- Comienza el rodaje de 'Caza mayor', nueva película original de Movistar Plus+ dirigida por Daniel Sánchez Arévalo

SINOPSIS:
Frente oriental, 1943: La dotación alemana de un tanque Tiger se embarca en una peligrosa misión tras las líneas enemigas.


CRÍTICA: La bestia de la guerra

Una de tanques. Una de guerra, de la II Guerra Mundial. Aunque para variar, con los alemanes como protagonistas. Como los teóricos "buenos" de un relato que les respeta.

'Der Tiger (El tanque)' nos traslada al frente oriental de Alemania a principios de 1943, justo después de la derrota de Stalingrado (como se nos muestra en su prólogo). Sus protagonistas, la dotación alemana de un tanque Tiger, a quienes se les encomienda una peligrosa misión tras las líneas rusas, donde además de enfrentarse "al enemigo" tendrán que hacer frente "a sus propios fantasmas del pasado".

'Der Tiger (El tanque)' es, por simplificar, una de tanques; una de guerra, de la II Guerra Mundial para ser más concretos. Aunque para variar con los alemanes como protagonistas. Como "los buenos" del relato, si bien llegado el caso da lo mismo, que da igual. Es una de la II Guerra Mundial en la que sus protagonistas, alemanes y no nazis, se enfrentan a un enemigo sin rostro, alma, personalidad o humanidad.


Para el caso, como si fueran los norteamericanos de 'Corazones de acero'; para el caso, como daba un poco igual que los protagonistas de 'La bestia de la guerra' fueran rusos. Para los que cumplen órdenes la guerra, al fin y al cabo, se trata de sobrevivir. Nosotros o ellos. En el caso de 'Der Tiger (El tanque)' su título lo deja claro: A bordo de un tanque en el que sus protagonistas hacen lo que pueden.

Aunque sólo sea sobrevivir un día más, aunque sólo sea para cumplir con su misión... aunque sea porque no les queda otra opción, por más que ellos todavía no lo sepan.

El nuevo filme de Dennis Gansel, director de 'La ola', 'Mechanic: Resurrection' o quizá no por casualidad once episodios de 'Das Boot (El submarino)', es una producción tan competente, seria y solvente como lo puede ser la mencionada serie inspirada en el mítico y prominente filme de Wolfgang Petersen. También, un acercamiento a la II Guerra Mundial desde el punto de vista de "los malos habituales".

Como lo puede ser la citada serie, un filme que cumple más que de sobra, con sobrado honor y dignidad con el subgénero por el que combate. Que gustará a los que gusten de la guerra y los tanques desde la comodidad de su sofá... aún a pesar de su innecesario y controvertido giro final. Quizá no tan rotunda como para convertirse en un referente, pero sí lo suficiente como para rememorar con cariño.

Con el mismo cariño que hoy en día podemos rememorar otras películas bélicas europeas como 'Stalingrado' o 'T-34 Héroes de acero' que nos recuerdan que la guerra, básicamente y en resumen, consiste en intentar sobrevivir, al menos un día más.

Nota: 6.75


Lo Mejor:
- Su solvencia narrativa

Lo Peor:
- Su innecesario giro final

SINOPSIS:
Cuenta la historia de dos músicos en crisis que deciden formar una alegre banda tributo a Neil Diamond, Lightning & Thunder.


CRÍTICA: Película tributo

Dos músicos de poca fortuna se lanzan con ilusión a formar una banda tributo a Neil Diamond, demostrando que nunca es demasiado tarde para encontrar el amor y cumplir tus sueños...

La nueva película del responsable del remake de 'Footloose' o de la secuela de 'El príncipe de Zamunda' no es, exactamente, la película que podría parecer que es, ya que bajo su aparente buen rollo musical se esconde un melodrama... y sigue siendo una nostálgica comedia pop "para boomers", pero sin dejar de ser también un drama sentimentaloide, en una suerte de tragicomedia musical clásica en la que la comedia y la tragedia no terminan de hacer buenas migas.

El recuerdo de películas como 'Million Dollar Baby' está presente, si bien en 'Song Sung Blue - Canción para dos' no se puede considerar un espóiler. Tampoco una traición o un golpe bajo, ya que forma parte de la esencia y ADN de la historia. Una historia que funciona por sí misma, respaldada además por dos intérpretes cuya energía, química y musicalidad lima buena parte de las asperezas de un relato que no termina de encontrarse el punto a sí mismo.


No por ello 'Song Sung Blue - Canción para dos' deja de ser convincente, sonar medianamente bien o de funcionar en una medida más que respetable. Más, lo hace de forma algo inestable mientras alterna tonos, subtramas, géneros y música de manera un tanto brusca, en un difícil equilibrio que repercute en la fluidez, impacto y calado de un filme que alcanza las dos horas de metraje.

Una película, recordemos, inspirada en un documental que dura media hora menos; una película con apariencia de biopic musical (aunque no sea un biopic musical propiamente dicho) que no se hace fuerte en ningún elemento concreto. Obviamente, al margen de Hugh Jackman, Kate Hudson, Neil Diamond... y Eddie Vedder. De sobra para dar la cara, pero insuficiente como para trascender.

Como para ser algo más que una muy cumplidora y resultona "película tributo" que lo es más por sí misma, que porque el también responsable del remake de 'Footloose' o de la secuela de 'El príncipe de Zamunda' le haya aportado ese brillo en la mirada que marca la diferencia, que permite que una canción o un filme se nos clave en el corazón y la cabeza. Que se le pueda rendir... tributo.

'Song Sung Blue - Canción para dos' no es una imitación, pero se disfruta de una manera similar. Es un alegre y honesto melodrama musical "para boomers" que nunca deja de ser convincente, sonar medianamente bien o de funcionar en una medida más que respetable. Sin embargo, ha preferido (des)centrarse en el repertorio para todos los públicos en lugar de ir a degüello a por sus fans.

Nota: 6.75


Lo Mejor:
- La química de Hugh Jackman y Kate Hudson

Lo Peor:
- La historia sobrepasa las capacidades de su director

SINOPSIS:
Comedia dramática sobre un actor estadounidense (Brendan Fraser) que lucha por encontrar un propósito en la vida en el Tokio actual.


CRÍTICA: Estamos viendo la Fox

¿Qué fue antes, la película o Searchlight Pictures? ¿La pelicula encajó en el logo, o el logo fue el que encajó la película? No sé si será (sólo) la expectativa que genera el nombre de Searchlight, pero 'Rental Family (Familia de alquiler)' encaja a la perfección con lo que solemos esperar, mayormente, que sea una película de Searchlight.

Con o sin la Fox al mando.


Del mismo modo que encaja con el Brendan Fraser actual, más maduro y serio; más a la altura de un ganador del Oscar que del cómico de brocha gorda que se hizo un nombre (y un hombre) en los años 90. Una "dramedia" complaciente y manipuladora que funciona, con Searchlight de por medio a la medida que se espera que lo haga.

Esto es, funciona. Sin aburrir, con un cierto encanto y presencia; pero sin asumir riesgos ni darle ninguna vuelta de más a su premisa. Hasta el punto de que su buenismo, a pesar de haberse rodado en Japón (y mayoritariamente en japonés), se siente igual de artificial y empaquetada que si lo hubiera hecho en un estudio de Estados Unidos.

Nota: 6.0


Lo Mejor:
- Funciona...

Lo Peor:
- ... aunque no sorprende

SINOPSIS:
'La cronología del agua' se sumerge en la vida como nadadora de Lidia Yuknavitch en un entorno desgarrado por el alcohol y la violencia.


CRÍTICA: La insoportable levedad del ser

¿Kristen Stewart sólo se ha sacado una espinita, o sin embargo pretende que 'La cronología del agua' sea la primera de unas cuantas?

La actriz se vuelca, se entrega a esta intensa (e intensita) adaptación de las memorias de Lidia Yuknavitch. En la práctica, una historia de supervivencia, expresión personal y amor propio a partir de los escombros de su problemática juventud donde la vida, su vida queda expuesta, desnuda. Una vida que navega y trasciende el abuso paterno, la adicción, la depresión, la autodestrucción, el deseo, el poder sanador del nado o la insoportable levedad del ser.


La vida de una feroz inadaptada, insatisfecha e inconformista a través de la natación, de la escritura, de la vida o el amor (libre, propio o ajeno) a la que Stewart se entrega (detrás de las cámaras) como si fuera la propia Yuknavitch. Tanto como lo hace Imogen Poots frente a ellas. Se palpa que es algo personal a lo que ambas han puesto más que ganas, sumergiéndose en el farragoso caos desenfrenado y atropellado del que con una sobredosis de nervio y emoción, piensa mucho más rápido de lo que habla.

Del que se lanza a hablar, desbocado y desbordado, sin afilar antes un discurso concreto y estructurado que pueda encajar en una dinámica más o menos establecida. Sin separar la paja del grano. Es, un poco, yo lo suelto todo, según me venga, y usted luego ya vera. Aunque por esta quebradiza fragmentación, a fuerza de insistir, tras casi dos horas de deriva retroexperimental, termine siendo demasiado obvia y redundante, autoindulgente y cargante.

No tanto una declaración de intenciones, como en apariencia un peso que a grito pelado Stewart también necesitaba quitarse de encima.

Nota: 5.75


Lo Mejor:
- La entrega de Imogen Poots

Lo Peor:
- Su agotadora persistencia

- Tráiler y cartel de 'Tow'

SINOPSIS:
Con la vida literalmente derrumbándose a su alrededor, Linda intenta lidiar con la misteriosa enfermedad de su hija, su marido ausente, una persona desaparecida y una relación cada vez más hostil con su terapeuta.


CRÍTICA: La maternidad es una perra

Su título original puede inducir a error, ya que "If I Had Legs I'd Kick You" remite a otra temática y a otros títulos como 'No te preocupes, no llegará lejos a pie'. Mucho más acertado su título español, 'Si pudiera te daría una patada', ya que resume perfectamente el sentir de su protagonista, una mujer desbordada por el trabajo, el cuidado de su hija con una enfermedad misteriosa, la ausencia de su marido o una casa difícil de habitar.

La segunda película de Mary Bronstein es, dicho a pelo, un crudo retrato teñido de abrasivo humor negro sobre las complejidades y locuras propias de la maternidad. Algo así como el reverso tragicómico y poco complaciente de 'Canina' en el que realmente la "maternidad es una perra". En esta película sí que lo es, ciertamente, en una intensa, enérgica y estresante representación del "cómo ser madre y no morir en el intento".


Tanto como lo es la notable y entregada interpretación de Rose Byrne, en una de esos filmes que parecen ideados sólo para el lucimiento de su protagonista que, en su caso, además, establece un contraste muy curioso con su labor en la mucho más amable y buenista 'Platónico'; el tipo de papel de la simpática y amable vecina de al lado que tanto parece le pega... a la que la maternidad, esa perra, ha terminado sacando de quicio.

Pero, 'Si pudiera te daría una patada' es un retrato ácido, crudo y amargo de una maternidad desbordada por las circunstancias en el que no sólo brilla Byrne, por más que todo el peso recaiga sobre ella; también lo hace la enérgica y desaforada sensibilidad con la que Bronstein lo transforma en un agobiante relato de terror cotidiano sustentado en la rutina sobre la que gira nuestro día a día y el pánico a aquellos que más amamos.

Una sensibilidad capaz de quedar resumida en un solo plano, el último, y que pone la rubrica de oro a una película tan sólida y solvente como convincente y eficaz a la hora de contar lo que cuenta. Algo tan simple y a la vez tan potente como para poder resumirse en una mirada. Un gesto muy sencillo y cotidiano que, sin embargo, en el contexto adecuado, como el que construye Bronstein, puede resultar tan expresivo como emotivo.

Nota: 7.0


Lo Mejor:
- La sentida interpretación de Rose Byrne

Lo Peor:
- Quizá esté demasiado cerca de ser un "one woman show"

SINOPSIS:
La enfermera Floria ejerce su profesión con pasión y rigor en la planta de cirugía de un hospital suizo...


CRÍTICA: Para la enfermera, con cariño

La nueva película de Petra Biondina Volpe comienza con Leonie Benesch de camino al hospital en el que trabaja como enfermera... y termina con Leonie Benesch de regreso a casa. A grandes rasgos como en 'The Pitt'. Entre medias, un intenso turno en lo que se presupone es, a grandes rasgos, su día a día. Una rutina laboral que, lo habrán adivinado, es de todo menos fácil y sencilla. Nunca parece serlo en según qué mundillos con tendencia a las malas experiencias.

Como en 'The Pitt', aunque a decir verdad 'Turno de guardia' no se parezca en nada a la serie de HBO Max... salvo por desarrollarse en un hospital durante un solo turno. Fuera de eso, la intención es bastante diferente, ya que esta película suiza tiene, obviamente, una sensibilidad más europea; más realista y menos idealista. Y un carácter más social, crítico y reivindicativo. No pretende ser un complaciente espectáculo televisivo, sino mostrar el estrés de la cruda realidad.


'Turno de guardia' comienza con Leonie Benesch de camino al hospital, y termina con Leonie Benesch de regreso a casa. Por descontado, ya no es la misma. Como tampoco lo era al final de 'Sala de profesores', asociación imposible de pasar por alto. Al igual que en aquella, la cámara "persigue" a la actriz constantemente, en otro papel de entregada profesional que intenta ejercer con pasión y rigor. Pero la vida es complicada. En un hospital, aún más.

En especial, en uno de esos días que son de todo menos fáciles y sencillos. Uno de esos días que nos ponen a prueba, como persona y como profesional. En una de esas películas ágiles, dinámicas, fluidas que absorben nuestra atención de manera harto eficaz y orgánica. Puede que en el fondo no cuente nada que no demos por sentado a poco que prestemos atención al mundo que nos rodea, uno en el que nosotros, las personas, han dejado de ser lo más importante.

Un tema por otro lado recurrente que al margen de las distintas variaciones sanitarias, de la citada 'The Pitt' pasando por la notable 'Código 3', podemos resumir bajo un sólo epígrafe: esa puñetera vocación de la que somos tan esclavos como víctimas, en un mundo precario e interesado donde nadie da duros a pesetas. 'Turno de guardia' es, básicamente, lo que promete, uno de esos días en un hospital tan entretenidos de ver, tan complicados de vivir.

Nota: 7.0


Lo Mejor:
- Leonie Benesch

Lo Peor:
- La sensación de que aún estando bien, no termina de darlo todo

SINOPSIS:
Paul es un padre de familia ejemplar y el dueño de una empresa de construcción naval. Durante uno de sus habituales baños en el mar, es testigo de un extraño suceso meteorológico. A partir de ese momento, el hombre empieza a encogerse sin explicación científica posible...
 

CRÍTICA: El curioso caso de Jean Dujardin

Esta nueva versión francesa del clásico relato de Richard Matheson ya no lleva el "increíble" en su título. Un detalle no tan anecdótico como puede parecer, ya que la película termina siendo eso mismo: una anécdota sobre un padre de familia que día a día va menguando... sin que, por cierto, a nadie de su entorno parezca llamarle especialmente la atención.


Son cosas que pasan. Como por ejemplo lo de 'El curioso caso de Benjamin Button', si bien, a diferencia del filme de David Fincher, 'El hombre menguante' lo presenta y narra de una manera tan higiénica como desapasionada que además no destaca por su lógica interna, ni sobre todo por tener algún destino al que dirigirse. Son, lo dicho, cosas que pasan.

Menguar, por el mero hecho de menguar. Jean Dujardin mengua día a día, hasta que en la pantalla pone fin y uno constata que lo que ha empequeñecido de verdad es esta "no increíble" producción, tal vez muy competente en lo técnico, pero también demasiado corriente y sin nada grande o pequeño que contar. Menguar... por el mero hecho de menguar.

Nota: 5.75


Lo Mejor:
- ¿Su corrección?

Lo Peor:
- Simplemente acaba... y se acaba

SINOPSIS:
Adaptación cinematográfica de los cuentos "El carrito" y "La virgen de la tosquera" de Mariana Enríquez, ambos incluidos en la colección de relatos "Los peligros de fumar en la cama".


CRÍTICA: Te va a dar igual su nombre

No sé hasta qué punto es una descripción acertada, pero es la impresión que ha dejado en mi cabeza: 'La virgen de la tosquera' es una especie de 'Carrie' de marca blanca.

Aunque su protagonista no tiene poderes telequinésicos, sino que es una aprendiz de bruja que intenta disfrutar de su adolescencia en la Argentina del verano de 2001.


Un año relevante en la historia del país sudamericano, siendo que el contexto se supone que es importante. Se supone, como se suponen tantas otras cosas en este cruce entre historia iniciática y coming-of-age tan en apariencia rutinario, liso y trivial.

Puede no ser más que la apariencia, como en apariencia 'Carrie' no es más que un largo preámbulo hasta la icónica escena del baile que le da sentido y gracia. En 'La virgen de la tosquera' es todo tan chico, que su final ni pesa ni aún menos compensa.

Nota: 5.0

SINOPSIS:
Yuri, una joven rebelde de la remota isla de Carpathia, es educada para temer a las criaturas nocturnas del bosque, los Ochi.


CRÍTICA: Peluchito

Las bondades de la ópera prima de Isaiah Saxon saltan a la vista, siendo obvio que no es su primer rodeo. Este director de videoclips da el salto al cine de la mano de A24 con 'La leyenda de Ochi', una aventura de fantasía, de corte se supone que familiar, de estupenda apariencia y muy atractiva a nivel visual que logra mucho con muy poco (tan sólo 10 millones de dólares de presupuesto).


Es lo más relevante de 'La leyenda de Ochi', toda vez que tras un inicio vibrante y muy prometedor esta enésima revisión de 'E.T., el extraterrestre' -con peluche animatrónico incluido- pierde fuelle según avanza y abraza la perezosa convencionalidad. Poco a poco, pero de manera evidente e inexorable.

No ayuda que sea demasiado adulta para los niños y a la vez, demasiado infantil para los adultos, en un decrescendo con un claro problema de tono que su honesta y exquisita rubrica artesanal con ecos a 'Cristal oscuro', o la siempre subyugante presencia de Willem Dafoe no se bastan para compensar.

Nota: 6.0


Lo Mejor:
- La intensidad de su comienzo, y lo bien que luce para haber costado sólo 10 millones

Lo Peor:
- Claramente, de más a menos

SINOPSIS:
Linda Liddle y Bradley Preston, dos compañeros de trabajo que se encuentran abandonados en una isla desierta tras ser los únicos supervivientes de un accidente aéreo.


CRÍTICA: Mejor Wilson que mal acompañado

De los guionistas de 'Freddy contra Jason', 'Viernes 13' y 'Baywatch: Los vigilantes de la playa'. Disfruto mucho de las dos primeras, pero así leído de primeras, a nivel de historia, hay que admitir que no suena especialmente prometedor... desde luego, no tan bien como suena "una película de Sam Raimi", por más que dé la impresión de que el cineasta lleve muchos años sin estar a la altura de su buen nombre...

Ya desde su título, 'Send Help (Enviad ayuda)' parece un grito de socorro de un Raimi que parece secuestrado por la industria. Una suerte de reinterpretación de 'Seis días y siete noches' como comedia negra en la que el creador, por siempre jamás de 'Posesión infernal', parece asomar sólo cuando el productor se ha ido a mear. Como ese niño de papá que sólo es travieso cuando papá no mira, no vaya a perder su favor.


Travesurillas muy bienvenidas que amenizan un relato harto consecuente. Josh Brolin lo explicaba muy bien en 'El hombre sin sombra': Saimi necesita de la B para pasar de la A a la C. Esto es, uno la ve venir desde Cuenca; aún más si cabe debido a la relativa parsimonia nada sutil con la que Raimi se toma un relato que apenas evoluciona. Finjamos sorpresa mientras todo se desarrolla según se nos ha ido dando tiempo a sospechar...

La certeza es el peor enemigo de 'Send Help (Enviad ayuda)', a la que también podríamos definir como un 'Naufrago' con un jefe capullo en lugar de Wilson. Sin signos evidentes de civilización a la vista, acaba siendo un largo preámbulo a la espera de que llegue lo que desde el principio, como si fuera una película de superhéroes, uno tiene claro que va a llegar. Hasta que por supuesto llega. Y luego la película va, y se acaba. Y ya.

Como si nada, dejando tras de sí cuatro o cinco momentos "muy Raimi" un tanto dispersos que no agarran. Un oasis dentro de una de esas películas, o más bien producciones, que demandaban "irse de madre" como es muy dífícil que un gran estudio hoy en día lo permita. Lo vimos en 'Los Rose' también de la Fox, siendo que 'Send Help (Enviad ayuda)' también se podría plantear como 'La guerra de los Rose' en una isla inhabitada.

Sea como fuere, salvo en momentos a la postre puntuales, 'Send Help (Enviad ayuda)' no sorprende; si acaso, por la fe del cineasta en un CGI que canta tanto como lo hacen sus giros argumentales. Un CGI que pone en evidencia lo que tendría que haber sido una pequeña y juguetona película a descubrir en un festival de cine, tal vez realizada por una joven promesa sin miedo al qué dirán y con ganas de comerse el mundo.

Sin embargo, Raimi se lo toma con seriedad, la debida cuando uno trabaja a sueldo para un gran estudio que no quiere polémicas innecesarias. Sí, hay algo de grotesca violencia marca de la casa. Y entre medias de la publicidad, como se suele decir, un poco de película. Una que rara vez se desafía a sí misma, a su premisa, al medio o al espectador, en un concursante de 'Supervivientes' que posa delante de las cámaras...

... mientras detrás de ellas le están cuidando como en casa.

Nota: 5.75


Lo Mejor:
- Los ocasionales chispazos de Sam Raimi (y la presencia de Rachel McAdams)

Lo Peor:
- Se desarrolla (demasiado) sobre lo previsto

SINOPSIS:
'Aída y vuelta', el largometraje, aborda el rodaje de un capítulo de la serie.


CRÍTICA: Paco, grábalo todo, por tu madre

¿Por qué vuelve 'Aída'? Porque Telecinco (Cinema) está necesitada de algún éxito (comercial). Esa es la principal razón. Puede que también la única.

Sin embargo, 'Aída y vuelta' no es un nuevo episodio de una serie que en piloto automático se alargó hasta la extenuación; de una serie a la que precisamente no le faltó ningún episodio, sino que le sobraron unos cuantos... Es, más bien, un contigo pero sin tí que pueda (o no) funcionar como un término medio, medio que pueda (des)agradar a todo el mundo por igual.

Un potaje "detrás de las cámaras" similar a llamar paella a un arroz con cosas, como el que hizo Rob Schneider, que nos remite al mítico "Pablo, grábalo todo, por tu puta madre". 'Aída y vuelta' parece fruto de esta práctica, por desgracia más común de lo que parece en el audiovisual. Tú grábalo todo, que luego ya lo apañamos en montaje. Haya o no algo que apañar.


Como si se hubieran arrejuntado un fin de semana, en un estudio donde han reconstruido los decorados de la serie, y se hubieran puesto a improvisar... sin guión, simplemente a pasar el rato (y a ver qué sale). Tú graba, que algo saldrá... aunque lo que salga sea muy pobre para lo que uno podría esperar de una serie que duró en antena diez temporadas. Tantos años...

¿Y esto es todo? ¿Esto lo mejor que han podido sacar de toda la experiencia? Diez años de serie, más de diez desde su final... ¿y no se les ha ocurrido algo más... sustancial? 'Aída y vuelta', a diferencia de por ejemplo 'The Studio' o 'Saturday Night', ni cuenta ni tampoco desarrolla nada. Un puñadico de anécdotas, de chascarrillos que no van a ninguna parte.

Aunque no lo sea, como si fuera uno de tantos episodios planteados sin particular ingenio, interés o ambición para seguir exprimiendo un éxito -en su momento- incuestionable. Pero acompañado de alguna que otra pincelada dramática que, salvo en lo referente a Eduardo Casanova, usted ya sabe, no tienen mayor recorrido que estar por estar. Por disimular.

Por el qué dirán, por más que decir nos deje sin palabras (como a Machupichu, el gran misterio de la función). También sin humor, esquivo y la obvia sensación de que al igual que tantas y tantas otras cosas, su momento ya pasó. Fue bonito mientras duró. Pero este tipo de "revivales" más allá del potencial beneficio económico, minan poco a poco la industria (y/o a Telecinco).

A 'Aída y vuelta' no es que le hayan dado muchas vueltas (insertar aquí risas enlatadas). Casi, de hecho, podría ser que fueran a grabar un nuevo episodio y se dieran cuenta de que aun grabándolo todo, #PorTuPutaMadre, que no salía nada. Y lo apañaron con las imágenes del "making of". Porque al fin y al cabo se trataba de volver. Lo de menos era el porqué o para qué...

Si merecía más la pena volver que poner pies en "polvorosa" (insertar aquí más risas enlatadas).

Nota: 4.0


Lo Mejor:
- Carmen Marchi siempre suma

Lo Peor:
- Demasiadas puntadas sin hilo, demasiado insustancial

SINOPSIS:
La pequeña I-Jing corretea con curiosidad por las calles de un mercado nocturno de Taipei, entre neones, motocicletas y toda clase de puestos de comida como el que regenta su madre, que trata de sacar adelante a la niña y a su hermana mayor.


CRÍTICA: Like a Baker

Es la primera película dirigida en solitario de Shih-Ching Tsou, 20 años después de haber dirigido (escrito, montado y producido) 'Take Out' junto a un Sean Baker con el que luego ha colaborado en la producción de 'Starlet', 'Tangerine', 'The Florida Project' o 'Red Rocket'. Un Sean Baker que en esta ejerce de productor, coguionista y montador, siendo la primera vez que edita una película dirigida por otra persona.

Tanto monta, que monta tanto. La asociación con el también responsable de 'Anora' es tan inmediata como obvia, tanto si se ha reparado en su nombre en los créditos como si no se ha hecho, siendo que 'La chica zurda' destaca por esa viveza animosa y cálida franqueza características de Baker, además de por la desenfadada naturalidad de su reparto o el vibrante marco que dispone la ciudad de Taipéi.


Se trata de una comedia dramática que sigue a una madre soltera y a sus dos hijas tras su llegada a la capital taiwanesa, donde abren un sencillo puesto de fideos en un bullicioso mercado nocturno. Cada una deberá encontrar una manera de adaptarse a esta nueva vida sin que ello afecte a la unidad familiar.

Un proyecto muy personal para Tsou, que regresa a su ciudad natal para hacer una película que como todas las que ha hecho junto a Baker, parte del deseo de contar una historia que tenga una dimensión muy humana. La idea, lo dicho, hacer una película "como las de Sean Baker" que, efectivamente, intenta y en gran medida consigue extraer la autenticidad de cada detalle.

Una película "como las de Sean Baker" que guarda la oportuna membresía con aquellas, con su misma cercanía visual y atmosférica a través del uso de localizaciones reales, y del trabajo con luz natural y los colores del entorno para definir la puesta en escena. Una película que, al igual que 'Tangerine' en 2015, hace ya quince años, se ha rodado íntegramente con un iPhone.

'La chica zurda' es, en resumen, una historia sobre relaciones familiares, maternidad, resiliencia femenina y tirar para adelante a toda costa "como las de Sean Baker" marcada por la energía, la animación y los colores de Taipéi y narrada con brío, corazón, humor y un encanto hipnótico con mucho "flow".

Nota: 7.5


Lo Mejor:
- Como si fuera una de Sean Baker (ambientada en Taipei)

Lo Peor:
- Que la no nominación al Oscar parezca haberla dejado en fuera de juego en nuestro país

SINOPSIS:
Marty Mauser, un joven con una ambición desmesurada, está dispuesto a todo para cumplir su sueño.


CRÍTICA: El buscavidas

Cuando una pareja creativa de reconocido prestigio como la formada por los hermanos Safdie se separa, siempre surge un cierto morbo por saber cuál de los dos era "el bueno", el que tenía "el talento" o el que "llevaba la voz cantante". Es un pensamiento instintivo, ya nos lo tomemos más o menos en serio. Ya le demos más o menos credibilidad. Ya nos sea más o menos relevante.

Por ejemplo, en el caso de los Coen parece claro que el "bueno" era Joel, y no Ethan... al menos a juzgar por los resultados de 'Macbeth' y 'Dos chicas a la fuga'. Ya nos lo tomemos más o menos en serio, ya le queramos dar más o menos importancia.

En el caso de los Safdie ya es algo más... complicado. Porque a decir verdad, 'The Smashing Machine' es un filme bastante interesante, por más que su fracaso comercial le haya hecho demasiado daño. A Benny Safdie, como sobre todo, a Dwayne Johnson.

Es un filme bastante interesante... que, sin embargo, en la comparación sale perdiendo con el que ha hecho Joshua Safdie, esta 'Marty Supreme' a todas luces más... contundente. Más... incuestionable. Más... mucho más parecida a no por casualidad, 'Good Time' y 'Diamantes en bruto' que 'The Smashing Machine'. En especial a la protagonizada por Adam Sandler, la que realmente estableció a nivel popular quiénes son (y parecen y/o deben ser) los Safdie.


En especial, Joshua, que es quien repite con Darius Khondji como director de fotografía, Daniel Lopatin como compositor o Ronald Bronstein como guionista. Con Sandler puede que no, pero quizá sólo por razones de edad. Timothée Chalamet, en una interpretación igual de enérgica y arrolladora, se mete en la piel de "otro" Howard Ratner, en lo que su sinopsis oficial describe de manera muy acertada como "un buscavidas convertido en campeón de ping pong".

Al igual que 'Good Time' y 'Diamantes en bruto', 'Marty Supreme' es una película "a la carrera": la que emprende (o emprendió, si es que todo es cierto...) el tal Marty Reisman no ya para ser campeón de ping pong, sino para tener la oportunidad de poder serlo. A pesar de su comienzo, 'Marty Supreme' no es tanto un drama deportivo como una frenética y constante huída hacia adelante de "otro" Howard Ratner cuya adicción no son las apuestas, sino el ping pong.

Para el caso, dos judíos en busca de lo que están convencidos que se merecen. Algo por lo que están dispuestos a sacrificarlo casi todo... que no todo, porque en su obsesiva cabeza no existe el límite; tampoco lo que otros consideran es el sentido común. Pero visto lo visto a esto venimos: a ver una película de un Joshua Safdie que se consagra con 'Marty Supreme', el vivaz depuramiento de lo apuntado en 'Good Times' y luego asentado con 'Diamantes en bruto'.

Casualidad, o no, sin su hermano Benny a su lado. Aunque no hace falta pensar mal. 'The Smashing Machine' dista mucho de ser un desastre como el de 'Dos chicas a la fuga'... si bien, es sustancialmente distinta a lo que Joshua sí se ha mantenido fiel en 'Marty Supreme', una versión más completa y redonda de las bondades que han hecho que los cinéfilos de bien sepan quiénes son los Safdie. Y que A24 les haya dado a cada uno los mayores presupuestos de su historia.

A diferencia de sus anteriores trabajos, en 'Marty Supreme' la personalidad, por fin, sirve y está entregada a la causa, que es la película, y no al revés. Es lo que marca la diferencia: un aplicado instinto narrativo que convierte todo posible capricho superfluo en un desgarrador apunte productivo, en lo que podríamos definir como el 'Pulp Fiction' de Joshua... en contraposición con el 'Jackie Brown' de Benny. Y quien quiera (o pueda) entender, que entienda.

Huele tanto a clásico instantáneo como 'Una batalla tras otra'. A un clásico inmortal como, no sé, por ejemplo, 'El buscavidas' de Robert Rossen...

Nota: 8.5


Lo Mejor:
- Dos horas y media que parecen hora y media...

Lo Peor:
- Que la (arrolladora) labor de Timothee Chalamet pueda opacar el resto

- Austin Butler será Lance Armstrong

- Michael Shannon protagonizará el remake norteamericano de 'El gabinete del doctor Caligari'

- Charli XCX, Milly Alcock y Norman Reedus protagonizarán la próxima película de Takashi Miike

- 'I want your sex', 'Tuner' y 'Saccharine' debutan en el festival de Sundance. Las tres se estrenarán próximamente en España de la mano de Diamond Films

- Un viaje a lo más oscuro del ser humano. Tráiler de 'Caminando con el diablo'