Es un despliegue audiovisual hipnótico, ha subido un par de escalones respecto a su predecesora. La animación es espectacular y se agradece que hayan prescindido del uso de canciones licenciadas casi en su totalidad y hayan dejado que Brian Tyler se divierta haciendo un recorrido por todas las bandas sonoras de los videojuegos de Super Mario, convirtiendo su banda sonora en un homenaje precioso al trabajo de Koji Kondo. Solo con esto, con un gran reparto de voces y con multitud de easter eggs en forma de sonidos o detalles ya se hace entretenida, pero no hay mucho más positivo que destacar.

Quiere abarcar mucho más de lo que puede en sus 90 minutos. Con todo lo que quiere contar, debería durar al menos una hora más. Mario, Luigi y compañía visitan el espacio por primera vez en su vida y la sensación de descubrimiento es nula. Se pasean por planetas que nunca han visitado como si hubiesen estado ahí más veces. Son una sucesión de escenas sin ningún peso porque no existe desarrollo alguno. Se atisba un intento de hacer que Peach sea más protagonista que Mario por su historia con Estela, pero se queda en un par de escenas muy vagas. Desperdiciar así las sensaciones mágicas que despierta Super Mario Galaxy al jugarlo, duele.

En general, la sensación al verla es de estar ante un desfile de colores, efectos de luz y persecuciones/huidas (marca de la casa de Illumination cuando no saben que hacer) que está desesperado para que centres tu atención en eso y no en la absoluta vacuidad y dejadez en el resto de elementos que componen la película. La anterior no era perfecta pero al menos era una película.

De momento, la adaptación a imagen real de los 90 sigue siendo la mejor película (y peor adaptación) de Super Mario Bros hasta la fecha.

Muchas gracias gente! Se disfrutó y se celebró yendo a ver un par de películas con colegas al cine 

Para los que nos gusta el cine de este tipo es una gozada. Va a lo que va, y se agradecería un final más arriesgado para acabar de redondear la propuesta, pero es una idea sencilla mucho mejor ejecutada de lo que debería (viendo la media en este tipo de películas) y tratada con más cariño de lo habitual.

El chimpancé Ben es la estrella absoluta. El actor colombiano Miguel Torres Umba es el encargado de darle vida y hace un trabajo formidable. Un CGI más que correcto para el presupuesto que maneja esta producción complementa perfectamente los efectos especiales prácticos.

Palidece de lo típico de estas películas. Personajes anodinos con tramas dramáticas irrelevantes. Solo importan los asesinatos de Ben y en ese aspecto la película es brutal en el sentido más literal de la palabra. Johannes Roberts no es un director perfecto, pero entre esta y 'A 47 metros' me ha demostrado que es capaz de hacer interesantes películas que de normal serían carne de The Asylum, y lo consigue simplificando todo pero engrandeciendo lo que de verdad le importa al público de películas como 'Primate'.

6,5/10

'Los Domingos' es la mejor película del año, no acabo de entender como no ha entrado entre las escogidas para pelear por mejor película de la copa.

Creo que ninguna es de las mejores películas del año, pero al menos 'Weapons' intenta aportar algo fresco al género.

Mi voto va para 'Better Man'.

He visto tres y entiendo que al ser de anime es más de nicho, pero no me entra en la cabeza que haya entrado antes la de los Looney Tunes que la película de Chainsaw Man 

Entre las tres que he visto, me quedo con Flow.

Es una película que habla de la homosexualidad desde un punto de vista poco común: el de la tercera edad. No son pocas las películas que existen sobre homosexuales reprimidos que han estado media vida viviendo desde la heterosexualidad por miedo a dejar atrás lo que han construido todo ese tiempo, pero lo diferencial en 'Maspalomas' es la edad del protagonista y la desnudez (literal y figuradamente) con la que habla del tema.

Se refleja muy bien todo ese tiempo que ha estado reprimido con la vida de excesos que lleva en su extenso prólogo. Desde el inicio en esa zona de cruising que está representada como una especie de oasis en el desierto hasta su paseo por la zona de discotecas que me ha recordado un poquito a cierto momento de 'Irreversible' de Gaspar Noé.

Después de este prólogo, la película cambia su tono por algo más sensible y dramático que acaba siendo el núcleo del film, donde se exploran en profundidad y con matices temas como la vejez o los remordimientos.

Spoiler

Lo que me parece más interesante es como la película no juzga al protagonista y deja espacio para que sea el espectador quien ejerza ese juicio si le apetece. Abandonó a su familia, si, aunque lo hizo para ser él mismo y liberarse de esa heterosexualidad (forzada seguramente por los prejuicios de la época). Deja cierto margen para que podamos empatizar con él, aunque también pensemos que se equivocó. En resumen, es un personaje humano, gris, lo cual le hace mucho más interesante. De haber sido una película en plan "pobrecito el abuelito gay" habría sido terrible seguramente.

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Por otro lado:

Spoiler

Al igual que Calde, para mi el momento en el que celebran el año nuevo y es 2020 fue un giro sorprendente que se notó en la sala de cine. Debe ser de las primeras películas que veo donde se trata el tema de la pandemia sin que sea lo más importante del conjunto. Por un momento llegué a pensar que de repente podían desvelarnos que la residencia estaba ubicada en Madrid y convertirse en una película de terror, algo que habría sido sorprendente, pero por suerte la película continuó por el camino que llevaba recorriendo el resto de metraje y trata el tema con sensibilidad.

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En líneas generales es una buena película que trata un tema delicado con acierto y sobre todo con la suficiente profundidad como para ofrecer matices que enriquecen la historia y que la alejan de las feel good movies u otras producciones del estilo que buscan la pornografía emocional.

'Bugonia' me pareció mucho mejor, mucho más sólida. Creo que 'Weapons' está curiosa y es una propuesta hasta cierto punto original, pero no sobrevive al hype que ella misma crea durante toda su primera parte.

Hablar de 'Chainsaw Man' significa hablar de uno de los mangas más exitosos, virales y extravagantes de la historia reciente del medio. La obra de Tatsuki Fujimoto reduce al absurdo la premisa habitual de los shonen en la que vemos a un protagonista masculino humilde y moralmente impecable recibir un don con el que podrá vencer al villano de la función y salvar el mundo, presentándonos a Denji, un chaval huérfano ahogado por deudas con la yakuza que después de recibir ese poder se convertirá en un cazademonios a las ordenes de su jefa, Makima, y mirará única y exclusivamente por salvar su propio culo y por su gran objetivo en la vida: tocar unas tetas.

Lo sé; suena ridículo. De hecho, es ridículo y fácil de malinterpretar, pudiendo desplazar injustamente a 'Chainsaw Man' a la larga lista de animes donde se sexualiza a la mujer hasta el infinito y se blanquea al incel de turno. Pero este enfoque paródico de los estereotipos de los animes es usado para dar profundidad a Denji, para desmarcarlo de los protagonistas básicos y crear un personaje falto de afecto, complejo e irreverente al que veremos crecer como ser humano a través de su despertar sexual.

En 2022 se hizo una adaptación al anime, para ser más específico, de los primeros arcos argumentales del manga. El estudio de animación MAPPA y el director Ryu Nakayama comprendieron perfectamente qué es lo que hace especial el trabajo de Tatsuki Fujimoto. Su impresionante habilidad para conectar lo grotesco de ver cómo a un hombre que le crecen unas motosierras por el cuerpo se pelea contra otro al que le crecen katanas y la sensibilidad para desarrollar el componente humanista de la trama fue adaptada a la perfección. Es una adaptación fantástica, con una animación que mezcla técnica tradicional, rotoscopia, CGI y entornos realistas, poco habitual en el anime. No gustó a todos este estilo, pero el acabado audiovisual del anime es un espectáculo para los sentidos.

Todo este contexto es importante por un motivo. Al igual que hizo el estudio Ufotable en 'Guardianes de la noche' con 'El tren infinito' y 'La fortaleza infinita', MAPPA ha decidido continuar la historia a través de una película. 'Chainsaw Man - La película: El arco de Reze' adapta uno de los arcos argumentales menos importantes para la historia de la serie, uno de esos que podría considerarse de relleno por dejar apartada la trama principal y contar una historia más o menos autoconclusiva, pero al mismo tiempo es un arco importantísimo para nutrir al lado más humano de Denji y seguir construyendo a ese enigmático personaje que es Makima.

La aparición de Reze, el nuevo interés romántico de nuestro protagonista, pone patas arriba todo su mundo. El director Tatsuya Yoshihara y todo su equipo de animadores se encargan de convertir esta parte de la película en lo mejor de todo 'Chainsaw Man' hasta ahora, otorgándole una narrativa llena de detalles (es increíble lo que puede dar de si una simple margarita), dirigida con mucha sensibilidad y contrastando esta relación (afectiva, cariñosa, divertida) con el resto de relaciones que tiene Denji. Esta narración intimista explota del todo en una preciosa escena que tiene lugar en una piscina, bañada por la maravillosa composición de Kensuke Ushio, donde vemos a Denji en su momento más feliz hasta ahora, descubriendo la felicidad y el afecto que puede aportar otra persona cuando todo es reciproco.

Precisamente, lo que diferencia a 'Chainsaw Man' de otros shonen (me vale como ejemplo 'Guardianes de la noche'), es que la acción está en un segundo plano. Sus personajes, lo que sienten y su porvenir están por delante. Hay un gran trabajo de anticipación (desde el propio opening) al espectador, de enseñarle detalles o imágenes aparentemente insignificantes que cobrarán importancia (como los que nos hemos leído el manga sabemos) en un futuro. En el anime actual, donde la sobreexposición es muy habitual (y no es que 'Chainsaw Man' se libre del todo), Tatsuya Yoshihara decide hablar a través de las imágenes y no tanto de las palabras. En la línea de lo que vimos en 'Look Back' de Kiyotaka Oshiyama, que también adapta una obra de Tatsuki Fujimoto.

Pero en ningún caso esto quiere decir que cuando llega la hora de las tortas la película decaiga. Hay algo de saturación entre todos los elementos que confluyen en las escenas de acción, y todo es tan excesivo y frenético que a veces cuesta ver que es lo que está pasando. Fuera de estos dos detalles, solo queda hacer una cosa: sentarse en la butaca y disfrutar. Locura, frenetismo y emotividad se dan la mano en una lucha absolutamente espectacular en la que se mezclan diferentes estilos de animación tradicional, paletas de colores e incluso un jugueteo cómico con el sonido, convirtiendo en una experiencia única ver como el hombre motosierra, subido al hombre tiburón, se pega con una chica bomba. No conozco ninguna película que pueda ofrecerte eso.

Nota: 8,0

Esas cosas se hacían antes. En 'Scream' vendían que la protagonista era Drew Barrymore cuando no duraba ni 15 minutos en la película. Es una pena que ahora la gente esté obsesionada con saberlo absolutamente todo antes de sentarse a ver una película en el cine. Por eso se agradecen campañas como la de 'Weapons' o 'Shelby Oaks', que son más sugerentes.

En cuanto a 'Gremlins', me parece una película muy cuca y gamberra al mismo tiempo, reflejando la dualidad entre Gizmo y los Gremlins en la propia película, pero yo siempre he sido más de la segunda parte que tiene mucha más mala leche y se le ve más suelto a Joe Dante.

Allá por 2021, después de haber sido un fenómeno de masas en Japón (sigue siendo la película más taquillera de la historia del país nipón), se estrenaba en España 'Guardianes de la noche: Tren infinito'. Era la continuación del anime de mismo nombre, que ya tenía una base de fans en España lo suficientemente grande para que fuese un éxito modesto en taquilla y todo un evento para los que estamos dentro del mundillo manganime. Han pasado unos cuatro años que se podrían resumir en tres temporadas más del anime, varias películas recopilatorias (que vamos a obviar porque no aportan nada; tan solo seguir explotando la gallina de los huevos de oro) y un aumento exponencial de seguidores de la serie suficientemente grande para que el fenómeno haya pasado de nacional a internacional.

'Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba La Fortaleza Infinita' es el inicio del fin para una de las series anime más exitosas y vistas de la historia. No es una película que pueda o deba ver cualquiera, y no es amigable con aquellos que no lleven la serie al día, ya que es totalmente dependiente de lo sucedido anteriormente. Es la primera parte de una trilogía que pondrá punto y final a la historia de Tanjiro y su hermana Nezuko, que llevamos siguiendo desde 2019, algunos a través de plataformas de streaming y otros a través de métodos innombrables. Es curioso ver cómo se ha creado el gran evento cinematográfico del año sin que la serie de donde viene la película se emita en televisión o haya una gran promoción fuera de internet.

Una vez que la serie ha acabado (al menos en su formato episódico), uno puede sacar varias conclusiones para reflexionar, porque este anime sí ha conseguido llegar donde prácticamente ningún otro lo ha conseguido. 'Guardianes de la noche' es una serie que lo tiene todo para enganchar a cualquiera, para abrirle las puertas del anime al espectador más convencional que te puedas imaginar. Es lo suficientemente ligera para ver un episodio tras otro sin que se te llegue a atragantar, y es divertida pero tiene un núcleo dramático muy fuerte, tanto que consigue hacerte empatizar con héroes pero también villanos. En general, con personajes que buscan la redención o que terminan encontrándola sin buscarlo Si a eso le sumas que, en muchos momentos, es un espectáculo audiovisual difícil de igualar, con una estética muy llamativa y una animación absolutamente espectacular, tienes un "fan favourite" de manual.

Todo eso es lo que uno espera encontrar en 'Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba La Fortaleza Infinita', y es exactamente lo que encuentra. Pedir un cambio de rumbo o una revolución a estas alturas sería muy estúpido. Es una secuela absolutamente continuista, manteniendo a Haruo Sotozaki como director (involucrado en la serie a tiempo completo desde su inicio), a Yuki Kajiura y Go Shiina como encargados de la banda sonora (se repiten muchos temas escuchados en la serie) y al estudio de animación Ufotable haciendo de nuevo un magnífico trabajo dándole vida a las viñetas de su creadora, Koyoharu Gotoge. Cuando algo funciona, ¿para qué cambiarlo?

No voy a entrar en spoilers ni voy a desvelar demasiados detalles de la trama. Tan solo decir que la historia está en ese punto, cercano al final, donde lo que toca es ir cerrando arcos de personajes e intentar crear los mínimos nuevos interrogantes posibles. Aunque vaya a estar dividido en tres películas de 160 minutos, sigue siendo un clímax que promete ser un auténtico espectáculo y que, en esta primera parte, ha cumplido con creces esa promesa.

El castillo infinito en el que sucede todo es una idea espectacular para ser el escenario de una batalla final épica. Las características del lugar hacen que los caza demonios acaben separados, lo que es un problema para ellos pero un recurso inteligente para que tengan su propio espacio en el que desarrollar su historia sin obstáculos y teniendo sentido dentro de la película. Las batallas, impresionantes, se verán entremezcladas con cúlmenes dramáticos que convierten los duelos entre cazadores y demonios mucho más viscerales y emocionantes. Sus casi dos horas y media de duración se pasan volando porque todos los elementos fluyen y esos duelos anteriormente mencionados son constantes.

No paran de pasar cosas. Todo el tiempo, hasta el punto de llegar a ser algo abrumador. También hay pequeños problemas de ritmo que podría achacar a la poca experiencia de Ufotable haciendo películas tan largas. Hay demasiados fundidos a negro que denotan problemas a la hora de transicionar entre algunos momentos, y llegado a cierto punto del clímax insertan un flashback que, si bien es necesario para darle una tercera dimensión a cierto personaje y es de lo mejor que tiene la película, se siente como una interrupción a una batalla que estaba siendo vibrante.

Pequeños detalles que sumados a los problemas que arrastra de la serie (principalmente, una historia excesivamente sencilla y típica) hacen que 'Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba La Fortaleza Infinita' no termine de volarme la cabeza en lo argumental (es sólida, no brillante) pero sí en lo audiovisual. Se acaban las palabras para definir el grandioso trabajo de Ufotable en el apartado visual de esta película, con un detalle muy constante en el dibujo (poco habitual en el anime actual) y un dinamismo en su animación que te deja pegado a la butaca como quien está admirando una obra de arte. Solo para poder apreciar este trabajo, sinceramente, creo que hace falta verla un par de veces. Para los seguidores de los shonen, este es una nueva cumbre que seguramente solo Ufotable sea capaz de superar.

Los que hayan llegado hasta este punto de la serie no tienen nada que temer con 'Guardianes de la noche: Kimetsu no Yaiba La Fortaleza Infinita'. Saldrán satisfechos de la sala de cine, saldrán con la sensación de haber rentabilizado cada euro del precio de la entrada y, lo que es más importante, saldrán con ganas de ver la segunda parte inmediatamente. Los que hayan llegado hasta este punto de la crítica sin haber visto la serie, no sé a qué esperáis. Aunque sea únicamente por disfrutar de este espectacular final en pantalla grande, vale la pena ponerse al día.

Nota: 7,0

Ari Aster es un provocador nato, un enfant terrible. Desde sus cortos ('The Strange Thing About the Johnsons' o 'Munchausen') ya se notaba que en su cine no hay lugar para medias tintas. El famoso poste de 'Hereditary' o las casi tres horas de duración de 'Midsommar' eran signos de su atrevimiento incluso en dos producciones que eran bastante contenidas viendo lo que hizo antes y sobre todo viendo lo que ha hecho después. 'Beau tiene miedo' es una de las películas más locas, enfermizas, excesivas y extravagantes del mainstream en los últimos años, haciendo gala de un ácido sentido del humor que era prácticamente inexistente en sus dos primeros largometrajes, pero dejaba clara una cosa: Ari Aster es un cachondo muy retorcido. Un cachondo que, a veces, se cree más gracioso de lo que es. Por eso daba algo de miedo enfrentarse a su película más política hasta la fecha.

'Eddington' está situada en 2020, en plena cuarentena por culpa del COVID-19. No al inicio o al final, donde entre la incertidumbre y el saber que el fin de nuestro cierre estaba cerca el tiempo pasaba rápido, sino en esos meses valle donde nació la nueva normalidad (mascarillas, entradas controladas en supermercados, toque de queda y demás) y la tensión entre la gente normal y los negacionistas iba en aumento. Ari Aster aprovecha esta hostilidad para darle fuerza a su sátira (quizá demasiado reciente para apreciarla correctamente) sobre los bandos políticos y sociales que se crearon durante el COVID y cómo estos aprovechaban la situación según les convenía.

Curiosamente, el punto de vista de la película es el de un sheriff (gran trabajo de Joaquin Phoenix) que, si bien no llega a ser negacionista, sí está en contra de la mayoría de imposiciones a las que se ve sometido su pueblo por culpa del COVID-19. Su contrapunto es el alcalde del pueblo (breve pero acertado Pedro Pascal), que quiere seguir a rajatabla todas esas normas mientras trata de sacar adelante la construcción de un centro de datos para una gran corporación (una imitación de Amazon). Parece que la película trata de ser equidistante, pero lo que consigue es algo mucho más complejo, haciéndonos empatizar con un personaje que, de haberlo visto en un vídeo por redes sociales, seguramente nos hubiésemos reído de él.

Dentro de sus excesos, de su poco tacto y sutileza, de su sátira de brocha gorda, Ari Aster consigue equilibrar la balanza de grises para crear a dos personajes protagonistas que van más allá de que el sheriff sea malo y el alcalde bueno. Como se menciona en la propia película, dejando de lado ideologías, todos somos seres humanos y somos más complejos como para definirnos únicamente por si estamos de un bando o de otro. Claro que el director deja claro su posición política y en ningún caso quiere que pensemos que es pro-Trump, pero igual que ridiculiza al sector republicano más extremista hace lo mismo con su símil demócrata, retratando a manifestantes de pega que solo buscan llamar la atención de la chica que le gusta o a un alcalde que exige la distancia de seguridad a los ciudadanos pero luego monta una fiesta multitudinaria en su casa (con "Fireworks" de Katy Perry, una de las grandes estrellas de la película). La idiotez humana y el egoísmo es lo que realmente le interesa transmitir al espectador, no otra pelea más entre fascistas y socialistas.

'Eddington' dispara en diferentes direcciones, no lo hace unilateralmente, y eso la acaba lastrando. Fuera del conflicto principal de la película y de esa rivalidad entre el sheriff y el alcalde, Aster abre muchas puertas en forma de personajes y tramas secundarias con un punto de partida muy jugoso que luego no es capaz de cerrar de forma contundente o acertada. En líneas generales, el último acto hace descarrilar un conjunto global que, en algún momento, coge la forma de una gran sátira sobre Estados Unidos y el mundo en general. El afán por hacerse el gracioso de Ari Aster y la carta blanca que le dio A24 después de 'Hereditary' y 'Midsommar' hacen que 'Eddington' no sea redonda, pero sí una apreciable y muy divertida radiografía del mundo en 2020 que no dejará indiferente a nadie.

Aunque, tal y como va el mundo, no tardará en verse como una sátira descafeinada.

Nota: 6,0

Las adaptaciones de videojuegos al cine siempre han centrado todos sus esfuerzos en adaptar el lenguaje del videojuego al cinematográfico, en lugar de intentar hacer una traslación de la experiencia que tiene el jugador al encender la consola y ponerse a los mandos de 'Prince of Persia', 'Super Mario Bros.' o 'Five Nights at Fredy'. En estos tres ejemplos la adaptación es una mera excusa para coger una licencia de éxito y hacer lo que te dé la gana con ella con tal de que se asemeje lo máximo posible a una película, en la gran mayoría de casos, muy olvidable por aquellos que no son fans del material original.

Ha habido algunos casos en los que, indiferentemente de si son buenas o malas películas, han conseguido acercarse a replicar esa experiencia. 'Mortal Kombat', de Paul W.S Anderson, o 'Tekken', de Dwight H. Little, daban mucha más importancia a la jugabilidad de estas sagas, como son los enfrentamientos de Scorpion vs Sub-Zero o Jin vs Kazuya, pero incluso así tuvieron la necesidad de insertar tramas dramáticas que encajaran con los cánones del cine. Curiosamente, la producción que más cerca ha estado de ello hasta ahora ha sido 'Ready Player One', que no viene de ningún videojuego pero predijo lo que es Fortnite a día de hoy. Digo hasta ahora porque con 'Exit 8' tenemos un nuevo referente.

'Exit 8' adapta el videojuego homónimo del desarrollador japonés Kotake Create, una experiencia en primera persona que mezcla el terror y los puzzles donde experimentamos de muy cerca como sería quedarse atrapado en un bucle al intentar salir del metro de Japón. Su premisa se la dejan pegada al protagonista en la pared, al lado de un cartel marcando el camino a seguir para llegar a la salida 0, con las siguientes instrucciones:



El director Genki Kawamura toma esta premisa y la adapta excelentemente, reproduciendo su minimalista estética y su inquietante escenario al dedillo, abocando al espectador a esta agobiante backroom en forma de pasillo de estación de metro infinito. Si 'Exit 8' en formato videojuego fue un soplo de aire fresco a un género tan saturado como el de terror en primera persona, su adaptación al cine también lo es para las adaptaciones de videojuegos y en general, para el cine fantástico, gracias a su singularidad y a la personalidad visual tan marcada. Puede que os recuerde a otras películas como 'Al filo del mañana', 'Más allá de los dos minutos infinitos' o 'Atrapado en el tiempo', pero no habéis visto nada igual.

Al contrario que en el videojuego, en la película sí hay una historia y un protagonista al que podemos identificar desde el primer momento. En su prólogo en primera persona, en la primera escena, vemos su cara reflejada en las puertas del metro justo antes de presenciar una escena desagradable pero fácil de identificar para los que vamos en metro a diario (tanto por el momento como por la reacción del protagonista). Este chico sale del metro y comienza a caminar, hasta que llegado cierto punto se da cuenta del bucle en el que está encerrado y entonces pasamos de la primera persona a un primer plano de su cara, para ver su desesperada reacción.

La película constantemente irá cambiando entre rostros en primer plano y otros mucho más abiertos donde vemos el pasillo desde la espalda del protagonista. Esta alternancia crea un efecto parecido al de estar viendo jugar a alguien mientras jugamos nosotros, haciendo partícipe al espectador de la búsqueda de anomalías al mismo tiempo que el protagonista, tratando de resolver el mismo puzzle entre los dos. Al mismo tiempo también consigue un dinamismo que es vital para una propuesta basada en la repetición como es 'Exit 8'. Por mucho que todo esté escrito en el guion y que sepamos que nuestra interacción con la película no influenciará en ningún caso la conclusión del misterio consigue que te impliques, buscando anomalías cada vez que vuelve a cruzar el pasillo, gira una esquina o la cámara nos enseña lo que hay detrás de él.

Esta búsqueda de anomalías para salir del bucle sirve como analogía con el conflicto (fuera del metro, en su vida normal) del protagonista en la película, que se encuentra en una situación a la que necesita darle muchas vueltas antes de tomar una decisión que le cambiará la vida por completo. Un conflicto que viene dado por un tema polémico a nivel vital, político y religioso que puede ser fácilmente malinterpretado, pero que en ningún caso el director lo usa para adoctrinar a la audiencia con ello ni mandar un mensaje que se decante por un lado u otro. Sí que lo usa para fusionarlo con el bucle y personalizarlo a medida del protagonista, planteando algunas anomalías relacionadas con esa decisión.

Es aquí donde Genki Kawamura se toma demasiadas licencias a medida que se acerca el final, orquestando situaciones en las que aun sabiendo que el bucle es algo sin explicación lógica, acaba perdiendo la esencia de ese juego estilo "Encuentra las 7 diferencias", al ser demasiado espectaculares u obvias. En esos momentos en los que abandona lo asfixiante de su propuesta para que el guion tome un poco de aire fresco y pueda avanzar la película se desinfla un poco, recuperándose gracias a un potente final que cierra lo infinito del bucle y conecta con su inicio con una reflexión vital para su protagonista (y el espectador). ¿A dónde nos estamos dirigiendo como sociedad?

Fácil respuesta difícil de asumir. Al menos, con propuestas tan singulares y fantásticas como 'Exit 8' se hace más llevadero.

Nota: 7,0

En los cuentos clásicos siempre ha existido una gran diferenciación entre los buenos y los malos, evitando los matices para que la moraleja final sea tan evidente que a ningún niño se le pueda escapar. La versión más popular del cuento de Cenicienta nos contaba la historia de una criada que era maltratada por su familia adoptiva hasta que un día conseguía conocer al príncipe, que sufría un flechazo a primera vista. El resto de la historia ya la conocéis: el zapato perdido, las hermanastras intentando que encaje el zapato en sus pies y el final idílico de Cenicienta casándose con el príncipe, comiendo perdices y viviendo felices para siempre, demostrando que lo material no significa nada, especialmente si hay algo podrido en quien lo lleva. 'La hermanastra fea' no viene a reinventar este cuento, sino a dar otro punto de vista, a contar la historia desde el otro lado, desde la barricada de los malos.

La directora y guionista, Emilie Blichfeldt, apuesta por situar la perspectiva desde los ojos de Elvira, la hija menos agraciada (según los cánones de belleza, claro) de la familia protagonista. Tiene un peinado ridículo, papada, una sonrisa con brackets y su comportamiento no es, precisamente, el de una princesa. Cenicienta en cambio es prácticamente perfecta, generando una mezcla entre admiración y envidia que pasará directamente a odio cuando empiece una competición entre las dos para ver quién enamora al príncipe (amor platónico de Elvira) en el baile donde escogerá a su amada. A partir de aquí, comienza una cuenta atrás para que Elvira adapte su cuerpo y su comportamiento al que debería tener una candidata al amor del príncipe.

Es posible que leyendo estas líneas venga a la cabeza el recuerdo de 'La sustancia'. Y es comprensible. Tratan temas relacionados entre sí, como la obsesión por tener un cuerpo que contente a la sociedad o la obsesión por ser una mejor versión de ti misma. La comparación deja de tener sentido cuando son dos películas con estilos muy distintos y con dos protagonistas que están en las antípodas. Si Elizabeth Sparkle era una mujer de 50 años que para Hollywood ya estaba caducada, Elvira es una adolescente con graves problemas de autoestima. No tiene ese pensamiento de que su vida está más cerca del final que del inicio. La edad de cada una de ellas influencia por completo sus películas y también las barbaridades que hacen para conseguir su objetivo.

Barbaridades que en el caso de 'La hermanastra fea' están adaptadas a la época del cuento, donde no existían las operaciones estéticas con las facilidades de la tecnología moderna ni el famoso Ozempic. A la pobre Elvira le va a tocar pasar por una rinoplastia a martillazos o una extracción del aparato dental usando unos alicates. Por poner un par de ejemplos y no estropear el factor sorpresa de lo más "divertido" (a través del sufrimiento del espectador, claro) de la película, solo diré que va de menos a más. Lo que usa como analogía del Ozempic también me lo guardo para que lo descubráis por vosotros mismos, pero no tiene desperdicio, siendo uno de los elementos más asquerosos e ingeniosos de la película.

Si sufrimos con Elvira sobre todo es por la genial interpretación de la joven Lea Myren en un papel visceral que va de menos a más, llegando al desquiciarse inevitablemente por perseguir un imposible. Ella no deja de ser otra victima de una sociedad superficial que constantemente está buscando nuevas formas de crear complejos. Aquí es donde más se diferencia del cuento original, ofreciendo unos matices que hacen más interesante el relato. Gracias a ellos, Elvira es la hermanastra fea, no la hermanastra mala, Cenicienta a pesar de ser el rival a batir no es la villana de la historia y el príncipe encantador no lo es tanto.

Estéticamente, Emilie Blichfeldt y su directora de fotografía Marcel Zyskind deciden conservar la textura de cuento de hadas en lugar de optar por algo más oscuro, creando un fabuloso contraste entre lo preciosista de la puesta en escena y los horrores que vemos en pantalla. La música de John Erik Kaada y Vilde Tuv le dan el tono adecuado a cada escena, aportando oscuridad o luz según lo que sea más pertinente, haciendo que el apartado audiovisual sea uno de los puntos fuertes de la película, siendo sorprendente el dato de que estamos ante el debut de su directora en el cine.

Donde más se le nota la falta de experiencia es en la forma que tiene de transmitir su discurso, basado en la critica hacia la superficialidad de nuestra época, situando la acción en una etapa de la historia donde no existía la televisión, los móviles ni redes sociales. El mensaje funciona, pero no aprovecha todo su potencial, terminando por diluirse sin tener el impactante efecto que tenía el de 'La Sustancia', que era mucho más directa y unidireccional. Aquí se habla de que la envidia y los complejos son algo universal, que por mucho que hayan aumentado exponencialmente por culpa de Instagram, Tinder o Facebook, siempre han estado ahí y siempre han tenido un efecto brutal en la gente con baja autoestima. Un mensaje que podría resumirse diciendo que los feos siempre lo han tenido más difícil y siempre han tenido que esforzarse el doble para conseguir sus metas.

'La hermanastra fea' es un ejercicio de estilo, una buena pieza de 'body horror', cargada de mala hostia y un genial sentido del humor negro. La carta de bienvenida, cargada de personalidad, de la noruega Emilie Blichfeldt es una pequeña joya del cine de género.


Nota: 7,0