Estoy escribiendo este texto justo después de haberme comido una pizza. Una que me ha llegado a domicilio previo encuentro frío (igual que la pizza) y serio con el pobre repartidor (seguramente, muy mal pagado basándome en mi propia experiencia). No es de un sitio nuevo, sino de uno en el que he hecho algún pedido anteriormente, un lugar donde se podría decir que las pizzas tienen buen aspecto y cumplen su función. Te dan el clásico subidón que te provoca una pizza cargada hasta arriba de vete tú a saber qué ingredientes. Te dicen que son unos, pero luego resultan ser sucedáneos, malas imitaciones de bacon, ternera o salsa carbonara.

Como se puede observar no ha sido una cena memorable. No recordaré esta pizza la semana que viene de la misma forma que en un par de días (siendo generoso) el pizzero no recordará haberla hecho. El quid pro quo de la vacuidad y la indiferencia. No hay ni rastro de emoción en todo este viaje, una sensación parecida a la que he tenido al salir del cine después de ver algunos estrenos recientes con los que uno ni siente ni padece, simplemente observa con algo de pena que es lo que el público decide convertir en éxitos de taquilla.

La última película de Carlo Padial, de ser una pizza, sería una casera, de esas que tienes que amasar durante un buen rato la masa (valga la redundancia) y tienes que dejar reposar durante al menos una hora. No la compras en alguna pizzería de especialidad con materiales y elaboración premium. Sería una que haces tú mismo con los humildes ingredientes que has comprado en el supermercado más cercano y la inestimable ayuda de amigos y/o familiares. Un ritual colaborativo con el que reírse y pasarlo bien al mismo tiempo que haces la cena.

Entre los ingredientes que la componen, hay multitud de caras conocidas dentro del trabajo de Carlo Padial (tanto en el cine como en Youtube) como el cómico Miguel Noguera o Berto Romero, pero quien destaca por encima de todos es una novedad, Judit Martín. La cómica catalana interpreta a una crítica de cine harta de la precariedad laboral de su profesión y de su situación vital que un día se le ocurre dar un giro de 180 grados a su vida y le entra la necesidad de abrir una pizzeria cinéfila. Berto hace de su marido, que tras algo de reticencia a esa idea por el poco futuro que le ve acaba participando y ayudando, algo que reforzará una relación que ya estaba muy desgastada.

Este escenario deja espacio para que Desirée de Fez (guionista de la película, crítica de cine en la vida real) exponga la cara oculta de la vida del crítico de cine con mucha acidez utilizando al personaje de Judit Martín como (presuntamente) su alter ego. Pagos con retraso, cambios de última hora en los importes acordados, tener que ver películas que no te apetece ver en absoluto, asistir a pases de prensa o festivales de cine a los que no va prácticamente nadie... No soy crítico profesional, pero gracias a esta web he podido asistir a pases de prensa o festivales de cine, además de tener algún que otro amigo que se ha dedicado profesionalmente a ello, y en ese sentido es una película que se siente muy cercana, realmente consigue transmitir con éxito la precariedad extrema de la profesión y también lo difícil que es vivir de ello. Todo desde el prisma de Carlo Padial, con la autoficción, la autoparodia y el humor absurdo como principales abanderados de su obra.

Al final 'Pizza Movies' se siente como una reunión entre amigos (sin ninguna intención de menospreciar todo el trabajo que hay detrás de la producción de un largometraje, por humilde que sea) que, en lugar de echarse una partida de Magic o de ir a hacer senderismo, han hecho una película donde se ríen mucho de ellos mismos y del mundo que les rodea. Una broma interna que consigue traspasar esa barrera y hacer partícipe al espectador, sobre todo si es cinéfilo y de Barcelona (está ambientada en la ciudad condal y hay un festival de referencias a la cultura cinematográfica barcelonesa), abrazando el ridículo y el absurdo especialmente cuando se pone en marcha la pizzería que da nombre a la película. De ese local saldrán unas pizzas basadas en films míticos como 'E.T. El extraterrestre', 'Psicosis' o 'En busca del arca perdida' que tienen diseños absolutamente delirantes pero mucho más memorables que la pizza que me ha llegado hoy a casa.

A base de mortadela, aceitunas negras, tomate y otros ingredientes, Carlo Padial crea una carta de amor al cine bastante atípica, con el regusto amargo necesario para que dentro de lo absurdo de la propuesta nos creamos el día a día de la pareja protagonista y empaticemos con ellos (en parte, gracias a la gran química que hay entre Judit Martín y Berto Romero). En lo formal, no es una propuesta demasiado estimulante. Es bastante plana y en ocasiones abusa un poco del mismo chiste, pero el guión de Desirée de Fez, Carlo Padial y Carlos de Diego y las actuaciones de todo el reparto (Miguel Noguera o Javier Botet están hilarantes) equilibran la balanza para que 'Pizza Movies' resulte una película simpatiquísima que hará las delicias de los cinéfilos y que anima a revitalizar la pasión por el cine (extrapolable a cualquier afición).

Nota:

Francis Ford Coppola se gasta 120 millones de dólares en hacer una película y parece un anuncio de Jean Paul Gaultier de más de dos horas. No me parece tan raro que no encontrase distribución.

Hay ideas curiosas entre todas las que plantea pero la ejecución es un disparate casi todo el tiempo. Nada fluye de forma natural en esta pelicula, siempre falla algún elemento y algunas subtramas están metidas con calzador.

Si fuese abiertamente una sátira sobre la USA actual sería más interesante, pero pretende ser seria y trascendental con frases cómo "Con un vestido la venganza siempre sienta mejor".

Vi esta película con nueve años esperando ver a Hulk destrozándolo todo y salí muy decepcionado porque eso apenas ocurre. Verla de nuevo tantos años después me ha hecho reconciliarme con ella y entenderla.

No está a la altura de las dos primeras Spider-Man de Sam Raimi, donde consigue un equilibrio perfecto entre sello autoral, desarrollo de personajes y acción, ni tampoco de la solidez que tienen las dos primeras entregas de X-Men. Pero su atrevimiento es mayor que en cualquier película de superhéroes que recuerde.

Ang Lee tiene más interés en la dualidad Bruce Banner/Hulk que en la parte destructiva de la ecuación. Es la parte más interesante del personaje, ya que al contrario que otros superhéroes, Bruce Banner es incapaz de controlar ese "don" que le han otorgado, convirtiéndolo en una maldición, que le afecta a él y a los suyos, persiguiéndole desde su nacimiento.

Centrar todo en este conflicto, teniendo en cuenta que estamos hablando de un blockbuster de 130 millones de dólares de presupuesto de la época, es prácticamente un suicidio. Darle este acercamiento de drama paternofilial (no solo entre Bruce y su padre, también entre Betty y el sargento Ross), con una puesta en escena imitando el lenguaje narrativo de las viñetas de los cómics (incluso los diálogos parecen sacados de un cómic), te hace ver de la libertad que tenían los directores al hacer películas de superhéroes en los 2000 y lo atados en corto que están ahora.

Los dos MVPs de la película después de Ang Lee son Danny Elfman y Nick Nolte. El primero porque siempre da con la tecla a la hora de componer un tema reconocible para los superhéroes (Batman, Darkman, Spider-Man) y el de Hulk protagoniza unos créditos iniciales maravillosos. El segundo porque simplemente es la mejor actuación del casting, a años luz de la siguiente. Si Nick Nolte aparece en una película con pintas de persona a la que la vida le ha pasado por encima como si le hubiese atropellado un camión, es muy probable que haga un papelón.

Sin duda, lo peor es la elección de Eric Bana como protagonista. Bruce Banner a nivel de guión está genial, pero Eric Bana no es capaz de dar lo que pide el personaje. También se resiente después de un fantástico primer acto, deambulando entre escenas fallidas y otras donde Ang Lee saca a relucir su brillantez, como cuando la película, de repente, se convierte en una representación teatral de algo parecido a Shakespeare. Es irregular pero prefiero mil veces algo así antes que una correcta monotonía.

Sin la dirección de David Ayer esto estaría al nivel de cualquier película directa a video de las protagonizadas por Bruce Willis o Steven Seagal. Hay un trabajo de dirección e iluminación que su guión no merece.

A los 10 minutos lo del Jason Statham de clase trabajadora se le olvida y se convierte en un soldado con recursos prácticamente infinitos y la capacidad de ser invencible. Como mínimo dame algún momento de vulnerabilidad o alguna escena donde use la obra en la que trabaja para pelearse con alguien, aprovechando el entorno y su condición de currante.

Se queda muy justita hasta en ser la película de siempre de Jason Statham.

Me pasa un poco lo mismo que con la primera. El rollo pro-ejercito está suavizado respecto aquella, pero sigue estando, y no conecto nada con eso por lo que no empatizo demasiado con los valores que intenta transmitir.

Al igual que 'F1®', es una buena pelicula de entretenimiento, un buen blockbuster, pero no uno grandioso. Funciona bien a nivel general. Esta historia tiene más capas que la de 'F1®' pero al final todos son personajes muy manidos de los que ya conoces su final nada más comenzar la película. No sorprende, no arriesga, no consigue tener ninguna escena que te deje con la boca abierta.

Las escenas de aviación son un espectáculo, es donde más destaca visualmente. Tanto desde dentro de la cabina de los pilotos como los planos rodados desde fuera, el director consigue imágenes espectaculares.

PD: Un hurra para al que se le ocurrió que en la presentación del personaje de Jennifer Connelly sonara Let's Dance.

Empieza bien, dando a entender que será la versión crepuscular de los Warren, algo que tendría sentido siendo la (supuesta) última de la saga y que suena interesante a nivel psicológico para unos personajes que llevamos viendo tantos años.

Desgraciadamente todo acaba desarrollándose de la forma más monótona posible, desembocando en un caso más de los Warren con muy pocas ideas a la hora de generar tensión y varias escenas que caen en el ridículo.

Toda la parte melodramática, metiendo a la hija con calzador cuando en el resto de la saga apenas la hemos visto, es la guinda del pastel de mediocridad que es esta película.

En su intento de parodiar a las películas de superhéroes actuales acaba pareciéndose a ellas mucho más de lo que se piensa. El tono es acertado y el diseño de producción fantástico, pero la mayoría de escenas sangrientas con Toxie se sienten forzadas. Es divertida pero le faltan muchas dosis de irreverencia, mala leche, exceso e ingenio para estar a la altura de la película original y ser algo más que un pasatiempo olvidable. No puedes hacer una escena donde suene Overkill de Motorhead para quedarte a medias.

En Romería (2025), Carla Simón hace autoterapia exponiendo ante la audiencia una historia muy personal. Acompañada de su videocámara, una joven catalana Marina (el alter ego de la directora en la película) viajará hasta Vigo para, a través de su familia paterna, descubrir la vida de unos padres biológicos a los que no llegó a conocer por su prematura muerte.

Durante su primera hora, Romería habla con mucho acierto del sentimiento de pertenencia, sobre cómo ser un miembro de la familia no significa encajar en ella. La incomodidad de Marina cuando comparte tiempo y espacio con su familia paterna es evidente. Al principio puede parecer cosa del distanciamiento o de una brecha generacional, pero a medida que pasa el tiempo se nota que simplemente ella no encaja ahí, en una familia aburguesada pero fría e incapaz de hablar sobre temas incómodos que se han visto reavivados por su presencia.

Esta incomodidad no deja de ser fruto de un problema familiar que viene de largo y que es común en muchas familias españolas: el de barrer los problemas debajo de la alfombra y hacer cómo que no existen. Poco a poco, Marina irá desentrañando la coraza detrás de la que han escondido la realidad, desembocando en un doloroso comentario social sobre cómo la heroína afectó a la sociedad española en los años 80, convirtiendo cadáveres en fantasmas, en algo vergonzoso de lo que hablar.

Es en su segunda parte donde Carla Simón se pierde, transitando del costumbrismo al realismo mágico, idealizando la relación tóxica de sus padres como si estuviésemos viendo un anuncio de verano de Estrella Damm. El exceso de cursilería termina diluyendo sus aciertos en una carta de amor dirigida a sus progenitores, llegando a ser contraproducente, empantanando su duro mensaje sobre la invisibilización de las víctimas de la heroína.

No creo que sea mucho pedir que Scott Derrickson tenga una idea original de vez en cuando. La copia a 'Pesadilla en Elm Street' e 'It' es tan descarada que ni siquiera es capaz de plantear unas reglas propias para su mundo onírico (donde todo es demasiado literal).

No me parece mal que coja inspiración de esos dos tótems del terror, lo que me parece mal es que no intente hacer algo interesante con eso. Es muy torpe contando una historia que no tiene nada de compleja, hay demasiadas escenas donde todo es pura sobreexposición.

Lo más interesante está en su inicio, cuando vemos asesinatos a través de los sueños de la protagonista, de forma sugerente y no exponiendo al Grabber como hace durante el resto de la película. El Grabber ha ganado poderes sobrenaturales en esta secuela pero ha perdido la presencia que le daba un Ethan Hawke muy entregado. Aquí parece que se dedique a ponerle la voz, dudo que sea él al que vemos en la película y no un doble de cuerpo.

Usar el celuloide para representar los sueños y el digital para la realidad es lo mejor que tiene, aunque sea algo que ya usaba en la primera película y también usó en su segmento de 'V/H/S/85' es lo único memorable de todo el conjunto.

En 2019 se estrenó 'Retrato de una mujer en llamas', película que supuso la constatación de Céline Sciamma como una autora a tener en cuenta. La directora francesa ya tenía una larga trayectoria antes de su estreno, pero su exitoso paso por festivales y haberse llevado el premio a mejor guion en el festival de Cannes la encumbraron como una de las directoras del año y a su película como una de las más importantes (a pesar de que, extrañamente, Francia decidió no enviarla como su candidata a los Oscars).

'Retrato de una mujer en llamas' narra la historia de Marianne, una pintora que recibe el encargo de hacer el retrato de bodas de Héloïse, a la que le han organizado un matrimonio por conveniencia con el que no está nada conforme. Este contexto establece un escenario idóneo para fortalecer el vínculo entre ellas, el de la artista y la modelo, pasando horas a solas con la mirada fija la una a la otra, llegando al inevitable enamoramiento a través de gestos, miradas y detalles que Sciamma plasma en la pantalla con belleza, sutileza y sensibilidad.

El sonido constante del crepitar del fuego nos va recordando que estamos presenciando una cuenta atrás, la de una relación que inevitable e involuntariamente terminará por apagarse. Para Héloïse, ese amor significa su último anhelo de libertad antes de verse abocada a una vida de esposa florero.

Es aquí donde reside la fuerza de la película, en su discurso sobre la falta de libertad de las mujeres en una sociedad patriarcal, en cómo a través de una escena (aparentemente simple) en la que vemos a un hombre guardar el dichoso retrato en una caja de madera en realidad estamos viendo el entierro de Héloïse, de esos días tan maravillosos que ha pasado con Marianne y de su libertad.

En 2018, antes del gran éxito popular que fue 'La quimera', Alice Rohrwacher dirigió 'Lazzaro feliz', ganando el premio a mejor guion en el Festival de Cannes y cosechando múltiples éxitos en otros festivales de cine europeo.

En ella conoceremos a Lazzaro (interpretado por un entrañable y magnético Adriano Tardiolo): un buen chico, tranquilo, humilde y sencillo, que tiende su brazo a cualquier persona que lo necesite, sin esperar nada a cambio. Una de esas personas de las que se suele decir que "de tan bueno, es tonto". Tonto por creer que los demás son igual que él, claro.

Vive en una aldea atascada en el pasado, donde es esclavizado (junto con su familia) por una marquesa. La gran villana de la función resume en una escena, con un par de frases, la tesis de la película. Ella se aprovecha de la familia de Lazzaro y su familia se aprovecha de él, de su pureza. Por lo tanto, es impensable que Lazzaro sea bueno sin más. Imposible creer que alguien haría una buena acción sin un interés oculto.

Pero la bondad de Lazzaro sobrevive a todo, incluso a una gran elipsis temporal que Alice Rohrwacher usará para darnos de bruces con la realidad: el escenario ha cambiado, todo se ha modernizado, pero la gente no. La gente sigue aprovechándose de Lazzaro e incluso los que le trataban bien antes, se aprovechan de otras personas ahora.

De esta forma expone una sociedad añeja, evolucionada tecnológicamente, pero incapacitada de crecer a nivel humano. A pesar del salto temporal, el ser humano sigue actuando por instinto de supervivencia, de forma salvaje, desembocando en un final algo brusco, repentino y triste, pero liberatorio para Lazzaro.

Nota: 8,0

Me jode porque amo a Edgar Wright y a Stephen King, pero aunque cumpla como entretenimiento palomitero, es floja.

Apenas hay rastro de la autoría de Edgar Wright. De no ser por la parte central de la película, su segundo acto, podría estar dirigida por cualquier director de encargo tipo Jonatan Liebesman o Louis Leterrier. Su inicio y desenlace están a la altura de una producción promedio directa a plataformas de streaming.

El mensaje antisistema está bien introducido, realmente parece una película rabiosa con la sociedad actual. Está bien que, a pesar de esa rabia explícita, sea a través del optimismo y no del pesimismo, porque es lo que hace falta ahora mismo. Ahora bien, cuando llenas tu película de product placement (Monster, Puma, Alpine y alguna más que no habré detectado) ese mensaje deja de tener algo de sentido.

Al que no le pongo ninguna pega es a Glen Powell. Cuando más flojea la película él salva un poco los muebles, aportando un carisma especial al héroe de acción protagonista, consiguiendo que no sea del todo genérico.

Es el Sam Raimi juguetón y festivo que todos queremos. Después de ver Doctor Strange 2 pensaba que había perdido algo de mojo, pero aquí se confirma que está en plena forma tras salir de la cárcel creativa que es el MCU.

No me gusta demasiado el uso de CGI en esta película (animales, entornos, sangre y otras cosas), luce cutre y barato, pero su mezcla con efectos especiales artesanales deja momentos deliciosamente desagradables. Es muy viscosa y asquerosa pero de una forma divertida, consiguiendo que apartes los ojos de la pantalla en algún momento que otro.

Aunque no sea la epítome de la originalidad, si que es una propuesta fresca, con una mezcla de géneros muy estimulante (sátira del corporativismo, supervivencia, slasher, etc.) que no decae en pràcticamente ningún momento.

Rachel McAdams está fantástica, posiblemente el trabajo en el que más desatada se le ha visto, y Dylan O'Brian demuestra que no se le da nada mal la comedia. Interpretan a dos personajes que ridiculizan diferentes formas de ver el mundo laboral y la vida en general, con matices que los convierten en algo más que una excusa para que avance la trama.

Los minutos finales, con esa transición con elipsis maravillosa, son chef's kiss.

Una forma abrumantemente preciosa y al mismo tiempo demoledora de hablar sobre la muerte y la gestión del duelo (con uno mismo y con los demás). Con gran sensibilidad pero también con crudeza, impuesta por el momento histórico en el que sucede la película. Paul Mescal ofrece, de nuevo, una interpretación fantástica, pero la gran protagonista es Jessie Buckley en el papel de Agnes, con una actuación descomunal.

Chloé Zhao consigue trasladar a la perfección las sensaciones que tienes al leer 'Hamnet'. La sensibilidad y poesía de Maggie O'Farrell están presentes todo el tiempo. Aún habiendo descartado partes importantes del libro, consigue ser una gran adaptación, que se complementa con la obra original al introducir cambios manteniendo la esencia.

El vacío del que le hablan al personaje de Paul Mescal en la película es el que siento yo después de haber visto la mejor película del año en Enero. Se me hace difícil pensar que este año pueda ver algo mejor que 'Hamnet'.

El concepto de la película es fantástico, la ejecución no tanto, algo que pasa a menudo con Robert Zemeckis.

Es ambiciosa. Coger un espacio y contar su historia, desde su origen más primigenio, a través de los seres vivos que han pasado por ahí (al mismo tiempo que vemos la vida de estos) suena interesante, pero lo que la hace más especial es que todo esto lo vemos a través del mismo plano fijo.

Ahí Robert Zemeckis sigue demostrando que es un director inquieto al que le encanta salir siempre que puede de su zona de confort. La originalidad y el ingenio de esta obra no se pueden discutir, ni tampoco que tiene un discurso precioso sobre las historias que esconden los diferentes trozos de tierra sobre los que vivimos. Pero lo que Zemeckis te da, Zemeckis te lo quita.

Su obsesión con el rejuvenecimiento facial y el CGI está más presente que nunca, haciendo lucir digitalmente horrenda a una película que pretende ser humanista. Ver los rostros rejuvenecidos de Tom Hanks o Robin Wright en primer plano, despertando esa inevitable sensación de uncanny valley propia de los videojuegos, desprovee de emoción casi por completo a la película.

Tampoco ayudan las transiciones digitales que parecen hechas con IA, en constante lucha con otro tipo de transición más orgánico, basada en fundir elementos entre épocas dándole un gran significado a cada transición entre historias. Historias que, por otro lado, dejando a un lado la principal, están muy desdibujadas y no aportan demasiado.

Aquí había potencial para hacer una gran película, o por lo menos una buena, y aunque tenga destellos propios de una gran película se queda en un intento fallido.