SINOPSIS: Ambientada en una época futura, en la que la alta tecnología domina el mundo. Sofisticados robots han reemplazado a los hombres en las más variadas tareas, pero cuando fallan sus sistemas de control se vuelven muy peligrosos. Miembros de las fuerzas de seguridad como el sargento Jack Ramsey (Tom Selleck) son los encargados de controlarlos. Con su nueva compañera Karen Thompson (Cynthia Rhodes) Jack investiga la posible conexión entre los robots y Charles Luther, un científico psicópata, del que sospechan que ha elaborado un maquiavélico plan para usar las máquinas como armas letales.


CUANDO VEAS TU MÁQUINA PERDIENDO LOS CIRCUITOS...

Michael Crichton no solamente fue en vida un escritor de éxito, sino también guionista y director (en este último apartado destacan en su filmografía 'Almas de metal' o 'Coma'), siendo el jefe detrás de 'Runaway, brigada especial, protagonizado por quien pudo ser Indiana Jones, Tom Selleck; hay que decir que no ha tenido una mala carrera a pesar de todo.

Al igual que en su opera prima (la mencionada' Almas de metal), aquí también se trata el tema de la rebelión de las máquinas, un tema que pareció traer de cabeza a su autor, si bien aquí está tratada de una manera algo más rudimentaria a diferencia del encanto de tener robots con aspecto humano que entraban en rebeldía. En este filme son máquinas aparentemente inofensivas que serán un peligro gracias a un delincuente llamado Charles Luther, interpretado por el bajista y vocalista de Kiss, Gene Simmons.

Selleck no es que haga el papel de su vida, pero aporta el buen oficio por el que ha sido conocido como un sargento viudo llamado Jack Ramsay cuidando de un hijo y con miedo a las alturas -importante para la trama-. Acompañándolo en la misión está la recién llegada, la oficial Karen Thompson, a quien da vida Cynthia Rhodes, actriz de carrera breve con algún destello como 'Flashdance' o 'Dirty Dancing'. Ella consigue no ser eclipsada por el protagonismo de Selleck y se hace valer.

El cantante metido a actor Gene Simmons da un trabajo respetable como el villano de la función no cayendo en la sobreactuación, aunque desde luego no será recordado ni muchísimo menos como uno de los grandes villanos de la historia del celuloide. Por suerte para él, tenía un trabajo mejor como miembro de una exitosa banda de heavy metal.

No sabía quien era el encargado de la banda sonora. Cuando escuché los créditos iniciales y leí el nombre de Jerry Goldsmith pensé que estaría ante uno de sus notables trabajos. Craso error. Aún aportando unos temas para los créditos iniciales (aquí llegándome a recordar levemente a Vangelis en 'Blade Runner') y finales bastante competentes, durante el transcurso de la narración no ternina de encontrar ese mismo nivel teniendo más bien temas para las secuencias de acción que las tildaría como pasables. Es curioso escuchar al maestro usando instrumentos electrónicos.

El que habría sido de Tom Selleck si hubiese sido el protagonista de 'En busca del arca perdida' no se sabrá nunca. No obstante, ha sabido mantenerse en el oficio bastante tiempo y algo tendrá el agua cuando lo bendicen. En este caso, no diría que es de lo más especial de su larga trayectoria; sin embargo, queda como una curiosa película de ciencia-ficción (aunque con esto de la IA no se puede saber) que tuvo la mala fortuna de encontrarse un filme también sobre robots porculeros ese mismo año que consolidó a un culturista austríaco como actor de cine. Quizás, 'Runaway, brigada especial' estaba destinada a ser un producto menor.

6

SINOPSIS: Un viejo mago que alberga un terrible secreto ocultista y su hija son tomados como rehenes en su solitaria mansión por unos criminales adolescentes necesitados de escondrijo. Cuando los captores se niegan a dejarles en libertad, la mansión comienza lentamente a desatar sus horrores sobre los desprevenidos invasores.


A LA CUARTA FUE LA VENCIDA

Tres películas llevaba vistas hasta ahora del director, ya fallecido, Juan Piquer Simón y en vez de "a la tercera fue la vencida", ha sido a la cuarta. 'La mansión de Cthulhu' es el primer suspenso en esta filmografía.

Me atrae lo que tenga que ver con Lovecraft, un terror que va más allá del susto fácil y el gore y que va a lo psicológico y a dejar la peor huella posible en sus víctimas. Piquer Simón se adentra en esta mitología para este filme, pero no sale demasiado bien parado; casi, pero no.

Lo que podría haber sido un relato con terror psicológico volviendo locos a los protagonistas termina siendo como una película más donde jóvenes, gente de mal vivir en este caso, tienen todas las papeletas para conocer lo que haya en el más allá antes de tiempo.

Un error que tira buena parte del filme es centrarse en los personajes equivocados. No son demasiado interesantes la pandilla de adoradores de la droga y sí el mago Chandu y su hija Lisa, cuyos antecedentes son narrados al principio de la película para poner en situación al espectador.

La cinta empieza a mejorar cuando se empieza a mostrar lo principal, que son las amenazas infernales, con algunas secuencias bien conseguidas como la ducha de sangre. Sí que la sensación de tedio era inevitable cuando el potencial estaba siendo desaprovechado.

A pesar de algunas escenas meritorias y una banda sonora efectista que eleva la tensión y el suspense no termina de enganchar del todo. Con otra perspectiva para este relato, priorizar al mago y a su hija como he dicho, puede que saliese mejor parado y un servidor más contento.

4

SINOPSIS: Un grupo de visitantes descubre, en una isla remota, que un comandante nazi recluido ha estado engendrando a un grupo de soldados zombie.


VACACIONES CON LOS NAZIS

El mismo año que fue un oficial del Imperio Galáctico con mala leche en las tripas llamado Willhuf Tarkin en 'Star Wars: Episodio IV - Una nueva esperanza', el gran Peter Cushing (1913-1994) fue también otro villano. Concretamente, un comandante nazi que fue testigo de experimentos con soldados nazis muertos para ganar la II Guerra Mundial. Seguramente se les venga a la cabeza cierto título de Noruega algo más reciente que contó con una secuela.

La cinta que ocupa esta reseña es una producción diría que incluso más modesta que su homólogo nórdico, aunque cuenta con la presencia de los veteranos Cushing, John Carradine y una jovencísima Brooke Adams -luciendo palmito-. En esta ocasión, una embarcación de vacaciones con varios pasajeros termina encallando en un lugar aparentemente abandonado.

De lo mejor que se puede decir de este modesto largometraje es que tiene una ambientación de tensión bien conseguida en lugar de apostar por el camino fácil del terror vulgar con gore aportando un toque de calidad cuando no parecía que fuésemos a encontrar mucha calidad aquí. Es verdad que el aspecto de los zombis no es ni mucho menos de lo mejor del género, pero sabiendo donde me metía era algo que se podía esperar.

De una cinta de serie B de terror no hay que hacerse demasiadas ilusiones. En este caso, termina cumpliéndose su discreto nivel, aunque se mantiene a flote con dignidad apostando por la ya mencionada tensión 'in crescendo' en vez de ir a por el camino sencillo de ser un espectáculo de vísceras.

A pesar de verla doblada al español, no daba la sensación de que los actores (los más desconocidos, especialmente) diesen el cante, pero prefiero no emitir una opinión rotunda por si en versión original cambiase mucho, que no debería.

Propuesta para pasar un rato decente sin grandes pretensiones.

Spoiler

Los nombres de Peter Cushing y John Carradine están más bien en la película para lucir el cartel. Su presencia es más bien testimonial, especialmente en el caso de Carradine que se ve poco más de cinco minutos.

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5

SINOPSIS: Adaptación del clásico de Julio Verne. Un científico organiza una fabulosa expedición para llegar al centro geográfico de la Tierra. Acompañado de una pareja de novios y un pastor, durante el viaje tendrá que vérselas con seres extraordinarios y diversos peligros.


SERIE B BASTANTE DIGNA

De la filmografía del valenciano Juan Piquer Simón empecé por 'La grieta', la cual tenía al célebre Sargento Hartman de 'La chaqueta metálica', Ronald Lee Ermey. Si bien esperaba que no luciera como una superproducción sí que logró pasar el corte con una película que bebía de otras como la estrenada un año antes, 'The Abyss'. Tiempo después, la sorpresa fue aún mayor con 'Slugs, muerte viscosa', en la cual encontré una producción de serie B con gancho y tomándose en serio. Hoy continuo su obra con 'Viaje al centro de la tierra' con otro inesperado resultado positivo.

El elenco no tiene nombres relevantes, pero lo que importa aquí es la historia donde un grupo de personas lideradas por el geólogo Otto Lindebrock, acompañado por su sobrina Garüben y el novio de esta, el soldado Axel. Por el camino, contratan los servicios de Hans, un pastor y conocedor del paisaje montañoso.

Se podría esperar que los paisajes interiores donde se dirige la expedición no luciesen tanto debido a la humildad de los medios; no obstante, hay que decir que tanto los paisajes naturales como los rincones algo más tirando a lo fantástico dan completamente el pego, salvo algunos monstruos que hacen acto de presencia y donde sí son más obvios las limitaciones técnicas.

Piquer Simón no parecía ser un director que se conformase con películas hechas de cualquier manera y, a juzgar por las tres películas vistas de su trayectoria, tenía una artesanía a la hora de realizar sus filmes que hace que sean visionados con cierto atractivo, incluso sabiendo que no contaban con grandes presupuestos. Este caso no es distinto, teniendo una historia que va cortita y al pie con unos personajes con los que empatizas con ellos y lo que les pueda pasar en su viaje y unas localizaciones (rodado entre León, Madrid y Lanzarote) las cuales son un plus para dejar un buen sabor de boca. El aspecto pobre de los monstruos es una desventaja menor por esperable. A destacar también su efectiva banda sonora aportando acción y armonización del relato.

Destacar por último la gran sorpresa final de su última escena, bien pensada con alguna pista durante el transcurso de la aventura.

6

SINOPSIS: Biografía de Charles Chaplin. Chaplin pertenecía a una familia numerosa que se ganaba la vida en los teatros de mala muerte de Londres. Cuando su padre murió alcoholizado, su madre, enferma, tuvo que trabajar duramente para sacar adelante a la familia hasta que fue ingresada en un psiquiátrico. Chaplin entró entonces a trabajar en una compañía musical que hizo una gira por los Estados Unidos. Allí conoció al productor de cine Mack Sennett con el que firmó un contrato que le permitió demostrar su gran habilidad como cómico. Además de actuar, empezó a dirigir los filmes que protagonizaba y su personaje de entrañable vagabundo dio la vuelta al mundo. Su vida sentimental no fue tan afortunada: se casó cuatro veces. Fundó la United Artists con el director D. W. Griffith y los actores Mary Pickford y Douglas Fairbanks. Por su defensa de los derechos de las minorías y de la entrada de los Estados Unidos en la II Guerra Mundial (1939-1945), pronto fue tildado de izquierdista, razón por la cual, tras la guerra, el Comité de Actividades Antiamericanas lo llamó a declarar. En lugar de hacerlo, se marchó a Europa y no volvió a los Estados Unidos hasta que en 1972 le fue concedido un Oscar honorífico.



EL HOMBRE MÁS FAMOSO DEL MUNDO

Para las generaciones más modernas, Robert Downey Jr. es sinónimo de Iron Man y del nacimiento del universo de Marvel Studios desde que pronunció las famosas palabras "yo son Iron Man"; si bien a él se le debe parte del éxito de las grandes superproducciones de superhéroes, RDJ es también un gran actor sin necesitar una armadura, como si así lo atestigua su Oscar a Mejor actor de reparto por 'Oppenheimer' y todos sus reconocimientos, tanto nominaciones como premios. Su primera nominación al Oscar de las tres que tiene hasta ahora fue gracias a su interpretación como Charles Chaplin en 'Chaplin'.

Downey estuvo a las órdenes de Richard Attenborough, el futuro fundador de cierto parque con dinosaurios un año después, en la que fue su consagración como actor después de años llamando la atención en diversas películas como 'La mujer explosiva' o 'Golpe al sueño americano'. En esta ocasión cogió el toro por los cuernos y clavó la interpretación de uno de los grandes genios de la historia del cine desde que empieza a hacerse el borracho siendo bien joven hasta su vejez cuando recibe el Oscar honorifico en 1972. Cierto es que pierde aquel Oscar ante Al Pacino por 'Esencia de mujer' -que debería verla para ver si es mejor interpretación que esta o fue una compensación después de tantas nominaciones sin premio- pero le sirvió para que el mundo supiera definitivamente quien es.

El gran nivel de 'Chaplin' no se debe solo a él, sino también a un guion escrito entre William Goldman, William Boyd y Bryan Forbes en el que una duración de casi dos horas y media hace que parezca de hora y media debido a que siempre se cuentan cosas interesantes sobre la vida de Chaplin con un vistazo también a como se hacían las películas en esa época que gustará a quienes nos llama la atención no solo los nombres de la industria cinematográfica sino la técnica, como en la escena en la que Rollie Totheroh (David Duchovny) hace la tarea del montaje.

Hablando del reparto, el protagonista se rodea de grandes nombres como Anthony Hopkins como el biógrafo George Hayden (me parece que el único personaje inventado en el film), Marisa Tomei como Mabel Normand, Diane Lane como Paulette Godard, Dan Akroyd como Mack Sennett, Milla Jovovich como Mildred Harris, una de sus varias esposas, Kevin Kline como Douglas Fairbanks o Penelope Ann Miller como Edna Purviance. Todos ellos, entre otros nombres, destacan por unas interpretaciones no tan buenas como Downey Jr., pero sí lo suficientemente sólidas para no quedar eclipsados por él. Llama la atención Moira Kelly, quien da vida al primer amor de Chaplin, Hetty Kelly, y de los que más amó y a su última esposa, Oona O'Neill. Ella está también a un nivel más que aceptable. Mismo caso curioso para Geraldine Chaplin, hija en la vida real de Charles, quien interpreta a su madre, Hannah.

La recreación de las épocas de la biografía de Chaplin está así mismo muy logrado también. Tanto en dirección artística como en vestuario, haciendo totalmente justicia a la apariencia de Charlot, se nota el exquisito cuidado que se sometió esta producción que hace que no solamente destaquen las interpretaciones o la notable banda sonora con temas majestuosos de John Barry, la cual fue nominada al Oscar y al Globo de oro. En otros aspectos técnicos, me encantó el maquillaje del viejo Charles Chaplin.

Es un plus que muestre algunas facetas oscuras del protagonista como su gusto por mujeres jovencísimas, incluso menores de edad, y que no sea un simple panfleto propagandístico de sus logros. Aún así, es indudable lo que ha aportado a la historia del cine esta persona tan imperfecta como cualquiera de nosotros con sus cortometrajes y largometrajes estando algunas de ellas entre lo más selecto del séptimo arte. Como dice su hermano Syd (Paul Rhys) en una escena fue el hombre más famoso del mundo y se lo ganó a pulso.

8

SINOPSIS: Ava es una eficaz asesina a sueldo con un pasado conflictivo y ciertas dudas sobre la legitimidad de algunos de sus encargos. Cuando un peligroso encargo sale mal, Ava regresa a casa en un intento por reparar su relación con su familia. Sin embargo, se verá obligada a luchar por su propia supervivencia ya que se convierte en objetivo de la organización para la que trabaja.


LA 'JESSI' REPARTE

Tras el exito que fue 'Criadas y señoras', el director Tate Taylor y Jessica Chastain se volvieron a reunir casi una década después para una película de asesinos a sueldo sin tanta complejidad, aunque lo intenta.

La oscarizada actriz interpreta a Ava Faulkner, una asesina que de joven entró al ejército por motivos que se revelarán en el mismo filme y que lleva una relación distante con su familia (con su madre siendo interpretada por Geena Davis, nada menos) por razones que también se irán descubriendo.

Esta intenta ser una historia con algo más que simple acción y así es a ratos. Es de agradecer que intente ser más que un relato de buenos y malos con una historia personal difícil para la protagonista; solamente que no es suficiente, no cuando tienes a gente de la talla de la misma Davis, John Malkovich, Colin Farrell, Joan Chen o Common respaldando a la pelirroja.

Su sinopsis y la justificación para los acontecimientos están muy bien pensados y estoy seguro de que se devanaron los sesos para sacar el relato más atractivo y creíble posible, aunque - en el fondo- no se ve más que una película de acción más de espía o asesino/a que todo lo puede y deja una sensación al final de un producto del montón, aún con tales nombres en su reparto y siendo Chastain una actriz que no solamente es belleza y talento para el drama, sino que puede ser una actriz con dotes para este género.

Quizás esta película fue uno de esos casos donde la actriz estaba obligada a rodar esto para dar luz verde a otra cosa (como le pasó a Spielberg con la secuela de 'Parque Jurásico' que le sirvió para poder rodar 'Amistad') o que tenía ganas de trabajar en algo sin tanta exigencia. El experimento sale a flote como puede con algunas secuencias de acción y pelea que se dejan ver y un respeto por sí mismo que le hace no caer en el patetismo. Aún con todo, se podría haber extraído bastante más jugo.

5

SINOPSIS: El Grinch es una especie de ogro verde que siempre ha vivido aislado en la cima de una montaña, en las afueras de Villa Quién. Habituado a la soledad, lo que le destroza los nervios son los villancicos que la gente del pueblo canta en Navidad; para vengarse, decide robar los regalos de Santa Claus.


EL GRINCH ROBÓ EL BUEN CINE

Jim Carrey es un maestro no solo de la actuación -y más en concreto de la comedia- sino que las gesticulaciones de su cara son algo de otro mundo; no hay más que ver sus imitaciones a otros famosos. Es en parte por ese talento facial que el actor canadiense fue el indicado para interpretar a este personaje cuyo origen está en el libro infantil '¡Cómo el Grinch robó la Navidad!' escrito por Dr. Seuss y publicado en 1957.

La elección de Carrey para el personaje protagonista mereció la pena, puesto que su interpretación (aunque a veces tiene cosas más del propio Carrey que del propio personaje) es de lo más destacado de este filme dirigido por Ron Howard. A pesar del maquillaje que ocultaba al actor, Carrey supo sacarle partido mediante gestos, movimientos y una interpretación fantásticas. Lástima que el resto no acompañe demasiado.

Es evidente que 'El Grinch' es una película orientada especialmente para los más pequeños si bien tiene algunas bromas para los más adultos como lo del 'flashback' ("se parece a tu jefe"), pero en este caso en particular parece que para los más adultos esta propuesta navideña se puede hacer cuesta arriba puesto que no hay muchas concesiones para los adultos. Sí que su historia es para todos los públicos, mas en la forma de orientar el relato no hay muchas secuencias para conectar con los mayores.

Taylor Momsen se lleva toda la gloria que permite dejar la interpretación de su protagonista. La ahora cantante de The Pretty Reckless tiene mucha química con Carrey y es totalmente creíble como única habitante de Villa Quién que cree que el Grinch no es realmente malo. Además, ella misma a la edad de 6 años canta uno de los temas de la película ("Christmas, Where I Can't I Find You?") y lo clava. Tanto ella como Jim Carrey son los mayores baluartes de un elenco en el que los demás nombres no lucen tanto, aún teniendo nombres como Christine Baranski o Jeffrey Tambor.

Visualmente, el pueblo de Villa Quién, el vestuario de sus habitantes y el trabajo para caracterizar a Jim Carrey como El Grinch merecen su reconocimiento con una labor de los implicados que hace justicia a un personaje tan mítico como El Grinch. Su guion, no tanto.

5

SINOPSIS: Un piloto americano (Steve McQueen) vuelve a Francia para participar en la mítica carrera automovilística de Le Mans, tras un año alejado por una herida. Allí se enamorará de la viuda de otro piloto que murió en el mismo accidente..


LA POTENCIA SIN GUION NO SIRVE DE NADA

Bien era conocida la afición de Steve McQueen por la velocidad. El actor nacido en Beech Grove (Indiana, Estados Unidos) un 24 de marzo de 1930 era un gran fan de los vehículos con ruedas y un motor, incluso llegó a ser piloto profesional compitiendo en el Campeonato Británico de Turismos en 1961 o ganando las 12 horas de Sebring en 1970 junto a Peter Revson, piloto de Fórmula 1 ganador de dos carreras (Gran Bretaña y Canadá '73) que murió en unas prácticas para el GP de Sudáfrica de 1974 después de que la suspensión de su monoplaza del equipo Shadow fallase.

La carrera de resistencia más mítica de la historia del automovilismo (las 24 horas de Le Mans) estuvo en la mira del actor de 'La huida' o 'La gran evasión' y en 1971 se estrenó la aventura de McQueen en el trazado francés; si bien él era delante de las cámaras el único rostro del elenco famoso y detrás de las cámaras solamente destacaba el nombre de Michel Legrand en el apartado de la banda sonora.

El argumento iba sobre un piloto llamado Michael Delaney (McQueen) quien sufría en el año anterior a los acontecimientos del filme un accidente junto al piloto Piero Belgetti, quien acabaría falleciendo mientras su esposa Lisa Belgetti (Elga Andersen) estaba en la misma pista. Delaney vuelve a la competición de la mano de Porsche y Lisa vuelve a la misma pista donde su esposo murió. En principio, la salida prometía y se podía dar un choque de caracteres o una reconciliación entre ambos personajes más vivir el ambiente de Le Mans. Lo que termina siendo es una manifestación de coches de muchísima potencia, pero sin mucha chicha.

Durante poco más de 20 minutos se ve tanto a McQueen como al resto de pilotos, equipos y espectadores preparándose para el inicio de la edición y una vez se da el banderazo de salida poco más relevante pasa aparte de la carrera en sí misma. El arco argumental entre los personajes de Belgetti y Delaney tiene sus momentos, mas no parece que llegue a cualquier sitio de forma clara, salvo lo que se deja entender entre líneas. Al menos, al personaje interpretado por McQueen tiene un desarrollo con sus subidas y bajadas y que no sea todo un lucimiento personal.

Michel Legrand pone la música a esta aventura automovilística con sofisticación y estilo, aunque sin volverse particularmente loco. Visto lo visto, en computo general lo pondría entre lo mejor del filme, puesto que del resto hay que decir que el ambiente y las carreras están muy bien retratadas sin tener un guion que respalde a semejantes secuencias que son pura potencia. Con muchos coches y poco argumento se está comprando todas las papeletas para un suspenso que, para mí, se merece.

4

SINOPSIS: Tras una breve relación sentimental con un colega, Theresa Dunn (Diane Keaton) decide independizarse de su opresiva familia. Así comienza una metamorfosis que hace de ella una compasiva profesora de niños sordos durante el día y una mujer que busca toda clase de placeres nocturnos por los tugurios de la ciudad.


PLACER INSTANTÁNEO, DOLOR DURADERO

Diane Keaton (1946-2025) fue una actriz conocida por una trayectoria profesional donde destacaron sus colaboraciones con Woody Allen, una de ellas le dio su único Oscar a Mejor actriz por 'Annie Hall', su presencia en la trilogía de 'El padrino' como la sufrida esposa de Michael Corleone, Kay Adams, o haber trabajado en filmes a las ordenes de Warren Beatty o Alan Parker, entre otros. También por una imagen de icono de la moda donde tenía su particular gusto al vestir con tendencia a llevar sombreros. Esa imagen no sería siempre así y en el año 1977 hizo acto de presencia en un largometraje que mostraría un personaje muy alejado de lo que fue conocida.

'Buscando al Sr. Goodbar' es el título donde veríamos a una Keaton más deslenguada y sexualmente liberada, lo que no significa mejor; de hecho, podría funcionar como argumento en contra del libertinaje. Basado en la obra homónima -por su título en inglés- escrito por Judith Rossner y publicado en 1975, la cual se apoya en el caso real de Roseann Quinn (1944-1973), una profesora para niños sordos en St. Joseph que fue asesinada el 2 de enero de 1973 después de que conociese a John Wayne Wilson y este, en un arrebato tras sentirse humillado por no rendir en la cama, la apuñaló 18 veces.

Keaton hace la que podría definirse sin muchas dudas como uno de los mejores papeles de su carrera. A pesar de su timidez (por la cual tenían que tocar música de Johann Sebastian Bach en alguna escena de sexo para que la actriz se sintiese cómoda), se sobrepuso y mostró un personaje alejado de su imagen real. Theresa Dunn (Keaton) sufre escoliosis siendo una niña, lo cual le marcaría su posterior existencia no queriendo tener niños debido a que era una enfermedad congénita y una ruptura dolorosa la llevaría a querer buscar encuentros sexuales aquí y allá, perfectamente mostrado por Keaton quien se muestra encantadora como la profesora, incluso luchando para que una de sus alumnas pueda acceder a un aparato para oír bien, y como una desvergonzada mujer joven por las noches cayendo en manos de cualquier pretendiente que encontrase en el bar y se fijase en ella. Pensándolo ahora, parece una broma que ganase el Oscar por 'Annie Hall' y por esta no fuera nominada (sí que lo estuvo, por ejemplo, al Globo de oro como Mejor actriz principal), puesto que aquí establece una imagen de persona dañada con una lujuria desenfrenada que prueba también la cocaína y tenía que luchar también con una familia conservadora contando con su alocada hermana -la cual termina siendo más dueña de sus actos que la misma Theresa- como mayor apoyo.

Uno de esos pretendientes es Tony Lopanto, un joven Richard Gere que encarna a uno de los personajes más alocados que he visto de su filmografía. Lopanto parecía estar drogado las 24 horas por su forma de actuar tan alocada -atención cuando baila prácticamente desnudo con un juguete fosforescente- y una forma de ser alejado de lo que sería una persona en plenas facultades mentales. Que Gere interpretase a dicho personaje sin pasar la línea de la sobreactuación dice mucho de él.

Interpretaciones aparte, no destaca espectacularmente en mucho más. Recoge muy bien la dualidad del personaje protagonista mostrando los ambientes diurnos cabales y nocturnos alocados con drogadictos y gente de mal vivir y cuenta con un tramo final protagonizado por Keaton y un joven Tom Berenger que me dejó impactado por la forma de realizar dicha secuencia solamente con una luz azul parpadeante. También por algunas secuencias donde nos metemos dentro de la imaginación de Theresa y confunden con la vida real. En conjunto, los actores son el mayor valor dejando los apartados técnicos en un segundo plano.

6

SINOPSIS: Tras una guerra nuclear, los supervivientes se han refugiado en bunkers subterráneos para protegerse del invierno nuclear. Sin embargo, una nueva generación encuentra la forma de crear una nuevo sistema de vida sobre la Tierra.


SIN FUTURO, PERO CON OPTIMISMO

Para un sábado mucha gente si elige ver una película seguramente opten por una producción para olvidar el exterior durante hora y media o dos horas (o incluso más) que consista en una aventura, una de acción o una de terror. Yo hoy he decidido ir en el camino contrario y optar por un dramón soviético sobre un post apocalipsis nuclear, con un par.

Las amenazas nucleares -también las que se terminan cumpliendo y se prestan atención en el después- no son una cosa totalmente nueva en el cine y se puede mirar desde un prisma comercial (la saga de 'Terminator') o desde un prisma menos ideado para ganar dinero y más para crear un drama e intentar conectar con los corazones de la gente. 'Cartas de un hombre muerto' entraría en esta segunda categoría.

Konstantin Lopushansky dirige esta historia sobre una catástrofe nuclear debido a un error informático. Los supervivientes (no se dice explícitamente, pero imagino que de una tierra en la Unión Soviética de aquel entonces) se encuentran debajo de un museo; entre ellos, el profesor Larsen -ganador de un premio Nobel de física-, su mujer Anna y algunos empleados del mencionado museo. Entre ellos no hay una sensación de pesimismo enfermizo. Sí que algunos son plenamente conscientes de la situación, pero ocupan el tiempo como buenamente pueden (divagando, debatiendo con otros...).

Es Larsen el principal protagonista de este triste relato; sin embargo, es admirable su entereza en un ambiente absolutamente catastrófico y se niega a rendirse a la desesperanza, llegando incluso a cuidar de unos niños que no aceptan en el refugio central por estar enfermos, entendiéndose así que solamente van los más fuertes. El profesor será un ejemplo para los demás niños transformándose en una figura querida por ellos.

A pesar del paisaje sombrío y sin futuro que se ve en este largometraje, hay durante todo su metraje un hueco para la esperanza que también hace acto de presencia en los textos finales tras el fin de la narración, sirviendo también como toque de atención para que a la humanidad no se le vaya la pinza.

'Cartas de un hombre muerto' no es tan espectacular (si bien tiene algunas bien hechas secuencias de destrucción) como otras producciones del mismo tema, aunque sabe donde dar gracias a unos diálogos y frases inteligentes y una recreación que asusta de un futuro donde las armas nucleares finalmente terminaron provocando lo que más se temía de ellos.

8

SINOPSIS: Año 1776, guerra de Independencia entre los colonos de Nueva Inglaterra y las tropas de Jorge III (1760-1820). En Carolina del Sur, el viudo Benjamin Martin, heroico soldado en Francia y en la India, renuncia a combatir para cuidar de sus siete hijos. Pero la pacífica vida de la familia Martin se ve alterada cuando Gabriel, el hijo mayor, se alista en el ejército; mientras tanto su padre se esfuerza por sacar adelante a la prole. Sin embargo, los británicos, al mando del cruel coronel Tavington, llegarán hasta las puertas de su casa poniendo en peligro a toda la familia.


EL HOMBRE Y LA BESTA*

* Reseña de la versión extendida

En plena tendencia de filmes puramente comerciales, el alemán Roland Emmerich decidió dar un alto en el camino de películas apocalípticas o de ciencia-ficción para rodar una historia ambientada en la época de la Declaración de Independencia de Estados Unidos y protagonizada por Mel Gibson en la que encarna una especie de William Wallace reencarnado.

En un principio podría parecer que a Emmerich este trabajo le vendría grande al estar acostumbrado a producciones más palomiteras repletas de grandes secuencias y espectáculo en muchos fotogramas. Sin embargo, saca muy buena nota sin necesidad de arriesgar demasiado relatando la historia, pero acertando en prácticamente cada apartado.

Gibson interpreta a Benjamin Martin, un antiguo coronel de la guerra franco-indígena del que se sobreentiende que ha sido un militar de armas tomar con un estatus de leyenda viviente, solo que la guerra le ha dejado una cicatriz lo que le ha ayudado a apaciguar su bestia interior, gracias también a haber formado una gran familia; lamentablemente, su esposa falleció. Todo cambia cuando parte del ejército enemigo (los Dragones verdes) tocan a su familia. Es entonces cuando la bestia vuelve a rugir.

No van desencaminados si 'El patriota' recuerda a 'Braveheart'. El parecido entre historias es evidente y cuenta en ambas con Mel Gibson. No obstante, las similitudes no penalizan este filme. No es la misma época y el guion tiene los suficientes matices para no estar acordándose constantemente del largometraje dirigido por el mismo Gibson. Además, hay un elenco de actores de inmenso talento que pueden llenar la pantalla cuando el actor de 'Arma letal' no hace acto de presencia en el que destacaría al tristemente fallecido Heath Ledger (en paz descanse) dando vida a uno de los hijos de Benjamin, el testarudo Gabriel, y Jason Isaacs como el sanguinario coronel de los Dragones Verdes, William Tavington, dando una de las mejores interpretaciones que he visto del bueno de Isaacs dando genuina sensación de asco por sus acciones inmorales.

En términos de dirección artística, fotografía y vestuario, no hay peros al respecto. Cada uno de esos aspectos rinde a un nivel notable, aunque hay un apartado aún mejor que es en la banda sonora, la cual lleva la firma de John Williams. Una de las tantas nominaciones al Oscar que ha tenido el compositor fue con este trabajo y con toda la razón. No recuerdo en el metraje de casi tres horas un momento donde la música tenga un momento de flaqueza; en momentos más trepidantes o en momentos más dramáticos o íntimos, acompaña como anillo al dedo.

Cierto es que en la narración no se inventa la pólvora y su desarrollo es de 1+1=2, pero si el resto de cosas se hacen bien se puede hacer, aún así, una gran película. Eso sí, al ver directamente la versión extendida no sé cuales escenas fueron añadidas y si mejora al montaje de cines. De todas maneras, de haber visto el montaje estrenado en la gran pantalla con toda seguridad habría alcanzado el notable bajo como mínimo.

8

SINOPSIS: En una prisión sudamericana, Molina (William Hurt) y Valentín (Raul Julia), dos compañeros de celda, se cuentan sus respectivas historias. Molina es un homosexual encarcelado por seducir a un menor. Valentín es un revolucionario que no ha olvidado las torturas a las que ha sido sometido durante los interrogatorios.


UNA CELDA CON MUCHA VIDA

El realizador argentino-brasileño Héctor Babenco (1946-2016) rodó en el país donde residía, Brasil, un drama carcelario en el que dos personas aparentemente opuestas terminan conectando usando las películas como distracción de una realidad bastante triste.

Enmarcada en la época de la dictadura militar brasileña y basada en la novela homónima de Manuel Puig, el relato cuenta como protagonistas principales a Luis Molina (William Hurt), un homosexual autodeclarado mujer encarcelado por corrupción de menores y Valentín Arregui (Raul Julia), un activista de izquierdas con una homofobia que no puede disimular llegado el momento. A pesar de algunos obstáculos en el carácter de ambos, llegarán a congeniar.

La cinta cuenta como parte vital a esas dos personas metidas en la celda de una cárcel brasileña, pero no toda la acción se basa en ellos (aunque lo fuese, tanto Julia como Hurt - ganador del Oscar, BAFTA, David Di Donatello y en Cannes por este papel - son lo bastante buenos para no tener que necesitar a nadie más). Hay una tercera pata, la cual es Sonia Braga interpretando a tres personajes en el mismo filme: la cantante Leni de las fantasías de Luis, Marta (novia de Valentín) y la mencionada mujer araña del título. Especialmente meritorias sus interpretaciones en el primer y tercer personaje, impregnando de un halo de encantador misterio sobre ella y magnetismo la historia.

No vi venir en absoluto la revelación pasado la hora y pocos minutos que concierne a Luis y que ayuda a inpulsar el visionado y enganchándome aún más. No obstante, las historias narradas por Luis y el ver la evolución en la convivencia de ambos hombres son llevados de forma excelente haciendo que el visionado no caiga en un punto de muermo sin retorno.

A destacar también la banda sonora de Nando Carneiro y John Neschling, con un estilo que impregna, al igual que algunos personajes de Sonia Braga, de misterio e inquietud a la historia que se nos cuenta.

Curiosamente, me llevó a esta película la reciente adaptación protagonizada por Jennifer López y Diego Luna. Recordé entonces esta versión, la cual creo que merecía más la pena por la buena reputación que tiene. Dicha reputación ha terminado cumpliéndose en parte gracias al trabajo de dos inmensos actores como fueron Hurt y Julia quienes ya no están entre nosotros. Que en paz descansen y sirva esta reseña también como reconocimiento a sus sendas trayectorias.

8

SINOPSIS: Tras una serie de extraños acontecimientos a lo largo del planeta, se descubre que, por razones desconocidas, el corazón del planeta Tierra ha detenido su movimiento giratorio, lo que causará en pocos meses un tremendo desastre natural, eliminando la vida tal y como la conocemos. Para buscar una solución a esta catástrofe el gobierno y el estamento militar piden ayuda al geofísico que descubrió qué estaba pasando, el Dr. Josh Keyes, y a un grupo con los mejores científicos mundiales. Deberán viajar al centro de la Tierra en un vehículo subterráneo al mando del comandante Robert Iverson y la mayor Rebecca "Beck" Childs. Su peligrosa misión será la de detonar un dispositivo nuclear que intente reactivar el núcleo, y así salvar al mundo entero de una destrucción segura.


PA'RRIBA, PA'BAJO, PA'L CENTRO Y PA'DENTRO*

*Revisionado

Entre los 90 y los 2000 a la industria del cine hollywoodiense le dio por hacernos pagar por ver como el mundo, o parte de él, se iba al carajo mediante volcanes, tornados o meteoritos del tamaño de la cabeza de Fernando Alonso. Solamente que las amenazas siempre se veían desde fuera, casi nunca desde dentro.

En el año 2003 eso cambió con 'El núcleo, película dirigida por Jon Amiel en el que se cuenta con un reparto de campanillas como son Aaron Eckhart, Hillary Swank, Delroy Lindo, Tchéky Karyo (que en paz descanse), Stanley Tucci, Bruce Greenwood, Richard Jenkins, Alfre Woodward o un Dj Qualls al que con los años le perdí la pista. Todos estos se meten en la misión de hacer que el núcleo de la tierra volviese a girar tras haberse detenido.

Visto desde fuera, puede parecer una cinta más del montón sobre catástrofes que sirve para pasar el rato y ya, pero visto desde el núcleo (chiste fácil, lo sé) estamos ante una de las últimas producciones muy potables sobre este particular subgénero donde todo se va a tomar por culo.

En este tipo de películas, casi todo se basa en los efectos especiales (que en algunos planos dejan que desear) o la música (aquí sí cumple Christopher Young), pero lo importante son unos personajes donde cada uno tiene su historia y su papel importante dentro de la misión más importante de la historia de la Tierra. Y sin ellos no se entiende este largometraje. Además, el que sean gente normal, con grandes cerebros pero gente normal al fin y al cabo, siempre para estas historias es un plus. Cada uno de ellos aporta su conocimiento y su particular carácter para enriquecer este relato de pura supervivencia.

No recuerdo cuando fue la última vez que vi 'El núcleo'. Pasados los años la experiencia cinéfila puede hacer cambiar a una persona y desconectar o conectar aquellas películas que vimos. En este caso voy con lo segundo, a pesar de su simple argumento sabe como ir paso a paso desde la presentación de los personajes hasta la misión sin tener que aburrir y no haciendo que sobre nada.

Roland Emmerich tiene el doctorado de este cine de catástrofes; sin embargo, Jon Amiel se sacó un máster solamente con esta peli.

7

SINOPSIS: Thad Beaumont es un escritor que estuvo publicando, bajo el pseudónimo de George Stark y durante años, novelas de terror que narraban las matanzas del psicópata Alexis Máuina. Una vez conseguida fama y dinero, y con una preciosa familia compuesta por su atractiva esposa y dos gemelos, Beaumont decide que ya no necesita a su doble en su ascendente carrera literaria, por lo que decide desenmascarar al mundo su personaje. Pero pronto descubrirá que no es nada fácil deshacerse del fantasma que creó a lo largo de los años.


CARIÑO, HA DESPERTADO MI PARTE OSCURA

Cuando uno piensa en George A. Romero suele pensar instantáneamente en muertos vivientes haciendo estragos. En esta ocasión, 'La mitad oscura' no trata el tema de los zombis, si bien tiene algo que ver con ese tema. Un tema sobre 'muertos' vivientes que adapta la novela homónima de Stephen King, cuya motivación fue una especie de respuesta a la revelación de que King firmaba muchas novelas con un tono más oscuro bajo el seudónimo de Richard Bachman.

Para la adaptación cinematográfica (rodada en 1990, pero estrenada en 1993 por la muy difícil situación económica de Orion Pictures, compañía productora del filme) se contó con Romero, el siempre efectivo Christopher Young en la banda sonora y un reparto con nombres de sobra conocidos como son Timothy Hutton, Michael Rooker o Amy Madigan, de moda ahora por la muy reciente 'Weapons', entre otros. No se puede decir que eran unos mindundis, desde luego.

¿El problema? La falta de un factor sorpresa. Si has leído la novela antes de ver la película puedes imaginar por donde van a ir los tiros. En caso contrario, puede sorprender un poco, aunque sin volar absolutamente la cabeza pues las cartas se van revelando demasiado pronto y solo queda saber como va a acabar todo el tema de Thad Beaumont y George Stark.

El guion firmado también por George A. Romero deja algunas secuencias con sustos y tramos de investigación interesantes, mas sus defectos hacen que la adaptación no tenga todo el efecto que podría haber tenido de haber orientado la historia de otra forma. El elenco, eso sí, es bastante cumplidor. El triunvirato Hutton/Rooker/Madigan sostiene el relato sin problemas, subrayando especialmente el doble papel del ganador del Oscar por 'Gente corriente'. También la banda sonora de Young pone un poquito de su parte para dar atmósfera a algunas secuencias.

No definiría este largometraje como decepcionante, pues tampoco esperaba gran cosa sabiendo que el paso del tiempo ha hecho que cayese un poco en el olvido. Sí que había una base para extraer un resultado más positivo y dejar con un mejor sabor de boca del que realmente es; un sabor ciertamente agradable que no engancha.

5

SINOPSIS: El ejército británico contrata a un grupo de mercenarios y les encomienda una misión en la zona del Sahara ocupada por las tropas nazis: destruir los depósitos de combustible alemanes, sin los cuales Rommel, el Zorro del desierto, no podría llevar a cabo sus planes. El ejército británico confía el mando de la misión al coronel Masters, un experto en combustibles.


MISIÓN INGRATA

Diría que en una guerra poco espacio para la lógica hay y existe mucha locura alrededor, aunque haya tenido la fortuna de no vivir ninguna de primera mano -y espero no tener que vivirla, pero en estos locos tiempos nunca se sabe- y alguna vez que otra incluso se puede ser injusto con los héroes de la contienda; los que defienden el bien sobre el mal. De eso va principalmente 'Mercenarios sin gloria'.

Protagonizado por un ya conocido por aquel entonces Michael Caine, la historia relata una operación para destruir depósitos de combustible en la zona del Sahara ocupada por los nazis. Lo realmente importante en este caso es más el viaje que el destino, pues el relato poco a poco irá evolucionando hacia algo distinto de lo planteado inicialmente.

Michael Caine interpreta al capitán Douglas, un empleado de la British Petroleum adjunto a los Ingenieros Reales (una rama del ejército británico) que lidera a un grupo de mercenarios encargados de volar el depósito. Con uno de ellos tendrá un choque de personalidades, el que interpreta Nigel Davenport, el capitán Cyril Leech, en el que estarán condenados a entenderse por el bien de la misión. Una misión ingrata como se irá viendo durante el paso del metraje.

Llama la atención el relato en el que deja un poco de lado el ser una cinta bélica al uso para pasar a ser una historia con moraleja y, además, tocar de fondo el tema de la homosexualidad de forma muy sutil, aunque cuando hace acto de presencia es inconfundible. El dúo Michael Caine/Nigel Davenport sostiene el filme sin muchos problemas, pues son dos grandes actores como demostraron después a lo largo de los años, y el plantel de secundarios no se lucen demasiado, pero cumplen.

El húngaro André De Toth realizó esta la que sería su penúltima película con una factura sólida en la dirección de escenas y de actores. Se echa de menos algo más de banda sonora que no le habría venido mal; si bien no creo que el resultado hubiese sido muy distinto. Para los que somos admiradores de Michael Caine (y por el "somos" me incluyo), este trabajo suyo no saca su mayor talento; sin embargo, su actuación como el muy profesional capitán Douglas pasa el aprobado sobradamente.

6

SINOPSIS: En el año 2020 el comandante Luke Graham es seleccionado para dirigir la primera misión tripulada de la NASA a Marte. Una vez en el planeta rojo, descubre una antigua estructura con forma de domo que parece ser una especie de baliza. El domo mata a la tripulación y deja herido a Luc. El coronel Jim McConnell, recientemente enviudado, encabezará la segunda misión de rescate.


LA CARA

El último año del siglo XX fue para Brian De Palma el que vio su primera, y seguramente última, incursión al espacio exterior en el que también salió una producción con Marte de protagonista llamado 'Planeta rojo'. Para el director de 'El precio del poder' o 'Carrie' la carta ganadora parecía tenerla él, pues volvía a tener a Ennio Morricone en la banda sonora tras 'Corazones de hierro' y 'Los intocables de Elliot Ness' y contaba con un reparto con caras tan conocidas como Gary Sinise, Tim Robbins, Don Cheadle, Connie Nielsen o Armin Mueller-Stahl.

Sin embargo, al igual que la primera expedición en este filme, la experiencia fue fallida.

El filme sabe establecer bien la presentación de los personajes en la escena inicial de la barbacoa y el primer vistazo en Marte tiene un trozo que parecía presagiar que estaríamos ante un filme de terror espacial donde la amenaza no se sabía que forma ni intenciones tenía; sin embargo, de ahí en adelante, la cinta cae en picado aterrizando de forma forzosa en un aprobado raspado.

Todos los personajes tienen su razón de ser y es de agradecer que les den su protagonismo a cada uno de ellos, pero llega un momento en el que el guion escrito entre John y Jim Thomas (ambos involucrados en las dos primeras entregas de 'Depredador') y Graham Yost se pierde demasiado en los humanos perdiendo de vista la amenaza presentada para los astronautas, lo cual me parece que es desaprovechar gravemente el potencial que tenía esta película para impactar mucho más de lo que lo hace realmente, que es poco.

La parte final que involucra a 'La Cara' hace sentir que se ha venido para nada, aunque reconozco el ingenio para llegar a esa conclusión se percibe un pinchazo, y la experiencia pierde enteros. El maestro Morricone intenta que la producción no se caiga con todo el equipo y lo consigue con algunos apuros, si bien regala parte de su maestría en la mencionada parte final.

La dinámica entre el reparto, la presentación que llega hasta la primera expedición a Marte, alguna escena dramática de después y la música de Ennio hace que el viaje no sea un descalabro absoluto. Que duda cabe de que con tales nombres tanto delante como detrás de las cámaras había mimbres para bastante más de lo que se vio. Incluyendo unos efectos visuales que 25 años después cantan un poco.

Spoiler

Me llamó poderosamente la atención como en la primera expedición fallecen tres de los cuatro tripulantes -más tarde se revela que el personaje interpretado por Don Cheadle sobrevive gracias a la comida y oxígeno que le da el invernadero- y en la segunda expedición es como si los fallecidos no les importaran, pues llegan a bailar en gravedad cero en una secuencia que pretende ser cómica, aunque venimos de un desastroso primer viaje. Coherencia cero.

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5

SINOPSIS: Durante la Edad Media, la Inquisición rusa condena a muerte a una pareja de amantes que practican la brujería y los ejecuta poniéndoles una máscara con púas en su interior. Siglos después, sus ataúdes son encontrados y abiertos por dos viajeros. Al retirar las máscaras de los cadáveres, los brujos vuelven a la vida y siembran el pánico entre los habitantes del lugar.


ESPERABA COBRE Y ENCONTRÉ ORO

Hacía siete años que vi mi primera película con autoría de Lamberto Bava bajo el título de 'Terror en el espacio'. No recuerdo mucho de ella, pero a juzgar por el 5 que le di no debió dejarme muy entusiasmado que digamos. Siete años después, 'La máscara del demonio' es la segunda oportunidad a su filmografía y ha sido como el día y la noche.

Protagonizada por Barbara Steele en un papel doble como la princesa Asa Vajda y como la principal amenaza Katia Vajda, tenemos una historia de vampirismo, romance y venganza mezclado como como la bebidas de James Bond y no agitado en el que esperaba una cierta carencia de medios por la época del filme y que no estamos ante la meca del cine de Hollywood, sino ante cine italiano, la cual no tiene tantos. No obstante, la sorpresa ha sido mayúscula, incluso en maquillaje donde se podía esperar dichas carencias.

La historia no tiene mucha ídem. Una inquisición en la Edad Media que quema y castiga con máscaras con pinchos por dentro a una pareja de amantes en la que ella jura venganza, aunque se hace esperar bastante hasta dos siglos después y debido a un accidente del Dr. Thomas Kruvajan, quien viajaba de camino a un congreso médico junto a su asistente, el Dr. Andre Gorobec, que acuden a visitar la cripta donde descansaban los restos de Asa. A partir de ahi, se arma el follón.

Un follón contando con un guion firmado por Ennio De Concini, Mario Serandrei y el propio Bava en el que establecen un atractivo inicio, un muy buen nudo y un buen desenlace en el que las historias del pasado y el presente conjugan en una misma narrativa en el que también hay espacio para el romance que impulsa al Dr. Gorobec a derrotar a las fuerzas del mal. Me llama especialmente la intención como el personaje de Katia es capaz de ser tan amenazante sin moverse de la cripta durante bastantes minutos.

Dentro del vampirismo hay filmes que hacen lucir mejor a estos seres sobrenaturales (aunque aquí el maquillaje vampírico luce mejor de lo que esperaba), pero aquí lo que hacen lo hacen especialmente bien en guion, maquillaje y una banda sonora de Roberto Nicolosi y Les Baxter que funciona transmitiendo notablemente la tensión y teniendo momentos donde se funde con el sonido de la escena. Sinceramente, se transforma en una de mis películas favoritas sobre vampirismo.

8

SINOPSIS: La noche de los Oscar, ¿quién ganará?, ¿quién perderá?, y por favor, ¿puede alguien quitar a ese imbécil del escenario? ¡Esperen! No se trata de un imbécil normal y corriente. Es el Teniente Frank Drebin, destrozando la ceremonia para detener un plan terrorista que podría ser su final... Y va a convertirse en el principio de toda una locura.


EL ÚLTIMO SERVICIO DE FRANK DREBIN

El teniente Frank Drebin aún tenía una última bala en la recamara en forma de aportar una dosis más de ley y caos en los Estados Unidos y en 1994 el mundo sería testigo de su crespúsculo de la mano de un nuevo director como es Peter Segal ('Ejecutivo agresivo'), quien reemplaza a David Zucker y que, opinión personal, no le llega al bueno de Zucker.

El ya tristemente fallecido Fred Ward es el villano de la función, quien interpreta a un terrorista que pretende armar un follón en la ceremonia de los Oscar, aunque el personaje interpretado por Leslie Nielsen puede hacerlo igual de bien y, de hecho, así pasa, para sorpresa de absolutamente nadie.

Repiten los imprescindibles Priscilla Presley, George Kennedy y un O.J. Simpson, quien no tardaría mucho en tirar su carrera y su vida a la basura por lo que muchos ya sabrán, más algún secundario como el doctor de la comisaría o el actor Joe Grifasi, actor que ya apareció en la primera y que aquí interpreta a un personaje totalmente diferente como director de la realización televisiva de la ceremonia de los Oscar. Nombres que repiten y una trama que repite y que ya empezaba a notar un poco de agotamiento.

La cinta empezó bien con la parodia de la escena de 'Los intocables de Eliot Ness' y más adelante con la secuencia de la clínica de donación de esperma (sin olvidar el mítico momento del 'facepalm' al unísono que ha dado para memes), pero algunas cosas ya se sienten poco novedosas como una nueva crisis entre Drebin y Jane y algún gag ya visto en entregas anteriores. La aparición de diversos famosos no supone ningún punto positivo más allá de la simple curiosidad.

A pesar de todo, esta última entrega hasta la nueva secuela de este año no es ni mucho menos un esperpento. Aún hay momentos de buena comedia como los ya citados, los homenajes de otras películas están introducidas de forma inteligente y no dura más de lo necesario, siendo incluso más corta que las anteriores dos secuelas. No es un broche de oro, pero es un punto y aparte muy digno.

6

SINOPSIS: El inefable y patoso teniente de policía Frank Drebbin ha vuelto para para salvar a la ciudad. Pero en esta ocasión tiene que enfrentarse a los villanos de la industria energética. Un importante científico, el doctor Mainheimer, está a punto de publicar un informe sobre las reservas de energía que quedarán en el futuro Sus pesimistas previsionesque perjudican a los dueños de las industrias del petróleo, el carbón y las centrales nucleares. Así que los empresarios afectados secuestran a Mainheimer y lo reemplazan por un doble más favorable a sus intereses. Drebbin debe entrevistar a Jane, la secretaria del doctor, y la vieja pasión de ambos renacerá de sus cenizas.


FRANK DREBIN: HÉROE NACIONAL, PATOSO DE LEYENDA

'Agárralo como puedas' fue un éxito en taquilla (78 millones de dólares a nivel mundial) y era difícil decir que no a no ver nunca más a Frank Drebin armando el caos en nombre de la ley, así que tres años después, el más grande volvió.

El nuevo villano tiene el rostro de Robert Goulet, a quien no tengo el gusto de haber visto nada suyo que yo recuerde. Él juega un papel como alguien que busca favorecer sus intereses en la energía nuclear por encima de la renovable y para eso pasará por encima de quien sea. Afortunadamente para el mundo (y para el seguro por daños) Frank Drebin está a la caza.

Una trama normalita, pero que esconde una continuación de gags tan buena como en la cinta original, incluso sin tirar de gracietas infantiles que me sacaban un poco en la película anterior. Sí que hay algunos momentos donde se tira hacia la exageración como cuando Nordberg pasa de vehículo en vehículo o el doctor Meinheimer sufriendo golpes en la cabeza, mas la mayoría de ellos son bastante ingeniosos o con diálogos con buenos golpes como el embarazo de la mujer del capitán Hocken, entre otros momentazos que no quiero arruinar para quienes no lo hayan visto aún.

La dirección de David Zucker y la química de su elenco son también parte indispensable del resultado muy positivo. Sin estos elementos, el guion no habría funcionado tan bien, especialmente contando con la presencia de un Leslie Nielsen que se maneja como pez en el agua en este personaje demostrando su don para el género de la comedia.

Sé que se cambió de director para la tercera entrega (Peter Segal) y muchas veces cuando una saga sufre cambios de nombres no suele salir bien, pero eso ya es para cuando llegue su momento.

7

SINOPSIS: Tras la muerte de su compañero Nordberg en un tiroteo protagonizado por una banda de narcotraficantes, el incompetente teniente Frank Drebin busca al jefe de la organización para vengarse. Sospecha del magnate naviero Vincent Ludwig, pero no tiene pruebas para inculparlo. Sin embargo, de manera inesperada, consigue la ayuda de Jane Spencer, una antigua novia de Ludwig.


SEGUNDAS OPORTUNIDADES A VECES SON LAS BUENAS

Aunque no fue la primera experiencia en la comedia de Leslie Nielsen (ya venía de hacer 'Aterriza como puedas'), el papel del teniente Frank Drebin seguramente es el personaje por el que se más se recordará al actor ya fallecido en el año 2010. Gracias al triunvirato ZAZ (David Zucker-Jim Abrahams-Jerry Zucker) por haberle permitido dar ese paso, el espectador ganó a un as de la comedia; alguien no experto en la materia, pero con un don que no había sido descubierto.

Nielsen encarna en estas tres películas (cuatro, ya que el filme protagonizado por Liam Neeson y Pamela Anderson es secuela y no un simple 'remake') a Drebin, un teniente al que podrían llamar como en aquella película con Sylvester Stallone, 'Demolition Man', ya que suele armar más caos que ayudar a hacer el bien por su torpeza. No hay más que ver cuando va a visitar a Nordberg al hospital haciendo estragos con la camilla y poniendo de los nervios a la esposa.

En esto de los filmes cómicos, uno no siempre tiene que conectar con todo. El sentido del humor es subjetivo y uno en una misma secuencia puede reírse o pensar que le hace tanta gracia como pillarse los dedos con una puerta. En mi caso particular, sí que me han gustado muchos gags vistos aquí como los de la ya mencionada secuencia del hospital, el tramo de Enrico Pallazzo, o aquella secuencia en el aeropuerto y la rueda de prensa con el cameo de "Weird Al" Yankovic.

Hasta que no me decidí a ver este largometraje no supe que venía de una serie de TV llamada 'Police Squad!', que solamente duró seis episodios por su poco éxito y protagonizado también por Nielsen en el mismo personaje. Cuando parecía que ese personaje se perdió para siempre, se le dio una segunda oportunidad en forma de película y con él revitalizar a Drebin y consolidar al actor canadiense dentro de la comedia, dando a su carrera una nueva vida pasados los 60 años gracias a su reinvención como intérprete cómico.

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