el motín en el barco.

En la 1ª:
El capitán es un ser duro, inflexible, rastrero, cruel y sádico. Se nos presenta así desde el primer momento y continúa igual el resto de la película. Es simplemente malvado porque sí, sin mayor motivo que el desprecio que le provoca su tripulación a quién considera inferiores. Charles Laughton hace un gran papel, la verdad, con sus cejas postizas y su gesto permanente enfurruñado, aunque a veces resulta un poco histriónico y de puro hacer de “qué malo soy”, a veces parece un malo de opereta.

El Sr. Christian es severo sin ser cruel, escucha a sus interlocutores y puede mostrarse compasivo y generoso cuando la ocasión lo requiere. Su puesto es intermedio entre el mando y la tripulación y sabe estar a bien con cualquiera de los dos bandos, que le respetan y obedecen. Pero no puede soportar la actitud del capitán. Obedece sus órdenes por pura disciplina y sentido del deber, pero cada vez le cuesta más no enfrentarse a él. Sobriamente interpretado por un Clark Gable con melenilla y sin bigote en un gran papel que él, sencillamente, borda.

En la 2ª:
Bligh es también un capitán duro e inflexible, aunque se nos muestra su carácter de una forma más paulatina, según van aconteciendo las cosas. También es cruel y sádico, pero de un modo mucho más sutil que en la 1ª y, en algunos momentos, se nos muestra los motivos que tiene para actuar como actúa, que pueden estar equivocados, pero al menos los tiene, no como Laughton que a veces ordenaba las cosas porque sí. Trevor Howard realiza un trabajo de lujo, regalándonos una soberbia actuación.

Sin embargo el Sr. Christian interpretado por Marlon Brando es el menos convincente de estas dos versiones, aunque si lo comparamos con el de la 3ª podría decirse que está magistral. Si es que todo en esta vida es relativo. Brando parece que trabaja en la película obligado y que no siente ni el más mínimo interés por lo que allí suceda. Realiza su trabajo de una forma sosa, afectada al máximo, con total pasotismo que a mí a veces me exasperaba un poco. Da la impresión de que se confundió de papel, pues el Sr. Christian no es “El zorro”, caballero amanerado de cara a la galería y héroe enmascarado en su alter ego, pero él lo interpreta como si lo fuera, sólo que sin antifaz. Excepto en 2 ó 3 escenas en las que parece que el actor sale de su amodorramiento y baja a la Tierra, no me gustó nada Brando en esta película.

En la 3ª:
El capitán Bligh de Anthony Hopkins es estricto con las normas y el reglamento, y duro con sus subordinados, aunque en una escala muchísimo más leve que en las otras dos versiones. Aquí se nos presenta más humano, incluso nos dejan ver a su familia, su mujer y dos niñas, y durante la travesía las recuerda constantemente en su diario de a bordo o escribiéndoles cartas. Es amigo desde hace años del 1º Oficial, por lo tanto su relación es mucho más directa e intensa que en las dos primeras entregas. Pero, en realidad, la tripulación no parece estar excesivamente a disgusto con él porque tampoco es que se meta tanto con ellos, por lo que el motivo por el que se rebelan queda un tanto... descafeinado. Hopkins parece estar medio “ido” en la mayor parte del metraje, con cara de estar intentando acordarse de su diálogo. A mí me parece uno de los peores papeles de su carrera.

El Sr. Christian de Mel Gibson es, sin duda, el más guaperas de los tres y he de decir que como actor es el peor de los tres también, pero con diferencia. La película está montada totalmente alrededor de él, a su mayor gloria y para que luzca palmito y bajadas de pestañas. Se centra tanto en la parte romántica y sus escarceos amorosos, que parece que estamos viendo otra película. Incluso parece que el motín se fragua por una pataleta que le da a él porque su amigo del alma le ha regañado y no le deja quedarse en la isla para seguir disfrutando de la vidorra.

En fin, no me extiendo más. Si sólo vas a ver una de las versiones, mi consejo es que elijas la de 1962 porque, para mí, es la mejor. De hecho, si pudiéramos acortar un poco su metraje y cambiar a Brando por Gable, la película sería sencillamente perfecta.

Si vas a ver dos de las versiones, te aconsejo que sean las dos primeras y en su orden cronológico, que sería lo suyo. Y de la 3ª podrías pasar sin el menor problema.

Verse las tres versiones, además de un esfuerzo (os lo digo por experiencia) es una tarea reservada a gente que quería hacer un estudio comparativo, como yo, o a locos cinéfilos de insaciable curiosidad. Bueno... y a gente como Edu, que se ve todo lo que pilla.


A los que os animéis a ver esta película, que la disfrutéis.    :guiñar

FICHA TÉCNICA

Título Original: The Bounty
Año: 1984
Nacionalidad: Reino Unido
Dirección: Roger Donaldson
Intérpretes: Mel Gibson, Anthony Hopkins, Laurence Olivier, Edward Fox, Daniel Day-Lewis, Liam Neeson, Philip Davis, Bernard Hill
Guión: Robert Bolt
Música: Vangelis
Fotografía: John Graysmark
Productora: MGM / UA
Duración: 132 minutos


SINOPSIS

(La sinopsis es idéntica para las tres versiones de la película, de modo que si la lees en uno de los comentarios, podéis eludirla en los otros dos).

Las otras dos versiones son:


En diciembre de 1787 el barco británico “Bounty” está anclado en el Puerto de Portsmouth, poco antes de su marcha a Tahití. Su misión una vez allí será embarcar brotes del árbol del pan para trasladarlos a Jamaica y trasplantarlos allí como alimento fácil de cultivar y económico que proporcionará comida a los esclavos que el Imperio Británico mantiene en sus colonias de las Indias Occidentales, en Jamaica concretamente. Pero es cosa sabida que ni el barco ni los frutos llegaron a su destino porque es algo histórico y porque, como el propio título de la película indica, hubo una rebelión a bordo, un motín de la tripulación. ¿Qué ocurrió en ese barco para que este hecho se produjera?


ANÉCDOTAS Y/O CURIOSIDADES

1) Tercera revisión del tema, tras las realizadas con idéntico título, “Rebelión a bordo” en 1935, a cargo de Charles Laughton y Clark Gable, y en 1962, protagonizada por Marlon Brando y Trevor Howard, entre un elenco de conocidas estrellas.

2) A diferencia de sus dos predecesoras cuyo guión se basaba en la misma novela, ésta realiza la adaptación para la pantalla de la novela “Capitán Bligh y Señor Christian”, de Richard Hough.


COMENTARIO PROPIO

La película nos va a ser narrada con voz en off en muchas ocasiones, sobre todo por parte del Cap. Bligh (Anthony Hopkins) que inicia la película enfrentándose a un Consejo de Guerra por haber perdido su barco, la “Bounty” en un amotinamiento de su tripulación y es ahí donde nos va a relatar “la historia”. No obstante, a lo largo del metraje, se regresará de nuevo a este punto en dos o tres ocasiones, por lo que la narración de la película adelanta o atrasa su tiempo según estamos en el juicio o en el largo flash-back.

Es ésta una versión diferente del mismo tema, tal vez porque el guión bebe de otra novela y, aunque en realidad se nos cuenta la misma historia que en sus dos predecesoras, lo cierto es que esta película es totalmente distinta a ellas, tanto en su forma como en su fondo. Cuajadita de grandes nombres del cine, lo cierto es que Laurence Olivier, Daniel Day-Lewis, Edward Fox, Liam Neeson apenas tienen papel, de hecho casi ni tienen diálogo y sus presencias son meramente testimoniales y un claro reclamo publicitario para dar más empaque a la producción. Pero al final la película se centra en los dos personajes principales de la historia, el Capitan Bligh (Anthony Hopkins) y el Teniente Fletcher Christian (Mel Gibson), el primero con cara de ido en la mayor parte de la película, que parece que acabe de levantarse de la cama y aún no se haya despejado, y el segundo luciendo palmito y bajadas de ojos, pues la película en realidad, más que en otra cosa, se centra en la parte romántica, a mayor gloria y lucimiento de un joven y atractivo Gibson.


A mí me parece que esta versión no aporta nada nuevo a lo visto en los dos trabajos anteriores. Su narración es mucho más lenta, su ritmo muchísimo más pausado, la historia “básica” del suceso está adulterada y descafeinada pues aquí Christian no se enfrenta por lo que cabe esperar, si no porque está enfadado con el Capitán que le ha regañado, incluso siendo buenos amigos. En realidad, la rebelión no sucede por lo que conocemos por las otras versiones, no, aquí es más bien una cuestión de faldas o, mejor dicho, de ausencia de ellas porque aquí el árbol del pan apenas pinta nada. Es más, ni siquiera la tripulación parece pintar nada. Pero eso sí, como es una película mucho más moderna, aquí lo que sí que pueden verse son tetas. Muchas.


Una pena la cantidad de buenos actores que desaprovecha esta película, dándole cancha justamente al peor de todos, Gibson. Por decir algo bueno de ella, que la fotografía es preciosa y que la música de Vangelis me parece preciosa, aunque quizá no sea la más apropiada para una película de aventuras en el siglo XVIII.

La vi en el cine, hace mucho tiempo y lo cierto es que no me apetecía volver a verla porque no me gustó. La razón de haberlo hecho es por el estudio comparativo de las tres versiones que he hecho, porque de otro modo, en lo que a mí respecta, esta película nunca hubiera estado en los clásicos, ni siquiera en los modernos. Y si os leéis el apartado comparativo notaréis aún más que, siempre en mi humilde opinión, las dos versiones anteriores son dos grandes películas y ésta, además de insulsa y aburrida, es una patata.


PEQUEÑA COMPARATIVA

(Este apartado es idéntico para las tres versiones de la película, de modo que si la lees en uno de los comentarios, podéis eludirla en los otros dos).

Las películas comparadas son:

     1ª.- Rebelión a bordo (1935), en adelante la 1ª.
  2ª.- Rebelión a bordo (1962), en adelante la 2ª.
      3ª.- Motín a bordo (1984), en adelante, la 3ª.

Básicamente, las 3 cuentan la misma historia, las dos primeras basadas en la misma novela, la trilogía “La Bounty”, de Charles Nordfort y James Norman Hall, y la 3ª basada en la novela  “Capitán Bligh y Señor Christian”, de Richard Hough.

De duración similar, poco más de hora y media la 1ª y 3ª, la de mayor duración es la 2ª, que se va a las 3 horas. Sin embargo, a mí la que se me hace más larga de las 3 es la última, la más moderna, porque es la más lenta de desarrollo y, de lejos, la más aburrida. En la 1ª me parece que le hubiera venido bien unos minutillos más, pues el final es un tanto precipitado y se resuelve de un modo demasiado rápido y atropellado. En cambio a la 2ª, la de mayor duración, yo creo que le sobran unos minutos que la hubieran aligerado un poco y que se podrían haber conseguido fácilmente eliminando algunas escenas aquí y allá que no aportan gran cosa al grueso de la historia.

La ambientación y la fotografía son estupendas en las 3 películas, en blanco y negro la primera y a todo color en las otras dos. También la música está bastante bien en todas, siendo la más normalita la de la 1ª y la más extraña por no pegarle demasiado a la historia, la de la 3ª, aunque a mí me gusta bastante las melodías de Vangelis. Para mí la mejor es la de la 2ª, mucho más épica que la de su predecesora y con acompañamiento coral en su gran tema central, y también más acorde con lo que se narra, aunque ya digo que la de Vangelis también está muy bien.

El motivo del viaje es el mismo en las tres versiones. Hay que ir a Taihí a buscar árbol del pan y llevarlo a Jamaica, colonia británica, para plantarlo y conseguir comida barata para los esclavos. Pero tanto en la 1ª como en la 3ª apenas es una excusa argumental para emprender el viaje y casi no tiene mayor importancia luego en el desarrollo de la historia, mucho más en el segundo caso. En cambio en la 2ª no sólo es el motivo del viaje si no que se nos cuentan más cosas sobre este fruto, el botánico encargado de él y que viaja en el barco tiene mucho más papel y también tiene el arbolito mucha importancia en los acontecimientos que se desarrollan en el barco. Refleja mucho mejor que la 1ª y de una forma más coherente las situaciones por las que tiene que pasar la tripulación hasta llegar al motín, que en la 1ª son una serie de incidentes, mostrados uno tras otros sin mucho hilo narrativo. Y ambas, 1ª y 2ª, le dan 200.000 vueltas a la 3ª.

El barco es similar en las tres, bellísimo. El incidente del robo del queso también se menciona en las 3, aunque sucede en momentos distintos e influyen en la historia de diferentes modos. Las 3 expediciones llevan un médico a bordo, pero su papel no es especialmente importante excepto en la 1ª versión, donde se nos presenta como una persona alegre y simpática, borrachín que cuenta cómo perdió su pierna de un modo diferente cada vez, y cobrando su papel un momento de relevancia en el desarrollo del drama.

En fin, que al ser tres versiones de la misma historia, encontraremos muchas similitudes, algunas cosas son prácticamente iguales, otras con diferencias más o menos sutiles, pero no es cuestión de irlas enumerando una por una porque este apartado se haría excesivamente largo y tedioso.

Y es que lo que realmente diferencia a las 3 películas es la forma de narrar la historia y los detalles en que se hace más hincapié y, sobre todo, la definición de sus dos personajes principales, el capitán William Bligh y el Primer Oficial Fletcher Christian y en cómo se suceden los acontecimientos que provocan el motín en el barco.

En la 1ª:
El capitán es un ser duro, inflexible, rastrero, cruel y sádico. Se nos presenta así desde el primer momento y continúa igual el resto de la película. Es simplemente malvado porque sí, sin mayor motivo que el desprecio que le provoca su tripulación a quién considera inferiores. Charles Laughton hace un gran papel, la verdad, con sus cejas postizas y su gesto permanente enfurruñado, aunque a veces resulta un poco histriónico y de puro hacer de “qué malo soy”, a veces parece un malo de opereta.

El Sr. Christian es severo sin ser cruel, escucha a sus interlocutores y puede mostrarse compasivo y generoso cuando la ocasión lo requiere. Su puesto es intermedio entre el mando y la tripulación y sabe estar a bien con cualquiera de los dos bandos, que le respetan y obedecen. Pero no puede soportar la actitud del capitán. Obedece sus órdenes por pura disciplina y sentido del deber, pero cada vez le cuesta más no enfrentarse a él. Sobriamente interpretado por un Clark Gable con melenilla y sin bigote en un gran papel que él, sencillamente, borda.

En la 2ª:
Bligh es también un capitán duro e inflexible, aunque se nos muestra su carácter de una forma más paulatina, según van aconteciendo las cosas. También es cruel y sádico, pero de un modo mucho más sutil que en la 1ª y, en algunos momentos, se nos muestra los motivos que tiene para actuar como actúa, que pueden estar equivocados, pero al menos los tiene, no como Laughton que a veces ordenaba las cosas porque sí. Trevor Howard realiza un trabajo de lujo, regalándonos una soberbia actuación.

Sin embargo el Sr. Christian interpretado por Marlon Brando es el menos convincente de estas dos versiones, aunque si lo comparamos con el de la 3ª podría decirse que está magistral. Si es que todo en esta vida es relativo. Brando parece que trabaja en la película obligado y que no siente ni el más mínimo interés por lo que allí suceda. Realiza su trabajo de una forma sosa, afectada al máximo, con total pasotismo que a mí a veces me exasperaba un poco. Da la impresión de que se confundió de papel, pues el Sr. Christian no es “El zorro”, caballero amanerado de cara a la galería y héroe enmascarado en su alter ego, pero él lo interpreta como si lo fuera, sólo que sin antifaz. Excepto en 2 ó 3 escenas en las que parece que el actor sale de su amodorramiento y baja a la Tierra, no me gustó nada Brando en esta película.

En la 3ª:
El capitán Bligh de Anthony Hopkins es estricto con las normas y el reglamento, y duro con sus subordinados, aunque en una escala muchísimo más leve que en las otras dos versiones. Aquí se nos presenta más humano, incluso nos dejan ver a su familia, su mujer y dos niñas, y durante la travesía las recuerda constantemente en su diario de a bordo o escribiéndoles cartas. Es amigo desde hace años del 1º Oficial, por lo tanto su relación es mucho más directa e intensa que en las dos primeras entregas. Pero, en realidad, la tripulación no parece estar excesivamente a disgusto con él porque tampoco es que se meta tanto con ellos, por lo que el motivo por el que se rebelan queda un tanto... descafeinado. Hopkins parece estar medio “ido” en la mayor parte del metraje, con cara de estar intentando acordarse de su diálogo. A mí me parece uno de los peores papeles de su carrera.

El Sr. Christian de Mel Gibson es, sin duda, el más guaperas de los tres y he de decir que como actor es el peor de los tres también, pero con diferencia. La película está montada totalmente alrededor de él, a su mayor gloria y para que luzca palmito y bajadas de pestañas. Se centra tanto en la parte romántica y sus escarceos amorosos, que parece que estamos viendo otra película. Incluso parece que el motín se fragua por una pataleta que le da a él porque su amigo del alma le ha regañado y no le deja quedarse en la isla para seguir disfrutando de la vidorra.

En fin, no me extiendo más. Si sólo vas a ver una de las versiones, mi consejo es que elijas la de 1962 porque, para mí, es la mejor. De hecho, si pudiéramos acortar un poco su metraje y cambiar a Brando por Gable, la película sería sencillamente perfecta.

Si vas a ver dos de las versiones, te aconsejo que sean las dos primeras y en su orden cronológico, que sería lo suyo. Y de la 3ª podrías pasar sin el menor problema.

Verse las tres versiones, además de un esfuerzo (os lo digo por experiencia) es una tarea reservada a gente que quería hacer un estudio comparativo, como yo, o a locos cinéfilos de insaciable curiosidad. Bueno... y a gente como Edu, que se ve todo lo que pilla.

A los que os animéis a ver esta película, que la disfrutéis.     :guiñar

Nació el 31 de enero de 1929 en Londres (Inglaterra) y desde niña dirigió sus pasos hacia el mundo de la interpretación. Apenas era una adolescente cuando obtuvo su primer papel acreditado en el mundo del cine con la película “Give Us the Moon” (1944). Para entonces había estudiado algo de danza y había demostrado que cantar no se le daba del todo mal. Su ascenso dentro de la industria del séptimo arte británico fue rápido, de “César y Cleopatra” (1945) de Gabriel Pascal, pasó a la joven Estella de “Cadenas rotas” (1946) de David Lean, la exótica Kanchi de “Narciso negro” (1947) de Michael Powell y Emeric Pressburger y, sobre todo, la Ophelia de “Hamlet” (1948), adaptación de la obra homónima de William Shakespeare dirigida y protagonizada por Laurence Olivier, por la que fue nominada al Oscar a la mejor actriz secundaria y, aunque finalmente no se llevó la estatuilla (que fue para Claire Trevor por "Cayo Largo"), la nominación le sirvió para empezar a ser conocida por las productoras de Hollywood.

En 1950 se casó con el actor Stewart Granger, con quien había coincidido por primera vez en "César y Cleopatra" (1945) y con el que volvió a compartir créditos en las películas "Adán y... Ella" (1949), "La Reina Virgen" (1953) y "Pasos En La Niebla" (1955).

En 1952, poco después de su boda con Granger, fue la "femme fatale" que lleva a la perdición a Robert Mitchum en “Cara de ángel”, participó en el musical “Ellos y ellas” (1955), compartiendo reparto con Frank Sinatra y Marlon Brando. En 1960 se divorció de Granger y se casó con el director Richard Brooks, con el que estuvo felizmente casada hasta su muerte el 11 de marzo de 1992 y que fue quien le dio uno de sus mejores papeles, el de la hermana Sharon en “El fuego y la palabra” (1960), adaptación de la novela de Sinclair Lewis. Ese mismo año intervino en la impresionante de “Espartaco” de Stanley Kubrick, donde interpretó a Lavinia, la compañera del esclavo rebelde Espartaco, quizá su papel más conocido. También dio la réplica a Cary Grant en “Página en blanco”, donde también salían Deborah Kerr y Robert Mitchum. Volvería a coincidir con su marido en "Con Los Ojos Cerrados" (1969), trabajo por el que Jean volvió a ser nominada al Oscar, ahora en la categoría de mejor actriz principal, aunque tampoco tuvo fortuna, ya que el dorado galardón fue a parar a manos de Maggie Smith por su interpretación en "Los Mejores Años De Miss Brodie".

Fue una de sus últimas grandes actuaciones en la gran pantalla,  ya que ante la falta de papeles interesantes para ella en cine se pasó a la televisión donde trabajó en algunas series de éxito como “Norte y Sur” o “El pájaro espino”.

Volvió al cine esporádicamente, con pequeñas apariciones como en “Sentido y sensibilidad” (1990) junto a Emma Thompson y Kate Winslet, o “Donde reside el amor” (1995) junto a Winona Ryder y Anne Bancroft, y en los últimos años ha prestado su voz para doblar películas al inglés, como por ejemplo la cinta de animación japonesa “El castillo ambulante” (2004).
La actriz londinense falleció a causa de un cáncer de pulmón el 22 de enero del año 2010, a la edad de 80 años.



                         

El castillo ambulante (2004)

Donde reside el amor (1995)

Margaritas en diciembre (1995)

Reencuentros (1993)

Sensibilidad y sentido (1990)

Conducta confidencial (1988)

El misterio de la familia Dain (1978)

La maldición de los Dain (1978)

Con los ojos cerrados (1969) - Nominada al Oscar como actriz principal.

Noche de titanes (1967)

El novio de mi mujer (1967)

Espartaco (1960)

El fuego y la palabra (1960)

Esta tierra es mía (1959)

Horizontes de grandeza (1958)

Después de la oscuridad (1958)

Mujeres culpables (1957)

Ellos y ellas (1955)

Pasos en la niebla (1955)

Desirée (1954)

Demetrius y los gladiadores (1954)

Una bala en el camino (1954)

Sinuhé, el egipcio (1954)

La túnica sagrada (1953)

Entre dos mujeres (1953)

La reina virgen (1953)

Cara de ángel (1952)

Androcles y el León (1952)

Trágica Obsesión (1951)

Adán y... ella (1949)

Hamlet (1948) - Nominada al Oscar como actriz secundaria

Cadenas rotas (1947)

Narciso negro (1947)

César y Cleopatra (1945)

Sirva de pequeño homenaje este comentario con su biofilmografía y descanse en paz una de las actrices más bellas que han podido verse en la gran pantalla.

FICHA TÉCNICA

Título Original: Sherlock Jr.
Año: 1924
Nacionalidad: EE. UU.
Dirección: Buster Keaton
Intérpretes: Buster Keaton, Kathryn McGuire, Joe Keaton, Ward Crane, Erwin Connelly, Jane Connelly
Guión: Clyde Bruckman, Jean Havez y Joseph Mitchell
Música: Muda
Fotografía:  Elgin Lessley y Byron Houck
Productora:  Buster Keaton Productions
Duración: 45 minutos


ANÉCDOTAS Y/O CURIOSIDADES

1) El gran escapista Harry Houdini, también carne de muchas películas, fue el padrino de Buster Keaton.

2) Joseph Frank Keaton nació el 4 de octubre de 1895 en la localidad de Piqua, estado de Kansas (Estados Unidos). Sus padres, llamados Joe y Myra Keaton, eran avezados cómicos de vodevil que habían formado con su hijo un grupo humorístico denominado The Three Keatons. Joseph comenzó desde bebé a actuar con sus progenitores. En una de sus representaciones y cuando Keaton contaba solamente con medio año de vida cayó desde unas escaleras y, sorprendentemente, salió indemne del accidente. Houdini, que acompañaba a la troupe como mago, tras ese suceso le apodó "Buster", que cada uno traduce como puede pero que si miramos un diccionario de inglés podría significar, coloquialmente, “macho”, y con ese nombre es con el que se le conoce en todo el mundo y ha pasado a la historia.

3) La película fue seleccionada en 1991 por la librería del Congreso de los EE.UU para el registro Nacional de Films por ser "obra culta, histórica y estéticamente significante". En 2000 fue seleccionada por el Instituto de cine americano para la lista de las mejores 100 comedias.

4) El actor que hace de padre de la chica en la película es Joe Keaton, el auténtico padre de Buster.

4) Puede que sea la primera vez que se utilizara el recurso del cine dentro del cine, algo que otros autores han repetido en la posterioridad. El ejemplo que seguramente nos viene a la memoria a todos es “La rosa púrpura de El Cairo”, de Woody Allen.

5) Conocido en el mundillo como "Cara de Palo", tenía prohibido por contrato reírse en las películas. En España se le conocía como “Pamplinas” porque así llamaron a su personaje en numerosas películas. Visitó España en 1931 y en una corrida de toros a la que asistió en San Sebastián, el actor quedó muy sorprendido cuando al ser descubierto entre el público fue ovacionado por todo el mundo al gripo de “¡Pamplinas, Pamplinas!”.

6) El director Leo McCarey comentó una vez sobre Keaton: “Preparaba los mejores gags para sí mismo y nadie podía robárselos.“

7) Buster Keaton siempre rodó sus escenas sin necesidad de dobles, aunque entrañaran alto riesgo.  En esta película en concreto, el rodaje de la escena en que termina sostenido de un caño, resbalando y posteriormente cayendo por el efecto de un tremendo chorro de agua al suelo le provocó una lesión en el cuello que le trajo como consecuencia el que el resto de su vida sufriera de unas tremendas jaquecas. Incluso sustituyó a Erwin Connely, el actor que tenía que caer de una motocicleta, para actuar él mismo como doble en la caída.


SINOPSIS Y COMETARIO PROPIO

“El moderno Sherlock Holmes”, debido a sus 45 minutos de duración, podría considerarse un mediometraje, ya que es demasiado larga para ser un corto y demasiado corta para ser un largometraje.

Nos narra la historia del proyeccionista y chico de la limpieza de un modesto cine-teatro de barrio que sueña con ser un gran detective, hasta el punto de llevarse broncas de su jefe por dejar de lado su trabajo para leer con interés un manual titulado “Cómo ser un detective”. Por una serie de malintencionados trapicheos de su rival por la chica de la película, Keaton es acusado de ladrón. Abatido por haber perdido el favor de su amada y mientras en el cine está proyectando una película titulada “Corazones y Perlas”, se queda dormido. Su cuerpo se desdobla y entra en la película proyectada en el papel de un de un famoso detective que va a investigar el crimen cometido.




El guión nos presenta una historia muy sencilla que, usando la excusa de “todo fue un sueño” se desdobla en dos historias totalmente independientes y, sin embargo relacionadas y, ambas, absolutamente al servicio de su autor, Buster Keaton, para que pueda lucir su gran vis cómica con un humor unas veces muy sutil, otras tan directo como una caída con una cáscara de plátano y la mayor parte de las veces muy “físico” y directamente arriesgado como podremos comprobar en muchas de las escenas.

De factura técnica impecable sobre todo para la época de la que estamos hablando,  la historia que se nos narra no es que sea la octava maravilla del mundo, pero no olvidemos que es una película de 1924, cómica y donde lo que más importaba era el lucimiento de la gran vis cómica y de la portentosa capacidad atlética de su protagonista. La mayor pega que yo le encuentro es la unión entre esas dos historias de las que hablaba antes, cuando se introduce en la película que se está proyectando en el cine en el que trabaja. La primera vez resulta imaginativo y divertido, pero cuando insiste en ello, Keaton se olvida por completo de la historia que está contando para enlazar de forma continua y sin respiro un gag con otro, con lo que rompe un poco la línea argumental que la historia llevaba hasta el momento. Lo que pasa es que hasta esos momentos de lucimiento propio son perdonables porque realmente son estupendos.

No es una película de carcajada si no más bien de sonrisa permanente, con momentos coreografiados y rodados al milímetro como cuando se convierte en la sombra de su principal sospechoso o las escenas de la circulación de la moto entre los coches, que son un auténtico prodigio. Extraordinaria la escena en que se sube a un coche en marcha colgado de una barrera de contención, o la que ya os he comentado en las curiosidades de la manguera de abastecimiento de agua de los trenes que le causó la lesión en el cuello. Impresionante su transformación en viejecita, ante los ojos de todos, sin truco ni cartón, que ya quisiera David Copperfield. Buenísima, aunque un poquito larga, la escena del billar. Por supuesto, de antología toda la escena de la moto que supone una auténtica obra de arte de ingeniería de planificación y rodaje.

En fin, parece increíble que se puedan destacar tantísimas escenas de gran comicidad y encima con una calidad impresionante cuando, ojo, la película sólo dura 45 minutos. En serio, a mí me parece una auténtica joya.


A los que os animéis a ver esta película, que la disfrutéis.    :guiñar

FICHA TÉCNICA

Título Original: The Awful Truth
Año: 1937
Nacionalidad: Estados Unidos
Dirección: Leo McCarey
Intérpretes: Cary Grant, Irene Dunne, Ralph Bellamy, Alexander D'Arcy, Cecil Cunningham
Guión: Viña Delmar
Música: Ben Oakland
Fotografía: Joseph Walker
Productora: Columbia Pictures
Duración: 91 minutos



ANÉCDOTA Y/O CURIOSIDADES

1) El guión está basado en una obra teatral de igual título de Arthur Richman.

2) La película obtuvo 6 nominaciones a los Oscar (mejor película, director, actriz principal, actor secundario, guión adaptado y montaje), pero sólo su director, Leo McCarey, se llevó la estatuilla a casa y con ella también el reconocimiento de la crítica y compañeros de profesión.

3) Los lugares de rodaje fueron los lagos Arowwhead y Big Bear, y y el Parque Nacional de San Bernardino, todo ello en California.

4) Alfred Hitchcock era amigo de Leo McCarey y siempre se declaró admirador de su trabajo. Tampoco ocultaron su admiración por él otros directores como Howard Hawks, John Ford, Frank Capra, George Cukor... Sin embargo, McCarey no es de los más conocidos por el público en general, a pesar de ser el director de películas como “Sopa de ganso” o “Tú y yo”.

5) Algunos dicen que Irene Dunne era la pareja perfecta para Cary Grant. Ambos coincidirían de nuevo en la también comedia “Mi esposa favorita”, de 1940 y en el drama familiar “Serenata nostálgica”, de 1941.

6) Cary Grant no tenía mucho interés en rodar esta película, pero el sistema de Estudios de la época lo obligaba por contrato. Llevaba sólo una semana de rodaje cuando envió al Estudio todo un alegato de 8 páginas pidiendo que le relevaran de su trabajo en esa película tan inverosímil que él consideraba que iba a ser un fiasco en la taquilla. Además, adjuntaba un cheque de 5.000 dólares por los problemas que su baja en el rodaje pudiera ocasionar. Por supuesto tanto el cheque como los alegatos no fueron aceptados por los Estudios y, contra todo pronóstico de Grant, la película se convirtió en un gran éxito. (Dato extraído de “Cary Grant: El capricho de las damas”, biografía de Archibald Alexander Leach Grant, que es el nombre auténtico del actor, escrita por LLuís Bonet Mojica).


SINOPSIS Y COMENTARIO PROPIO

Jerry Warriner (Cary Grant) va a un gimnasio y trata de ponerse moreno a toda costa bajo una lámpara porque le ha dicho a su mujer Lucy (Irene Dunne) que iba a estar dos semanas en la soleada Florida, pero en realidad no se ha movido de California. Cuando regresa a casa junto con unos amigos, Lucy no está y él da por hecho que estará con su tía Patsy, pero al poco llega ella acompañada de un francés con el que da clases de canto, diciendo que habían ido a una fiesta y al volver el coche sufrió una avería y han tenido que pasar la noche en un albergue “muy molesto”. Jerry se muestra desconfiado con esta historia al tiempo que su mujer descubre que en realidad él no ha estado en Florida. Con la discusión que se produce por la desconfianza de cada uno de ellos hacia el otro, deciden que lo mejor es divorciarse. En la vista de divorcio, al estar de mutuo acuerdo, todo va bien hasta el momento de decidir quién se queda con Mister Smith, el perro.


Poco antes de que la sentencia de divorcio sea firme, lo que ocurre al pasar 90 días, Jerry quiere volver con Lucy, pero se encuentra con que ella está saliendo con un millonario de Oklahoma, así que intenta darle celos a su aún esposa empezando a salir con una rica heredera.

De nuevo nos encontramos con una película a la que le han encasquetado un estúpido título en español que nadie comprende a cuento de qué viene. “The Awful Truth” podría traducirse por “La horrible verdad” o “La terrible verdad”. Bajo ese nefasto título, pues, nos encontramos una elegante comedia de enredos, romántica y alocada, con rápidos e ingeniosos diálogos y unos personajes divertidos y tan poco creíbles como las situaciones en las que se ven metidos, igualmente inverosímiles.

Y es que tanto los personajes como la historia misma de la película parecen de opereta, con el único afán de entretener. Eso ya lo vemos con sólo apreciar ese bronceado expres que luce Grant al principio de la película, que parece Al Johnson en “El cantor de jazz”. También es un poco de folletín el por qué la pareja decide divorciarse, es decir, el origen del resto de la historia. Pero da igual. Todos sabemos que vamos a ver una farsa y lo mejor que podemos hacer es acomodarnos bien y disfrutarla.


De los secundarios, personalmente el que menos me convence es Ralph Bellamy en su papel de millonario palurdo y brutote, pero enmadrado como un niño. Es tan exagerada su ñoñería que no me lo creí nunca por mucho que su trabajo mereciera según el gremio de actores una nominación al Oscar. Sin embargo he de reconocer que la escena del baile con Irene Dunne es buenísima, con mala leche de Cary Grant incluida. En cambio me encanta Cecil Cunningham como la Tía Patsy, pues suyas son algunas de las frases más irónicamente ingeniosas de la película. Y mi favorito, el que está genial y divertidísimo es el perro, Mister Smith, el mejor jugando al escondite.


La pareja protagonista está francamente bien y me ha sorprendido la gran vis cómica de Irene Dunne que, aunque parezca mentira, en algunos momentos consigue eclipsar a todo un maestro de la comedia como es Cary Grant. Atentos al “discreto” vestuario que luce ella durante toda la película, lleno de modelitos y gorritos imposibles. No sé si como afirman algunos Irene Dunne es la pareja perfecta para Grant porque lo cierto es este hombre tenía la rara habilidad de emparejarse perfectamente con casi todas las actrices con las que trabajó, pero desde luego ambos logran una gran pareja cinematográfica, llena de complicidad y desprendiendo la “química” a raudales que toda comedia necesita.



La película tiene un buen ritmo narrativo, constante y sin decaer. Hay que soportar un par de canciones de la Dunne, incluidas para el lucimiento de su gran voz, aunque reconozco que el guión las incluye en escenas con gran sentido de la comicidad, lo que hace que resulten menos soporíferas. Y, además, la película contiene un buen puñado de momentos muy divertidos, algunos de ellos de carcajada, en serio, como el momento motocicletas de la policía que es totalmente increíble pero muy cómico. O el del gato en la puerta que no cierra. Y es que los animales de esta película, perro y gato, hacen un gran trabajo, sobre todo el primero.

En definitiva, una película con un tema que podría resultar actual hoy en día pero cuyo tratamiento ha dejado anticuado el paso del tiempo y que, sin embargo, resulta tan divertida que os puede proporcionar un buen rato de entretenimiento.


A los que os animéis a ver esta película, que la disfrutéis.    :guiñar

FICHA TÉCNICA

Título Original: Glory
Año: 1989
Nacionalidad: Estados Unidos
Dirección: Edward Zwick
Intérpretes: Matthew Broderick, Denzel Washington, Cary Elwes, Morgan Freeman, Jane Alexander, Bob Gunton, Andre Braugher, Jay O. Sanders, JD Cullum, Cliff De Young, Donovan Leitch, Jihmi Kennedy, Jane Alexander, Bill Nunn, Kevin Jarre
Guión: Kevin Jarre
Música: James Horner
Fotografía:  Freddie Francis
Productora:  Tri-Star
Duración:   122 minutos

SINOPSIS

1861-1865. Durante la Guerra de Secesión norteamericana, que enfrenta al ejército confederado (Estados del Sur) con el ejército de la Unión (Estados el Norte). En el ejército del norte admiten que los negros se enrolen en sus filas, pero son muy reacios a proporcionarles armas y, por supuesto, a tratarlos como auténticos soldados.


ANÉCDOTAS Y/O CURIOSIDADES

1) Otros carteles y carátulas:
      

2) Basada en un hecho histórico real. Entre 1861-1865 EE.UU. vive la Guerra de Secesión que enfrentó al ejército confederado con las tropas de la Unión. El regimiento 54º de Massachusetts fue el primero y el más valeroso de los batallones formados por negros y el Coronel Robert Gould Shaw fue el encargado de crearlo y organizarlo. De las cartas y memorias del joven Coronel Shaw, se ha extraído el guión de esta película.

3) En su rodaje participaron más de 2.000 extras.

4) Cary Elwes, el amigo y ayudante de Matthew Broderick, es el temible pirata Robert de La princesa prometida. Broderick está casado en la actualidad con una de las protagonistas de la serie “Sexo en Nueva York”, Sarah Jessica Parker.

5) El fuerte Wagner, objetivo militar con el que culmina la película, nunca fue tomado por las tropas de la Unión.

6) Nominada a 5 Oscars, ganó 3: Mejor actor secundario (Denzel Washington), fotografía y sonido. Al recibir este Oscar, Denzel Washington se convirtió en el tercer actor negro en conseguir una estuilla. La primera fue Hattie McDaniel, a la mejor actriz de reparto por su entrañable papel de “Mammy” de Lo que el viento se llevó, en 1939. El segundo fue Sidney Poitier, esta vez como mejor actor principal por Los lirios del valle, en 1962. Pero Washington tiene además otro record, el de ser el único actor negro en recibir dos estatuillas, ésta por secundario y otra por actor principal en Training Day. Cuando recibió éste último, el actor se dirigió a la prensa de este modo: “Marquen ustedes la diferencia y no digan mañana que el Oscar lo ganó un actor negro, escriban sólo que lo ganó un actor”. Sidney Poitier también tiene dos estatuillas, pero la segunda fue un Oscar honorífico a toda una carrera, concedido en 2002.


7) Pequeña reseña sobre el 54º Regimiento:

El 54º Regimiento de voluntarios de Massachusetts fue el primer regimiento de soldados negros del ejército de los Estados Unidos. La película nos muestra su formación y reclutamiento, y su participación en el asalto a Fort Wagner en Carolina del Sur en 1863. Cuando este regimiento fue formado, se pretendió que sus hombres fueran la “cremé de la cremé” de la raza negra y por ello casi todos tenían estudios y sabían leer y escribir (algo que no muestra bien la película).

Inicialmente se le utilizó más como una unidad para trabajos que como una unidad de combate, sencillamente porque nadie creía que los soldados negros iban a combatir tan bien como los soldados blancos. De hecho, su primera “acción de combate” fue realizar un raid (acción de saqueo y rapiña sobre lugares ya abandonados o sin apenas defensa) sobre la ciudad de Darien el 11 de junio de 1863. Ése fue el origen del estereotipo de soldados negros quemando y saqueando ciudades blancas sureñas que luego se representaría en la película El nacimiento de una nación, de 1915. Este episodio también viene reflejado en esta película que ahora nos ocupa. El coronel Shaw solicitó que el 54º encabezara el asalto a Fuerte Wagner para "lavar" el honor de la unidad.

El fallido asalto a Fuerte Wagner le costó al 54º unas 281 bajas (54 muertos y 48 desaparecidos entre ellas) de un total de 600 soldados. Uno de sus miembros, el sargento Willian H. Carmey ganó la Medalla de Honor del Congreso en 1900 (37 años después) . La proeza de Carmey fue que, al tiempo que Shaw moría, recogió la bandera y la llevó hasta el parapeto. Recibió heridas en ambas piernas, el pecho y brazo derecho, pero pudo ser evacuado a la retaguardia donde dijo su famosa frase: “La vieja chica nunca tocó el suelo, chicos”.


COMENTARIO PROPIO

Relatada en forma de cartas del coronel Shaw (Matthew Broderick) a sus padres, al inicio de la película se nos informa de que esas cartas se conservan hoy en día en la biblioteca de la Universidad de Harvard. En realidad, es una película de guerra en la que quitando alguna escaramuza suelta y la gran batalla final, apenas hay guerra y, quizá, por eso me gusta a mí, que no soy amante de las bélicas. Es una película de sentimientos y emociones, de la lucha por la libertad individual y de toda una raza, que habla del honor, del orgullo, de la amistad y la camaradería, emotiva y, en muchos momentos, triste.

La película nos recrea los inicios de este regimiento que no cuenta con la simpatía de nadie, ni de la gente ni de las autoridades y, por supuesto, ningún oficial quiere estar al mando de él. Todos los oficiales eran blancos, por supuesto. Así que cuando a pesar de todo este regimiento se forma, todo son problemas.


No entro en si el Oscar a Denzel Washington fue justo o es que ya tocaba otro de estos premios a un actor de color, de color negro quiero decir y esta película era una buena candidata para ello, pero a mí me parece que en algunos momentos su actuación es un poco exagerada y desmedida, aunque en la escena en que le dan los latigazos y mira fijamente al coronel mientras se le caen silenciosas lágrimas, he de decir que yo también me acongojé un poco. Sin embargo, personalmente le habría dado el Oscar a Morgan Freeman, pero sin ninguna duda, vaya, porque está realmente espléndido, perfecto, como siempre, y mira, también era un actor negro. Lo que pasa es que por esta película Freeman no estaba nominado, sí lo estaba como actor principal por Paseando a Miss Daisy, pero aquel año en esa categoría se llevó el gato al agua Daniel Day-Lewis por Mi pie izquierdo. Volviendo a la que nos ocupa, me encanta la escena en que Freeman pone en su lugar a Denzel Washington, que recrea un personaje bastante insoportable al principio, y acaba diciéndole “El único negro que hay aquí eres tú”.

Otro momento que me emocionó es al final, cuando el regimiento se dirige a tomar el fuerte, que prácticamente va a ser un ataque suicida. Durante un momento de la película, unos soldados blancos regresan hechos polvos de una batalla y les recriminan a los negros que ellos nunca pelean, que sólo cavan las letrinas y entonces se organiza una trifulca entre ellos. Pues bien, cuando se encaminan hacia ese fuerte en medio de un silencio sepulcral, ese soldado blanco que se peleó con ellos les grita: “¡A por ellos, 54!”, y a mí se me hizo un nudo en la garganta.


Personalmente me gustó mucho la relación de antes-después que se establece entre los dos oficiales blancos y su amigo negro, cuando este regimiento aún no existe, y la que hay luego, cuando los tres ya están enrolados en él, pero las circunstancias son distintas.

En fin que, como decía al principio, ésta es una película de sentimientos, con algo de acción, y un pequeño gesto de desagravio hacia la gente de color, de color negro. Puede que no sea una obra maestra, pero a mí me parece una buena película, me gusta cuando la veo y verla al menos una vez me parece que merece la pena.

A los que os animéis a ver esta película, que la disfrutéis.    :guiñar

FICHA TÉCNICA

Título Original: Dragon Seed
Año: 1944
Nacionalidad: EE. UU.
Dirección: Jack Conway y Harold S. Bucquet
Intérpretes: Katharine Hepburn, Walter Huston, Akim Tamiroff, Turhan Bey, Aline MacMahon, Agnes Moorehead, Hurd Hatfield
Guión: Jane Murfin
Música: Herbert Stothart
Fotografía: Sidney Wagner
Productora: MGM
Duración: 145 minutos


ANÉCDOTAS Y/O CURIOSIDADES

1) Otro cartel de la película:

2) El guión está basado en una obra de igual título de Pealr S. Buck.

3) Los lugares de rodaje de la película fueron Chinatown y en el Rancho de John Show, en Woodland Hills (ambos en Los Angeles, California) y en los estudios de la Metro-Goldwyn-Mayer (Culver City, California).

4) La actriz Alline MacMahon. que hace el papel de la matriarca de la familia, fue nominada al Oscar como mejor actriz de reparto. También la fotografía en blanco y negro fue nominada. Pero la película no ganó ninguna estatuilla.

5) La película no tuvo excesivo éxito, pero resulta toda una curiosidad sólo por ver a todo un reparto occidental haciendo de chino y a un montón de actores chinos haciendo de japoneses.

6) Pequeña reseña sobre PEARL S. BUCK (1892-1973):

Escritora estadounidense conocida por el apellido de uno de sus maridos ya que su apellido de soltera era Sydenstricker.

Sus padres eran misioneros y llevaron a China a la pequeña cuando sólo tenía 3 meses de vida. Residió allí los 40 años de edad y eso la hace gran conocedora del carácter chino, tema que refleja muy bien en sus obras, mostrando con gran sensibilidad y profundidad sus formas de vida y sus tradiciones milenarias.

En 1932 ganó el prestigioso premio Pulitzer con una de su obras más emblemáticas, “La buena tierra”, y en 1938 obtuvo el Premio Nobel de Literatura, convirtiéndose en la primera mujer norteamericana en lograr semejante galardón.

Algunas de sus obras más relevantes son: Bambú, El Ultimo Gran Amor, La Buena Tierra, La Estirpe Del Dragon, La Madre, Las Tres Hijas De Madame Liang o Viento Del Este Viento Del Oeste. Dos de ellas fueron adaptadas al cine, La buena tierra en 1937 y La estirpe del dragón en 1944, con dispar suerte. Mientras la primera conseguía bastante éxito y reconocimiento, así como el Oscar para la mejor actriz y para la mejor fotografía en blanco y negro, la segunda tuvo unas críticas no muy buenas, no demasiado éxito comercial y de público y una trayectoria bastante discreta.


SINOPSIS Y COMENTARIO PROPIO

Estirpe del dragón se centra en una familia china en el ámbito rural que, un tanto aislada del resto del país y, sobre todo, del mundo, conserva sus tradiciones ancestrales, heredadas y transmitidas de padres a hijos. Y ello sucede en los años inmediatamente anteriores a la 2ª Guerra Mundial, cuando Japón decide invadir China, por lo que la llegada del invasor rompe la rutina cotidiana de esta gente humilde y pacífica, al tiempo que siembra todo a su paso de destrucción, miseria, miedo y hambre.

Mal etiquetada en muchos sitios como película bélica, en mi modesta opinión es un drama con todas las de la ley que, eso sí, transcurre metido de lleno en una contienda bélica, en el momento de la invasión de China por parte de los japoneses que en 1931 tomaron el noreste de China y en 1937 iniciaron la invasión del sur. En esta segunda oleada bélica es cuando transcurre la película, con la inminente caída de la ciudad china de Nanjing, que fue unos de los peores episodios de esta contienda, en la que los soldados nipones realizaron una frenética masacre, con matanzas, violaciones, saqueos y demás atrocidades, y en la que murieron más de 300.000 personas y más de 20.000 mujeres fueros víctimas de abusos sexuales.

Tiene esta película, por otro lado no demasiado conocida, dos cosas que sobresalen del resto de manera poderosa. Una es buenísima, la otra realmente nefasta. Empezaré por la mala.

Lo peor que tiene la película es un horroroso casting. La mayoría de los personajes que, por supuesto, son chinos, están interpretados por actores de rostro occidental, como Walter Houston o Katharine Hepburn, lo que hace que todos ellos aparezcan con los ojos deformados de forma antinatural para que parezcan ojos asiáticos. Algo tan visible y ridículo que resulta cómico, lo cual es una losa para una obra que nos presenta un auténtico drama. Unos salen mejor parados que otros, claro, pero no se libra ni una gran actriz como la Hepburn que, seguramente molesta por esas tiranteces en sus párpados, no consigue ofrecer un trabajo a la altura de su talento, excepto esporádicamente, en las escenas finales, y ya entonces es tarde.

Por el contrario, como ya apunté en las curiosidades, todo el metraje está lleno de rostros orientales, la mayoría de ellos chinos que o bien hacen de extras o, lo peor, ¡hacen de japoneses! En serio, un auténtico despropósito.


¿Cuál es la parte buena de esta película entonces? Pues que está basada en un gran relato de una gran escritora, lo que hace que la película nos presente una gran historia, emotiva, llena de matices sobre la condición humana, con unos personajes consistentes, reales y llenos de humanidad, que consiguen hacernos llegar al corazón su humilde existencia y el trastorno en sus vidas que supone algo para lo que no están preparados y que no saben cómo combatir.

Los habitantes del valle en el que transcurre la historia son campesinos, gente humilde y sencilla que se sienten felices con su existencia porque, sin ser ricos, no son pobres, y la fértil tierra del valle les proporciona todo lo que necesitan y les hace tener los estómagos llenos.

Evidentemente, al estar hablando de la sociedad china y encima la sociedad rural, no os extrañéis de ver machismo rezumando por todas partes. Estamos hablando de una sociedad donde la mujer es considerada netamente inferior al hombre, que tiene que caminar unos metros tras su esposo no junto a él, que está en el mundo para cuidar la casa y a los hombres, y para traer niños al mundo. Sin embargo, ese mismo aspecto es totalmente imprescindible para evidenciar el contraste que suponen esos personajes que no se ajustan a la norma, que intentan flexibilizar las tradiciones, que ven las cosas y el mundo de otro modo. La adaptación que el guión realiza de la novela se ajusta bastante en este sentido a lo narrado por S. Buck, que era una gran conocedora de la cultura y tradición china.



Que la película se rodará en plena 2ª Guerra Mundial, cuando los Estados Unidos ya habían entrado en ella tras el bombardeo de Pearl Harbor en 1941, proporcionó la excusa perfecta para presentar a los japoneses como los malos de esta historia, sin ir muy desencaminados porque aún hoy en día se producen incidentes diplomáticos entre los dos países, ya que en algunos lugares de China no han olvidado ni por asomo lo que por allí hicieron los japoneses y cómo trataron a la gente, a la que ni siquiera consideraban eso, gente, si no menos que perros.

Cuesta un poco acostumbrarse a esos ojos deformados que ves por todas partes en los actores del reparto. De hecho, al principio no se consigue, o a mí me pasó, y te cuesta entrar en la historia porque estás distraído con esto. Pero si lo consigues, cuando uno logra abstraerse de ello, no tardas en darte cuenta de que estás a punto de ver una gran historia. Una voz en off nos relata algunas partes, de forma puntual, para avanzar en el relato, y es que es imposible condensar en el metraje de una película el maravilloso universo que nos muestra la autora en su novela que, ya de paso, aprovecho para recomendaros su lectura.

La vida de esta sencilla gente, sus relaciones familiares y de amistad, sus costumbres se nos muestran de un modo tranquilo y relajado, como su propia vida. Con la llegada de los japoneses al valle, la intensidad del drama crece de modo exponencial. Personalmente, algunas escenas que se producen en la granja de nuestra familia me pusieron el corazón en un puño, más por lo que imaginas que por lo que ves. Asistimos al cambio que se produce en varios de los componentes de esta familia y a la firmeza de convicciones que muestran otros. Se despliegan ante nuestros ojos un montón de sentimientos que todos podemos reconocer fácilmente, el dolor por la pérdida de un ser querido, la ira contra el cruel invasor, la envidia, el amor por la tierra y la familia, la venganza, la traición…

Respecto a los actores, comentar que aunque Katharine Hepburn es el nombre que sale en primer lugar en los títulos de crédito y aún siendo el suyo un personaje importantísimo en el relato, quien se lleva el gato al agua es la pareja formada por Walter Houston y Aline MacMahon, que realizan un trabajo extraordinario. Suya es la película, aunque el resto de los actores están francamente bien. ¡Lástima, de nuevo, esos ojos deformados! Aunque si os digo la verdad, cuando consigues meterte de lleno en lo que se narra, casi hasta se te olvidan los ojos rasgados. Bueno, menos los de la Hepburn, que ésos no hay manera. ¡Qué cara más rara le hacen, por dios!


Y, como corresponde a un gran relato y, a pesar de los pesares, también a una gran película, Estirpe de dragón tiene una gran final, o mejor aún, dos grandes finales, uno épico y otro emotivo.

A los que os animéis a ver esta película, que la disfrutéis.   :guiñar

FICHA TÉCNICA

Título Original: The World in His Arms
Año: 1952
Nacionalidad: Estados Unidos
Dirección: Raoul Walsh
Intérpretes: Gregory Peck, Anthony Quinn, Ann Blyth, John McIntire, Andrea King, Carl Esmond, Eugenie Leontovich
Guión: Borden Chase
Música: Frank Skinner
Fotografía: Russell Metty
Productora: Universal Pictures
Duración: 104 minutos



ANÉCDOTAS Y/O CURIOSIDADES

1) Otros carteles de la película:



2) El guión está basado en una novela de Rex Beach.

3) Está fue la segunda colaboración de Gregory Peck y Raoul Walsh. Un año antes ambos habían presentado una película que en España se llamó El hidalgo de los mares, de calidad bastante inferior a la que nos ocupa.


SINOPSIS Y COMENTARIO PROPIO

La historia se inicia en 1850, unos años antes de producirse la compra de Alaska por los Estados Unidos a los rusos el 30 de marzo de 1867. Esa compra es el sueño del capitán Johnathan Clark (Gregory Peck), que intenta conseguir los 10 millones de dólares que necesitaría para hacerlo. Ha fondeado su barco, la goleta “La peregrina” (Pilgrim) en la bahía de San Francisco, cargado de pieles de focas, burlando una vez más a los rusos que han puesto precio a su cabeza y lo consideran un pirata.

A Clark se le conoce como “El hombre de Boston”, aunque él en realidad es de Salem. Nada más llegar a puerto, tiene que ir a liberar a los hombres de su tripulación, que han sido… “requisados” por “El portugués”, un Anthony Quinn en uno de esos papeles pintorescos que él bordaba.

Por otro lado está la condesa rusa Marina Selanova (Ann Blyth), que necesita salir de San Francisco a toda prisa para eludir un matrimonio concertado por el propio zar con su sobrino, al que ella odia, y pretende llegar a la ciudad de Sitka, en Alaska, cuyo gobernador es su tío, para pedirle ayuda contra ese matrimonio. Uno de sus ayudante ha contratado a “el portugués”, pero como éste no tenía tripulación, tuvo que secuestrar a la de “La peregrina”, de ahí que el capitán Clark tenga que liberar a sus hombres nada más empezar la película.


Y así, a los 3-4 minutos de película asistimos a la primera pelea. Ah, claro, es que ésta es una película de acción y aventuras, ¿no? Pues no, en realidad no lo es o, al menos, no del todo.

He leído por ahí comentarios sobre esta película definiéndola como una obra maestra o como una de las mejores películas de aventuras jamás rodada. Luego ves a Peck y a Quinn con esos atuendos, al director de Murieron con las botas puestas, Raoul Walsh, al mando, al autor del guión de Horizontes lejanos, Borden Chase, en el equipo, y lees un poco de qué va y, claro, uno piensa que es de aventuras. Pues yo disiento, no estoy de acuerdo en absoluto. Gran parte de la película no tiene ninguna acción ni aventura y es, simplemente, una película romántica.

Quizá ése sea el principal problema de la película, que Walsh navega entre el género de aventuras y el romántico sin tener muy claro con cual quedarse, y así va dando tumbos del uno al otro, haciendo las transiciones un tanto bruscas, con lo que consigue que uno nunca llegue a meterse de lleno en la historia. Vamos, que podríamos decir que es una película romántica con toques de aventura, o una de aventuras con una gran parte romántica.

La banda sonora no es precisamente la principal virtud de esta película, pero cuando suena música con aires rusos a mí me gusta. Tampoco los decorados son una maravilla y en muchas escenas se nota el cartón-piedra a la legua o el fondo de pantalla delante del cual los actores realizan su trabajo. En cambio el vestuario sí que está bastante cuidado.

Los personajes son bastante arquetípicos. El lobo de mar honrado a su manera, alegre, fuerte y decidido, que siempre consigue lo que se propone a base de tenacidad que representa Peck tiene su contrapunto en el tramposo y marrullero Quinn, ladrón pero simpático. La chica es eso, la chica de la película. Y el personaje al que me parece que no se le saca todo el partido que podría tener es al del pintoresco esquimal y sus “voy-voy”, que con un poquito más de interés podría haber proporcionado secuencias mucho más divertidas. Todo el reparto está correcto, sin más, así que no esperéis grandes interpretaciones ni diálogos de leyenda.


Tal como os la estoy poniendo pudiera parecer que la película es un bodrio. No, no lo es. Es sólo que, siempre bajo mi punta de vista, a la película le falta… “algo”, no sé exactamente qué, pero ese algo que tienen otras obras que las hace grandes, que las hace únicas. Y a mí en ésta me falta ese “algo”. No obstante, también tiene un montón de cosas buenas: personajes pintorescos, amor y aventura, mensaje ecologista sobre las focas mucho antes de que Brigitte Bardot se convirtiera en la abanderada mundial del tema, y el detalle de incluir imágenes reales de un documental de lugares de cría de focas como si fuera parte de la película, con los personajes pululando por ahí. Cierto que mirando esas imágenes hoy en día “cantan” un poco, pero es que no olvidéis que la película tiene ¡casi 60 años!

Como escenas resaltaría el original pulso entre cuchillos que se marcan Peck y Quinn y, sobre todo, la carrera de las goletas en mar abierto que nos ofrece unas imágenes preciosas. Además, los momentos finales son intensos y trepidantes, como está “mandao”, que es lo que todo el mundo espera en este tipo de películas.

Como curiosidad os voy a poner un par de imágenes para que vosotros mismos juzguéis.
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Quizá son esos comentarios exagerados sobre ella lo que le hace un flaco favor porque uno se espera mucho más y al final puede quedar decepcionado. Pero si se mira como lo que es, una de aquellas entrañables películas de antes que ya tiene más de medio siglo de antigüedad, nos encontraremos con una buena película, que no sólo tiene un título bonito si no que además está entretenida y que es una buena opción para uno de esos ratos tontos en los que no se tiene nada que hacer. Y además tiene una ventaja añadida: ¡Qué bonitas son las películas en Technicolor!

A los que os animéis a ver esta película, que la disfrutéis.   :guiñar