SINOPSIS: "Joker: Folie À Deux" muestra a Arthur Fleck internado en Arkham a la espera de juicio por sus crímenes como Joker. Mientras lucha con su doble identidad, Arthur no sólo tropieza con el amor verdadero, sino que también encuentra la música que siempre ha estado dentro de él.


SE ACABÓ EL ESPECTÁCULO

Cuando se publicó aquel primer vídeo de unos segundos donde veíamos a Joaquin Phoenix con el vestuario de Arthur Fleck y el vestuario de Joker, allá por finales de 2018 o inicios de 2019, ya se veía que del filme dirigido por Todd Phillips podía surgir algo, al menos, decente. Llegó el momento del estreno hace ya cinco años y fue toda una revelación. En un momento donde el universo extendido de DC ya estaba empezando a pedir la hora, llegó este enfoque más maduro y bien ideado y ejecutado del archienemigo de Batman por excelencia en el que es un cómico callejero, a quien los continuos golpes de la vida le llevan a perder la razón. Todos los elogios y premios llevados fueron merecidos.

El filme ya estaba bien así como fue, no pedía una secuela para rellenar agujeros ni nada; pero al final, se dio luz verde a una segunda parte y contando con el regreso del director y del actor protagonista, más la incorporación de Lady Gaga como Harley Quinn y el regreso de dos actores de la original como son Zazie Beetz y Leigh Gill (cuya aparición en esta es uno de los pocos grandes momentos), se podía prever que la segunda parte podía ser buena también; pedirle el mismo nivel de 'Joker' sería exigir demasiado, pero todo lo que fuese de un notable bajo, como mínimo, ya era para estar satisfecho.

Sinceramente, la película me ha dejado 'Gagá', y no en el buen sentido. Algo ha pasado fuera de cámaras o se han tomado malas decisiones que no estaría mal que explicaran.

Y no es por los números musicales, porque estaba abierto a la idea siempre que estuviera bien justificado. Más bien es por la carga de musicales en los que algunos no les veo mucha conexión con el argumento, otros como el dúo entre Quinn y Joker en el programa de TV sí; estos números metidos de forma más separada y con más coherencia narrativa creo que habrían potenciado el resultado final.

El mayor delito que comete este largometraje, y por el que los responsables deberían dar explicaciones si tienen un respeto por su audiencia, es que esta secuela más bien es un epílogo de los acontecimientos contados en el filme de 2019, el personaje de Arthur Fleck/Joker sufre más que evolución una involución y la entrada de Harleen Quinzel le viene bien a la narrativa, pero termina siendo un lastre sobre el final cuando pierde fuerza en el último tramo. Esa involución del personaje protagonista es, para mi gusto, bastante desagradable y que tira por los suelos todo lo que se contó en la anterior. No pido un cliché de locura absoluta y "que les den por culo a Gotham y a su gente que aquí mando yo", aunque sí debería haber optado por el camino de la coherencia narrativa y seguir explorando la 'psique' de Fleck, incluso con el mensaje de fondo de que la gente solo hacía caso a él cuando tomaba su identidad de Joker. Eso lo compro, mas no el deterioro realizado al personaje de Joaquin Phoenix.

Un Joaquin Phoenix que cumple en su papel, como no se podía esperar de otra forma, si bien el material del que dispone lastra su trabajo, incluso se defiende bastante bien cantando en comparación con una artista consagrada como es Stefani Germanotta/Lady Gaga, una mujer que hace años dejó de ser la excentricidad en persona y se transformó en una artista del copón y en una muy buena actriz. La elección de Gaga como Harley Quinn fue adecuada. Al igual que con Phoenix, le lastra el material porque su trabajo es bastante bueno.

Brendan Gleeson, actorazo donde los haya, sí que no tiene apenas peros. Con su personaje me gustaría que se hubiesen hecho otras cosas, pero su personaje como carcelero cabronazo es de lo mejor; no puedo decir lo mismo con Catherine Keener y Steve Coogan, más que nada porque no tienen las suficientes escenas como para sacar una valoración justa.

Estéticamente (fotografía, vestuario y dirección artística) y en la banda sonora, si bien los números musicales tienen prioridad, cumple como se esperaba. Los problemas son en términos narrativos; ignoro si por un montaje mutilado, decisiones mal ejecutadas o presiones externas a la producción. Lo que está claro es que tal bajón de nivel de un largometraje a otro es preocupante. Es más, ahora sí que hay que pedir una tercera entrega para reconducir esta trama que se ha caído por el precipicio y dejar a esta encarnación de Joker en un lugar bastante mejor de donde está ahora.

Y si esto es todo lo que hay, pues se acabó el espectáculo.

5

SINOPSIS: En un partido de hockey, un grupo de terroristas toma el palco de honor de un estadio y retiene a sus ocupantes entre los que se encuentra el vicepresidente del gobierno. Exigen que a lo largo del partido se proceda a una transferencia de dinero a sus cuentas bancarias. En caso contrario, el estadio, sembrado de bombas, volará por los aires con todos los espectadores dentro.


VAN DAMME SOBRE HIELO

Los 90 fueron, por lo general, una gran década para Jean-Claude Van Damme. Comenzó con 'Lionheart: El luchador' (1990), tuvo su primer encuentro con Dolph Lundgren en 'Soldado universal' (1992), 'Blanco humano' (1993), de la que no soy muy fan, 'Timecop, policía en el tiempo' (1994) o la salvable 'Street Fighter: La última batalla' (1994). Y esa década iba a seguir con segunda colaboración con Peter Hyams tras 'Timecop' en esta 'Sudden Death (Muerte súbita), en la que al belga le entra complejo de John McClane; solamente le falta el carisma y la calidad notable que tiene el filme con Bruce Willis.

Y tener como director a Peter Hyams debería haber sido, en teoría, una garantía de que iba a salir algo potable. Teniendo en cuenta que hasta ese entonces había dirigido trabajos destacables como 'Capricornio Uno' (1978), 'Atmósfera cero' (1981) o '2010: Odisea dos' (1984) o 'Más fuerte que el odio' (1989), incluyendo también la ya citada 'Timecop', uno podía pensar que Van Damme iba a aparecer en un filme considerable...pues no, no del todo.

La narrativa de un secuestro dentro de un estadio de hockey en plena final de la copa Stanley estaba bien pensada, además tenemos a un villano al que no le tiembla el pulso a la hora de cumplir sus amenazas y no cae en el histrionismo bien interpretado por el ya fallecido Powers Boothe. Lo que sucede en este caso es que todo es demasiado fácil de digerir, demasiado sencillo, con poca complejidad en el guion. Y habían oportunidades para sacar algo más si hubiesen usado mejor a los hijos de Darren McCord (Van Damme) que tenían su propia personalidad y no se les saca provecho, al mismo villano que se limita a estar en un solo espacio hablando con los secuestrados y no recorre más lugar hasta llegado el tramo final o dar más pistas de una de las sorpresas que la cinta quiere dar, la cual la da de repente y sin justificar bien.

Por no usar bien, tampoco es que saquen jugo del supuesto trauma que el personaje del amigo Juan Claudio tiene en el inicio cuando se le ve trabajando de bombero. Creo que eso también habría añadido algo de pimienta a una narración al que le hacía falta elementos diferenciadores; sin embargo, lo que resulta es en un entretenido producto de acción de un solo lugar con secuencias Van Damme® dando patadas y todo lo que tenga en su mano a los villanos de turno (incluyendo en el mismo techo del estadio) y un malo que al menos se hace respetar.

De haber puesto algo más de trabajo en el libreto, quizás estaríamos hablando de uno de los mejores trabajos del actor nacido en Bruselas en la cada vez más lejana década de los años 90. Es una pena, porque los ingredientes estaban ahí y lo cocinan mal.

Spoiler

Eso sí, criminal la escena de la muerte de Joshua Foss (Boothe) gritando durante unos cuantos segundos, con un helicóptero que parecía caer a cámara lenta, intentando salvar la situación a la desesperada cuando estaba claro que de ahí no iba a salir vivo. Una muerte más digna sería una en el que solamente fuese consciente de que iba a morir y filmando solamente el helicóptero cayendo. Hubiese sido mejor y más digno para el personaje.

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SINOPSIS: Invierno de 1931. Fernando decide desertar del ejército y se refugia en una casa de campo, donde es bien acogido por Manolo, un pintor excéntrico que vive retirado debido a sus ideas políticas. El chico mantiene sucesivamente relaciones con las cuatro hijas de su protector (Rocío, Violeta, Clara y Luz), sin saber muy bien de cuál de ellas está enamorado.


SOY UN TRUHÁN, SOY UN SEÑOR

1993 fue un año de los gloriosos para el cine español, ya que 'Belle Époque' ganó el BAFTA a Mejor película de habla no inglesa y el Oscar en la misma categoría. Y lo hizo con un filme que no es tampoco una lección sesuda de guion, ni una maravilla de la técnica cinematográfica, ni interpretaciones superiores a los mejores alumnos del Actors Studio, pero todo lo que hace, lo hace bien.

Fernando Trueba dirige a un reparto formado por, en aquel entonces, el futuro más prometedor del cine español como son Jorge Sanz (una pena que los problemas personales frenaran su carrera), Penélope Cruz, Ariadna Gil (ganadora del Goya a Mejor actriz de reparto por su papel), Maribel Verdú, Miriam Díaz Aroca y Gabino Diego. Todos ellos secundados por veteranos también muy glamurosos como Fernando Fernán Gómez (Goya al Mejor actor de reparto por este filme), Agustín González, Chus Lampreave (Goya al Mejor actriz de reparto por este filme), Mary Carmen Ramírez o María Galiana en una breve aparición. Vamos, que de calidad actoral iba más que sobrado.

Y todos ellos así lo demuestran. Por la parte de las promesas, todos realizan unas interpretaciones más que solventes, teniendo cada uno de ellos su propia personalidad y carácter y tiempo suficiente para lucirse en la pantalla. Además, la química entre todos ellos (incluyendo Gabino Diego, quien tiene su propia subtrama de "te quiero y ahora no te quiero" con el personaje de Maribel Verdú) es más que evidente. Una química que también llega a los actores más veteranos como los ya citados. Fernando Fernán Gómez engrandece el filme en cada aparición y en su dinámica con el resto del elenco, teniendo un personaje como el patriarca de la familia como es Manolo, con una personalidad entrañable; Agustín González y Chus Lampreave también demuestran porque fueron en vida de los intérpretes más reputados del cine en España robando la escena en sus apariciones y de Mary Carmen Ramírez decir que se aprovecha menos, pero menuda voz para cantar que tiene.

Por otro lado, la recreación de la España de los 30 (aunque por razones de presupuesto, el filme se rodó en Portugal) está bastante bien lograda, entre dirección artística, vestuario y fotografía. Cuando un largometraje intenta recrear una época pasada, siempre será un plus que se acerque lo más exacto posible a como era de verdad vivir en ese tiempo; si bien, se puede permitir inexactitudes siempre que esté bien justificado en el guion. Un guion, en este caso, sencillo y muy eficaz al mismo tiempo. La gracia de ver como el personaje de Jorge Sanz interactúa como la canción de Julio Iglesias, truhán y señor, con las hijas de Manolo (Fernán Gómez) y estas no se resisten a sus encantos es una delicia verlo en su construcción lenta, pero segura.

Que ganase multitud de premios en su momento (9 premios Goya también), no significa que tenga que ser una completa y rotunda obra maestra. En este caso, no creo que 'Belle Époque' tenga argumentos para ponerlo en la cúspide del séptimo arte, mas, como he dicho, todo lo que hace lo hace bien. En su año fue considerado mejor que sus competidoras y con eso basta; no significa que sea 'crème de la crème' (lo mejor de lo mejor). Eso sí, la película me ha ganado.

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Kris Kristofferson ha muerto este domingo en su casa de Maui (Hawái), según ha comunicado una portavoz de la familia. Tenía 88 años y fue una leyenda, una leyenda de verdad, de la cultura de EEUU de los años 70 y 80.

Dotado con una visión especial para la composición, escribió varias canciones abrazadas como grandes clásicos en su tiempo que trascendieron los géneros musicales, especialmente Me and Bobby McGee, pero también For the Good Times, Sunday Mornin' Comin' Down y Help Me Make It Through the Night.

Hombretón guapo de barba rebelde, voz grave y mirada azul, fue también un actor premiado cuyo gran talento fue confiar en su carisma. Ganó el Globo de Oro por su fantástico dueto con Barbra Streisand en Ha nacido una estrella (1976) y fue protagonista de la monumental y al mismo tiempo catastrófica La puerte del cielo, de Michael Cimino (1980).

Nació en Texas cuando nacía el verano de 1936, un 22 de junio. Su padre era militar y soñaba con que su hijo también lo fuera, aunque el joven Kristoffersson tenía otras aptitudes. En la adolescencia destacó en deportes en los que se derrocha la testosterona como el rugby o el boxeo y, sobre todo, mostraba grandes dotes para la literatura.

La familia fue cambiando de residencia por varios estados hasta que se asentó en California. El extraordinario expediente académico de Kristoffersson en el Bachillerato de Letras fue coronado con unsumma cum laude en el instituto de Pomona (sí, la ciudad de Tom Waits, 13 años más joven). Eso le valió en 1958 una beca Rhodes para estudiar Literatura en la universidad británica de Oxford.

Fue en Inglaterra donde empezó a componer música y a transformar sus narraciones literarias en canciones.

Volvió a Estados Unidos en 1960, pero pronto regresaría a Europa. Se enroló en el ejército, donde fue piloto de helicópteros destinado en Alemania. Allí vivió hasta 1965, cuando fue destinado a la célebre academia de West Point para enseñar literatura. Sin embargo, el rebelde capitán Kristofferson abandonó la carrera militar. Eso provocó que su familia lo abandonara a él, y poco después también se divorció.

Kris Kristofferson tenía más de 30 años cuando trabajaba fregando suelos en Nashville, la capital de la poderosa industria discográfica del country, donde perseguía infructuosamente su sueño de dedicarse a la música.

¿Que hizo que aquel extraño personaje oscurecido bajo la sombra del fracaso se convirtiera en unos pocos años en el compositor de country más innovador y exitoso de su generación? La primera respuesta es su propia capacidad distintiva, desde luego, que le permitió ser un renovador y al mismo tiempo un arquetipo del género. La segunda respuesta no es anecdótica: el padrinazgo de un tótem como Johnny Cash, que impulsó la carrera de un espíritu determinado e independiente en el que probablemente se identificaba.

Al principio Kris Kristofferson fue compositor, no intérprete de sus canciones de aliento literario, preocupación social, espíritu progresista y tensión sexual. Especialista en baladas emocionantes, trasladaba en sus vívidas historias un espíritu idealista y el carácter de buscavidas romántico que le acompañó toda su vida.

El humorista Jerry Lee Lewis fue el primer cantante popular en grabar una de sus creaciones, One More With Feeling. Poco después, en 1969, Roger Miller grabó Me and Bobby McGee, que rápidamente saltaría a standard de rock vía Janis Joplin, su pareja entonces, The Grateful Dead y cientos de artistas más que cantaron su melodía agridulce y que ascendieron por el impetuoso crescendo. Aquello impulsó su carrera solista, pese a sus limitadas capacidades como cantante: llegaron los discos y las giras.

En 1970 Johnny Cash hizo suya Sunday Mornin' Comin' Down , premio a mejor canción del año en los premios de Country Music Association, y la bola de nieve de los éxitos encadenados ya rodaba cuesta abajo a 100 millas por hora: Gladys Knight logró fenomenales hits de rhythm and blues con Help Me Make It Through The Night yFor The Good Times, mientras que el último Elvis Presley incorporó a su repertorio de directo habitual Why Me. Fue en 1973, el año en que Kristofferson se casó con la cantante Rita Coolidge (con la que grabaría varios álbumes) y en el que participó en la película Pat Garrett y Billy The Kid, donde coincidió con Bob Dylan, cinco años más joven que él, que le integró en su estrecho círculo de amistades.

Así que eran los locos años 70 y Kris Kristofferson era una estrella, una estrella diferente a las demás, tan original, tan rompedor, tan auténtico, tan poderoso.

En la segunda mitad de los 70 se concentró en su carrera en Hollywood con dos hitos, Ha nacido una estrella y La puerte del cielo, que no son en absoluto poca cosa.

Tras el monumental fracaso comercial, que no artístico, de La puerta del cielo, retomó su carrera en la música en los años 80. Cuando la relevancia del country declinaba y la pujanza de los forajidos del country como Kristofferson perdía relevancia, en 1985 formó el supergrupo Highwaymen con Willy Nelson, Johnny Cash y Waylon Jennings. Tuvieron un gran éxito tanto con su álbum como con una gira, lo que abrió un ciclo de una década de colaboraciones intermitentes entre los cuatro gigantes.

Desde los años 90 Kris Kristofferson mantuvo una carrera alimentada por la nostalgia, los premios honoríficos y los viejos éxitos. Fue justo cuando una nueva generación de músicos de rock se lanzó a una renovación del country que se denominó country alternativo. Para ellos y para tantos otros en EEUU, Kris Kristofferson ya era una leyenda, una leyenda de verdad.

Epitafio: en más de una ocasión Kris Kristofferson dijo que deseaba que se inscribieran en su lápida los tres primeros versos de la canción Bird on the Wire de Leonard Cohen:

"Como un pájaro en el alambre

Como un borracho en un coro de medianoche

He intentado a mi manera ser libre"

("Like a bird on the wire/ Like a drunk in a midnight choir/ I have tried in my way to be free").

Fuente: EL MUNDO

Leyenda de la música y buen actor, con una carrera actoral donde fue dirigido por Michael Cimino, John Sayles, Guillermo del Toro, Sam Peckinpah, Martin Scorsese o Todd Haynes, además de, por supuesto, aparecer en la trilogía de 'Blade'. Que en paz descanse.

El actor John Ashton, conocido por interpretar al rudo pero adorable detective de policía John Taggart en la saga de películas 'Beverly Hills Cop' (Superdetective en Hollywood en su versión en español), ha muerto a los 76 años, informa The Hollywood Reporter (THR).

Se ha conocido este lunes que falleció el pasado jueves en Fort Collins, Colorado, después de una breve batalla contra el cáncer, ha confirmado su representante, Alan Somers, al medio estadounidense.

Ashton interpretó al sargento en varias entregas de la serie de películas dirigidas por Eddie Murphy. El sargento detective Taggart de Ashton apareció en las dos primeras películas de 'Beverly Hills Cop' en 1984 y 1987 junto a Eddie Murphy y Judge Reinhold. Regresó como el personaje, ahora ascendido a jefe de policía, en 'Beverly Hills Cop: Axel F.' ('Superdetective en Hollywood: Axel F.'), de 2024, recuerda el medio especializado.

Ashton también apareció en películas y programas de televisión que abarcaron más de medio siglo, incluidos 'An Eye for an Eye' ('Psicosis mortal') de 1973, 'So Evil, My Sister'('Accidente mortal') de 1974, 'Cat Murkil and the Silks' ('Eddie el gato') de 1976, 'Borderline' ('A 20 millas de la justicia') de 1980 y 'Honky Tonk Freeway' ('Desmadre en la autopista') de 1981, amplía THR.

El actor también participó en icónicas series de televisión como 'Columbo', 'Police Story', 'Barnaby Jones' y 'M*A*S*H', y durante una temporada, entre 1978 y 1979, interpretó a Willie Jo Garr en 'Dallas'.

A Ashton le sobreviven su esposa desde hace 24 años, Robin Hoye, además de dos hijos, tres hijastros, un nieto, dos hermanas y un hermano.

Fuente: EL MUNDO

No le vi mucho más allá de las películas de 'Superdetective en Hollywwod' (ni recordaba que salía en 'Adiós pequeña, adiós' o 'Instinto', las cuales he visto), pero se ganó su hueco en la historia del cine como el detective de policía John Taggart, uno de los tres mosqueteros de la saga con los que no se entendería el éxito del primer filme hace 40 años. Que en paz descanse.

SINOPSIS: Philo Beddoe sigue al pie de la carretera, con su inseparable amigo orangután Clyde, dedicado a las peleas clandestinas. Después de dejar noqueado a un contrincante, Clyde se coloca en el asiento trasero de un coche de policía ocasionando nuevos problemas. Tras regresar a casa con Ma, a Philo le ofrecen una pelea con Jack Wilson, el campeón de la costa este esponsorizado por la Mafia. Philo salva inadvertidamente la vida de Wilson, pero la mafia secuestra a su novia para obligarle a continuar con el combate.


LA ÚLTIMA MONERÍA DE PHILO BEDDOE

Dos años después de que el mundo descubriera una faceta cómica de Clint Eastwood, acompañado de su fiel orangután Clyde, llegó el momento de una secuela que no sé si lo pediría todo el mundo (yo no era ni proyecto cuando se hicieron), pero si se rodó y se estrenó es que demanda habría, digo yo. Repiten los secundarios de la primera, salvo Beverly D'Angelo, cuyo personaje es como si no existiera.

En esta ocasión, Philo Beddoe estaba por retirarse de las peleas clandestinas cuando surge la oportunidad de pelear contra uno de los más grandes de esa disciplina fuera de la ley, como es Jack Wilson (William Smith), de quien terminan siendo amigos por azares del destino, lo que añade un matiz interesante a la narrativa de la película al tener en su rival un aliado; lo que no significa que no se den de hostias, y vaya si se dan. Y hay que decir que llevado de una manera inteligente que hace que el filme remonte.

Porque 'La gran pelea' estaba siendo en su primera mitad algo soporífera. Entre regresos de personajes como los de Clyde, Lynn Halsey-Taylor (Sondra Locke), Orville (Geoffrey Lewis), la banda de motoristas de 'Duro de pelar' o la robaescenas 'Ma' (Ruth Gordon) y alguna ocurrencia cómica aquí y allá con la legendaria Mama Fratelli de 'Los Goonies' (AKA Anne Ramsey), pasa prácticamente una hora de metraje. Es pasada la hora cuando el filme abraza la comedia sin contemplaciones como la escena paródica con la falsa Bo Derek.

Que no hubiese apenas peleas y se optase por hacer del rival del protagonista un amigo era un riesgo que podía salir mal; sin embargo, creo que al final la desvergüenza con la que se toma a sí misma pasado la mitad del largometraje y la ensalada de piñas en el tramo final hacen que esta segunda, y última, parte, acabe al mismo nivel que 'Duro de pelar'. La mayor ganancia con respecto al filme anterior es haber usado mejor a la banda de motoristas, los 'Viudas Negras', que son un buen recurso aquí.

Por lo demás, es un largometraje que, como 'Duro de pelar' no supuso un gran respaldo a la legendaria carrera cinematográfica de Clint Eastwood. Como dije en la reseña de la primera, con estos productos se permitió divertirse un poco y ganar un poco de dinero fácil; no todo iba ser cosas como 'Harry el sucio' y secuelas o filmes del oeste. Menos mal también que tuvo la sabia decisión de no continuar porque una tercera parte ya hubiera sido un disparate.

5

SINOPSIS: Otto, un joven de 18 años, rockero punk frustrado, no pasa por un buen momento: su novia lo ha dejado y sus padres han donado a un teleevangelista el dinero destinado a pagar sus estudios universitarios. La única luz, literalmente, en su horizonte es la que le ofrece una agencia de embargos al contratarlo como "recuperador" de coches cuyos compradores han dejado de pagar las cuotas. Su gran oportunidad es recuperar un Chevy Malibú de 1964 por el que ofrecen 20 000 dólares. Por medio de la misteriosa Leila, Otto se entera, demasiado tarde, de que el coche contiene los cadáveres de tres alienígenas que murieron en 1947 al estrellarse su nave espacial contra la Tierra.


FILME QUE PUEDE SER SUSTITUTO DE LOS TRIPIS

No estaba familiarizado hasta ayer por la noche con el trabajo de Alex Cox y, casualmente, he empezado por su ópera prima en el largometraje como es 'Repo Man (El recuperador)', con dos protagonistas de sobra conocidos como Emilio Estévez y el ya fallecido Harry Dean Stanton. Por la sinopsis esperaba algo ligeramente distinto a un típico filme de ciencia-ficción de los 80 con sus efectos prácticos y demás, pero no pensaba que iba a ser algo parecido a meterme un buen tripi.

El filme empieza de una forma normal. Otto (Emilio Estévez) es un joven reponedor de un supermercado que está harto de su trabajo y se despide no de buenas formas. Las casualidades de la vida hará que se encuentre con Bud (Harry Dean Stanton), un 'recuperador' al que le encomienda su primera misión, sin Otto ser consciente de ello. Desde ese momento, todo el filme es un viaje, otra cosa es que sea un viaje inolvidable que puede parecer que lo es, pero no tanto.

En un filme que trata sobre gente que recupera coches de gente que no paga, es normal meter algo para que no sea una obra soporífera, y hasta entiendo tintes surrealistas, mas creo que llega un punto en el que empacha tanta situación de ese tono termina empachando y me pregunto a donde me quieren llevar entre recuperadores, agentes que buscan OVNIS o cristianos que terminan poniendo sus ojos en el coche protagonista, vehículo que termina perdiendo fuerza cuanto más metraje pasa para recuperar su puesto al final, especialmente con una última escena en el mismo estilo de la narración general.

De este largometraje, a quienes considero menos responsables es a los actores, pues creo que el tándem Estévez/Dean Stanton funciona lo suficientemente bien para ser considerado de lo más destacado, junto a un plantel de secundarios que cumplen con soltura sus respectivos roles, entre los que destacan Tracey Walter (seguramente les suene como uno de los secuaces de Joker en la 'Batman' de 1989) y Eddie Velez (de la serie de TV 'El equipo A'), siendo el primero de estos dos mencionados quien se reserva la escena final y una de las frases inolvidables de la película como "John Wayne era marica".

No diría que he desperdiciado hora y media de mi tiempo porque creo que 'Repo Man' no es del todo un disparate y se agradece ver un producto con personalidad, con el riesgo de valoración negativa o no tan alegre que eso puede conllevar; solamente me embriaga tanta comedia surrealista.

5

SINOPSIS: Pink, el cantante de un grupo musical, arrastra desde su infancia una serie de traumas debido a la dura educación que recibió. Cansado de todo lo que rodea su profesión, se acaba refugiando en las drogas como única opción para romper con el muro que él mismo ha creado a su alrededor.


CREANDO UN MURO INVISIBLE

Desde el principio hay que dejar claro una cosa, y es que no soy precisamente el mayor fan de Pink Floyd en el mundo. No es porque no aprecie su música, sino que personalmente siempre he sido más fan de la música electrónica (Depeche Mode y Pet Shop Boys en mayor medida más escuchas de Kraftwerk, Yazoo, etc.,), mientras que en lado del rock siempre me tiraba más el rock comercial, no el rock experimental como el de este grupo. Aún así, creo que es indiscutible el legado musical de Pink Floyd y de ahí que me animase a visionar este filme.

Un filme en el que se nos presenta a un artista llamado Pink que desde su infancia viene arrastrando un gran trauma, que es la muerte de su padre durante la batalla de Anzio en la II Guerra Mundial, más una madre que era sobreprotectora con él, lo que termina dando resultado a un muchacho sin carencia paterna y cuya vida adulta se resume en una montaña rusa en la que solamente se va cuesta abajo. Una especie de vida autodestructiva de una estrella de la música como otro cualquiera, pero mezclando alucinaciones y dibujos animados.

Supuso el debut de Bob Geldof, quien por aquel entonces era vocalista de The Boomtown Rats, quien lleva prácticamente el peso del largometraje como el atormentado protagonista. Geldof tiene una ventaja, la cual es que no tiene que memorizar demasiado texto y más bien tiene que expresarse con gestos, como cuando ve la televisión creando un muro invisible a su alrededor o cuando tiene una llamada telefónica traumática con su esposa, quien se convierte en una víctima más de su vida patas arriba en la que los traumas no resueltos hacen de Pink una persona muy difícil de tratar y con tendencia a la soledad y a la autodestrucción.

Geldof realiza un buen papel y los secundarios vienen y van (entre ellos, un Bob Hoskins como manager del grupo de Pink que tampoco tiene mucho material de diálogo), pero el punto fuerte de la cinta son las canciones de la banda que sirven de vehículo narrativo como son, entre ellos, 'In the Flesh', 'The Thin Ice', 'Goodbye Blue Sky' o la archiconocida 'Another Brick in the Wall' en sus dos respectivas partes. Eso y las partes de animación casi psicodélica con mezclas de figuras hacen que el visionado no caiga en balde, a pesar de que tanta canción y poco avance realmente significativo termina por saturar mi cabeza.

A pesar de todo, este es un filme que merece la pena ver al menos una vez en la vida, tanto si eres fan de Pink Floyd o si no lo eres tanto. La historia que cuenta consigue ser interesante, a pesar de que sea un cliché, y la calidad de los temas musicales están fuera de toda duda, así como una animación de buena calidad. Eso sí, si terminan extasiados tras los créditos finales no sería nada raro.

6
 

SINOPSIS: La falta de oxígeno ha convertido la Tierra en un planeta inhabitable. Para sobrevivir, Maya (Jennifer Hudson) y su hija Zora (Quvenzhané Wallis) se ven obligadas a confinarse en un búnker bajo la superficie. Para salir al exterior deben ponerse un traje de oxígeno de última generación diseñado por el marido de Maya, Darius (Common), desparecido tras embarcarse en un peligroso viaje. La llegada de una misteriosa pareja (Milla Jovovich y Sam Worthington) que dice saber dónde se encuentra Darius hará que Maya y Zora bajen la guardia. Sin embargo, los visitantes esconden más de un secreto y su ansia por refugiarse en el búnker a toda costa hará que madre e hija deban luchar por conservar sus vidas.


SE ACABÓ EL OXÍGENO Y LA BUENA CALIDAD

Me disponía a ver 'Breathe' con el ánimo de ver otra película postapocalíptica más en la que la humanidad las está pasando bastante putas y contaba con un reparto de nombres conocidos como Jennifer Hudson, Milla Jovovich, Sam Worthington, Common y Quvenzhané Wallis. Nada podía prever el desastre que iba a ver, y no precisamente por ver un Nueva York en ruinas (en ruinas porque así lo quiso el guionista, porque no hay motivo para tal ruina. Se supone que solamente se acabó el oxígeno).

Los personajes humanos son una rémora, un estorbo para que este filme obtuviese una valoración positiva. Solamente en la introducción con los personajes interpretados por Common, Hudson y Wallis se vislumbra una paz en tiempos oscuros que luego se tira abajo en cuanto los personajes de Maya (Hudson) y Zora (Wallis) toman el protagonismo. Entre ellas ya hay una relación tensa, pero en cuanto hacen acto de presencia Tess (Jovovich) y Lucas (Worthington), la cinta se va directamente por el sumidero. Muchos de los diálogos son discusiones entre los cuatro con una intención clara de dejar a los humanos blancos por los suelos.

Lo que parecía una película donde se iba a ver una vez más situaciones de supervivencia y colaboración entre humanos supervivientes termina siendo un largometraje panfletario en el que se quiere dar a entender que los de piel clara son los villanos y los de piel oscura los más fuertes. Imagino que alguien más lo habrá visto así, porque creo que canta demasiado, y justamente ese mensaje es lo que provoca más rechazo que aceptación y explica parte del estado del cine estadounidense actual. Los sermones al espectador siempre son un lastre porque a la gente, por lo general, no le gusta que le insulten y si ve mensajes o metáforas de racismo o cualquier activismo, por lo menos que esté bien introducido sin faltar al respeto a la gente que te ha dado una oportunidad.

No solo eso; además, los protagonistas de este relato están mal construidos. Solamente el personaje de Darius (Common) y el de Zora parecen tener algo más de capas o interés, en cuanto salen a coalición los cuatro ya mencionados no se ve apenas un rasgo de evolución que para el público le sea atractiva. Solamente el cambio de dinámica entre madre e hija y ya. El resto me estaba pareciendo como aquel episodio de 'Los Simpson' titulado 'Bart, feriante' (9x12) en el que unos feriantes con mucha jeta se meten dentro de la casa de la familia Simpson y tienen que echarlos como sea, pero con eso al menos me reía. Con esto hasta uno se indigna.

Solo queda desahogarse una vez visto esta porquería de producción en el que se acaba pidiendo la hora debido al poco cambio que hay y lo desaprovechados que están dos actores como Jovovich y Worthington que podrían haber dado mucho más de sí si les hubiesen dado personajes en condiciones y no las birrias (especialmente la de él con un perfil de loco que no le pega y que no se justifica debidamente) con las que tienen que tirar para delante. Eso sí, ya respiré tranquilo tras terminar porque creo que no la veré nunca más.

3

SINOPSIS: Un estudiante de instituto descubre que es un hombre-lobo. Aunque en un principio su estado le provoca una terrible preocupación, poco a poco irá desarrollando sus nuevas, ágiles y peludas cualidades para ligar con las chicas y ganar al baloncesto.


NO ERES NADIE HASTA QUE NO SACAS LAS GARRAS

Menudo año 1985 para Michael J. Fox. Estrenó todo un peliculón como 'Regreso al futuro', la película que le consagró en el mundo del cine, con un personaje como el de Marty McFly que es su personaje por excelencia, con un soberbio Christopher Lloyd (sin menospreciar, ni mucho menos, a los demás), con una inolvidable partitura de Alan Silvestri, con el mítico DeLorean...

Y luego estrenó 'Teen Wolf (De pelo en pecho)'.

Y no me malinterpreten, no cabe duda de que cuando se habla de la filmografía de Michael J. Fox, este título saldrá a relucir casi con toda seguridad, lo que sucede es que es más recordada hoy día, creo yo, por su estatus de cinta mítica de los 80 que por lo que es en realidad.

Valoro mucho las metáforas sobre el querer destacar y ser aceptado, los cambios hormonales, tomando un paralelismo ingenioso con el tema de la licantropía y lo de quienes son tus verdaderos amigos y quienes no; por lo demás, estamos ante un filme bastante simpático que no tiene mucho más que ofrecer, salvo el carisma de su protagonista y la ayuda de algunos personajes como los interpretados por Susan Ursiti (Boof) y Jerry Levine (Stiles); si no fuera por ellos, quizás la película habría entrado hasta peor. Su final tampoco es precisamente la cumbre del séptimo arte, siendo algo que se veía venir.

Para quien ya fuese al cine hace casi 40 años, tuviese dos ojos y un mínimo de criterio vería que no hay color entre las dos producciones protagonizadas por Fox ese año. De esta hay que decir que, al menos, es capaz de entretener durante hora y media y mostró que Michael J. Fox podía liderar una película sin problemas. Una auténtica pena que su carrera se truncase por el puñetero Parkinson.

5

SINOPSIS: Una fuerza maligna comienza a destruir el idílico paraíso de Gandahar, donde los ciudadanos están en perfecta armonía con la naturaleza.


NO ME SUBO A LA 'LALOUXNETA'

De René Laloux este es el tercer largometraje que veo tras 'El planeta salvaje' y 'Los amos del tiempo' y las notas con las que las puntué, un 6 ambas, significan que no me hicieron excesivamente tilín; sin embargo, sus propuestas de ciencia-ficción dentro de la animación que propone siempre me atraen;'Gandahar, los años luz' no iban a ser la excepción.

Este fue el último largometraje que Laloux dirigió (si bien estrenó un cortometraje en el mismo año del estreno de este filme, titulado 'Como se salvó Wang-Fo') y su despedida me ha dejado igual que las otras obras que he visto de su autoría: se ven cosas interesantes, pero no terminan de ganarme para la causa de la 'Lalouxneta'.

En 'Gandahar, los años luz', el protagonista será un agente muy talentoso, aunque inexperto, llamado Sylvain, quien tiene la encomendación de descubrir quienes son los que están dando caza a los habitantes de la idílica Gandahar, unos seres perfectos por fuera, si bien tienen secretos ocultos que el metraje irá revelando a su debido tiempo. Dicha amenaza son robots asesinos (cuya armadura, curiosamente, me recordó a la de Iron Man) que cumplen ordenes de un ente superior, que tiene conexiones con Gandahar, así como unos seres deformes que Sylvain irá conociendo mientras realiza su misión.

Laloux, junto a su coguionista Raphael Cluzel, establece en una aparente historia de aventuras, una metáfora de la amenaza de la tecnología personalizado en los robots, y en como una clase social elitista no quiere más que mantener su vida aparentemente perfecta, aunque en realidad no son ni mucho menos seres totalmente morales y solamente es una fachada. Mensajes muy interesantes de transmitir, pero que en la práctica se quedan a medio gas, especialmente en lo referente a las clases sociales donde no se profundiza tanto como se debería.

El estilo de animación está muy logrado con una paleta de colores equilibrada entre colores más claros y otros más oscuros, aparte de unos paisajes y unos personajes llamativos, como no podía ser de otra manera cuando hablamos de ciencia-ficción. Además, la banda sonora de Gabriel Yared le pone el punto justo al relato con canciones atmosféricas y trepidantes en otros ratos. Aún con todo, no es más que un filme que no termina de llenar y sus virtudes no consiguen que pase de ser un largometraje entretenido.

6

SINOPSIS: Después de perder a sus padres, un sacerdote viaja a China, donde hereda una misteriosa habilidad que le permite convertirse en un dinosaurio. Una prostituta le convence para usar este poder para luchar contra el crimen, y ninjas.


ESTO SÍ ES CINE

Desde luego que no esperaba gran cosa de esta 'The VelociPastor', escuché hablar de ella hace algún tiempo y era uno de esos días donde entraba cualquier cosa, así que 'pa'lante' con un par de cojones.

Y mira tú por donde, es mejor de lo que parece.

Desde el principio ya deja claro su espíritu desvergonzado con la secuencia de la explosión del coche y su cartel con los efectos especiales, pero lo que sigue es la confirmación de que estamos ante uno de esos casos de que "de lo malo que es, es hasta bueno".

- ¿Los actores son buenos? La mayoría son decididamente malos. Quizás Greg Cohan y Alyssa Kempinski dan algo más el pego sin ser precisamente Al Pacino y Meryl Streep.

- ¿Lucen los efectos especiales? Llamarlos efectos especiales es ser muy generoso, pero hay que reconocer que el dinosaurio tiene gracia porque cuando aparece de cuerpo entero ya he entrado de lleno en el juego de serie C que ofrecen.

- ¿El guion está bien trabajado? Si entendemos por bien trabajado, pasarse muchas cosas por el forro y meter algún giro así porque sí, entonces sí.

- ¿Entonces qué coño tiene la película de buena? Pues que va sin complejos por la vida. Sabe que es un subproducto y no se molesta en disimular su naturaleza, lo cual es un punto añadido, y su humor absurdo me ha sacado alguna risa que otra. Por supuesto, ayuda saber donde te metes.

En una reunión con amigos con cerveza y pizza o lo que sea, la pondría como opción para sugerir. Puede que piensen que has perdido la cordura o te has metido algo, mas para pasarlo en grande de vez en cuando algo así entra muy bien.

5

SINOPSIS: Giacomo Casanova, viejo bibliotecario del castillo del Dux, en Bohemia, recuerda su vida, repleta de historias de amor y de aventuras. Anciano, solo y desesperado, rememora los apasionantes viajes de su juventud por todas las capitales de Europa.


INTELECTUAL Y DEPRAVADO

No he estado muy adentro de la filmografía de Federico Fellini. Tengo votada 'Las noches de Cabiria' y la tengo ya olvidada, a veces uno no puede acordarse de todo lo que ve, y esta 'Casanova' es solamente la segunda producción que visiono, aprovechando también que Donald Sutherland nos dejó recientemente y no venía mal recordar lo gran actor que en vida fue, y que ahora solamente tendremos los cinéfilos su obra para recordarle.

Sutherland es el protagonista absoluto de este filme de Fellini en el que interpreta uno de los personajes más tentadores de coger como actor como la de Giacomo Casanova (1725-1798), quien existió en la vida real y se basa este largometraje en sus memorias, tituladas 'Historia de mi vida' y publicadas en 1960. El bueno de Donald no duda en meterse en camisa de once varas y poner en su carrera un personaje erudito, pero también bastante vicioso y que, en realidad, tenía su corazoncito. Claro que la cabra siempre tiraba al monte.

Leí que el realizador italiano tenía una gran aversión a la figura de Casanova, y se nota. El retrato de la persona cuyo apellido es sinónimo de seductor hoy día, es el de alguien quien podía acostarse con quien quisiera; sin embargo, la realidad era totalmente diferente. Las mujeres iban y venían, pero las relaciones no duraban nada y sus aspectos más intelectuales quedaban algo oculto tras la fachada de libertino que solía llevar consigo. Un libertino interpretado muy estupendamente por el señor Sutherland, quien está muy distinto de como es él en realidad y consigue sacar un trabajo notable como Casanova, con su pedantería al ser un intelectual y su degeneración cuando había mujeres de por medio (gran escena la de la orgía con la muy buena partitura de Nino Rota, quien daba un toque algo más trepidante -diría que con algún instrumento electrónico- en las escenas de sexo).

Del resto de actores secundarios no se puede decir mucho porque vienen y van y no hay ninguno que tenga un peso suficiente como para valorarlo debidamente (también por la historia, ya que relata los viajes de Casanova por Europa), pero no he visto ninguno ni ninguna que desentone.

En apartados técnicos es donde más provecho se saca. Ganó dos premios BAFTA por diseño de producción y vestuario (ambas obra de Danilo Donati) y en los Oscar ganó en la categoría de vestuario (además de haber sido nominada por guion adaptado) con todo merecimiento, pues los escenarios y los vestuarios no caben duda de que están muy trabajados y da gusto verlos. Nada más que todo el trabajo de Donald Sutherland en vestuario, maquillaje y peluquería ya es de darles un aplauso.

'Casanova' creo que ha quedado como un filme secundario en las carreras de director y protagonista, pues no suele salir esta propuesta automáticamente, o esa es mi sensación, al hablar de ellos. Pienso que sí que es una obra para valorarla muy positivamente, cuenta con más de una virtud tanto delante como detrás de las cámaras y se hace hasta algo ligera para durar dos horas y media y podría haber caído perfectamente en el ritmo empalagoso y agobiantemente lenta cuando se trata de una película de época.

7

SINOPSIS: El detective Tom Hardy pertenece a una familia de origen irlandés afincada en Pittsburgh, que desde hace cinco generaciones forma parte de la policía de la ciudad. En cambio, la rama italiana de la familia, encabezada por su tío Nick De Tillo, se dedica desde siempre a diversas actividades delictivas. Tom, con la ayuda de su padre, le sigue la pista a un peligroso psicópata, pero durante la persecución sufren un accidente en el que el padre resulta muerto. Jimmy De Tillo, primo de Tom, es detenido como principal sospechoso.


LOS COCINEROS DESAPROVECHAN LOS INGREDIENTES

Bruce Willis tuvo en los años 90 una gran década. Casi cualquier película con su rostro en ella era sinónimo de calidad, sus títulos famosos de esa década ya sabe todo el mundo cuales son; sin embargo, también tuvo en esos años algunas películas que no fueron tan encumbradas y hoy están más bien relegadas en un segundo plano. 'Persecución mortal' sería uno de estos casos.

Su director, Rowdy Herrington, venía de estrenar en los últimos coletazos de los 80 'Road House' (De profesión: duro) que supuso uno de los trabajos por los que más se recuerda al tristemente fallecido Patrick Swayze. Además, en la banda sonora se encontraba un nombre muy de moda como es Brad Fiedel, autor de las dos bandas sonoras excepcionales de 'Terminator' y 'Terminator 2: El juicio final'. Y en su elenco encontramos nombres como Sarah Jessica Parker, Tom Sizemore (DEP), John Mahoney (DEP) o Dennis Farina. De nuevo, buenos ingredientes no hacen un buen plato si falla el cocinero.

Y esta vez son dos cocineros. Concretamente, el mismo Herrington y Martin Kaplan, autores del guion. Un guion con un punto de partida muy atractivo en el que las víctimas del asesino tenían conexiones con el personaje encarnado por Willis, Tom Hardy. Desgraciadamente, el desarrollo del guion es lo que hace perder enteros a la producción, desaprovechando enteramente el asunto de la rama familiar más conflictiva del protagonista, el tener personajes clichés de jefes que le gritan al prota a la mínima oportunidad y una resolución que pretende ser sorprendente, pero no lo es tanto.

Su villano, por otro lado, es de un perfil que parece más bien salido de un telefilme que de una gran producción de Hollywood, cuando se descubre el pastel se le pierde cualquier rasgo de intimidación que sí tenía cuando no se dejaba ver y jugaba al gato y al ratón con los policías.

Al menos, le doy todo el mérito al personaje de Sarah Jessica Parker. Ya no es que sea un regalo para la vista, sino que guardaba alguna sorpresa bajo la manga que no esperaba, y lo introducen de forma bastante inteligente. Si hubiesen sido tan inteligentes con el resto del material, podríamos estar hablando de otra cosa, mas no puedo engañar y negar que lo que he visto no merece un visto bueno, a pesar de que Bruce Willis es una leyenda del cine de acción y le tengo -y le tendré- en alta estima. Hasta los mejores pueden fallar.

4

SINOPSIS: Alterado psicológicamente por los atroces hechos que ha visto en su carrera y alejado moralmente de su esposa, un sargento de policía, mientras interroga brutalmente al supuesto violador de una muchacha, le causa la muerte. A continuación es sometido a un proceso en el que intenta justificar su conducta.


CUANDO TU MENTE ES UN LASTRE

Recién salido de su licencia para matar, Sean Connery quería demostrar que era algo más que un agente secreto siempre dispuesto para el servicio, por lo que 'La ofensa' fue una de esas primeras ocasiones donde ya no llevaba el manto de 007 y podía volar en solitario, y para ello contó con la dirección del gran Sidney Lumet, quien accedió a sentarse en la silla de director tras pedírselo el actor escocés.

Para Connery, este papel sí que fue una demostración de que tenía más que mostrar, interpretando a un sargento de policía totalmente antipático y de mano suelta, además de brusquedad en el trato personal hasta en los diálogos más banales del día a día. Parece mentira, pero de los filmes que he visto en su carrera, diría que este es su papel más odiable de largo; lo que a su vez habla bien de su interpretación, pues consigue ser alguien con quien no te gustaría tener cerca a los pocos minutos de empezar el largometraje.

'La ofensa', eso sí, podía haber sido algo mejor. No cabe duda de que tiene grandes momentos como la discusión entre los personajes de Johnson (Connery) y su esposa, Maureen (Vivien Merchant), la poderosa aparición de Trevor Howard como un comisario que acude a indagar más sobre la muerte del interrogado o la última parte del interrogatorio entre Johnson y Kenneth Baxter (Ian Bannen). Tres secuencias que ponen de manifiesto que, si alguna vez fue un hombre cariñoso y amable, rasgos de humanidad ya apenas le quedan. No obstante, no es tan fuerte en su tramo final como se cree y le falta poner aún más los cojones encima de la mesa en forma de revelación final chocante, mientras que, en realidad, dejan una ambigüedad que lo resta, más que favorecerle.

Al producto se siente que le falta un gran golpe maestro y lo visto hasta el momento, aunque bueno y con algún recurso interesante como la luz central cuando la narración se sale del presente, no es suficiente para elogiarla masivamente. Lo cual es una pena, porque creo que el potencial del material era obvio que ahí estaba y que era fácil sacarle jugo. Desgraciadamente, termina desaprovechándose una ocasión de bulto como aquella famosa que tuvo el 'loco' Abreu. Seguramente, haya gente que le saque más puntos positivos; yo hubiese sido uno de ellos si el tramo final hubiese sido redondo. Se queda en un producto que pone de relieve el talento de Connery en un personaje muy, muy desagradable.

6

SINOPSIS: En el año 1990 llega al planeta Tierra una llamada de auxilio de una misión alienígena estrellada en la superficie de Marte. Un científico viaja con su equipo a Marte para rescatar a la tripulación de la nave. La única superviviente es una mujer, que con sus ojos luminosos y su aspecto inhumano, es una vampira espacial que tiene un desaforado apetito por sangre humana.


UNA VAMPIRA QUE SE HACE DE ROGAR

Roger Corman, como productor ejecutivo no acreditado, destaca de entre la gente envuelta en este proyecto de serie B, surgida de un guion de una película de la Unión Soviética llamada 'Mechte Navstrechu' (o 'Encuentro en el espacio', en la traducción del título al español), estrenada en 1963. En esta versión occidental destacan delante de las cámaras, los rostros de John Saxon ('Pesadilla en Elm Street', 'Abierto hasta el amanecer' u 'Operación Dragón'), Basil Rathbone ('El capitán Blood', 'Robin de los bosques', 'Ana Karenina'...) y un aún no muy famoso Dennis Hopper ('Speed: Máxima potencia', 'Apocalypse Now', 'Terciopelo azul'...) al que le quedarían tres años para estrenar su punto de inflexión llamado 'Easy Rider (Buscando mi destino)'.

'Planeta sangriento' relata una historia ya tratada en aquellos años 60 en la que los seres humanos conocen a seres de otros mundos, esta vez mediante un mensaje de visita que luego se transforma en un S.O.S. (algo parecido se toca en un filme algo conocido, véase el sarcasmo, llamado 'Alien, el octavo pasajero') y los astronautas se las verán con una humanoide de aspecto bello y de naturaleza letal.

Es un punto de partida interesante del que desconozco si ya en aquellos años 60 se tocó, además del filme soviético ya mencionado, pero que en la práctica se desaprovecha mucho. Este largometraje dura poco menos de hora y veinte minutos y para que exista acción de verdad, problemas técnicos con las naves aparte para meter algo de chicha, hay que esperar a casi los cincuenta minutos. La compresión de la trama no iba con ellos, se ve. Por otro lado, el aspecto de la humanoide alienígena es más exótico que amenazador; ni siquiera tiene unos colmillos básicos. No creo que costasen mucho tener unos, incluso para una producción modesta como esta.

Sí hay que elogiarla por su dirección artística, y es que el aspecto de las naves, terrestre y extraterrestre, consigue mantenerse casi 60 años después. No es menos cierto que con el avance de medios a lo largo de los años muchísimos filmes le han superado, aunque si tenemos en cuenta su época y su tono más bien tirando a modesto, creo que todavía pueden aguantar con honra y hay que ponerla entre los aspectos positivos del largometraje.

Un largometraje que, por lo demás, supone más bien una aventura fallida por un guion que se hace mucho de rogar y no es capaz de meter una aceleración al ritmo narrativo, además de contar con unos personajes humanos que no tienen un carisma a raudales que digamos. Desaprovechar a actores como Saxon, Hopper y Rathbone es un delito que ya se castiga viendo el resultado final. Quien sí destaca es Florence Marly como la humanoide, quien sin tener diálogos es capaz de tener el magnetismo que no tienen ninguno de los demás.

'Planeta sangriento' queda así como una mera curiosidad para ver a unos jóvenes Dennis Hopper y John Saxon, y ver asimismo una propuesta de la que, seguramente, beberían producciones posteriores como la ya citada película dirigida por Ridley Scott y estrenada en 1979, la cual me sigue volviendo loco. Todo lo contrario que esta, al que le ha faltado una cadencia más rítmica en su relato para que me entrase mejor por los ojos.

4

SINOPSIS: En un planeta Tierra post-apocalíptico, un sabio mago y sus compañeros luchan contra otro mago que está utilizando aparatos tecnológicos para conquistar el planeta. Dos hermanos lideran bandos opuestos en un mundo fantástico, uno de ellos desde el bando que pretende la paz. El otro lidera un grupo avaricioso que sigue los ideales nazis.


MILLONES DE AÑOS DESPUÉS, SE REPITE LA HISTORIA

Tras unos cuantos años curtiéndose el lomo en los cortometrajes, el afamado director especializado en la animación, Ralph Bakshi, emprendió el camino de los filmes largos empezando por 'El gato Fritz' en 1972; concretamente, 'Los hechiceros de la guerra', sería su cuarto largometraje. Y lo que nos espera aquí no es precisamente para niños, aunque su medio sea la animación, lo que puede confundir a espectadores insensatos.

El mundo presentado en 'Los hechiceros de la guerra' es, en apariencia, un mundo de cuento de hadas donde hay paz y armonía, una paz y armonía que llegó en realidad tras millones de años después de que hubiera un holocausto nuclear que hizo mutar a la inmensa mayoría de seres humanos y dejando a supervivientes en forma de trolls (no los de Internet), hadas, elfos y enanos. En medio de tanta población variopinta surgieron unos gemelos de la reina de las hadas, Delia, llamados Avatar y Blackwolf; uno bueno y el otro malo, respectivamente.

Cuando el segundo descubre que su madre ha muerto, reclamará el trono por sus cojones mutantes haciéndose con armas, un ejército y grabaciones de Adolf Hitler y los nazis para inspirarlos a sembrar el terror de nuevo. Pedir que hiciera el bien se ve que no estaba en su agenda ese día.

A decir verdad, el personaje más interesante es precisamente Blackwolf y su afición a las esvásticas. Con este paralelismo entre pasado y presente (el presente de la época de la película, me refiero), se da a entender, en mi opinión, aquello de que si no se aprende de la historia se está condenado a repetirla, cosa que pasa aquí cuando Blackwolf tenía como referente al tío mala follá del bigote y su ejercito (incluso en el suelo donde está su trono hay una esvástica dibujada). Toda esta trama hace del filme un claro alegato antibelicista para que la humanidad no vaya por el mismo sendero que a finales de los 30 y parte de los 40 del siglo XX.

Bakshi además de dirigir, escribe y produce este filme en el que también destacan toques de humor picantón usando a prostitutas o comedia gamberra, aunque sin pasarse. Todo ello adornado por una eficiente banda sonora, obra de Andrew Belling, con toques mayormente de sintetizador que ayuda a impregnar aún más los elementos de fantasía ya existentes en la narración.

En casi una hora y veinte minutos se condensa una narración de bien contra el mal que deja un buen sabor de boca, sin tener tampoco argumentos para elevarla (en opinión de un servidor) hasta un nivel de notable o incluso más. Los diversos elementos como animación, música o guion discurren sin problemas, con la sensación de ser todo el rato una cinta de fácil consumo. No dejaría de recomendarlo porque quizás haya quien le saque más beneficio, eso sí.

6

SINOPSIS: Philo es un camionero de aspecto bonachón a quien le entusiasman la cerveza fría, la música country y hacerse respetar por medio de sus puños. Philo, que se hace acompañar por un orangután que ganó en una apuesta, está enamorado de una cantante llamada Lynn, pero ella no quiere compromisos serios.


DINERO FÁCIL

Cuando uno tiene idolatrado a un artista del cine (actor/actriz, director/a o compositor/a, mayormente) siempre se intenta ver todo lo que se pueda de su trayectoria cinematográfica. Claro que no hay quien se libre de tener manchas o productos flojos si tiene la suerte de tener una carrera larga. Clint Eastwood no iba a ser menos.

Para cuando rodó 'Duro de pelar', Clint ya había rodado la famosa trilogía del dólar con Sergio Leone, había dado a conocer al mundo a Harry Callahan e, incluso, había debutado como director con 'Escalofrío en la noche'. Claro que no siempre iba a tener personajes o películas para sacar todo su talento o, simplemente, no le apetecía ponerse intenso, y creo que en 'Duro de pelar' se permitió divertirse y obtener dinero fácil. Está en todo su derecho, claro que la calidad de la cinta es otro cantar.

Se nota la simplicidad de la historia cuando pasada la hora, se añade un momento de Clyde y Philo dando una vuelta por las calles en un descanso de las tramas principales con los motoristas y los policías que le persiguen y la persecución que lleva él mismo sobre el personaje interpretado por Sondra Locke, la cantante Halsey, quien es la que aporta más chicha a la historia. Una trama que no se molesta en dar un gran mensaje ni en soltar una reflexión filosófica; simple y llanamente, aquí se viene a pasarlo lo mejor posible.

¿El problema? Ver esta cinta a estas alturas, cuando ya Eastwood ha ganado muchos premios y ha rodado algunas películas sobresalientes como 'Million Dollar Baby', 'Mystic River' o 'Sin perdón', no impide sentir que esto a Eastwood le quedaba grande. Puede que incluso en aquella época ya se tuviera dudas del proyecto, aunque entendería que no tantas cuando aún le quedaban algunos años para mostrar la madurez que le llevó a dar el paso definitivo en su camino a la gloria.

'Duro de pelar' queda como una propuesta curiosa en la carrera de Eastwood con puñetazos y gresca allá donde mires, el entrañable mono Clyde que se come la escena y un catalogo de secundarios que ayudan a que la cinta se mantenga dignamente.

5

SINOPSIS: En 2032, la Tierra envía misiones para explorar Marte. Después de que dos grupos de astronautas mueran misteriosamente tras el descubrimiento de objetos extraños en la superficie de Marte, la tripulación de la SC-37 va a tratar de averiguar lo que pasó. Pronto descubren lo que les sucedió a sus predecesores cuando un monstruo sediento de sangre comienza a zamparse a los miembros de la tripulación.


EL HIJO BASTARDO DE 'ALIEN' Y 'E.T.'

Cuando se ve una película de serie B son más las probabilidades de que el visionado sea una tortura que de una sorpresa inesperada, aunque hay veces que puede pasar lo segundo. Recuerdo, por ejemplo, 'La noche del cometa' o 'TerrorVision' (descarto de la ecuación los famosos filmes de serie B como 'Posesión infernal', los cuales ya sabía de antemano la fama que tenían). 'Estrella de cristal' entra en esta categoría...por los pelos, pero entra.

Deudora principalmente de películas como 'Alien, el octavo pasajero' y 'E.T. el extraterrestre', esta producción hace una mezcla de ambas en una sola narrativa, donde una primera tripulación muere en la misma nave donde ahora están los protagonistas.

Dicha combinación tiene sus limitaciones como se podía esperar de la serie B. Los escenarios, los trajes o el bicho en sí se nota que vienen de una producción muy modesta; sin embargo, no es del grado de horror que uno se podía esperar y pasan, más o menos, con cierta soltura. Eso sí, la pantalla de mapeado de la nave, la cual era una clara imitación de la película de Ridley Scott, se podría haber hecho bastante mejor.

En el reparto encontramos nombres de los que ninguno me suena. Ni siquiera secundarios que diesen lustre al producto; sin embargo, creo que, a pesar de sus personalidades muy básicas, hacen su trabajo lo mejor que pueden. Al menos, sí que dan la sensación de que son actores y no gente escogida al tuntun para aparecer. En un largometraje de esta clase, con que se cumpla el mínimo de actores que aparenten naturalidad ya me vale.

El inesperado giro final de 'Estrella de cristal', y que tiene que ver con el alienígena, sí que puede estar cogido muy, muy, muy con pinzas. Se pretende dar el toque ET al relato y seguro que hubo gente que supo de la existencia de la película y la vio que no compró ese giro de los acontecimientos. Sí que es verdad que chirría respecto a la premisa inicial, pero se deja caer durante el metraje y, además, me parece una idea buena por inesperada, cuando lo normal era ir hasta el final con el rollo sangriento.

Ha ayudado que yo tengo como placeres culpables los filmes de serie B, si bien no tengo dudas en pasar por la licuadora cualquier producto que se lo merezca. En este caso, no le ha faltado mucho por las limitaciones técnicas y artísticas y apartados del guion que pueden chirriar. Contando con todo eso, creo que consigue pasar el aprobado con dignidad porque se nota una intención de hacer algo más o menos sólido, en lugar de ser una fiesta de la cutrez.

5

SINOPSIS: David Shayne es un autor teatral fracasado que, por fin, consigue financiación para una de sus obras. Pero a cambio tiene que aceptar una condición: darle un papel secundario a Olive, la incompetente novia del productor, el gángster Nick Valenti. Olive acude a los ensayos acompañada de su guardaespaldas Cheek, que, lejos de limitarse a vigilarla, se permite sugerir cambios para mejorar la obra. A fuerza de ceder a los consejos de Cheek, David empieza a dudar hasta tal punto de su talento dramático que acaba encargándole a Cheek que reescriba la obra.


LA MAFIA SALVANDO EL ARTE

Woody Allen entraría en la categoría de directores de cine que no son para todo el mundo, especialmente por su estilo de diálogos y humor irónico, que se puede atragantar si no estás muy familiarizado con el estilo o, simplemente, es una forma de narrar que no es para ti. En mi caso (en lo que se refiere a su carrera tras las cámaras), hay obras que no me han llamado poderosamente la atención, pero alguna a la que se le ven detalles de buen cine. Este es el caso de 'Balas sobre Broadway'.

Rodeado por un reparto de auténticas estrellas (John Cusack, Dianne West, Jim Broadbent, Chazz Palminteri...), Woody Allen se echa a un lado como actor para, solamente, dirigir y coescribir -junto a Douglas McGrath- el guion; y no se echa mucho de menos su presencia cuando hay unos personajes muy bien escritos e interpretados por unos fantásticos actores.

Evidentemente, no todos pueden tener el mismo peso (salvo Olive, quien es el que más peso tiene, badumtss) en pantalla y hay quienes llevan la narración y hay quienes sirven de sostén. En el caso de los primeros, tenemos a John Cusack y a Chazz Palminteri, uno como un director/guionista que comparte ciertos tics con Woody Allen en su forma de ser, y el otro como mafioso con un talento oculto para el arte. Palminteri salía de ser un mafioso en la muy buena 'Una historia del Bronx' y aquí vuelve a serlo; pero con ciertas dosis de humor negro que hacen de su personaje de lo mejor entre el reparto. De John Cusack hay que decir que hace una buena interpretación como artista opacado por un mafioso, como se podía esperar, aunque hay compañeros de reparto aún más inspirados.

De los personajes-sostén de la historia, destacan Jim Broadbent, Dianne Wiest y Jennifer Tilly. Los tres interpretan a actores de la obra que David Shayne (Cusack) quiere sacar para delante. Broadbent da vida a Olive, un actor de categoría con una ansiedad también de categoría que intenta tapar comiendo; Dianne Wiest (Helen Sinclair) y Jennifer Tilly (Olive Neal) estuvieron nominadas al Oscar (Wiest ganó) con todo merecimiento, porque cada una de ellas da muy buenos trabajos. Una como una actriz buena y creída venida a menos y otra como una actriz que entra a la obra gracias a la mafia. Muy buen acierto que se aproveche el tema de la característica voz de Tilly para su personaje.

Además, cuenta con una ambientación de finales de los años 20 bastante conseguida con todo lujo de detalles en el vestuario, lugares y fotografía.

Cierto es que le falta algo para ser aún mejor, y es que no consigue librarse de su tono ligero, aunque tiene alguna reflexión muy interesante sobre el artista y la venta de su alma cuando el hambre aprieta. No cuenta con una gran secuencia que la haga destacar sobremanera y se siente como si estuvieras viendo buena parte del metraje una obra de teatro -para bien y para mal- cuando no le habría venido mal algo más de espectáculo. No obstante, es un visionado muy agradable.

7