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Off Tópic / Pandilla de mataos
« en: 24 de Enero de 2012, 10:17:56 pm »
Pandilla de mataos!!!

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                 Jo, qué noche!





Sinopsis

           Al finalizar su jornada laboral, un solitario empleado de una compañía de informática (Griffin Dunne) se ve envuelto en una serie de extrañas circunstancias que le llevan a uno de los peores barrios de Nueva York. Allí, vivirá una interminable y alocada noche...


Ficha técnica

Director: Martin Scorsese Intérpretes: Cheech & Chong, Griffin Dunne, Linda Fiorentino, Rosanna Arquette, Teri Garr, Verna Bloom, Cheech Marin, Victor Argo Título en VO: After Hours País: USA Año: 1985. Duración: 97 min. Clasificación: Mayores 13 años Género: Comedia Color o en B/N: Color Guión: Joseph Minion Montaje: Thelma Schoonmaker
Fotografía: Michael Ballhaus
Música: Howard Shore





Acerca de Jo, qué noche!

         Un mejor título en castellano que se le podía haber dado a esta especial película de Martin Scorsese sería: “Jo, que noche he pasado tan mala!” Porque dicho sólo: Jo, qué noche! Pareciera que esa noche a la que se refiere el título, y que malvive el protagonista, ha podido ser divertida y para recordar, por lo bien que se lo  ha podido pasar…y para nada, todo lo contrario. En inglés su título (el original) es After hours y se refiere a los locales de copas o discotecas que abren sus puertas cuando los bares nocturnos comunes cierran las suyas, casi siempre coincidiendo con la última hora de la noche, rozando la madrugada, y en los que se junta lo más variado y extraño de la ciudad que satisface sus más variadas necesidades etílicas, o de drogas y diversión de todo tipo. De muchos de estos especimenes nocturnos, de los lugares de la gran ciudad donde sólo almas con ganas de la evasión más visceral que  quiere perderse y olvidarse de lo de siempre, producto del hastío más pegajoso y molesto (en esto pensaría en el protagonista Paul Hackett, protagonizado por el actor Griffin Dunne)  habla Jo, qué noche!, pero de una forma diferente a la habitual, bastante simbólica y sugerente. En este marco es donde se desenvuelve la acción que es un sueño en sí mismo y que pasa de lo divertido a lo angustioso en un proceso donde se juzga y se quiere castigar sin justificación alguna a un protagonista Griffin Dunne incapaz de poder escapar de unos acontecimientos que en cualquier momento lo arrollarán.





        Digo que la película es una pesadilla en sí misma no solamente por la sensación que se palpa (con elementos tales como lo surreal, pero aquí comedido, el querer escapar de una amenaza de la que no se logra desprender Paul Hackett, la sensación de soledad y desamparo en un contexto hostil, pero disfrazado de comprensión y amabilidad, etc) sino por una interpretación que se podría hacer consecuencia de un análisis y la “descodificación” siguiente:

       Al comienzo el protagonista se encuentra en la oficina donde trabaja; la imagen viaja a cámara rápida, muy acelerada, indicando que se está en un día de trabajo, en plena actividad diaria. Hay estrés, movimiento, inercia de trabajo, un cierto descontrol. De pronto la dinámica habitual diaria se detiene, y la cámara también se calma, fijándose en Griffin Dunne. Hay más pausa porque se está pasando de un estado de vigilia a otro de reposo, antecesor del sueño…





      La misma oficina representaría la habitación del protagonista, y su sillón podría ser su cama. Antes de acostarse hay que fijarse en la actitud de Paul Hackett: éste echa una mirada a lo que podría haber sido el día que ha trascurrido; los gestos de sus compañeros, las fotos y los bolígrafos en las mesas de la oficina, la monotonía del día a día se vería como un preludio del sueño. De hecho Griffin Dunne, cuando habla con uno de sus compañeros, explicándole cómo tiene que hacer para utilizar un programa informático, se gira con calma y observa la oficina y a los compañeros que ocupan su espacio, esa mirada es como un recuerdo retrospectivo de lo que fue su día, como cualquier otro día, con los mismos mecanismos donde lo usual es la norma y lo sabido; y en la mirada de Paul Hackett se nota que Morfeo comienza a hacer acto de presencia… está a punto de sucumbir al sueño… y el sueño comienza:





     En la fase más superficial todavía hay control de las situaciones, aunque comienzan los primeros síntomas de que se está viviendo otra cosa diferente de lo real; aún así hay suficientes elementos reales como para no sentir desamparo o falta de control. Un poco más tarde, y en esta parada entraría en escena el taxista amante del flamenco con mirada de loco no del todo agresivo, se pasa a una fase del sueño más profundo, y es el taxista el que lo transporta rápidamente. Éste representaría el agujero que lleva a Alicia al país de las maravillas. El taxista se puede interpretar como la transición del sueño amable y sin demasiadas complicaciones a la pesadilla, a lo oscuro, aquí contada más bien en forma de comedia, pero una pesadilla que irá de menos a más… ¿y que nos encontramos por el camino, que sería el desarrollo central de la estructura del film? Pues a personajes solitarios, tristes, atormentados o con grandes inseguridades que sufren y que buscan comprensión, que se les entienda y se les valore, aunque sea un poco, personajes que buscan compañía porque la soledad los aplasta, personajes con una sensibilidad a flor de piel, una sensibilidad con tendencia al histerismo como el que sufre Julie, la mujer camarera que invita a Paul Hackett a su casa porque cree que le gusta.

     Por último nos embarcaríamos en plena vorágine de angustia e impotencia que una pesadilla amenazante representa; pero aquí no demasiado dramática porque, como dije antes, el tono es de comedia y no de terror. La amenaza no se debiera justificar porque no hay ningún delito que castigar, pero eso no importa porque la razón aquí ya no importa, sólo el hecho de ser condenado y perseguido para castigar una culpa que no es tal. Todo estos acontecimientos empapan de impotencia y miedo a un Griffin Dunne desamparado y con ganas de huir, con un irrefrenable deseo de salvarse, y más sabiendo que no es culpable de nada, sólo de no estar en su sitio en el momento menos adecuado, aunque al principio le atrajera esa novedad envuelta en misterio que se podría interpretar como ganas de vivir nuevas experiencias para huir de la monotonía y el tedio, y aceptar la propuesta de Rosanna Arquette sería como una forma de evasión.


    ¿Y qué ocurre cuando todo termina? Que Griffin Dunne se despierta en el mismo lugar donde comenzó su “aventura nocturna”: en su oficina, que es su habitación… ¿Y qué le dice el ordenador, que sería su despertador? Le dice: “Buenos días, Paul”…


          9.25 / 10













3
Cine clásico y contemporáneo / La hora del lobo (1968)
« en: 06 de Abril de 2010, 05:21:17 pm »


                        La Hora Del Lobo





Sinopsis

             El pintor Johan Borg y su esposa Alma se refugian en la pequeña Isla de Baltrum, en un intento de afrontar la crisis artística y nerviosa del primero. Su intimidad será pronto vulnerada por una familia de decadentes y siniestros aristócratas, empeñados en invitarles a un inquietante
happening que arranca frívolamente y termina en un ejercicio de malsana intromisión en sus vidas privadas, revelando retazos de una solapada y arcana malignidad. Los demonios seguirán llamando a Johan a sus dominios, con el reclamo de su ex musa y amante, Veronica Vogler, para hacerle volver sin Alma y a la hora más tenebrosa: La hora del lobo.





Ficha

TITULO ORIGINAL:Vargtimmen (Hour of the Wolf)
GENERO:TerrorTEMÁTICA: Pesadillas
PAIS:SueciaDURACION:90 MinutosAÑO:1968
DIRECTOR:Ingmar Bergman
GUION:Ingmar Bergman
INTERPRETES:Georg Rydeberg, Gertrud Fridh, Liv Ullmann y Max Von Sydow
 PRODUCTOR: Lars-Owe CarlbergMUSICA: Lars Johan WerleFOTOGRAFÍA: Sven Nykvist


Acerca de La hora del lobo


         Uno de los títulos que Ingmar Bergman rodó en la isla de Faro, en el Báltico, de tan sólo 600 habitantes y donde tenía su residencia; allí vivió durante sus últimos 60 años y allí también fue enterrado por su propio deseo; él mismo encargó la lápida que quería poner en su tumba.
        Esta película pertenecería a su época llamada por algunos de violencia, con otros títulos como La vergüenza (1968) o Pasión (1970). Al principio de la película, cuando ponen los créditos, escuchamos todo el ajetreo que sucede mientras ruedan una escena de la película, al igual que en su otra película Persona, que comienza con la puesta en marcha de un proyector y  algunos planos. Con esto Bergman nos quiere  presentar su obra como un artificio, una ilusión. Muchas de las escenas son simbólicas y representarían el miedo del artista a no estar a la altura que reclaman sus admiradores; en la película, por lo tanto, Max Von Sydow sería su alter ego, y como él mismo un artista.



         Si bien se tiene la creencia de que  este influyente director sueco fue alguien  que  sólo realizaba películas densas y de corte filosófico, algunos incluso que el aburrimiento era una constante de su cine, uno de sus largometrajes: Sonrisas de una noche de verano, que fue premiada en el festival de Cannes, y que lo lanzó a nivel internacional, es una comedia de un estilo Lubitsch inconfundible y que, aunque trata el paso del tiempo, y este tema es genuino y marca su comportamiento fílmico en otras de sus obras, Fresas salvajes, trata otros aspectos más ligeros de una forma desenfadada como los amores y los desamores. En este aspecto hay similitudes con otro director actual del norte de Europa: Lars Von Trier, cuyas películas son de una densidad intelectual evidente y hay más semejanzas en cuanto a estilo y en cuanto a ideas de concebir proyectos: Von Trier también hizo una comedia como Bergman, se trata de El jefe de todo esto (y en este caso no hablo de Jescri   :D. )… un poco más adelante seguiré con alguna que otra similitud entre ambos directores. Con otro director con el que se suele comparar a Bergman es con Carl Theodor Dreyer, y es curioso porque el sueco era un  ateo convencido mientras que el danés era muy religioso; tal vez los contrastes y las dudas eran dos caras de la misma moneda y la forma de tratarlas eran la misma, aunque la única diferencia era que en uno había escepticismo y en el otro fe (La Palabra es un buen ejemplo de esto).



         Si el cine de Lars Von Trier converge en muchas de sus propuestas, tanto estéticas como conceptuales, en su película de terror Anticristo, con las peculiaridades propias de este género, el cine de Bergman convergió en su momento en otra película del mismo género: La hora del lobo. Las dos son muy inquietantes, aunque la del danés roce la pura bestialidad y eso nos haga sobrecoger debido a su visceralidad que te remueve los mismos intestinos de una manera parecida a la convulsión.



      En La hora del lobo hay una realización que convina un tono contemplativo y cadencioso con una intensidad y nerviosismo que salen a relucir cuando lo terrorífico hace acto de aparición; en momentos puntuales, y cuando el horror se mantiene fijado en cada plano, el climax hipnótico y la irrealidad inundan una visión cruel y alucinada. Se respira el dramatismo típico que el terror lleva consigo; el misterio impenetrable ayuda a producir aún más irritabilidad, y es en todo esto en lo que se parecen estas dos películas de terror que contrasto: Anticristo y la de Bergman, La hora del lobo. También hay semejanzas claras con la obra de David Lynch, aunque las películas del americano tienen un carácter más onírico y menos de terror que las dos películas citadas. Siguiendo con La hora del lobo, decir que durante su desarrollo hay momentos en los que no sabes qué está pasando o qué es lo que está por acontecer, y eso crea desazón e incertidumbre, estados de ánimo adecuados para intensificar como un altavoz las sensaciones que este género oscuro y de terror demanda. Lo que se intuye e interpreta se impone. Las insinuaciones tenaces para recrear esa atmósfera que favorezca estados de inquietud son de una sutilidad y elegancia propias de un genio clarividente.

     Cine de gran altura; de una fuerza y de un magnetismo e intensidad tan grande como el realizado por Buñuel o Fellini. Aunque es una película de terror, también es una película reflexiva que  propone muchas cuestiones que crean tanta angustia como el mismo ingrediente terrorífico del film.


                   9.25 / 10






4
"El Séptimo Arte" opina / Lista mejores directores cine
« en: 31 de Marzo de 2010, 05:20:37 pm »
        Yo propongo hacer otra lista de los MEJORES DIRECTORES DE CINE DE TODOS LOS TIEMPOS,  y sin límite. Se pueden poner los que se os ocurra, y no hace falta que estén por orden de preferencia, sólo los que os parezcan los mejores.

          Yo elegiría estos:

1-   Luís Buñuel
2-   Alfred Hitchcock
3-   John Ford
4-   Francis Ford Coppola
5-   Terry Gilliam
6-   Howard Hawks
7-   Akira Kurosawa
8-   Christopher Nolan
9-   Juan Antonio Bardem
10-   Ingmar Bergman
11-   Carol Reed
12-   Roberto Rossellini
13-   François Truffaut
14-   Werner Herzog
15-   David Lynch
16-   John Huston
17-   Sam Peckimpah
18-   Walter Hill
19-   John Carpenter
20-   Carl Theodor Dreyer
21-   Charles Chaplin
22-   Federico Fellini
23-   Jean- Claude Lauzon
24-   Wong Kar-Wai
25-   Juán José Campanella
26-   Billy Wilder
27-   Ernst Lubisch
28-   Alejandro Amenábar
29-   Paul Greengrass
30-   Volker Schlondorff
31-   Frank Capra
32-   Fred Zinneman
33-   Sergio Leone
34-   Michael Haneke
35-   Jim Sheridan
36-   Bernardo Bertolucci
37-   Pierre Paolo Passolini
38-   Buster Keaton
39-   Patrice Chereau
40-   Peter Weir
41-   Fatih Akin
42-   George Miller
43-   Guy Ritchie
44-   Kim Ki-Duk
45-   Fernando León de Aranoa
46-   Fritz Lang
47-   Tim Burton
48-   Paul Thomas Anderson
49-   Steven Spielberg
50-   David Cronnemberg
51-   Henry Hathaway
52-   William A Wellman
53-   Milos Forman
54-   Stanley Kubrick
55-   Sydney Pollack
56-   Tobe Hooper
57-   Krzysztof Kieslowski
58-   Lucino Visconti
59-   Aton Egoyan
60-   Robert Wise
61-   Jim Jarmusch
62-   Thomas McCarthy
63-   Darren Aronofsky
64-   William Wyler
65-   George Roy Hill
66-   Raoul Walsh
67-   John Boorman
68-   King Vidor
69-   George Cukor
70-   Vicente Minelli
71-   Anthony Mann
72-   M Night Shyamalan
73-   Quentin Tarantino
74-   Steven Soderbergh
75-   Sam Raimi
76-   David Fincher
77-   Joel Coen
78-   John Sayles
79-   John Landis
80-   Oliver Stone
81-   John Waters
82-   Paul Schrader
83-   Jonathan Demme
84-   Wes Craven
85-   Peter Bogdanovich
86-   Kenji Mizoguchi
87-   Walter Salles
88-   Clint Eastwood
89-   James Ivory
90-   Ang Lee
91-   Stanley Donen
92-   Blake Edwards
93-   Robert Aldrich
94-   Orson Welles
95-   Don Siegel
96-   Michael Winterbottom
97-   Danny Boyle
98-   Peter Jackson
99-   Leni Riefenstahl
100-Elia Kazan


        Me he atrevido con las 100; sé que son un mogollón, pero de hacerla, mejor hacerla completita

5
Cine clásico y contemporáneo / 8½ (1963)
« en: 30 de Marzo de 2010, 10:58:40 pm »
                                         
                                                            8 1/2


Sinopsis

               Guido Anselmi es un director de cine que ha perdido la inspiración cuando se encuentra preparando su siguiente película. Su esposa, su amante, su productor y su actriz principal, lo acosan y presionan de una u otra manera. Refugiándose en sus recuerdos y ensoñaciones, podrá encontrar a la musa que se resiste a brindarle la inspiración.





Ficha

Dirección: Federico Fellini
Guión: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano, Brunello Rondi
Fotografía: Gianni Di Venanzo
Escenografía: Piero Gherardi
Vestuario: Piero Gherardi
Música: Nino Rota
Montaje: Leo Catozzo
Producción: Federico Fellini, Angelo Rizzoli
(Italia, 1963)
Duración: 150'

PERSONAJES Y ACTORES
Guido Anselmi: Marcello Mastroianni
Luisa: Anouk Aimée
Carla: Sandra Milo
Claudia: Claudia Cardinale
Rossella: Rossella Falk









Acerca de la película

               
       Una crisis creativa de su protagonista, interpretado por Marcelo Mastroiani, le servirá a Federico Fellini para hacer una reflexión profunda y certera de lo que es la vida, un ejercicio de estilo a la altura de un gran creador como lo es este exuberante e imaginativo director italiano. Mastroiani es un director de cine famoso bloqueado en un proceso introspectivo que lo sume en un caos con el que parece no encontrar las salidas que busca. Su pasado vuelve a él una y otra vez: recuerdos que lo confunden y que son asociados  involuntariamente por un presente en el que hay dolor y amargura. En este recorrido vital tratará de elegir con conocimiento, querrá saber si su mujer actual es la mujer de su vida, si la película que proyecta hacer merece la pena llevarla adelante:- al menos es un pretexto para descubrirse a sí mismo, aunque tenga serias dudas de que la empresa pueda llegar a buen puerto-, si su moralidad le permite seguir con una farsa que forma parte de su vida, pero con la que ahora tiene serias dudas de continuarla porque su proceder afecta a personas que lo quieren, y eso afecta a sus relaciones.

       Hay constantes en el cine felliniano, como las hay en el cine de cualquier creador. Se habla de la familia, con un peso específico de la figura de la madre, y algunas pinceladas por ahí sueltas del complejo de Edipo, se habla también de religión, de moral católica, tan enraizada en la sociedad italiana, con represiones de distinto tipo, y con profundidad y carga crítica en un permanente conflicto entre las leyes de la iglesia y las propias leyes de la vida, de la naturaleza, que casi nunca van en la misma dirección. También hay apuntes intelectuales que son como una conciencia que nos habla desde un pedestal y que son como dagas en nuestros egos inflados; hay, de hecho, un personaje, amigo del director, que es un crítico y ejerce ese papel iluminador que tanto poso y densidad le da a un todo cautivador; tenemos, además, retazos de teatralidad, farándula y variedades de todo tipo que producen luminiscencia y color a esas escenas de fiesta y embriaguez, una embriaguez producida muchas veces no sólo por el vino sino por la sensualidad y las emociones que se disparan en situaciones tan elocuentes de vida y alegría y que surgen en cualquier excentricidad que nos regala Fellini, escenas muy vistosas que no sólo deslumbran sino que hipnotizan.

        En fin: un collage lleno de vida y reflexión, llamativo y sorprendente; en ocasiones excesivo, pero no cargante sino divertido y provocador. Casi todo está configurado para el deleite y la admiración, y todo está para algo, aunque a veces nos podamos perder o confundir; pero Fellini nos lo termina explicando con convicción y muchas dosis de emociones que van y vienen como en una marea, en ocasiones acompañada de una tormenta en la que hay mucho viento, pero cálido, y la violencia de las olas quisiera decir algo que sale desde muy adentro y que permaneció escondido demasiado tiempo.

         Fellini genio y figura…


                                          10 / 10


           


6
Cine clásico y contemporáneo / La cabina (1972) (TV)
« en: 29 de Marzo de 2010, 01:40:45 pm »
                  La cabina


Sinopsis

Un hombre queda encerrado en un cabina telefónica y nadie puede hacer nada para liberarlo.





Ficha

Título La cabina  Dirección Antonio Mercero Producción José Salcedo Guión José Luis Garci
Antonio Mercero Música Alfonso de Vilallonga Fotografía Federico G. Larraya Reparto José Luis López Vázquez
José Miguel Aguado
Mariano Banderas
Agustín González
Blaki Datos y cifras País(es) España Año 1972 Género Drama Duración 35 minutos







Acerca de este corto

                   El que no haya visto La Cabina  es mejor que no lea este comentario porque puede descubrirle ciertas cosas que podrían estropearle el mediometraje...

                    Aunque es un clásico del cine español, este corto, con guión de Jose Luís Garci y Antonio Mercero, que hace de director, tiene trampas más que evidentes para que se desarrolle una historia fantástica que, aunque fantástica, es  muy poco creíble. Es cierto de la originalidad y también del atrevimiento de los creadores de este corto para llevarlo adelante, y es cierto que es muy conocido y se valora bastante dentro de nuestra cinematografía, tanto por público (es muy popular) como por parte de algunos críticos con los que yo personalmente no estoy muy de acuerdo; sin embargo, a mí, aunque me impactó la primera vez que la vi y me gustó (la tenía mitificada; todavía era adolescente y creo que aún no había madurado lo suficiente), una vez vuelta a ver recientemente veo claras muchas trampas un tanto ingenuas y que hacen pensar que el guión no fue tomado demasiado en serio a la hora de desarrollarlo, aunque la idea fuese muy original. Y es que pretender que creamos lo que nos cuentan:- que una empresa tan siniestra que se dedicaba a encerrar a personas en cabinas de teléfono para dejarlas morir, y que se perpetuara en el tiempo de una manera tan descarada- es de ilusos, o de tíos bastante listos si lo que querían realmente era tan sólo que tuviera éxito, y eso sí que lo consiguieron Garci y Mercero; pero eso no significa que esté bien.

              Es cierto que este corto es de género fantástico y de terror, y hay gente que dice que se debieran permitir algunas licencias para que la cosa marchase; ¡correcto! Pero si nos fijamos, todo el corto está enmarcado en un realismo evidente: hay gente normal de un barrio cualquiera divirtiéndose mientras presencian el espectáculo del hombre encerrado, hay policía, aparecen unos bomberos, etc, etc. Y siendo así no comprendo como cuando llegan los siniestros operarios para llevarse al enorme (eso sí!) José Luís López Vázquez en la cabina maldita, los polis que andan por allí no le piden ningún tipo de identificación y se lo llevan como si no hubiese ocurrido nada extraño…pero eso no es todo: los cerebros de esta empresa, o el cerebro (si sólo fuese uno el fenómeno pensante), se supone que son, o es, unos psicópatas para hacer lo que hacen: asesinar a la gente de ese modo tan especial, ¡qué bien! Y tienen toda esa organización montada sin que se entere nadie durante años, porque nos damos perfecta cuenta (¡quién no habría de darse cuenta con lo impactante de la imagen esa que se te queda en la cabeza como martilleándote!) que la gente aquella llevaba tiempo haciendo tales desaguisados: vemos cuerpos dentro de las cabinas totalmente descompuestos en los que se aprecian tan sólo sus huesos.

              Si López Vázquez tiene familia, se supone que algunas de las víctimas también la tendrían… ¿Qué pasa: que esos familiares no denunciaban nada, no denunciaban a las autoridades que se habían llevado al marido, o al padre (de ser el hijo el denunciante), en una cabina de teléfono y que todavía no había vuelto a aparecer? Seamos sensatos, Santo Dios, esto es una incongruencia, es más incoherente que Chiquito de la Calzada con melena y corriendo los 110 metros vallas… cullóns! ¿No sabían nada en la policía, o es que estaban altos cargos metidos en el pastel, muchas autoridades y tal, y por eso no se descubría nada? Para mí tiene poco sentido y, como dije antes, no es muy coherente este guión aunque tenga mucha fama y se valore tanto, y se hable tan bien de la película. Y para los que dicen que al ser terror surrealista esto no se debería tener en cuenta yo les diría que eso es un pretexto barato porque el estilo no tiene nada de surrealista; este corto está concebido de una manera que no tiene nada que ver con el surrealismo (surrealismo es El ángel exterminador de Buñuel,  por ejemplo), aunque haya cosas que sí lo pueden parecer; eso es adecuar el corto a lo que se hizo y ponerle una etiqueta: terror surrealista; y no al revés, que es como debiera haber sido.


             4 (por lo impactante de una  propuesta tan alucinada, sino le ponía menos) / 10












7
          
             La conversación





Ficha

TITULO ORIGINAL:   The Conversation
GENERO:   Suspense

PAIS:   Estados Unidos

DURACION:   113 Minutos
AÑO:   1974

DIRECTOR:   Francis Ford Coppola

GUION:   Francis Ford Coppola

INTERPRETES:   Allen Garfield, Gene Hackman, Harrison Ford y John Cazale

PRODUCTOR:   Francis Ford Coppola y Fred Roos

MUSICA:   David Shire

FOTOGRAFÍA:   Bill Butler

MONTAJE:   Richard Chew








Sinopsis

Harry Caul, un detective cuyo prestigio como especialista en vigilancia y en sistemas de seguridad es reconocido por sus colegas en todo el país, recibe el encargo por parte de un magnate de investigar a su joven esposa. Deberá escuchar sus conversaciones con un empleado de ese hombre del que parece estar enamorada. La misión, para un experto de su categoría, resulta a primera vista inexplicable, ya que la pareja no ofrece ningún interés fuera de lo corriente. Sin embargo, cuando Harry da por finalizado su trabajo, advierte que algo extraño se oculta tras la banalidad que ha estado investigando, ya que su cliente se niega a identificarse, utilizando siempre intermediarios...


Acerca de La conversación

                  Esta película de Francis Ford Coppola es del año 1974, el mismo año en el que realizó la segunda parte del Padrino. No tiene la popularidad, ni de lejos, que tiene ésta, pero está casi a su altura en cuanto a nivel artístico. Conceptualmente es muy diferente a las grandes obras (en cuanto a proyecto, no en cuanto a calidad) de su autor como El Padrino, Apocalise Naw o Cotton club. Es una película más reflexiva que de guión, sugiere más que enseña, y su sobriedad y limitación de medios, tanto técnicos como económicos, hizo que el realizador se inventara una profunda e inteligente reflexión acerca de la soledad y la incomunicación. El personaje principal, Harry Caul, magistralmente interpretado por un gris y misterioso Gene Hackman, es un técnico en vigilancia y seguimiento, así es como se denominan los del ramo para no utilizar otra palabra más fuerte y que podría llevar a incomodidades, y esa palabra es espía. Él es una leyenda y tiene gran fama por trabajos pasados, muchos de ellos problemáticos, aparte de mediáticos, pero prefiere pasar siempre inadvertido porque está acostumbrado a que su trabajo interfiera en su vida personal, se puede decir que se lleva el trabajo a casa y que mantiene siempre la misma actitud defensiva y hermética: parece no saber, o no poder diferenciar, su vida de espía de su vida íntima. Esto le traerá problemas no sólo a él mismo sino también a sus amigos y conocidos, aparte de alguna que otra mujer con la que se relaciona sentimentalmente.


         La tecnología es otra de las protagonistas de la película. Está siempre presente y llega a agobiar. Es una tecnología primitiva (primeros años 70), una electrónica al servicio del espionaje que resulta amenazadora. Vista con la perspectiva del tiempo, y hablo desde el año 2010 (año en el que está hecho este análisis), y con los medios tecnológicos que hay hoy en día, se podría llegar a  pensar que no resulta tan precisa; yo a la gente que pensara eso le preguntaría: ¿precisa para qué? Porque en La Conversación se habla de espiar, de grabar conversaciones con algún fin, legítimo o ilegítimo, y la electrónica que nos enseñan está suficientemente desarrollada como para cumplir con ese fin satisfactoriamente y con todas las garantías de calidad; de hecho, la conversación que graba Harry Caul al principio es la clave y el origen de todo lo que ocurre más tarde, y esta conversación grabada en un parque público, donde sería muy complicado hacerlo, es completamente nítida. Este tipo de trabajos son los que hicieron de Harry Caul un ejemplo a seguir en el mundo del espionaje.

          Hay en La conversación una amenaza en la sombra que con el transcurso de los acontecimientos parece estar más en la cabeza del protagonista que en el mundo exterior, y digo parece. La paranoia comienza a envolver la vida del protagonista porque su trabajo le está afectando, y más concretamente su último trabajo en el que hizo lo que nunca antes había hecho: entrometerse en lo personal, tratar de saber qué pasaría con la pareja que había espiado una vez entregadas las grabaciones. Y la interpretación que hace Harry de esa conversación le lleva a sospechar que esa pareja está en peligro real. Es entonces cuando se da cuenta de que está haciendo algo reprobable moralmente porque su trabajo está ayudando a otro a cometer un delito, seguramente un asesinato. Más adelante se dará cuenta que  su interpretación de lo que oye en esa conversación no se ajustará a lo que preveía, y los resultados desconcertarán tanto a los espectadores como al propio protagonista Harry Caul.  

            El dejar caer ciertos comentarios sugerentes, como quien no quiere la cosa, las pausas significativas, los gestos que resultan incómodos o provocativos, hacen que la película adquiera un tinte demasiado oscuro, tirando a mate. Se esconden demasiadas cosas y hay que traducirlas para darle un significado coherente a todo, es así como van encajando las piezas para un ensamblaje adecuado y muy preciso, es entonces cuando entiendes lo que pasa, es entonces, y sólo entonces, cuando compruebas lleno de admiración (porque este juego insinuante y esta atmósfera enrarecida y hermética es digna de un genio) que las víctimas se convierten en verdugos y los espías en espiados… ¿o no? La llamada telefónica a la habitación del hotel y el posterior destrozo de mobiliario, paredes, suelo y techo por parte de Harry plantea todas estas dudas.

          En resumidas cuentas, gran película de Coppola, aunque sencilla en su puesta en escena y de una sobriedad provocadora (ni tan siquiera introduce música,  sólo de vez en cuando algo de jazz en forma de saxo –lo que toca también Harry Caul- o de piano). Lo que hay detrás de la trama produce cierto desasosiego porque intuyes una amenaza; no sabes muy bien qué o de dónde puede provenir esa amenaza, aunque terminas descubriendo casi todo el pastel, por lo menos lo principal que precedió a la conversación que anuncia el título de la película, un descubrimiento que sorprende y con el que no contaba Harry Caul.



                                               9.10 / 10





8
Críticas de estrenos / Cándida (2006)
« en: 25 de Febrero de 2010, 10:19:35 pm »
                               Cándida





Ficha

Dirección: Guillermo Fesser.
País: España.
Año: 2006.
Duración: 103 min.
Género: Comedia.
Interpretación: Cándida Villar (Cándida), Jorge Bosch (Pablo), Raúl Peña (Javi), Víctor Sevilla (Julián), Yaiza Guimare (Mónica), Toni Morant (Flores), Joan Massotkleiner (Riki), María Elena Fesser (marquesa Martínez Campos), Maxi Márquez (marqués Martínez Campos), Soledad Mallol (Blasa), Pedro Ruy-Blas (vecino).
Guión: Guillermo Fesser y Javier Fesser; basado en el libro de Guillermo Fesser "Cándida, memorias de una asistenta: Cuando Dios aprieta, ahoga pero bien".
Producción: Luis Manso, Javier Fesser y Gustavo Ferrada.
Música: Cope Gutiérrez.
Fotografía: José María Civit.
Montaje: Iván Aledo.
Dirección artística: Javier Fernández.
Vestuario: Tatiana Hernández.
Estreno en España: 22 Diciembre 2006.







Sinopsis

Cándida es una asistenta mayor que ha aprendido a hablar pegando las frases de los otros y que siempre ha soñado con tener su propia casita, pero a la que la vida no ha parado de golpear de forma dramática y surrealista. Cándida conoce a Pablo, un joven periodista que presenta un telediario. La sencillez de Cándida, su amor por la vida y su tesón, constituyen el empuje que Pablo estaba esperando para recuperar a la persona que ama. Gracias a esta relación Cándida consigue, al fin, un trozo de tierra con su casa soñada, en Nueva York. Pero quizá  tenga que renunciar a ella, igual que ha renunciado a todas las oportunidades que ha tenido a su alcance por permanecer junto a sus hijos. Ese es, según Cándida, el deber y el placer de una madre.


Acerca de la película



    Amélie (en el personal mundo de los protagonistas y su modo diferente de verlo, aunque Amélie sea más poética) + Torrente (Me refiero a la saga de Santiago Segura. A ésta se parece en su sentido del humor tipo sal gorda con dosis considerables de surrealismo y mucha vulgaridad, en Torrente zafia y bastante sucia, y en Cándida verduleril e inocentona; pero de gran corazón) = CÁNDIDA


      La mujer que da nombre a la protagonista de la película es tal cual, por lo menos tal cual la conocemos en su humor y comentarios sacados del programa que tenía el dúo humorístico Gomaespuma en la radio y en el que Cándida hacía de comentarista cinematográfica, nada menos. Esto es una coña de uno de los de Gomaespuma por amor y homenaje a la que había sido durante muchos años su niñera (según tengo entendido). Quería hacer una película en la que Cándida sacase toda la artillería verbal que llevaba dentro, unas salidas de tono sorprendentes, muy naturales y espontáneas, primitivas a veces me atrevería a decir,  pero graciosas; un humor cercano al del tebeo de humor español de toda la vida, al de Mortadelo y Filemón, en versión señora mayor con muchos problemas familiares y personales que ya venían de cuando se había casado, cuando su marido no la trataba como ella debía por su gran corazón, cuando  la llegó a humillar para su desgracia. Tierna y desenfadada a un tiempo, de un desenfado que llega a la locura en ocasiones; de una estética visual enorme, a pesar de que la película no es gran cosa por la historia que cuenta (le pasaba algo parecido a otro de sus films: El milagro de P Tinto) que no deja de ser bastante tonta y de lágrima fácil; pero que por la forma de contarlo Fesser gana bastantes puntos (de hecho creo que este director tendría muchísimas más papeletas de hacer grandes películas si no perdiese su estilo y si tuviese buenos guiones entre manos, con historias que contar que merecieran la pena). Esta es una película que pierde mucho en el fondo, pero que gana por goleada en la forma (me refiero al estilo y la dirección en la forma y al guión en el fondo), aunque pudiera haber gente que le convenciera más el fondo que las formas (si se hubiera fijado en un aspecto distinto), un fondo amable y bonachón, pero poco entendible en un mundo como éste, y unas formas producidas por la ignorancia y la marginación. Todo esto  le da un aprobado a esta película de Guillermo Fesser  que llega casi hasta el bien.



                               5.60 / 10


9
Cine clásico y contemporáneo / Trapecio (1956)
« en: 12 de Febrero de 2010, 10:05:39 pm »
                            Trapecio






Ficha

Ficha Técnica
Género: Drama
Nacionalidad: USA (1956)
Director: Carol Reed
Actores: Burt Lancaster, Tony Curtis, Gina Lollobrigida, Katy Jurado
Productor: Harold Hecht, James Hill, Burt Lancaster
Guión: Max Catto, Liam O’Brien
Fotografía: Robert Krasker
Música: Malcolm Arnold

 Reparto
Burt Lancaster .... Mike Ribble
Tony Curtis .... Tino Orsini
Gina Lollobrigida .... Lola
Katy Jurado .... Rosa
Thomas Gomez .... Bouglione
Johnny Puleo .... Max the Dwarf
Minor Watson .... John Ringling North
Gérard Landry .... Chikki
Jean-Pierre Kérien .... Otto





Sinopsis

En Trapecio Burt Lancaster encarna a Mike Ribble, un veterano acróbata que se ha retirado de la actividad circense tras un accidente que le provocó una seria lesión. El joven Tino Orsini viaja hasta Europa para encontrar a Mike y que le desvele los secretos de la que fue su especialidad: el triple salto mortal. La ambiciosa Lola, ansiosa de protagonismo, provoca fricciones entre Tino y Mike.







Acerca de Trapecio



             Son unas cuantas las películas en las que son bien aprovechadas no sólo las dotes atléticas y circenses de Burt Lancaster  sino también sus convincentes registros interpretativos. Entre estas podríamos mencionar El halcón y la flecha, El temible burlón  o la que me ocupa en esta crítica: la magnífica Trapecio  del director británico Carol Reed , un auténtico clásico del cine europeo y autor de la excelente y bastante conocida El tercer hombre. A este director parecen gustarle las alturas y su cine también es de altura; en este medio se mueve como águila imperial y es escenario no sólo de esta Trapecio  sino de otra que no tiene que ver con el mundo del circo sino con el del arte, me refiero a El tormento y el éxtasis , una película que describe las tormentosas relaciones que mantuvieron el pintor Miguel Angel , magníficamente interpretado por el pétreo Charlton Heston , y el papa guerrero Julio II , al que da vida el actor Rex Harrison (el severo profesor enamorado en la película My Fair Lady), cuando éste le encomendó pintar la cúpula de la capilla Sixtina en El Vaticano.

         Trapecio  es un drama enmarcado en el mundo del circo. No es una película tan conocida como El mayor espectáculo del mundo , pero a mí, personalmente, me parece mejor y me gustó bastante más.

          Estructuralmente la dividiría en tres partes: en la primera Tony Curtis  trata de convencer a Burt Lancaster  para que lo ayude a conseguir algo que sólo éste pudo hacer: el triple salto mortal en el trapecio. Aquí el tema del éxito se percibe claramente, las ganas del triunfo y ser alguien único, como lo es Lancaster  al conseguir una proeza que nadie había conseguido antes, y que le da un aire de mito no sólo al personaje sino también a la película. En esta parte del film hay un proceso de enseñanza; Burt Lancaster  sería el maestro y Tony Curtis  el discípulo con grandes posibilidades. Y la ilusión de éste formará buena parte de la ilusión de Lancaster. Más maestros en el cine serían los que aparecen en films tan conocidos como: My Fair Lady , aquí con un claro componente de Pigmalión, Karate Kid, El club de los poetas muertos  o Rebelión en la aulas.

          En la segunda parte de la película aún se sigue manteniendo el elemento de pedagogía, pero entra en escena (nunca mejor dicho) con fuerza y artimañas (aunque luego cambiará 360º) Gina Lollobrigida. Ésta es ambiciosa y quiere prosperar como sea en ese mundo de fieras y payasos y ese es el motivo por el que se mete en medio de los dos protagonistas masculinos. Aquí se comienzan a ver claras ciertas manipulaciones para conseguir objetivos profesionales que no sólo tienen que ver con el éxito sino también con el dinero (el empresario, y no sólo la mujer, manipula para prosperar también en su negocio  y parecen importarle tres pimientos la gente que está a su cargo con tal de que les de beneficios).

         Y es en la tercera, y última parte, cuando surge el conflicto abierto entre Burt Lancaster   y Tony Curtis por conseguir al amor de la mujer. Aquí los sentimientos se manifiestan intensa y verdaderamente y las ambiciones personales quedan a un lado no sólo en Lancaster  sino también en la mujer. Se puede decir bien claro que el corazón manda más que los planes que la cabeza ha urdido. Los celos y la rivalidad llevan a la confrontación que parece separar a dos hombres que al principio no sólo se necesitaban sino que sentían afecto mutuo.

         El triángulo amoroso es brillante y desprende fuerza dramática sin ningún tipo de concesión fácil; es real como la vida misma y eso hace que la película adquiera cada vez más interés, por lo que va a más y las relaciones que se establecen entre los protagonistas están descritas con brío y con mucha solvencia, siendo muy creíbles por su autenticidad y por la excelente interpretación de los tres protagonistas (sí, incluida Gina). También resaltaría que el film se hace muy ameno y entretenido; no cansa absolutamente nada, todo lo contrario: interesa la historia porque hay mucha pasión en ella, ni tan siquiera a la gente a la que este mundo ambulante y de ilusión no le interesa ni le gusta especialmente, como es mi caso.

        Y todo conduce a un final triunfal y sin red, sobre el vacío, arriesgándolo todo…



                       8.10 / 10





10
Cine clásico y contemporáneo / La decisión de Sophie (1982)
« en: 10 de Enero de 2010, 04:30:14 pm »
 La Decisión de Sophie





Ficha 


Titulo Original   Sophie´s Choice (1982)
Duración   146
Idioma   inglés
Director   Alan J. Pakula
Guionista   William Styron
Cinemat/Montador   Nestor Almendros
Guionista   Alan J. Pakula
Musica   Robert Schumann
Musica   Marvin Hamlisch
Ficha artística
Meryl Streep

Kevin Kline

Peter MacNicol

Rita Karin

Stephen D. Newman

Greta Turken

Josh Mostel

Marcell Rosenblatt

Moishe Rosenfeld

Robin Bartlett

Eugene Lipinski

John Rothman

Joseph Leon

David Wohl

Nina Polan

Alexander Sirotin

Armand Dahan

Joseph Tobin

Cortez Nance

Guenther Maria Halmer

Karlheinz Hackl

Ulli Fessl

Melanie Pianka

Eugeniusz Priwiezencew

Josef Sommer

Krystyna Karkawska

Katharina Thalbach

Neddim Prohic

Jennifer Lawn

Adrian Kalitka

Peter Wegenbreth

Vida Jermon

Irena Hampel

Sandra Markota

Hrovoje Sostaric

Marko Zec

Ivo Pojer

Michaela Karocic

Ulli Fess





Sinopsis

Sophie es una muchacha polaca, dulce y de pálida hermosura que vive en una casa de huéspedes del Brooklyn de los años cuarenta junto a Nathan, un joven judío obsesionado por el pasado, y Stingo, el tercero en discordia, un joven procedente del Sur que llega convencido de que será un escritor de éxito. Tres personalidades que se relacionarán íntimamente en un ambiente en apariencia alegre y desenfadado, después de la guerra que ha azotado el mundo durante seis años.


Acerca de la película

          Por esta película Maryl Streep obtuvo un oscar. No sé que actrices fueron candidatas ese año 1982 a las estatuillas, pero se me hace difícil creer que cualquier otra actuación de cualquiera de las mejores actrices del momento pudiera hacerle la más mínima sombra a esta maravilla de la interpretación femenina. Ella viene siendo, desde hace mucho, una de las mejores actrices, sino la mejor actriz, que hay en el panorama cinematográfico actual, y mundial ; es ya tan clásica como Katherine Hepburn o como Greta Garbo, sólo que por el simple hecho de sernos contemporánea le quita gran parte del mito. Si a esta magnífica interpretación le unimos la de un enorme Kevin Kline, y la aderezamos con un arrebatador drama entre romántico y familiar, la mezcla no puede dejar indiferente.

        Hay un triángulo entre una mujer polaca católica y dos hombres, uno un judío al que ama apasionada e incondicionalmente la mujer, y otro hombre que proviene del sur del país (USA) y que es un gran amigo de ambos; éste  llega a Broklyn, en Nueva York, para hacerse escritor; como él mismo dice en la película, con una voz en off muy descriptiva literariamente hablando, ha llegado a la ciudad en un viaje de descubrimiento personal. Este triángulo está marcado por el amor y la amistad, pero el escritor, aunque siente una gran amistad por el hombre judío del que está enamorada la mujer protagonista de la cinta, no puede dejar de sentir lo mismo por ella…

       Hay una historia triste de la que no quiere hablar la mujer. Habrá una recreación de los hechos mientras Maryl Streep le cuenta su pasado en Polonia al escritor, un pasado marcado por un padre al que odia por sus ideas antisemitas (fijémonos que luego su novio en los Estados Unidos es judío), pero del que también dice que era el mejor hombre del mundo, por lo que el choque emocional es absolutamente salvaje cuando muy joven descubre los escritos racistas y xenófobos de su padre, profesor de universidad en Polonia (en esto recuerda a películas como La caja de música de Costa Gavras). Los flash back recreados son ya bien entrada la película y se repiten un par de veces, retrocesos descriptivos de cierta duración y que estructuran la película claramente en dos partes: una la de los recuerdos de Sophie en Polonia, y otra la de la relación triangular que mantiene con el escritor y el judío del que está enamorada.

      Lo que menos me convenció de la película fue el viaje iniciático que emprende el joven escritor y que no se desarrolla prácticamente nada; ese intento por descubrir cosas nuevas, trasladándose de un sur rural a un Nueva York lleno de posibilidades, está totalmente olvidado; creo que la sencilla pincelada de enseñarnos su affair con la chica medio ninfómana y algo alocada fue insuficiente para ofrecernos algo de ese proceso nuevo que perseguía el escritor; la sexualidad era un objetivo importante, pero es insuficiente como y de que forma lo cuenta. Creo que se podían desarrollar tanto los dos  frentes abiertos que estructuran la cinta como ese proceso vital del  escritor. También hay alguna simplificación de las relaciones y  resultan  algo rígidas y estereotipadas: el hombre judío con sus problemas, con su violencia que al saber porqué es motivada es entendible y que parece fantasear excesivamente, con cambios bruscos de humor que desconciertan, pero que está totalmente enamorado de Meryl Streep cuando el equilibrio le restablece la mente, y el escritor, también enamorado de la mujer, protector y amigo de ella porque también es amigo (de verdad) de su novio y no puede ir más allá aunque lo quiera, y que sólo se atreve a expresar sus sentimientos cuando descubre lo que le pasa realmente al novio de la mujer a la que él también ama.

    No hay una sóla decisión de Sophie en la película de Alan J. Pakula; hay más decisiones: la tremenda, con una impactante escena que pone los pelos de punta, que tiene que tomar en el campo de concentración con respecto a sus dos hijos y que causarán en ella un martirio que no pasará; la que tendrá que tomar con respecto a los dos pretendientes y que también la marcarán, conduciendo a un final muy dramático; la decisión de ayudar o no a la resistencia en Polonia en el campo de concentración si con ello puede ayudar a sus hijos, aunque tenga que flirtear con un alto mando nazi y eso pueda conducir  a tener encuentros íntimos con él
;
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                7.90 / 10






11
Críticas de estrenos / El visitante (The Visitor)
« en: 08 de Enero de 2010, 05:53:24 pm »
                              
                    The Visitor





Ficha

Dirección y guión: Tom McCarthy.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 103 min.
Género: Drama.
Interpretación: Richard Jenkins (Walter Vale), Hiam Abbass (Mouna Khalil), Haaz Sleiman (Tarek Khalil), Danai Gurira (Zainab), Maggie Moore (Karen), Richard Kind (Jacob), Amir Arison (Sr. Shah), Marian Seldes (Barbara), Michael Cumpsty (Charles).
Producción: Mary Jane Skalski y Michael London.
Música: Jan A.P. Kaczmarek.
Fotografía: Oliver Bokelberg.
Montaje: Tom McArdle.
Diseño de producción: John Paino.
Vestuario: Melissa Toth.
Estreno en USA: 18 Abril 2008.
Estreno en España: 13 Marzo 2009.





Sinopsis

The visitor" se centra en un desencantado profesor de universidad (Richard Jenkins) que un día se encuentra a una pareja viviendo en su apartamento. A medida que vaya conociendo a estos dos extraños, descubrirá una nueva vida y un nuevo mundo


Acerca de The Visitor


                 A raíz de los atentados del 11 de Septiembre las cosas no volvieron a ser lo mismo en los Estados Unidos de América, en teoría, el país  más rico del mundo, pero no en valores que tienen que ver con la justicia.

                   La seguridad se volvió un asunto prioritario de estado aunque conllevara trastornos para los ciudadanos en general, y si eras inmigrante ilegal y árabe de procedencia siria no sólo serían trastornos, y todo por un simple descuido en un metro que alertaría a la seguridad y te llevaría directamente a poner fin a un sueño de libertad cortado de raíz injustamente, aunque las leyes pudieran decir lo contrario.

                McCarthy es un director independiente que hace películas sencillas, como la también magnífica Vías cruzadas, o produce films tan meritorios como Entre copas, muy similar en su estilo a sus propias películas, donde el componente humano es muy claro y donde las relaciones son de verdad y las historias desprenden calidez y sensibilidad en cualquier circunstancia y en cada una de sus escenas. Su puesta en escena es perfecta, casi se podría decir que matemática, aunque no hay frialdad en ningún momento, muy cuidada y sin ningún contratiempo que haga entorpecer el ritmo parsimonioso, delicado y perfecto que tienen sus películas; aunque haya a quien ese ritmo le parezca ralentizado de más  y le aburra. Para mí no tiene absolutamente nada de aburrido porque contar una historia como esta con un ritmo más rápido sería inapropiado, creo yo. Visualmente ningún borrón afea o distorsiona; todo está en su sitio y no hay sorpresas desagradables porque los fotogramas son elegidos con mimo y no hay  nada que distraiga de la historia, con lo que hay mucho de naturalidad y poesía en un conjunto demasiado armónico, demasiado preciso, muy sugerente, donde las miradas y los silencios son voces en alto contra una injusticia evidente o expresando un sentimiento auténtico. Aparte de sencillez, otra de las características de McCarthy sería su estilo clásico enmarcado en un realismo elegante donde se cuentan historias distintas, originales, llenas de humanismo, simpáticas y muy lúcidas a pesar de lo original y nuevo de los planteamientos, sorprendentes, pero a las que enseguida te acostumbras por esa naturalidad innata de su cine.

                  En resumidas cuentas: una película cercana porque cuenta algo universal que todo el mundo entiende a la perfección; es una historia con un guión especial, con bastantes matices y en los personajes no hay nada de maniqueísmos baratos porque hay complejidad y cierta ambigüedad que de algún modo embelesa, aunque en apariencia haya rasgos grises en una personalidad con una vida interior seguramente muy rica, como la del enano de Vías cruzadas (veamos sino la interpretación del gran actor protagonista del film Richard Jenkins y ese poso entre misterioso y entrañable que desprende).
Y una pregunta que queda en el aire:

Spoiler (Click para ver)
                          8.80 / 10










12
Críticas de estrenos / Magnolia
« en: 29 de Diciembre de 2009, 09:23:22 am »
                                    
                                  Magnolia





Ficha

Título original: Magnolia
Director: Paul Thomas Anderson
País: EEUU
Año: 1999
Reparto: Tom Cruise, Jason Robards, Julianne Moore, Jeremy Blackman, Philip Baker Hall, Melora Walters, Alfred Molina, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, Luis Guzmán, Ricky Jay, William H. Macy, Melinda Dillon, April Grace
Duración: 188 min.
Guión: Paul Thomas Anderson
Música: Jon Brion, Aimee Mann, SuperTramp
Fotografía: Robert Elswit
Género: Drama
Productora/Distribuidora: New Line Cinema
Saga:
Premios: Globos de Oro, Festival de Berlín, Otros, Festival de San Sebastián, Satellite
Nominaciones: Globos de oro, Otros, OSCARS, Satellite


 


Sinopsis

                   La película sigue de muy cerca nueve tramas paralelas, el punto en común de las cuales es el lugar donde suceden: el Valle de San Fernando. Un niño prodigio, el presentador de un concurso de televisión, un ex-niño prodigio, un moribundo, su hijo perdido, la mujer y el enfermero del moribundo... historias aparentemente independientes con un extraño sentido conjunto.


Acerca de Magnolia


          Enorme película coral en la que las coincidencias del destino son punto de unión de unas vidas marcadas por el sufrimiento; esto hace que el componente existencial está muy presente en cada escena y el conflicto sea  permanente en el devenir de unos personajes perdidos por sus emociones.
           El comienzo se nos presenta con múltiples frentes abiertos (de ahí que sea una película coral) y con una vivacidad y dinamismo en la dirección que nos recuerda en su estilo visual a muchas obras de la filmografía de Martin Scorsese como Casino o El cabo del terror.
          Esta película es una eterna introducción, una presentación continua de unos personajes atormentados que buscan el perdón. Hay desencuentros tristes e intentos de reconciliación suplicantes para estar en paz y continuar el camino en las mejores condiciones, unos para pasar apaciblemente a mejor vida y otros para intentar vivir sin la pesada carga de la culpa.
         Referente a Tom Cruise decir que para mí no es un gran actor, yo nunca lo tuve por tal, pero aquí está muy bien y en algún momento consigue estar  bastante simpático. Su personaje tiene un punto de excentricidad que no se llega a saber con certeza si es estudiado y fingido (atractivo para la gente que lo sigue por su programa de televisión, y que lo conduce hacia el éxito) o realmente cree en lo que predica (no en una especie de labor pastoral  religiosa sino todo lo contrario, pero con un estilo parecido al de  los telepredicadores) con respecto a las relaciones de los  hombres con las mujeres, a las que trata algo así como a objetos sexuales de usar y tirar, y con desprecio una vez finalizado su objetivo de cazador indeseable. Yo creo que en su personaje hay mucho de falsa misoginia. A Tom Cruise no le interesa el pasado porque en el pasado hay demasiado sufrimiento y esto no le vale para crecer y ser feliz. No puede mirar hacia atrás porque eso no le traería nada bueno; tan sólo le interesa el futuro y la falta de compromiso para no sufrir más. Su falsa misoginia es una máscara, un pretexto muy rentable e interesado,  para no profundizar más en las relaciones que tienen que ver con los sentimientos, de ahí que diga que lo único que le vale es que las mujeres lo deseen para así poderlas satisfacer sin más: superficialidad y relaciones en las que los sentimientos no entorpezcan los dogmas de este “Doctor de las sexualidad más deshumanizada”.
                             8.90/ 10


13
Cine clásico y contemporáneo / Pretty woman (1990)
« en: 20 de Diciembre de 2009, 05:53:39 pm »
PRETTY WOMAN



Ficha
Género:
Comedia / Romántica

Nacionalidad:
USA[1990]

Director:
Garry Marshall

Actores:
Richard Gere
Julia Roberts
Ralph Bellamy
Jason Alexander
Laura San Giacomo
Hector Elizondo
Alex Hyde-White
Amy Yasbeck
Elinor Donahue
Judith Baldwin
Jason Randal
Bill Applebaum
Tracy Bjork
Gary Greene
Billy Gallo

Productor:
Arnon Milchan

Guión:
J.F. Lawton

Fotografía:
Charles Minsky

Música:
James Newton Howard
Duración: 115 minutos.



Sinopsis
Un acaudalado y frío hombre de negocios conoce en Hollywood Boulevard a una joven y atractiva prostituta a la que alquila durante una semana para que sea su acompañante en sus cenas con los clientes. Para ello la chica se verá sometida a todo un cambio de look tras el que nadie podrá ver, a simple vista, que es una chica de la calle.

Acerca de la película
              Hacer versiones o adaptar en cine es algo tan habitual como hacer paellas en la comunidad Valenciana. Generalmente se adaptan novelas de éxito con el propósito de hacer algo que merezca la pena aunque la película sea inferior en calidad a la obra escrita original; con una novela aceptable se puede hacer cualquier cosa interesante, y tienes que meter mucho la pata para estropear la producción. También se hacen versiones de cómics, costumbre que en la actualidad arrasa, de videojuegos, idem que con los cómics, de series de televisión, de otras películas, normalmente clásicos o éxitos de público de hace tantos años como para poder “actualizarlos” sin el riesgo a que te digan constantemente que no hacía falta hacer tal versión. También hay adaptaciones de cuentos infantiles o de películas de animación, muchas de ellas de Disney, como sería el caso de la aburrida Hook de Steven Spielberg.

            Reese Whitterspoon hizo una versión muy psicodélica de Caperucita Roja en Freeway, donde el lobo era interpretado por un Kiefer Sutherland en apariencia amable y con buenos sentimientos, pero que escondía un aterrador interior; en esta película la pesadilla que sufre la nueva Caperucita deriva en una atroz venganza por parte de la anterior víctima del desalmado licántropo, aquí con la envoltura de un hombre normal y corriente; se podría decir que Caperucita se revela a lo Punk y de forma muy violenta contra su agresor.

         ¿Y qué ocurre con la película que nos ocupa, con la romántica Pretty Woman? Pues que es una versión del cuento de Disney de La Cenicienta, algo que seguramente casi todos habréis leído y que es evidente. Julia Roberts sería Cenicienta y Richard Gere sería un príncipe que se enamora de ella aunque pertenezca a una posición social muy distinta; lo que ocurre es que aquí La Roberts, con sus largas piernas y gran sonrisa contagiosa, es una prostituta con buenos sentimientos que necesita la calidez de una persona que la quiera por lo que es  y no por su apariencia, algo que va en contradicción con lo que se supone que buscan los hombres que reclaman sus atenciones. Esa calidez se la da en parte la compañera de profesión y gran amiga interpretada con desenvoltura por la actriz Laura San Giacomo; pero para Julia Roberts no parece serle suficiente ese apoyo y hay veces que se siente sola y desprotegida, y más en un oficio tan duro en el que gana dinero, pero en el que no se siente a gusto… ella espera a su príncipe que la rescate de esa penuria, más que económica, emocional, y su príncipe aparecerá por la calle en la que trabaja con un coche de lujo que no es de él y al que terminará rompiendo su cambio de marchas si alguien no le ayuda a manejarlo, y esa palanca que cambia las marchas(Yo veo aquí una pequeña metáfora sexual y del control de la vida) será manejada con más soltura por el hombre cuando la chica le diga cómo tiene que hacer; es entonces cuando Gere se sorprenderá de la naturalidad de la mujer y de su belleza, y por un momento no se creerá muy bien lo que le está pasando. Le atrae la chica y no la puede dejar escapar, quiere conocerla y quiere estar con ella algún tiempo. Por falta de dinero no será…

         Pretty Woman es una película que entretiene y que la gente no deja de ver siempre que la ponen una y otra vez (al parecer las audiencias de esta peli cuando la dan por TV es de las más altas, y ya pueden dar fútbol o lo que sea que siempre ganará a la competencia esta alegoría en la que hay poco de realidad y mucho de cuento de hadas adaptado a los nuevos tiempos). Muchos críticos dicen que es un clásico comercial moderno, seguramente sea así y las pruebas de las audiencias no hacen sino corroborar que es muy comercial y fácil de ver, sin demasiadas pretensiones artísticas; yo diría que es un clásico por su popularidad y no por su calidad cinematográfica. Después de todo su factura no deja de ser la de una película con un cierto estilo de telefilm de sobremesa bien facturado y elegante(no por su técnica cinematográfica y su estilo sino por su recreación artística, donde el lujo tiene un lugar destacable), pero carente de auténticas emociones y sin detenerse demasiado en analizar las personalidades de los protagonistas, casi todo es superficial, pero esta característica no  le resta valor sino todo lo contrario: hace de la superficialidad un elemento que distrae y entretiene, y eso es meritorio. La dulcificación que se hace de la prostitución no le deja de molestar a muchos, aunque esto es lo que es: un cuento, y al ser un cuento todo es un cuento, valga la redundancia. Aquí ya se sabe a los pocos minutos como va a terminar todo, hay cierto maniqueísmo en el tratamientos de los personajes: el hombre de negocios triunfador que no vive la vida plenamente y que planifica todo, carente de sentimientos lo suficientemente humanos como para que lo hagan sentirse valorado y querido, alguien que sólo vive para ganar dinero, aunque sea a costa de arruinar el trabajo de gente que dedicó toda su vida a un proyecto de vida que lo incluía a él y a su familia. Y la mujer, por otro lado, que vive el momento y a la que le importan por encima de todo los sentimientos, sobre todo el amor, un amor romántico protector y apasionado, como el de los príncipes de los cuentos.

               7.10 / 10



14
Off Tópic / Exigencias industria cultural a Zapatero
« en: 18 de Diciembre de 2009, 12:45:15 pm »

15
TV y Series / Antena 3 y La sexta se fusionan
« en: 17 de Diciembre de 2009, 12:58:19 pm »
Antena 3 sería la principal accionista en esta fusión. Ya me imagino quién se va a pillar casi todos los deportes

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