... la lía porque hoy es su cumpleaños. ¡¡24 tacos!! 


Espero que pases un buen día, que lo celebres por todo lo alto y que soples las velitas de tu tarta.

Imprescindible en el foro y gran persona.

Me he traído a una amiguita para felicitarte a la que tú conoces muy bien

Spoiler

http://www.youtube.com/v/c9VSv1O-BHc?version=3&amp

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Y por último un regalito a modo de canción:


PD: El título del hilo es un homenaje a nuestro Amármol jajaja

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: Shame
AÑO: 2011
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Steve McQueen
GUIÓN: Steve McQueen, Abi Morgan
MÚSICA: Harry Escott
FOTOGRAFÍA: Sean Bobbitt
REPARTO: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Jake Richard Siciliano, Hannah Ware, Alex Manette, Chris Miskiewicz, Jay Ferraro, Anna Rose Hopkins, Eric Miller
PRODUCTORA: Film4 / UK Film Council / See-Saw Films
GÉNERO: Drama

PREMIOS

2011: Festival de Venecia: Copa Volpi al Mejor actor (Fassbender), Premio FIPRESCI
2011: Premios BAFTA: Nominada a mejor film británico y actor (Fassbender)
2011: Globos de Oro: Nominada a Mejor actor dramático (Fassbender)
2011: Festival de Sevilla: Mejor director, mejor actor (Michael Fassbender) (ex-aequo)
2011: Satellite Awards: 6 nominaciones, incluyendo mejor película y director
2011: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
2011: British Independent Film Awards: Mejor actor (Fassbender). 6 nominaciones.
2011: Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Michael Fassbender)
2011: Critics Choice Awards: Nominada a mejor actor (Fassbender) y actriz secundaria (Mulligan)


SINOPSIS

Brandon (Michael Fassbender) es un hombre de treinta y tantos años que vive en un confortable apartamento en Nueva York. Para evadirse de la monotonía del trabajo, seduce a las mujeres, en una serie de historias sin futuro y encuentros de una noche. Pero el ritmo metódico y ordenado de su vida se ve alterado por la imprevista llegada de su hermana Sissy (Carey Mulligan), una chica rebelde y problemática. Su presencia explosiva llevará a Brandon a perder el control sobre su propio mundo. Shame indaga en la naturaleza profunda de nuestras necesidades, en la forma en que afrontamos nuestra vida y las experiencias que nos marcan (elseptimoarte).

CRÍTICA

El director londinense Steve McQueen, tras haber demostrado al mundo su buen hacer y su firme pulso detrás de las cámaras con su ópera prima, "Hunger", vuelve a las salas de cine con un trabajo controvertido y desarmante y que, a pesar de haber sido una de las grandes olvidadas en las nominaciones a los Oscar 2012 (quizás porque una película tan subida de tono no le gusta demasiado a la academia), se ha granjeado elogios en los diferentes festivales en los que se ha presentado, especialmente dirigidos al director y al actor protegonista (Fassbender).

Los elogios al director, en primer lugar, están más que justificados. En ésta, su segunda obra, nos confirma que es un director de estilo aunque no de género (ya está preparando para 2013 una película sobre la esclavitud que también contará con Fassbender y al que se sumará Brad Pitt), pues vuelve a mostrarse como un artesano minucioso, detallista, constructor de escenas con inicio nudo y deselance en sí mismas, que persigue a sus personajes en una secuencia larga hasta que nos ha brindado toda la información necesaria para continuar con la trama, hasta que ha exprimido el más oculto sentimiento, no importándole si la escena dura tres o diez minutos. McQueen domina las distancias cortas, los gestos, las miradas, aunque esta vez apostando más por la diversidad de planos combinados en el montaje, frente a esos larguísimas secuencias de cámara fija y sin cortes que maravillaron a los espectadores en "Hunger" (recordemos la escena del miembro del Ira y el cura).


La película es un drama durísimo, adulto, carnal, que nos habla de un señor de treinta y tantos años totalmente adicto al sexo y que es incapaz de engancharse emocionalmente a nada ni a nadie. Lógicamente la reflexión va más allá de unas cuantas escenas de sexo solitario, en dúo o en trío, y, precisamente, el hecho de que haya mucho sexo y, sin embargo, sea una película pura de sentimientos, algunos enterrados y otros desbordados, vuelve a ser una constatación del buen hacer del director británico. En ningún momento uno siente reparo o vergüenza por lo que está viendo en pantalla, porque está narrado con elegancia y plena justificación.

Cada escena profundiza más en la degradación y autodestrucción del protagonista, que busca el sexo como un perro detrás de un hueso, persiguiendo el hedonismo más superficial y alienador, haciéndole olvidar por unos momentos quién es y quién le necesita y que su vida no es o ha sido la más generosa y solidaria del mundo.


Para demostrarnos que tras el hombre gélido y egoísta hay una dramática historia sobre la que poner arena y cal, hay un personaje opuesto a él, el de su hermana Sissy (Carey Mulligan), emocionalmente inestable, indefensa, dependiente de los demás y que sólo busca llamar la atención. La silenciosa y a la vez estruendosa lágrima de Fassbender durante la deliciosa interprestación de Mulligan del "New York, New York", en todo dulce, cadente y embriagador, es un regalo para los sentidos y un hermoso detalle más en la descripción del personaje de Fassbender, que se va desnudando interiormente de forma paulatina, mientras que exteriormente está desnudo desde el principio, sin pudor.

Los elogios a Fasbender, por otro lado, son más que merecidos, pues la actuación que nos ofrece está a un nivel espectacular, siendo comedido y frío cuando ello es vital y desgarrador en algunos compases, cuando, ya vestido, es su alma la que se nos presenta sin ambages ni circunloquios.

Algunas secuencias son bellísimas, como la del deseo fugaz en el metro, la de los bares que provoca el corte en la mejilla o la de Fassbender corriendo por las calles bajo los acordes de la música de Bach.


Mención aparte merece la banda sonora, compuesta por Harry Escott, y que una vez que te pilla no te suelta y se queda como un eco en tu mente cada vez que rememoras mentalmente algún momento de la película. Espectacular es poco. Además, incorpora temas jazzísticos de Coltrane o Kander (New York, New York) y clásicos como las Variaciones Goldberg interpretadas por Glenn Gould (y que a los más cinéfilos les recordará a la banda sonora de El paciente inglés, en donde también se hacían bien presentes).

En conclusión, una película trágica, sobrecogedora e hipnótica, que bien merece un visionado.

Un 8.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: The Ides of March
AÑO: 2011
DURACIÓN: 101 min.
PAÍS: EE.UU.
DIRECTOR: George Clooney
GUIÓN: George Clooney, Grant Heslov (Obra de Beau Willimon)
MÚSICA: Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA: Phedon Papamichael
REPARTO: Ryan Gosling, George Clooney, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Philip Seymour Hoffman, Evan Rachel Wood, Jeffrey Wright, Max Minghella
PRODUCTORA: Cross Creek Pictures / Exclusive Media Group / Smoke House
GÉNERO: Drama/Política


PREMIOS

2011: Globos de Oro: 4 nominaciones, incluyendo Mejor película dramática
2011: Premios BAFTA: Nominada a mejor actor secundario (Hoffman) y guión adaptado
2011: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor reparto
2011: Festival de Venecia: Sección oficial largometrajes a concurso
2011: Festival de Toronto: Sección oficial largometrajes a concurso


SINOPSIS

La historia gira en torno a un joven idealista que forma parte del equipo del candidato democrata a la presidencia que se enfrenta con la sucia realidad política.


CRÍTICA

Geoge Clooney vuelve a la gran pantalla en 2011 con una nueva película dirigida, coescrita (junto con Grant Heslov y Beau Willimon) y hasta coprotagonizada por él mismo, titulada "Los idus de marzo".

Este drama político, como ya ocurriera con su obra de 2005 "Buenas noches y buena suerte", tiene como propósito diseccionar la moralidad, la dignidad, la lealtad de las personas, que en muchos casos es una rara avis en peligro de extinción, y demostrar que entre lo bueno y lo malo hay una clara línea divisoria pero que es muy fácil de atravesar, sobre todo cuando hay temas de poder o ideología detrás. El problema es que esta obra es mucho más escéptica que la anterior y la moralina puede sentar como un jarro de agua fría a unos espectadores ya de por sí hundidos en los tiempos de crisis que corren, aunque también puede actuar como buen revulsivo hacia una sociedad adormecida en el conformismo.

El argumento, que parece sacado de la primera plana de un periódico estadounidense haciéndose eco de las luchas internas dentro del bando demócrata o republicano, es bastante simple. Stephen Meyers (Ryan Gosling) es el director de campaña de Mike Morris (George Clooney), el gobernador de Pennsylvania y candidato presidencial demócrata, que compite contra el senador de Arkansas Ted Pullman (Michael Mantell). Los candidatos están haciendo campaña en Ohio. Una victoria de Morris, le garantizaría la nominación, una victoria de Pullman le brindaría un impulso vital en su ascenso a la Casa Blanca. Al mismo tiempo, ambos candidatos tratan de conseguir el respaldo del senador demócrata por Carolina del Norte Franklin Thompson (Jeffrey Wright), que puede dar a cualquiera de los dos 356 delegados y, como resultado, la ansiada nominación.


La película, con una loable narración circular, presenta a la perfección los duelos, alianzas, lealtades y traiciones que se viven en una campaña electoral, pero pudiendo extrapolarse a la perfección muchas de las morelejas de su trama a cualquier ámbito de la vida, pues aunque muchos de los acontecimientos se centran en los delicados y procelosos mundos de la carrera presidencial, llamando George Clooney especialmente la atención sobre la manipulación que se puede ejercer sobre el electorado, también pueden extraerse conclusiones valiosas aplicables al día a día, lo que hace que la película no se convierta en una obra hermética, sino que constituya un valioso estudio de las relaciones humanas en liza por el poder.

El destacable plantel con el que el director americano ha contado esta vez está encabezado por Ryan Gosling (que está sembrado este año con su participación en Drive y en esta película, en ambas como protagonista y con una actuación digna de estima en los dos casos),  George Clooney, Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti (que hacen de rivales y asesores de los respectivos candidatos), Marisa Tomei (como periodista en busca de carnaza), Jeffrey Wright, y Evan Rachel Wood (una de las jóvenes que colaboran en la campaña).

Pero la pieza central y verdadero valor de la película es el personaje de Gosling y cómo este evoluciona a lo largo de la misma. Gosling actúa como adalid de la inocencia del pueblo. Trabaja duramente a favor de la campaña del candidato porque cree firmemente en él y en la causa que representa. Es un idealista, quizás utópico, quizás naif, pero sumamente inteligente y con ansias de triunfar en su cometido. Es el contrapunto, el vértice entre dos polos opuestos  que no son otra cosa que las dos caras de una misma moneda: los experimentados y ya "corrompidos"  jefes de campaña, Seymour Hoffman y Giamatti, que han lidiado mil y una veces con las situaciones a las que tendrá que enfrentarse Gosling y que harán que pierda su inocencia irremediablemente.


El ver cómo Clooney logra que los espectadores cambien de opinión al igual que el personaje de Gosling, a medida que avanza el metraje, y comprobar cómo Gosling traspasa la pantalla al principio y al final de la película, cuando ya no es la misma persona, es un lujo que el director de Kentucky y el actor canadiense nos han regalado con gran mimo y acierto.

Lo anterior, unido a ciertos duelos interpretativos y de egos que podemos disfrutar sobre todo a partir del momento en que el drama se desencadena, bien valen un reconocimiento, y así lo ha merecido en los Globos de Oro, en los Bafta y esperemos que en los Oscar.

El hecho de que Clooney haya de optar por un caballo ganador, ante la imposibilidad de galopar a lomos de las dos grandes películas en las que participa este año (ésta de la que hablamos y "Los descendientes") hará seguramente resentir la carrera de "Los idus de marzo" hacia la estatuilla dorada. Pero como nos cuenta la película, sólo uno puede ser el ganador y no siempre el que gana es el mejor.

Que la disfrutéis. Un 7.

Aunque quedan pocas horas para la Gala, abro este tema por si alguien se anima a hacer sus predicciones para estos premios, que son la antesala de los Oscar. Os recuerdo que los nominados son:

MEJOR PELÍCULA DRAMÁTICA
"The descendants"
"The help"
"Hugo"
"Moneyball"
"The ides of march"
"War horse"


MEJOR PELÍCULA COMEDIA/MUSICAL
"50/50"
"The artist"
"Bridesmaids"
"Midnight in Paris"
"My week with Marilyn"


MEJOR DIRECTOR
Woody Allen "Midnight in Paris"
George Clooney "The ides of march"
Michel Hazanavicius "The artist"
Alexander Payne "The descendants"
Martin Scorsese "Hugo"


MEJOR ACTOR DRAMÁTICO
George Clooney "The descendants"
Leonardo DiCaprio "J. Edgar"
Michael Fassbender "Shame"
Ryan Gosling "The ides of march"
Brad Pitt "Moneyball"


MEJOR ACTOR COMEDIA/MUSICAL
Jean Dujardin "The artist"
Joseph Gordon-Levitt "50/50"
Ryan Gosling "Crazy, stupid, love"
Owen Wilson "Midnight in Paris"
Brendan Gleeson "The guard"


MEJOR ACTRIZ DRAMÁTICA
Glenn Close "Albert Nobbs"
Viola Davis "The help"
Rooney Mara "The girl with the dragon tattoo"
Meryl Streep "The iron lady"
Tilda Swinton "We need to talk about Kevin"


MEJOR ACTRIZ COMEDIA/MUSICAL
Jodie Foster "Carnage"
Charlize Theron "Young adult"
Kristin Wiig "Bridesmaids"
Michelle Williams "My week with Marilyn"
Kate Winslet "Carnage"


MEJOR ACTOR SECUNDARIO
Kenneth Branagh "My week with Marilyn"
Albert Brooks "Drive"
Jonah Hill "Moneyball"
Viggo Mortensen "A dangerous method"
Christopher Plummer "Beginners"


MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA
Bérénice Bejo "The artist"
Jessica Chastain "The help"
Janet McTeer "Albert Noobs"
Octavia Spencer "The help"
Shailene Woodley "The descendants"


MEJOR GUIÓN
Woody Allen "Midnight in Paris"
Nat Faxon, Alexander Payne y Jim Rash "The descendants"
Aaron Sorkin y Steven Zaillian "Moneyball"
Michel Hazanavicius "The artist"
George Clooney y Grant Heslov "The ides of march"


MEJOR BANDA SONORA
John Williams "War horse"
Ludovic Bource "The artist"
Howard Shore "Hugo"
Trent Reznor, Atticus Ross "The girl with the dragon tatoo"
Abel Korzeniowski "W.E."


MEJOR CANCIÓN
"Lay Your Head Down" (Albert Nobbs)
"The Living Proof" (The Help)
"Hello Hello" (Gnomeo & Juliet)
"Masterpiece" (W.E.)
"The Keeper" (Machine Gun Preacher)


MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN
"Rango"
"The adventures of Tintin"
"Arthur Christmas"
"Puss in boots"
"Cars 2"


MEJOR PELÍCULA EN LENGUA EXTRANJERA
"A separation" (Irán)
"The flowers of war" (China)
"La piel que habito" (España)
"Le gamin au velo" (Bélgica)
"In the land of blood and honey" (EE.UU.)

¡¡¡A votar!!!

Bueno, he estado barajando varias escenas para poner aquí, como la de la pesadilla de Borg de Fresas Salvajes, la del bar Winkie's de Mulholland Drive, la del sobrevuelo de África de Memorias de África, o varias escenas de Hitchcock como la del robo de Marnie, la del Carrusel de Extraños en un tren etc etc pero al final me he tenido que decantar por esta.

Película: Vértigo. Hacia el final de la película tiene lugar una de las escenas más misteriosas, sugerentes y con el beso, para mí, más evocador de la historia del cine (y uno de los más largos).

Antecedentes: James Stewart está obsesionado con una mujer que aparece al principio de la película, llamada Madeleine. Por ello, le ha pedido a su novia, que físicamente se parece mucho a ella, pero es mucho más "ordinaria", que se transforme en Madeleine, tiñéndose de rubia y comprando la misma ropa que ella lleva. Vamos, que es una escena de fetichismo y de dominación pura y dura. Pero lo importante no es sólo lo que se cuenta, sino cómo lo cuenta y, en esto, Hitchcock es un maestro de la cabeza a los pies.

Descripción de la escena: James Stewart está nerviosísimo, en una habitación de hotel, con cajas de ropa medio abiertas y colocadas por aquí y por allí, esperando a su novia que llega de la peluquería. Por eso, está ojeando un periódico que le quema en las manos y se asoma constantemente a la ventana en la que cuelga un cartel verde, que tiñe la escena con un cierto aire fantasmal, que le queda de lujo. En los primeros compases destaca la cara de Stewart (0:46) que parece adivinar la presencia de Kim Novak. Pero el gordito juega al despiste en dos ocasiones, porque nos ofrece un plano largo de la habitación vacía y luego otro del largo pasillo, y ni en la habitación, ni en el pasillo está la susodicha reencarnación. ¿Será una aparición tal vez? Pero cuando parece que Stewart se da por vencido, una campanilla anuncia la llegada del ascensor a la planta y una cambiadísima Kim Novak irrumpe en el pasillo del hotel, tocándose el pelo, no muy cómoda con su nuevo look. La cara de Stewart es un poema y ello porque Novak no se ha recogido el pelo como él anhelaba. Por eso, él se queda en la puerta, contrariado, y ella, culpable, entra como una exhalación en el cuarto, intentando que él no la siga atosigando. Pero él vuelve a insistir, porque quiere que su fantasía se haga realidad a toda costa y la obliga a recogerse el pelo.

Entonces llegan los mejores momentos de la escena, que creo que representan momentazos de la historia del cine y que yo divido en tres partes:

1ª: Del 2:45 al 3:40. Cuando él espera la transformación completa de su novia en Madeleine. Sabiamente, Hitchcock nos coloca a Stewart de espaldas, para que él también se sorprenda con la llegada de la rubia, logrando una absoluta identificación entre personaje y espectador, llevándonos a todos a esperar la salida del baño. Las caras de Stewart son magistrales y la espectacular banda sonora coadyuva a preparar la tensión de la escena hasta que.... ella aparece bajo las brumas verdes, usando Hitchcock un filtro en la cámara, haciendo que ella emerja cual espíritu de la nada y avance lentamente, como si el ojo de Stewart=espectador tuvieran que acostumbrarse a la luz e ir enfocando cada vez mejor la pupila 

2ª EL BESO. Un beso rodado en 360 grados intercalando el plano real de la habitación con otros planos de momentos anteriores de la película, que él vivió con Madeleine en el convento con los coches de caballos y demás. Una maravilla 

3ª: Desde el 5:56 cuando, al ponerse ella el collar, Stewart descubre todo el percal. Lo curioso de ese momento en concreto es que, aunque pueda parecer un spoiler, no lo es, porque el espectador sabe lo que está ocurriendo desde mucho antes de que Stewart lo descubra y lo bonito es ver no el qué, sino el cómo Stewart va a reaccionar al descubrir lo que los espectadores sabemos desde hace mucho. Y es que su novia es, en realidad, Madeleine. Lo del paralelismo del collar con el cuadro y la cara de cabreo de Stewart es sencillamente delicioso.

El juego de primeros planos, planos largos, travellings, planos en 360 grados, banda sonora, luz, puesta en escena... vamos, que lo tiene TODO. Que la disfrutéis, aunque muchos ya la conocéis  :guiñar

Bueno, no sé si me adelanto unos segundillos al 20 de septiembre, pero la cuestión es que me hace ilusión ser la primera en felicitar a Edu (aunque lo realmente importante es el mensaje y no la hora de su publicación. Hola Ludo jeje). A lo que voy:


Aunque ya te he felicitado en persona unos días antes, te he tirado de las orejas bajo la lluvia y te he hecho un regalito, no podía dejar de felicitarte el día en cuestión.

Hace 23 años nació el que hoy en día es el chico más importante en mi vida y, por ello, le estoy muy agradecida a tus padres, que viendo a Ludo y sabiendo que podían mejorarlo (XDDDD), decidieron ir a por ti, el chico que me tiene totalmente loquita. También estaré siempre agradecida a "La conspiración del pánico", que me hizo descubrir esta web de cine y, por lo tanto, a ti. Quién nos hubiera dicho al principio que, tras un año de conocernos, los que eran dos hamijos foreros se convertirían en parejita y en mejores amigos. La verdad es que hemos tenido mucha suerte y, por ello, espero esforzarme todo lo posible porque este regalo dure eternamente, porque hay mucha gente que se pasa toda una vida buscando lo que conocemos como "la media naranja" y yo he tenido el placer de conocerla y ¡sólo está a un tren de distancia!

Me haces reír, eres inteligente, te gusta el cine, compartimos algún gusto musical (otros ni por asomo jajaja), puedo hablar contigo hasta de las especies autóctonas de Zimbaue, sabemos lo que pensamos con sólo una palabra o una mirada, decimos algunas cosas a la vez cual almas gemelas, confiamos siempre el uno en el otro y tenemos un feeling que hace saltar chispas cuando estamos juntos.

La distancia es un obstáculo, yo creo que el único, pero lo salvamos cada día con una llamada de teléfono y por diversas vías en internet (los diabéticos del foro están que trinan con tanto azúcar jaja) y también eso tiene sus cosas positivas. Siempre que viajamos a Madrid, Santander o a un punto intermedio, sentimos de nuevo la emoción de darnos el primer beso, de volvernos a conocer y reconocer, de aprovechar al máximo los pocos días que tenemos  y de despedirnos como si fuera el último beso de nuestras vidas. Todo es más intenso, como una película. Vivamos y disfrutemos esto por ahora, que seguro que, en menos de lo que pensamos, estaremos juntos (yo lo estoy deseando), chiquitín y chiquitina, compartiendo miradas y tacto día a día, además de palabras y sueños como ya hacemos.

Gracias por ser como eres y gracias por quererme casi casi tanto como yo te quiero a ti. Espero pasar otros 23 años a tu lado, por lo menos 

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(23 besazos que vuelan a Santander)

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FICHA TÉCNICA
TÍTULO ORIGINAL: The Tree of Life
AÑO: 2011
DURACIÓN: 138 min.
PAÍS: EEUU
DIRECTOR: Terrence Malick
GUIÓN: Terrence Malick
MÚSICA: Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA: Emmanuel Lubezki
REPARTO: Brad Pitt, Sean Penn, Hunter McCracken, Jessica Chastain, Fiona Shaw, Crystal Mantecon, Pell James, Joanna Going, Kari Matchett, Michael Showers
PRODUCTORA: Fox Searchlight Pictures / Riverroad Entertainment
GÉNERO: Drama


SINOPSIS
Años 50. El film narra la evolución de Jack, un niño que vive con su madre (Jessica Chastain), que encarna el amor y la bondad, mientras que su padre (Brad Pitt), que representa la severidad, es el encargado de enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Sean Penn interpreta a Jack en la edad adulta. Por otro lado, se trata también la historia del Universo desde sus orígenes.

CRÍTICA

Que Terrence Malick no es un director de cine al uso, ya no se le escapa a nadie. El hecho de que en 40 años haya rodado sólo cinco películas, y no cinco películas convencionales, denotan que es un director peculiar, que quiere hacer las cosas a su modo y eso, por supuesto, se refleja en su cine. Actualmente tiene dos nuevos largometrajes proyectados para 2012 y 2014, un drama romántico "The Burial" y un documental sobre el universo "The voyage of time", que seguirá la línea de lo que se ve en esta obra que nos ocupa, que dedica, nada y más y nada menos, que 16 minutos a la creación del universo, con imágenes espectaculares que parecen sacadas de un documental de la BBC.

Parece que la idea inicial de "El árbol de la vida" surge después de rodar "Días del cielo", cuando Malick empezó a barruntar un ambicioso proyecto llamado "Q", que después fue abandonado, o al menos, congelado, hasta que unió todas la piezas necesarias para afrontar este, su más controvertido trabajo. Ganadora de la Palma de Oro del 64º Festival de Cannes, es público y notorio que en el propio festival cosechó aplausos y abucheos a partes iguales, porque nos encontramos con una obra que no puede dejar indiferente a nadie. Incluso algunos de los partícipes en la cinta, como Sean Penn, parece que en las ruedas de prensa estaban bastante perdidos, preguntándose todavía qué habían interpretado y cuál era el sentido de su personaje.

No llega a tanto la película de Malick, es decir, que no es una película compleja en cuanto a guión o que no pueda ser comprendida tras la primera aproximación a la misma. No estamos ante un David Lynch, ni ante un Nolan, ni mucho menos. Pero sí es cierto que se trata de ese tipo de películas que, afortunadamente, te obligan a mantener un enconado debate después de su visionado, porque son muchas las preguntas que plantea y el propio tema, que camina por los derroteros de la religión, se presta a divagar sobre el sentido de la vida humana, las creencias o nuestro papel en el mundo.


Lo que nos cuenta es muy simple. Jack (Sean Penn) se enfrenta a los recuerdos de su vida, que tienen que ver con su vida familiar en los años cincuenta en Texas, con una madre dulce y cariñosa (Jessica Chastain), un padre autoritario y severo (Brad Pitt) y unos hermanos con los que pasa su infancia entre juegos y travesuras. Hasta aquí, todo normal. El problema es que no es una película de inicio, nudo y desenlace, sino de pinceladas narrativas, en la que apenas se desarrollan diálogos coincidentes en un momento temporal, sino más bien frases sueltas y reflexiones, con un uso continuado de la "voz en off".

Lo que más llama la atención en "El árbol de la vida" es la forma de narrar y de dirigir. Malick no rueda planos, baila, anda, avanza. Es como si la película estuviera en constante movimiento hacia delante, lo cual me parece un acierto si pensamos que la propia película trata sobre la evolución del universo y, más concretamente, del hombre dentro del mismo. La fotografía es soberbia. Cada plano es un deleite. De hecho, seguro que para algunos espectadores esto llegará a ser un lastre, porque tanto mimo visual puede irritar a nuestras pupilas, que no descansan en ningún momento. Y más si sabemos que la labor de montaje ha debido ser mastodóntica, pues la película intercala constantes flashes de espectaculares imágenes, algunas de las cuales se repiten tomadas a la inversa, creando un poema visual poco común.

Los efectos especiales corren a cargo, ni más ni menos, que de Douglas Trumbull, que ha participado en proyectos como "2001: Una Odisea en el espacio", "Encuentros en la tercera fase" o "Blade Runner". Esta herencia cinematográfica queda patente en esta obra, pues en los 16 minutos que dura la recreación del big bang, el surgimiento de la Tierra y la aparición de la vida en ella (con dinosaurios incluidos, una licencia criticable), vienen en seguida a la cabeza algunos momentos de la mítica película de Kubrick, incluida la excesiva parsimonia con la que todo ello se desenvuelve, que lastra un poco el ritmo de la película, aunque la hace resplandecer en espectacularidad y, por qué no, en pretenciosidad. Eso sí, ver esas imágenes tan bellas, creadas a base de elementos químicos, pintura, humo, CO2, líquidos, luces y fotografía en alta velocidad, es impagable.

Junto al apartado técnico ya mencionado, no debemos dejar de mencionar una banda sonora que combina a la perfección música clásica (Smetana, Respighi, Mahler, Brahms, Berlioz), con las piezas compuestas por Alexandre Desplat, que encajan muy bien con los sonidos de la naturaleza, a la par que crean un ambiente "eclesiástico" muy apropiado.


Pero metámonos más en harina (aviso a los que quieran ir vírgenes a su visionado, que lean hasta aquí, aunque no voy a poner ningún spoiler). Malick ha dirigido una película que, detrás de la historia de una familia concreta, habla en realidad de la fe y de la creencia en Dios. Desde los primeros compases ya nos pone las cartas sobre la mesa, porque nos dice que sólo hay dos formas de afrontar la vida. La de la gracia de Dios y la de la naturaleza. La primera no es autocomplaciente, puede ser rechazada, dejada de lado. La segunda sólo busca autocomplacerse, hay que respetarla, seguir su forma de ser. Y la verdad es que este punto de vista, para una persona que no es muy creyente, es, al menos, original y te hace plantearte ya muchas cosas, en unos pocos minutos.

La película es una constante conversación con Dios, o más bien un interrogatorio dirigido al mismo ("¿por qué?", "¿dónde estabas?", "¿qué somos para ti"?). Reflexiona sobre el nacimiento de la fe, el pecado, la muerte, la vida en la Tierra y después de fallecer... es decir, temas peliagudos desde que el hombre es hombre. Pero qué queréis que os diga, estemos de acuerdo o no con sus ideas, me parece valiente al exponerlas y al tratar de hacer una película que explique qué es un ser humano, de dónde venimos y a dónde vamos. Va a ser tachado por muchos de pedante al querer dar una lección que le queda grande a todo humano en particular, al tratar de acercarse a la grandiosidad misma de Dios y del universo, pero es que no se trata de juzgar a Malick moralmente, si ha sido demasiado ambicioso o no, sino que se trata de juzgar los resultados plasmados en una obra cinematográfica. Y creo que la jugada, aunque arriesgada y titánica, le ha salido casi redonda.

Aparte han de quedar los debates sobre la trascendencia y la metafísica. Uno puede comentar, debatiendo con los familiares o amigos, que él no cree en la vida después de la muerte, pero no debemos llevar esta crítica al terreno de la película, porque no creo que Malick trate de imponer la fe, ni de influir en nadie sobre su particular visión del mundo moderno en el que vivimos, sino que nos enseña una forma de vivir en este mundo, que es igualmente válida que la otra que deja a un lado. La de pensar que no existe otra cosa que la evolución natural del universo, sin más allá ni altos poderes.


También ha acertado Malick al elegir el reparto. Brad Pitt está mejor que nunca, estremece en sus momentos de padre rígido, exigente y autoritario e irradia ternura cuando se asombra ante el nacimiento de sus hijos (me ha gustado ese gesto con la boca, que me recuerda al Marlon Brando de El Padrino). Jessica Chastain, además de guapa, está muy bien, tanto en las secuencias más dramáticas como en aquellas en las que ha de ser cariñosa y comprensiva con sus hijos. Sean Penn, a pesar de no enterarse mucho de la cosa, está correcto. Y el niño protagonista cumple perfectamente.

En conclusión, película muy recomendable, que asombrará a unos, decepcionará a otros y seguro que despertará discusiones. Y vayamos incluyéndola en las nominaciones a los Oscars.

Puesto que este tema ha salido en otro hilo del foro, os lo pongo aquí para comentarlo mejor.

La peli que más hayas disfrutado no tiene por qué ser necesariamente la que más te ha gustado, pues puede haber otros factores externos que te hayan influido.

A debatir 

Hoy cumple 19 años uno de nuestros foreros del otro lado del charco, Vector, que está viviendo momentos algo convulsos como estudiante. Desde aquí te digo:


Pásalo bien y tómate algo a nuestra salud 

x4:




x3:

FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: The Letter
AÑO: 1940  
DURACIÓN: 95 min.
DIRECTOR: William Wyler
GUIÓN: Howard Koch (Basado en la obra de teatro de W. Somerset Maughan)
MÚSICA: Max Steiner
FOTOGRAFÍA: Tony Gaudio
REPARTO: Bette Davis, Herbert Marshall, James Stephenson, Frieda Inescort, Gale Sondergaard, Bruce Lester, Cecil Kellaway, Victor Sen Yung
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures. Productor: Hal B. Wallis

SINOPSIS

Una noche de luna llena en Malasia, Leslie Crosbie (Bette Davis) mata a su amante cuando está sola en una plantación de su marido. Ella alegará legítima defensa.

CRÍTICA

La obra de teatro de W. Somerset Maughan ha sido objeto de dos versiones cinematográficas bajo el título "The letter". La primera, es una producción Paramount dirigida en 1929 por Jean de Limur y protagonizada por Jeanne Eagles y O.P. Heggie. La segunda, es esta producción Warner, sólidamente dirigida por William Wyler y con unos excelentes Bette Davis y James Stephenson (que en la primera versión hacía el papel de amante asesinado, en lugar del del abogado de esta segunda versión). Existe una tercera adaptación al cine, bajo el título "The unfaithful" protagonizada por Ann Sheridan en 1947 y una cuarta para la televisión de 1982 con Lee Remick.

Con esta película, William Wyler ha dirigido a la Davis en tres ocasiones, las otras dos son "Jezabel" y "La loba".

"La carta" es una película intensa, con un ambiente inmejorable, enmarcado por una fotografía, un juego de luces y una música verdaderamente intrigantes. Contiene, a mi entender, dos de las mejores escenas de la historia del cine, la primera y la última.

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En ambas destaca el pausado travelling de William Wyler, el primero de izquierda a derecha, para mostrar la vida de los trabajadores de la plantación malaya e introducirnos en el asesinato a tiros del amante de la protagonista Leslie Crosbie. Inolvidable la utilización de las escaleras, el travelling hasta la cara de la impertérrita asesina, y las nubes tapando la luna llena que es testigo del brutal asesinato. La última escena utiliza la misma técnica, pero a la inversa, de derecha a izquierda siguiendo a Betty Davis desde su casa hasta la puerta de la calle. Maravilloso el seguimiento que hace la protagonista de su sombra por el jardín, que bien podría representar la culpa, y el contratravelling hacia la casa donde se sigue celebrando la fiesta, con el contraste de músicas, una que anuncia el drama y otra inocente y alegre en el interior de la mansión.

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Además de la impecable dirección, destaco la magnífica interpretación de Bette Davis, así como una bastante convincente actuación del abogado, James Stephenson, que consiguen atrapar al espectador desde el primer momento (como detalle, me encanta la primera escena cuando la Davis acaba de matar a su amante y cuando vuelve al salón se queda de espaldas a la puerta con la mano en que sujetó el arma, abierta para que advirtamos con claridad su mano asesina. Ello contrasta con la siguiente escena en que la misma mano abraza a su marido y sujeta un pañuelo para enjugar sus lágrimas). Interesantes también los tensos y exóticos encuentros entre la viuda asiática (Gale Sondergaard) y una orgullosa, como siempre, Davis. El primer encuentro entre ambas es tan embriagador y curioso que en youtube lo apodan la "escena del tripi"


Además, este es uno de los pocos casos de la historia del cine en que puedo felicitar al estricto Código de censura de Hollywood, pues el final de la obra de teatro fue rechazado y nos brindó este impecable final, que cierra el círculo espacial y emocionalmente.

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En la obra de teatro, Leslie termina confesando su amor por su amante ante su marido y la audiencia. El Código no podía amparar un final en el que la asesina infiel quedara impune de su asesinato, por ello nada mejor que la viuda del malogrado amante pudiera vengar su muerte.

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RAZONES POR LAS QUE LA RECOMIENDO

1. Porque es un clasicazo como la copa de un pino, pero veo que muchos no la habéis visto. Además es muy corta y sencillita, así que no os puede echar para atrás en ese sentido.

2. Porque quiero que disfrutéis con esos hipnóticos ojos y esas fulminantes miradas y expresiones de Bette Davis, que me parece una de las mejores actrices de la historia. Por favor, no dejéis de echar un vistazo tampoco a sus manos y ese juego que se trae con ellas toda la película. Por algo es la "madrina" cinematográfica de Meryl Streep.

3. Porque la dirección es muy buena (sobre todo las escenas inicial y final), de la vieja escuela, y la banda sonora siempre me ha cautivado.

4. Por último, y no menos importante, porque es una película que ha pasado en mi familia de generación en generación. Yo la vi de peque, gracias a mi abuelo, y desde entonces me la he tragado como 10 veces. Entre muchas otras, esta película me hizo amar el cine, porque Davis me deja siempre en shock.

Tenéis el hilo de crítica aquí, en el que además de mi comentario (muy parecido al que he puesto aquí)  tenéis el de Guevara y el de Rhaegar, que creo que es único que ha visto la peli: http://www.elseptimoarte.net/foro/index.php/topic,11383.0.html

Espero que disfrutéis con este pata negra de William Wyler.

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: Bent
AÑO: 1997  
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Sean Mathias
GUIÓN: Martin Sherman
MÚSICA: Philip Glass
FOTOGRAFÍA: Giorgos Avanitis
REPARTO: Clive Owen, Lothaire Bluteau, Ian McKellen, Mick Jagger, Brian Webber, Nikolaj Coster-Waldau, Jude Law
PRODUCTORA: The Arts Council of England
GÉNERO: Drama. Holocausto. Homosexualidad


SINOPSIS Película basada en una exitosa obra de teatro. Max (Clive Owen) es gay, y por ese motivo es enviado a Dachau, un campo de concentración bajo el régimen nazi. Max trata de negar su sexualidad y consigue una estrella amarilla, reservada para los judíos, en lugar de una rosa, la de los homosexuales. En el campo de concentración se encuentra con Horst (Lothaire Bluteau), quien con orgullo lleva su etiqueta rosa.

TRAILER


CRÍTICA

Se abre el telón. Una sala de espectáculos de Berlín en plena época Nazi. En un columpio, un cantante travestido (Mick Jagger) comienza a cantar "Streets of Berlín", mientras el dramaturgo y por primera vez director de cine Sean Mathias, nos introduce en un mundo de alcohol, mujeres guapas, hombres pintados, bailarines, soldados (atentos a una fugaz aparición de Jude Law), sexo a dos o tres bandas, pero todo de forma muy estilosa y coreografiada, muy teatral o, incluso, operística. Un poco a lo "Velvet Goldmine" o a lo "Eyes wide shut". Un mundo oculto y desviado (bent), fuera de las normas.

En ese inframundo de vicio y evasión se desenvuelve como pez en el agua Max (Clive Owen), que parece llevar una vida alocada, de excesos y que, para más inri (para aquella época), es gay y vive con un bailarín. La Gestapo le encuentra, casi por casualidad, pero él y su amante huirán y tendrán que esconderse durante un tiempo, manteniendo oculta su orientación sexual.

Una noche, la Gestapo les encuentra y les detiene, introduciéndoles en un tren con destino al campo de concentración de Dachau, en donde Max conocerá a Horst, otro gay, que no duda en lucir la estrella rosa, indicativa de su homosexualidad, al contrario que Max, que con tal de permanecer vivo, se confesará judío, para poder ser portador de la estrella amarilla.

Bajo los constantes y delicados acordes compuestos por Philip Glass, "Bent" se revela como un canto al amor en un mundo cruel, injusto, sin sentido (representado por ese inútil trabajo de llevar piedras de un lado a otro sin ningún fin concreto). Una película que no pierde su plena teatralidad, a pesar de ser traducida al lenguaje cinematográfico, pues hasta los diálogos (el verdadero fuerte de la película), suenan a coreografía, a canción ensayada hasta la saciedad (qué irritantes, pero efectivos, llegan a ser los pasajes del "yes, sir!"), pero destilan belleza e inteligencia en cada línea.

Sean Mathias hace un magnífico trabajo, en su única película como director, jugando con muchos recursos cinematográficos, utilizando diversos movimientos de cámara (alguno me ha trasladado a "Cuando vuelan las cigüeñas"), especialmente los travellings (hay una escena excelentemente planificada, en la que vemos un juego de travelings mientras los dos actores se mueven perpendicularmente, llevando y trayendo piedras, alternándose en el campo visual de la cámara), pero sin olvidarse tampoco (al más puro estilo Hitchcock) del enorme poder que tiene el plano fijo y abierto en una de las escenas más dramáticas de la película (la que se desarrolla al final del todo).


La película, además, es una cajita de sorpresas, porque entre el elenco de actores, podemos hacer un juego del "quién es quién", pues perfectamente camuflados y casi como desconocidos, desfilan ante las cámaras, desde Mick Jagger, hasta Jude Law, Rachel Weizs o Paul Bettany (como capitán nazi, por el final de la película). Al frente de estos actores casi escondidos, destacan, por su brillante y emocionante interpretación, tanto Clive Owen, en uno de sus primeros papeles para el cine, como un inmenso Lothaire Bluteau. También aparece, en una breve escena, como tío del protagonista, sir Ian McKellen, que interpretó durante mucho tiempo el papel de Max sobre las tablas del teatro.

Si hay que quedarse con alguna escena de esta emocionante película, me quedaría con tres, que me han parecido un prodigio de sentimientos:

- la escena en la que Max y Horst hacen el amor a apenas unos centímetros de distancia, sin poder tocarse, jugando tan sólo con su poderosa y no prisionera imaginación, que puede volar libre y recordarles que aún son seres humanos. Una escena muy similar se desarrolla por el final de la película, con la misma fuerza, pero rodada de forma totalmente diferente (otro ejemplo de la riqueza de esta obra).

- la escena en la que Horst confiesa su amor.

- la dura escena del final de la película, que es el broche perfecto para lo que significa amar, proteger y sentir.

No os dejéis engañar por el tema del holocausto, pues no es otra película más del genéro, ya que podía haberse desarrollado en cualquier otro lugar o momento histórico. La película sólo, y nada más y nada menos, habla del amor y de la imposibilidad de encarcelar, someter, o esclavizar el alma, los sentimientos o la imaginación de los hombres, por muy prisioneros físicos que sean o por mucho que quieran cambiar o castigar una orientación sexual, una forma de querer a otro ser humano.

Muy recomendable y, por desgracia, muy poco conocida. Un 7'75.

Bueno chicos, ya que la película de "Tarón y el caldero mágico" está suscitando tantos comentarios sobre las pelis Disney y no creo que el hilo del Cineclub sea el más apropiado para discutir sobre ello, y, quizás, comentar sobre estas películas en cada crítica abierta podría resultar demasiado difuso... aquí abro el tema de las películas DISNEY para que podamos explayarnos a gusto.

¿Cuáles son las mejores películas de Disney? ¿Y las peores? ¿La revisión de estas películas en la época adulta puede resultar traumática?....

Comentad malditos!!!! 

Hoy cumple 25 años uno de los foreros imprescindibles y más queridos, al que, por desgracia, no se le ve tanto por aquí como antes, pero que siempre da guerra.

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Ella también te felicita  :guiñar 

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El director de cine estadounidense Sidney Lumet (Philadelphia, 1924) falleció este sábado en su casa de Manhattan (Nueva York) a los 86 años de edad, según informa el diario The New York Times. La causa del fallecimiento, ha dicho su hijastra Leslie Gimbel, ha sido un linfoma.

Su debut en el cine fue todo un éxito, con Doce hombres sin piedad (12 Angry Men) en el año 1957. Por esta película, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y su primera nominación a los Oscar en las categorías de mejor película, mejor director y mejor guión adaptado.

Otras de sus grandes obras son Serpico, Tarde de perros, Veredicto final y Network, un mundo implacable. Su última película fue Antes que el diablo sepa que has muerto, rodada en 2007.

DEP PARA UN GRANDE, GRANDÍSIMO

¡¡¡¡Notilla!!!! con que hoy hace 21 años nació el comentarista cinéfilo más subversivo, irónico, gracioso y ocurrente de este foro....

A nivel personal qué decirte, que no te haya dicho ya. Que eres muy grande tíu . Una persona increíble, que está ahí cuando se la necesita, que, aunque tenga algún momento de "efervescencia", se da cuenta al instante y rectifica si hace falta, que siempre nos saca sonrisas por aquí o por allá, que tiene una personalidad arrolladora y dice lo que le da la gana en cada momento. Un chico auténtico, sí señor

Por todo eso y por mucho más, te deseo un MUY:


Como regalito provisional (que el otro, más currado y de cosecha propia, lo estoy terminando y mañana lo tendrás  ) no podía faltar esta maravilla:

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Lo dicho, aunque toque en lunes, seguro que lo has celebrado o lo celebrarás a lo grande. ¡¡Tómate algo a nuestra salud!!

A los 49 años, fallece el director, productor y editor Gary Winick, conocido por dirigir películas como "Cartas a Julieta", "Guerra de novias", "El sueño de mi vida", "La telaraña de Carlota" o "Tadpole".

Fue el fundador de InDigEnt (Independet Digital Entertainment), que ayudó a realizar películas independientes a través de técnicas digitales y fue gran seguidor del movimiento Dogma 95 fundado Por Vinterberg y Trier.

DEP

- Steve Carell protagonizará 'Dogs of Babel'

FICHA TÉCNICA

TÍTULO ORIGINAL: 13 Tzameti
PAIS: Francia
PRODUCTORA: Palm Pictures
DIRECTOR: Géla Babluani
REPARTO: George Babluani, Pascal Bongard, Aurélien Recoing, Fred Ulysse, Nicolas Pignon, Vania Vilers, Olga Legrand, Christophe Van de Velde, Augustin Legrand, Jo Prestia.
GÉNERO: Intriga, Thriller, Drama Psicológico, Película de culto.
DURACIÓN: 93 min

SINOPSIS

En un lugar cualquiera de la costa, Sébastien está arreglando el tejado de una casa. El propietario, tras recibir una extraña carta para una cita que le promete ganar mucho dinero, muere de una sobredosis. Sébastien recoge la carta y decide hacerse pasar por él, esperando ganar una importante suma de dinero. Siguiendo las indicaciones, llega a un lugar dantesco.

PREMIOS

- 2006: Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor banda sonora.

- 2006: Sundance: Gran Premio del Jurado (Internacional).

CRÍTICA

"13 Tzameti" (2005) es la ópera prima del director de origen georgiano Géla Babluani, que sólo había realizado anteriormente un alabado cortometraje de 25 minutos titulado "A flor de piel" (2002). Rodada en francés y en blanco y negro, constituye una palmaria manifestación de thriller en estado puro, sabiamente dosificado, sin grandes alardes, contenido con mano férrea y con un saber hacer no propio de un casi debutante.

La película arranca de manera sutil y despreocupada, mostrando a un joven obrero que ha de arreglar el tejado de una casa en la que viven un señor maduro adicto a la morfina y su inquieta mujer. La película fluye casi desapercibidamente, en los primeros compases, si bien puede percibirse claramente la sabia mano del director, que deliberadamente opta por una estética retro, a pesar de que todos los elementos en acción son modernos, y no sólo por la soberbia fotografía en blanco y negro asociada automáticamente al cine más clásico, sino por la manera de dirigir, que ya en los primeros minutos nos van a proporcionar un agradable regusto a cine europeo intelectual, con matices modernizados de Murnau, Lang o Bergman (ese interior de la casa con las cortinas flotando a lo "Persona"), y que incluso nos llevará por derroteros como el primer Polanski, o los directores de películas policíacas francesas, como Melville.

La trama poco a poco va centrando la atención del espectador a medida que la mujer, el joven obrero y otros secundarios que espían los pasos del deteriorado dueño de la casa en obras, descubren una carta que contiene un billete y una reserva de hotel para París, lugar al que el hombre ha de acudir para una cita que le reportará una gran cantidad de dinero. Pero una sobredosis detiene los planes del hombre, siendo el joven el que se hace con la carta con la intención de sustituirle en su empresa, al margen de la mujer y los demás interesados. Lo que ocurre a partir de ese momento, que no debe ser contado por la sorpresa que supone, sumirá al espectador en una espiral de intriga, suspense, que juega sus bazas de manera asombrosa, con una elegancia que para sí la quisieran directores bregados en estas lides.


La portentosa estética de la película se alía hacia la mitad del metraje, con unas duras e inquietantes secuencias, que aunque no son del todo originales, están narradas de tal forma, que convertirían el vuelo de una mosca en el elemento más ensordecedor y perturbador del mundo. La tensión, en esos momentos centrales, podría cortarse con un cuchillo, pues el espectador queda imbuído en un espectáculo dantesco de la brutalidad humana que haría huir al más valiente. El calvario del joven protagonista, se repite en diversas ocasiones, pero la película, lejos de resultar repetitiva, supone un buen ejemplo de cómo un director tiene recursos cinematográficos de sobra para rodar escenas similares de forma diferente, aun cuando los elementos sean los mismos. Tomando como eje una bombilla colgada del techo, Babluani nos introduce en su particular ruleta, haciéndonos girar aterrorizados, insertando primeros planos de los partícipes en un espantoso juego, reflejando en la pantalla las técnicas cinematográficas de libro, que permiten construir el thriller psicológico y captar el sufrimiento de los personajes.

La última parte parece descargar algo de tensión, pero a cambio nos va guiando hacia el destino de los personajes, comprendiendo que tras las dolorosas experiencias, ya nada va a ser igual y que el peligro late igualmente en el ambiente. Los compases finales, confirman la elegancia de la cinta, que huye del trepidante ritmo videoclipero del cine americano actual, apostando por la sugerencia, la calma, la sobriedad más másculina y la herencia cinematográfica europea.


Babluani firma, así, un largometraje muy bien desarrollado y aprovechado, que desde las técnicas contemporáneas, se asoma a las fuentes cinematográficas, dignificando un dantesco espectáculo, que da mucha más importancia a la creación de la tensión (como hiciera el genio del suspense, Hitchcock), en lugar de centrarse en los resultados, que casi pasan desapercibidos, dejando a un lado sangre, vísceras y demás productos de casquería.

Aunque la parte central de la película brilla mucho más que el principio y el final, lo que hace que no sea una película redonda, no deja de captar la atención del espectador en ningún momento, haciendo una progresiva escalada de menos a más, para finalmente dejarse posar de nuevo, desde lo alto del suspense.

Destacar asimismo la actuación del hermano del director, Georges Babluani, y el montaje bastante dinámico dentro de la "estética europea" que hace a la película entretenida y disfrutable.

Como mala noticia, apuntar que el propio director se ha hecho cargo del remake USA, "13" (2010, protagonizada por Jason Statham, Mickey Rourke, Emmanuelle Chriqui y 50 Cent), dejándose vender por un puñado de dólares, sacrificando las señas de identidad de su obra (el ritmo medio, el blanco y negro, la elegancia) en aras de quizás una mayor difusión personal a nivel mundial. Error garrafal, porque convertir una película de culto, una joyita heredera de una mirada cultivada en el séptimo arte, en una cinta de mercadillo palomitero, es casi una herejía que, en todo caso, habría que delegar en otros. Se lo perdonamos, pero le exigimos que vuelva a su línea inicial.

Un 8. No dejéis de verla.

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