SINOPSIS: El mundo se ha sumido en el caos; la policia sólo patrulla durante el día, la noche pertenece a las bandas y al crimen organizado. Koga Suko es un empresario que desea el poder absoluto, para lograrlo debe reunir los dos fragmentos del doble dragón para formar un amuleto que le otorgará grandes poderes. Lo malo es que una parte del amuleto está en poder de los hermanos Lee, dos expertos en artes marciales que se ganan la vida peleando. Pero esta no es la única amenaza para Suko; también debe enfrentarse a los Power Corps, un grupo que lucha para devolver la seguridad a las calles.


HERMANOS LEE VS T1000 CON PELO TINTADO

En el año 1987, la compañía Technos Japan publica un videojuego de género 'Beat 'em up' llamado 'Double Dragon', el cual si saben de videojuegos sobra decir el éxito que fue y las múltiples conversiones que tuvo para videoconsolas domésticas. En la época dorada de las adaptaciones de videojuegos cutres al cine, 'Double Dragon' no iba a ser menos y allí que se tiraron a hacer el ridículo como si no hubiese un mañana.

James Yukich se estrenó como director de largometrajes tras dirigir videoclips para gente como Genesis (y Phil Collins en solitario), David Bowie, Iron Maiden o Pat Benatar. ¿Fue la mejor elección para éste filme? Por supuesto que no. De hecho, no ha vuelto a pisar un plató de cine; por algo sería.

A decir verdad, hay que entender que 'Double Dragon' surge en una era donde adaptaciones de cintas de videojuegos salían a cascoporro y, en líneas generales, la calidad no es que fuese precisamente el summum del séptimo arte. Intentaron triunfar fichando a un Robert Patrick en liza tras haber sido el T1000 en 'Terminator 2: El juicio final', haciendo aquí también de villano y que, también, puede meterse en otros cuerpos y hacerse pasar por ellos. Destaca también la participación de Mark Dacascos como uno de los hermanos Lee, Jimmy, y una Alyssa Milano que ya estaba empezando a dejar de ser la niña de 'Comando' para convertirse en una mujer de quitar el hipo y que daba vida a Marian, novia del otro hermano, Billy, y personaje también de la versión del videojuego original.

Aunque el argumento coge bastante inspiración de la narrativa del primer juego en su versión para oriente, su plasmación no termina de hacer justicia. Los hermanos Lee no terminan de ser carismáticos (entre los actores no se les ve mucha química tampoco), el villano a veces parece invencible y otras parece que lo puedes matar de un soplido, además de tener una personalidad de villano cliché. El resto tampoco es que sea muy halagüeño. Hay alguna buena secuencia de pelea, la ciudad de Nuevo Ángeles no está mal lograda y de vez en cuando se ve alguna escena decente. El resultado, aún así, es para olvidar. No olvidar a Milano ni a la villana/secuaz de Koga Shuko, a quien da vida Kristina Wagner, pero sí el filme en general. No se puede depender de que las actrices estén buenas.

Había que pasar por este mal trago alguna vez y mejor tarde que nunca.

3

SINOPSIS: Muy pocas películas han logrado igualar la gran espectacularidad y magnificencia absoluta del remake que en 1956 realizó Cecil B. DeMille de Los Diez Mandamientos. Rodada en Egipto y en el monte Sinaí, con uno de los decorados más colosales jamás construidos para una película, esta versión narra la historia de Moisés (Charlton Heston), favorito de la familia del faraón, que decide renunciar a su vida de privilegios para conducir a su pueblo hacia la libertad. Esta edición cuenta con una presentación especial del propio Cecil B. DeMille.


EL PRÍNCIPE PROFETA

Semana Santa es una fecha donde en muchos canales de televisión se emiten filmes de esta temática y normalmente no soy de los que siguen la moda, aunque en este año sí que me ha apetecido ver algo por estas fiestas ya que, además, estamos hablando de la que seguramente sea uno de los mejores largometrajes realizados en este subgénero.

El director Cecil B. DeMille tuvo en la que sería su última película como realizador a un reparto con lo mejor de Hollywood como son Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter, Yvonne De Carlo o Edward G. Robinson, entre otros, para contar la historia de la liberación de los judíos en el antiguo Egipto por parte del antiguo príncipe, Moisés.

Si bien esta cinta es conocida por sus efectos adelantados a su época y alguna escena mítica como la apertura del Mar Rojo (la cual se mantiene de lujo, aún llegando a casi los 70 años de existencia desde su estreno en 1956), no hay que perder la vista que esta película se basa sobre todo en su reparto, un reparto del que si no hubieran habido grandes nombres no sería tan recordada. Destacando especialmente el trío Heston/Baxter/Brynner, quienes forman un triángulo amoroso hasta que Moisés ve la luz, aunque hay señales desde el principio de que no era como los demás negreros, y emprende un camino espiritual que culmina en una nueva vida y en la liberación de su pueblo. Estos tres nombres son los que cimientan la historia y sus interpretaciones son como se puede esperar de tres nombres tan míticos de esa era del cine. No quiero menospreciar a los demás nombres como Edward G. Robinson o De Carlo, pero creo que es justo darle el protagonismo por su mayor relevancia a esos tres actores.

Por supuesto, no puede faltar mencionar los efectos especiales (obra de John P. Fulton, ganador del Oscar por este largometraje) que vistos hoy en día no parece que estén hechos en la década de los años 50. Especialmente se nota en escenas como la del arbusto o la de las varas que se transforman en serpientes. Evidentemente, casi 70 años de vida se notan; sin embargo, no son efectos que canten en exceso y me sorprendió lo bien hechos que están.

Mención aparte para el trabajo de Elmer Bernstein en la banda sonora, el cual otorga una majestuosidad en su composición que le viene al dedillo a este tipo de historia. Puede llegar a empachar que muchas de sus apariciones sean con temas por todo lo alto, aunque (en mi caso) no llegué a ese punto.

Su duración de más de tres horas puede echar para atrás. Creo, eso sí, que en este caso son más de tres horas bien invertidas, pues es evidente el mimo con el que está hecho y el resultado tan alto que se ve en la pantalla.

8

SINOPSIS: Finalizada la guerra de Vietnam, un combatiente norteamericano vuelve a su hogar para encontrarse con que su familia ha sido asesinada por un grupo de delincuentes mexicanos.


MOLESTAR A LA PERSONA EQUIVOCADA

Llegué a este filme principalmente por Tommy Lee Jones, un actor del que intento ver todo donde aparezca. Ignoraba que el director era el mismo de 'Encerrado' o 'Juego mortal' o que en el guion estaba Paul Schrader como uno de los dos guionistas (junto a Hewyood Gould). He tenido una pequeña sorpresa, aunque las similitudes respecto a 'Taxi Driver', al estar el mismo Schrader en esa también, son evidentes.

Para empezar, mientras Travis Bickle era un ex-marine que vino de la guerra de Vietnam y trabajaba como taxista, Charles Rane es un comandante de las fuerzas aéreas estadounidenses que fue prisionero de guerra en Hanói durante siete años. El cambio reside en que Bickle actúa por una sociedad que él desprecia y Rane es empujado, debido a que cuando vuelve a casa su vida ya no vuelve a ser la misma. Primero por una revelación personal y, después, por el asesinato de esposa e hijo por unas monedas de plata que le regalaron.

Las similitudes con la cinta de Martin Scorsese no son malas 'per se'. En este caso, se puede empatizar un poco más con Rane porque es víctima de unas circunstancias que escapan de su control, lo que no ayuda a superar sus traumas, mientras que Bickle ya venía poco cuerdo y muy inestable y se embarca en una venganza que se toma personal. Además, los caracteres de ambos son diferentes; el taxista hacía cosas que no eran racionales y el comandante aún tiene un poco de cordura.

Además, esta historia de venganza está cocinada a fuego lento, sentando las bases para cuando se centre en la trama principal y aportando contexto al personaje protagonista y a los hechos que le llevan a hacer lo que hace. Está acompañado por un Tommy Lee Jones que aún estaría lejos de su salto a la fama, aunque funciona como secundario también traumatizado como compañero de prisión de Rane en la ciudad de Vietnam.

Entiendo que el visionado pueda entusiasmar poco por el parecido a la cinta ya mencionada. Sin embargo, creo que ambos son lo suficientemente diferentes para ser disfrutados, contando cada uno con un tono distinto y unas motivaciones desiguales para que puedan sostenerse por sí mismas. Cierto es que aquí no encontramos grandes interpretaciones como las que hicieron De Niro o Jodie Foster, aunque tampoco diría que el elenco de 'El ex-preso de Corea' sea un horror.

7

SINOPSIS: Érase una vez un mercader arruinado que vivía con su hijo Ludovic y sus tres hijas. Dos de ellas, Felicie y Adelaide, son seres egoístas que explotan a su hermana pequeña Bella. Un día, el padre se pierde en el bosque y llega hasta un castillo. Allí encuentra una preciosa rosa y decide cogerla para Bella, entonces aparece el señor del castillo que le impondrá un duro castigo por su osadía.


LA BESTIA QUE SABÍA AMAR

De 'La bella y la bestia' han habido multitud de adaptaciones a lo largo de los años, aunque yo solo me aproximé al largometraje de Disney del año 1991, el cual tiene el honor de ser el primer filme animado en ser nominado al Oscar a la Mejor Película. Hoy decidí darle el beneficio de la duda a la primera adaptación cinematográfica dirigida por el francés Jean Cocteau (1889-1963), quien no solo fue director de cine sino poeta, dramaturgo o pintor.

Jean Marais y Josette Day protagonizan esta versión en la que hay algunos cambios respecto a la versión de Disney, aunque eso no la hace peor. Solamente diferente. En este largometraje, Bella convive con su padre, su hermano Ludovic y sus dos vanidosas hermanas, Félicie y Adélaïde, y su padre tendrá un encuentro fortuito con La Bestia, quien le da a elegir por robar una de sus rosas: la muerte o que una de sus hijas vaya con él. Ya sabemos todos que es lo que pasa.

Este es un filme que ya está cerca de los 80 años de existencia, pero visto hoy día se conserva realmente bien teniendo en cuenta su época. Especialmente por parte de unos efectos prácticos (los cuales se concentran especialmente en la casa de La Bestia con las estatuas vivientes y los brazos usados como porta candelabros), los cuales tienen mucho mérito por el ingenio y porque no se ven falsos, como podría ser normal por las limitaciones técnicas de su tiempo. Sí que es verdad que a la última escena se le pueden ver un poco las costuras; sin embargo, no es nada especialmente grave.

En el elemento humano están las otras partes fuertes de la historia: actores, guion, dirección y banda sonora. En guion y dirección hay un mismo nombre, Jean Cocteau, quien hace justicia al libro dando a su adaptación un nivel notable en el cual hay espacio para el drama, el romance y las enseñanzas morales, especialmente el de la codicia y el egoísmo. Todo eso llevado a cabo por un grupo de actores de los cuales no conozco sus trayectorias, pero, por lo visto aquí, dan unas interpretaciones muy creíbles. Meritorio especialmente el caso de Jean Marais, quien hace más de un papel y en todos actúa estupendamente. Por supuesto, está el trabajo de Georges Auric en la banda sonora, con unos temas muy intensos para el drama y el amor, siendo uno de esos casos donde eleva lo visto en la pantalla.

Entiendo que la adaptación animada de los 90 sea la más popular, y es incluso mejor que esta. Aún con todo, este filme clásico merece también sus elogios y que se siga viendo sin importar los años que pasen.

8

SINOPSIS: El sargento Gallagher (Gene Hackman) recibe la misión de custodiar a un soldado desde Alemania a los Estados Unidos para ser juzgado por un tribunal militar. Sin embargo, cuando el avión llega a su destino, el prisionero huye. A partir de ese momento Gallagher se verá envuelto en un turbio y enmarañado asunto con graves implicaciones políticas.


GENE A LA CAZA DE TOMMY

Es curioso que dos grandes mitos de la interpretación como el recientemente fallecido Gene Hackman y Tommy Lee Jones solo hayan coincidido en una sola ocasión, cuando sus nombres son de los que atraen al público general. Solo de verlos juntos en una película que hubiese dirigido Clint Eastwood (ya que ambos han trabajado con él), se me ponen los pelos como escarpias.

Esta dupla solo nos ha dejado una sola película en la que uno era el perseguidor (Hackman) y el otro el perseguido (Lee Jones) en una trama de conspiración a nivel mundial. Todo esto dirigido por un director que ha conocido días mejores como Andrew Davis que no mucho después haría parecer bueno a Steven Seagal y daría a Harrison Ford quebraderos de cabeza mientras intentaba descubrir quien había matado a su mujer.

Yo mismo pensé de esta película que sería una cinta de acción al uso donde los dos actores estarían más por el cheque que por sacar algo en positivo en sus respectivas trayectorias profesionales. No obstante, este es uno de esos casos de "no juzgues un libro por su portada". El guion está más bien orientado al thriller y al suspense donde los giros siguen y siguen sucediendo y, a lo tonto, consigue mantener enganchado esperando a ver como se va a resolver todo el lío.

A pesar de que he visto el filme doblado al castellano (me ha despistado la voz para Tommy Lee Jones, el cual no es la que yo recuerdo de los doblajes habituales, siendo aquí de Jordi Brau cuando el habitual es Camilo García), no considero que las interpretaciones de los dos protagonistas sean de las mejores de sus carreras. Estoy seguro de que fueron muy profesionales, aunque les recuerdo bastante mejores en otros trabajos. Joanna Cassidy, Pam Grier (infrautilizada), Dennis Franz y John Heard son los otros nombres conocidos del elenco y también están cumplidores.

Es normal que cuando uno hable de cualquiera de los actores principales de 'A la caza del lobo rojo', surjan otros largometrajes antes que este; no obstante, pienso que este visionado merece la pena, bastante más de lo que parece. No quiero olvidarme del efectivo trabajo de James Newton Howard en la composición, dando ritmo y tensión a la narración.

7

SINOPSIS: En el único pueblo del mundo romano que se resiste a César, Obélix se enamora locamente de una recién llegada, Falbala. En el momento que, animado por Astérix, le ofrece flores, ella se precipita en los brazos de su novio, Tragicómix. En el curso de un paseo romántico, los novios son detenidos por un afanoso pero ignorante decurión, Effrayé, el jefe del campo romano, que les envía a la legión, al Sáhara.


LOS GALOS AL RESCATE

Hacia unos cuantos meses que no veía nada de Astérix y Obélix en versión animada y el gusanillo ya estaba picando, así que hoy ha sido el día para volver a ver a los galos dando por saco al imperio romano; aunque en esta ocasión, el enemigo no sería directamente Julio César. El antagonismo recae sobre otros romanos.

En esta ocasión, la trama empieza porque Obélix ve a Falbalá y al hombre le empieza a dar calores ahí abajo, así que intenta conquistarla; por desgracia para él, ya estaba pillada por parte de Tragicomix, quien tiene un físico hercúleo. Tanto Falbalá como Tragicomix caen presos de los romanos y los dos galos más famosos de la animación irán para rescatarlos.

Me gustó para empezar que a Obélix no le diese ni en un segundo un ataque de celos y que se negase a rescatar a Tragicómix. Cuando estamos hablando de un largometraje cuyo público potencial son los niños, son importantes los mensajes positivos. El resto de la historia es una nueva entrega de Astérix y Obélix contra los romanos, aunque con un pequeño giro de la narrativa habitual que hace que se sienta fresca en esta nueva aventura.

No pueden faltar los habituales golpes (nunca mejor dicho cuando hablamos de los galos) de humor, si bien esta vez parece una historia con un tono algo más maduro entrando temas de esclavitud y gladiadores, con lo que también le pueden gustar a los adolescentes. O a mí, que ya tengo más de 35 años, ya puestos. El caso es que el argumento no es muy repetitivo y es una historia que no llega a empachar de galos vs romanos.

Pasa al podio de películas de animación de 'Astérix y Obelix' (a día de hoy) junto con 'Astérix y Cleopatra' y 'Astérix y las 12 pruebas'.

7

SINOPSIS: Dos hombres adultos descubren que son hermanos gemelos aunque no se parecen en nada, ya que su nacimiento fue fruto de un experimento que tuvo un inesperado final. Mientras que Julius (Schwarzenegger) se crió con facilidades y es una persona culta y muy ingenua; Vincent (DeVito) fue a un orfanato y es timador, mentiroso y muchas cosas más. Al conocerse, deciden ir en busca de su madre biológica y durante el viaje, ambos aprenden mucho uno del otro y también sobre sí mismos.


EL DÚO SACAPUNTAS

'Los gemelos golpean dos veces' era una de mis grandes pendientes de la filmografía de Arnold Schwarzenegger de su etapa imperial que empezó con una película que siempre llevo en mi corazón porque me hizo descubrir el gran cine hace casi 30 años y es una maravilla, la cual se llama 'Terminator'. Esta fue la primera colaboración del triunvirato Schwarzenegger/DeVito/Reitman, quienes intentaron imitar el éxito con la menos recordada 'Junior'. Si bien, Ivan Reitman (DEP) dirigió al roble austríaco en la infravalorada 'Poli de guardería'.

Esperaba encontrarme con una película, al menos, decente. Así ha sido. También hay que decir que ha estado un poco por debajo de mis expectativas porque su estilo de comedia no es uno del que termino de ver, por el estilo más simplón sin demasiada gracia (salvo ciertas cosas, como aquel guiño a Stallone o la escena con los ladrones). Cuando hablamos de una película cómica que no da muchas risas, eso no puede ser bueno.

Sin embargo, el dúo Schwarzenegger/DeVito está claro que tienen mucha química entre ellos, siendo actores totalmente distintos y con físicos totalmente distintos. Son una suerte de Dúo Sacapuntas yanqui en el que cuesta creer que sean gemelos, y que gracias a la ciencia lo hizo posible. Debido a ellos dos, este largometraje consigue salir adelante, incluyendo el soporte de Chloe Webb y Kelly Preston (que descanse en paz) que comparten con ellos también una química como sus respectivas parejas, la primera para Vincent y la segunda para Julius. Y la historia de enredo con el maletín y la recompensa está bien pensada, más la parte más emocional que tiene que ver con la madre de ellos (curiosamente, la versión joven de ella está interpretada por Heather Graham y no está acreditada). Lo que, bajo mi punto de vista, falla es su ingrediente principal: la comedia.

No obstante, no ha sido una absoluta decepción. Está claro que es bastante entretenida, sus aciertos ya han sido citados y el buen sabor de boca no me lo quita nadie. Solamente que para que un filme así entre, depende en buena parte del sentido del humor que uno tenga; y el mío no es del todo similar al que se da aquí. Por lo menos, eso sí, me ha sacado unas lágrimas.

6

SINOPSIS: David Burton es un abogado australiano que vive tranquilamente con su hija y su esposa, hasta que unos sueños premonitorios le revelan parte del conocimiento prohibido de los aborígenes. Un asesinato que debe investigar le pondrá en contacto con Chris, integrante de una tribu y conocedor de sus rituales.


LLEGA UN DÍA Y NI SIQUIERA TE CONOCES A TI MISMO

Llevamos una mala racha de grandes pérdidas cinematográficas desde que empezó este año 2025. Primero fue David Lynch, después fue Gene Hackman (del que me da mucha lástima ver como fueron sus últimos días, desorientado en su casa sin más ayuda), muy recientemente nos dejó Val Kilmer demasiado pronto y antes de Kilmer fue el californiano Richard Chamberlain, quien nos dejó a la edad de 90 años.

Me avergüenza un poco decir que a pesar de que fue un actor famoso por series como 'El pájaro espino', 'Shogun' o películas como 'El coloso en llamas' no había visto mucho de él y he querido empezar con algo, aunque sea por un motivo tan triste. Mi mayor opción era 'Allan Quatermain y la ciudad perdida del oro' por ponerme algo liviano de aventuras, pero vi esta película de finales de los años 70 en el que estaba a las ordenes de un mito como Peter Weir ('El show de Truman'), coguionista también del filme.

En esta historia, Chamberlain interpreta a un abogado australiano en el que tiene que defender a un grupo de personas aborígenes de un cargo de asesinato. Mientras tanto, el clima local va siendo muy caótico y habrá una conexión ahí...una conexión que poco a poco irá siendo cada vez más y más notoria rayando a veces lo alucinógeno en el que David Burton (Chamberlain) tendrá sueños que fliparían a cualquiera y dudará sobre sí mismo. Una historia en el que se aprovecha parte del potencial que tiene, pero no termina de enganchar.

El libreto firmado a tres manos entre Weir, Tony Morphett y Petru Popescu tiene un punto de partida interesantísimo que puede atraer a cualquiera, pero se pierde demasiado tiempo con divagaciones y descubrimientos que tardan demasiado en revelarse. Lo metería en una categoría de filmes que no necesitaban tanto tiempo para explicar; y eso que hablamos de una película que dura hora 1 hora y 45 minutos. Aún con todo, cuando las cartas ya empiezan a descubrirse va ganando cada vez más y consigue terminar con un aprobado solvente. Además de las secuencias relevantes de la trama, la interpretación de su elenco y la banda sonora también ponen de su parte.

No quiero tampoco desanimar a nadie a no verla, pues creo que como arte subjetivo que es el cine, una película así puede gustar más a otra persona; si le gusta menos, lo siento mucho. Lo importante es que es un largometraje que no deja indiferente.

6

Fallece Val Kilmer a los 65 años a causa de una neumonía.

https://www.elmundo.es/cultura/cine/2025/04/02/67ecc4f9fc6c83d60d8b458d.html

Que en paz descanse un grande al que recordaré por ser el primer Batman que vi y por otras películas como Tombstone: La leyenda de Wyatt Earp, Top Gun: Ídolos del aire o mi favorita de su filmografía, Heat.

SINOPSIS: Garret, inspector de policía, es traicionado por un compañero corrupto que le da por muerto tras disparar contra él. Su superior decide que sea declarado oficialmente muerto para proporcionarle una nueva identidad y que pueda filtrarse en las bandas mafiosas para facilitar la detención de los "capos".


DIOS CHUCK CASTIGANDO A LOS PECADORES

De los héroes de acción de los años 80, a Chuck Norris no le he prestado la suficiente atención aún. Hoy era un buen momento para ver algo de su carrera como pateador de culos y me decidí por 'Hitman', dirigida por su hermano, Aaron.

Si bien, Norris puede hacer lo que quiera porque es Dios todopoderoso ("No hay teoría de la evolución, solo una lista de las criaturas que Chuck Norris deja vivir"), es tan humilde que de vez en cuando hacía películas donde hacía que sufría un poco y no terminar las historias en los títulos de crédito iniciales. En esta ocasión, un policía corrupto le tiende una trampa y lo pasa mal. Aún con todo, Norris no iba a morir por un parguelas y, por supuesto, iba a impartir justicia de la mano de Ley y Orden (" Chuck Norris ha ido a juicio contra la NBC, diciendo que la serie Ley y Orden es el nombre registrado de sus dos piernas.")

La película tiene su aquel. Norris juega a dos bandas entre su verdadera profesión de mercenario y su tapadera de secuaz de una banda y, mientras tanto, ayuda a un niño a defenderse de unos acosadores; por supuesto que podría haberle enseñado al chaval a darles el pasaporte en cero coma, pero (como ya he dicho) también tiene su humildad. Estas tramas hacen de 'Hitman', un filme ciertamente entretenido. Aún con un esquema narrativo muy básico, consigue sacar algunas buenas escenas de acción y siempre está pasando algo relevante, aunque parezca poca cosa.

Este no es un largometraje que cuente con la fama de un 'Desaparecido en combate', 'El furor del dragón' o 'Invasión USA', si bien creo que es un producto que merece la pena darle la oportunidad aún sin tener la repercusión de las cintas mencionadas. Cuando el Dios Norris hace lo que sabe hacer, que es repartir castigo entre los pecadores, y todo lo demás (dirección, banda sonora, guion...) no desentona, como es el caso, esta poco más de hora y media ha merecido la pena.

5

SINOPSIS: En el futuro dos canales de televisón compiten por la audiencia ofreciendo programas ultraviolentos. El programa estrella de una de las cadenas se basa en las antiguas luchas de gladiadores. Viendo peligrar sus índices de audiencia deciden incrementar el morbo utilizando condenados a muerte obligándoles a llevar su lucha hasta el fin. Aun así siguen sin encontrar el ingrediente definitivo para que el programa rompa records.


'PERSEGUIDO' ANTES DE 'PERSEGUIDO'

Cuando el gusanillo de la serie B me pica, Italia suele acudir al rescate; más concretamente, el director Lucio Fulci, de quien la película que he visto hoy es la cuarta que veo de él tras 'Nueva York bajo el terror de los zombies', 'Manhattan Baby' y 'Miedo en la ciudad de los muertos vivientes'. Cuando podría parecer lo contrario, esta es el 3/4 film que termino aprobado (la única suspensa es la de 'Miedo en la ciudad de los muertos vivientes').

Fulci dirige a un reparto de nombres desconocidos en su mayoría, donde a quien solo reconozco a Fred Williamson ('Abierto hasta el amanecer', entre otros), aunque el protagonista es Jared Martin, actor de cuya existencia he conocido hoy. Así será de conocido.

Lo curioso con este 'Roma, año 2072 D.C.: los gladiadores', es que recuerda a otro largometraje que salió tres años después como es 'Perseguido', la de Arnold Schwarzenegger. Evidentemente, tienen sus diferencias. Sin ser la cinta de 1987 un prodigio de cine del acción, sí que se notaba un cierto nivel y un cierto talento tanto delante como detrás de las cámaras, aún siendo uno de los trabajos del roble austríaco que no entrarían, en mi opinión, en un top suyo. Con este largometraje italiano, los medios son menores y su elenco no es tan carismático, quitando al ya mencionado Williamson.

Por contar algunos de los defectos, algunos giros se ven venir desde lejos, ciertos efectos especiales también cantan por soleares y los planos generales de la futurista Roma son indisimuladamente de una maqueta. Creo que es de las direcciones artísticas menos disimuladas que he visto en un trabajo de serie B, y ya tiene mérito. Aún con todo, es una historia que también guarda sus sorpresas y el resto de dirección artística sí que se nota algo más trabajado, así como algunos vestuarios (salvo lo de los petos con nombre que queda fatal).

Una propuesta esta que puede parecer desde fuera como algo que entraría dentro de un visionado a la desesperada, mas cuando se le da el beneficio de la duda se ve un apañado producto que no es, ni mucho menos, el esperpento que parecía que iba a ser.

5

SINOPSIS: Tras ser pillado in fraganti en una situación escandalosa unos días antes de su reelección, el presidente de los Estados Unidos decide inventarse un conflicto que desvíe la atención de la prensa de su affaire. Uno de sus consejeros se pone en contacto con un productor de Hollywood para crear una cortina de humo: una guerra en Albania a la que el presidente pueda poner fin heroicamente ante las cámaras de televisión.


¡BAILAD MONITOS, BAILAD!

New Live Cinema tiró la casa por la ventana con 'La cortina de humo'. El tren del escándalo Lewinsky era demasiado tentador para dejarlo pasar y para ello contaron con la dirección del oscarizado Barry Levinson (si bien me han gustado más otras películas de su autoría que aquella por la que se llevó los Oscar en 1989 con 'Rain Man') y con dos titanes de la interpretación como son Dustin Hoffman y Robert De Niro en su segunda película juntos tras 'Sleepers', más otros actores de sobra conocidos como Anne Heche (que en paz descanse), William H. Macy, Woody Harrelson o Dennis Leary.

'La cortina de humo' va sobre exactamente eso, inventar asuntos para desviar la atención de temas realmente importantes (cuantas veces nos lo habrán hecho sin saberlo) como, en esta ocasión, fue lo del escándalo Lewinsky; nunca se refieren al caso directamente, pero está claro que trata sobre eso. Y es un filme que asusta y gusta al mismo tiempo. Asusta por el tema de las distracciones y gusta por como lo trata, con un Robert De Niro encarnando a un Señor Lobo de la política, siempre dispuesto a limpiar la mierda.

No faltan elementos de comedia en un asunto tan serio. De eso se encarga especialmente un Woody Harrelson como uno de esos elementos útiles para la cortina de humo cuyo perfil psicológico no es para darle ni un cuchillo de plástico, contando con la ayuda de un Dustin Hoffman interpretando a un productor de cine contratado para fabricar una ficticia guerra con Albania y que tendrá sus ramalazos cómicos.

Este es de esos largometrajes que se cimentan sobre el talento de los actores y lo ingenioso de su guion y en ambos casos sale airoso sin problemas. Contar con un reparto de nombres talentosos siempre va a ser una ganancia, aún más si le dan personajes donde puedan explotar su capacidad y considero que este es uno de esos casos. El libreto firmado por David Mamet y Hillary Henkin es la otra pata importante cuyo buen tino a la hora de mostrar los tejemanejes para mantener distraída a la población y lo surrealista de ciertas situaciones del proceso.

Ignoro cuanto de verdad habrá en lo que se cuenta, pero solo con que haya un 5-10% de verdad, ya me da escalofríos.

7

SINOPSIS: Siguiendo la pista de una valiosa pieza de arte robada, la agente de seguros Gin Baker convence a su compañía para que le permitan llevar a cabo un golpe en colaboración con un prestigioso y veterano ladrón, Robert "Mac" MacDouglas. Pero Mac la someterá a una serie de duros entrenamientos y pruebas antes de confiar en ella.


TE ENTIENDO, MICHAEL DOUGLAS

Siempre es un gusto ver al ya tristemente fallecido Sean Connery donde quiera que apareciese. Poco a poco voy tachando cosas pendientes de su gran carrera...pero mentiría que para decidirme por 'La trampa' no ha tenido nada que ver Catherine Zeta-Jones. Y es que con solamente ver el poster donde la cara de Connery está de fondo y Zeta-Jones de cuerpo entero en primer plano ya es un motivo para darle la oportunidad. Entiendo que Michael Douglas lleve 25 años con ella, habría que estar loco para dejar escapar esa oportunidad.

Pero 'La trampa' no es solamente la exuberante belleza de ella y la elegante madurez de él, es también un muy convincente filme sobre robos en la que los dos actores usan su talento para un filme dirigido por Jon Amiel (un director ahora venido a menos, pero con títulos a sus espaldas como 'El núcleo' - a la que le debo una revisión-, 'Copycat' o 'Sommersby') en el que los giros de guion serán una parte muy importante. Tanto que a veces puede llegar a empachar, pero son giros lógicos, que es lo importante.

Desde el principio, la película consigue enganchar con la escena inicial del robo y el ver como se van construyendo los siguientes golpes, el como se va cimentando la relación entre Robert y Virginia con sus dimes y diretes y una elegante composición de Christopher Young que le viene que ni pintado para una historia de policías y ladrones. Además, en mi modesta opinión, no he visto secuencias que diga que sobren y que lastren el visionado.

Estamos ante uno de los últimos buenos trabajos de Sean Connery antes de que decidiera retirarse en 2003 y se nota que quien tuvo, retuvo. Lejos ya de sus mejores días, aún aguantaba el liderazgo de una película como siempre con su característica elegancia y magnetismo frente a la cámara. Eso, junto a una Zeta-Jones espectacular y una película muy bien pensada y plasmada hacen que me pille de buenas y lo apruebe sobradamente.

7

SINOPSIS: Sólo un día después de regresar del pasado, Batman y sus aliados descubren que el mundo no es exactamente el mismo que dejaron. Toda la isla de Japón ya no existe y los héroes de la Liga de la Justicia tampoco. Pero antes de que puedan comprender lo que está pasando, los yakuza empiezan a llover literalmente del cielo. Secuela de la película anime 3D "Batman Ninja".



IGUAL ARGUMENTO, IGUAL RESULTADO

En un principio no tenía pensado ver esta secuela de 'Batman Ninja' debido a que aquella me pareció una cinta bastante decepcionante; sin embargo, me acordé de que no hace mucho tiempo vi las dos partes de los filmes de 'Attraction' (filmes rusos sobre una invasión extraterrestre en dicho país) y recordé que la primera parte me gustó menos que la segunda, así que me pregunté: ¿y si este es otro caso 'Attraction'? Spoiler: no lo fue.

'Batman Ninja vs. Yakuza League' es la continuación directa del filme del año 2018, cuyos hechos suceden solo un día después de los acontecimientos de aquella. Cuando Batman y compañía vuelven del Japón feudal, Gotham está patas arriba (en este caso, literalmente y verán el porqué) y uno de los grandes villanos de Batman está detrás de todo el pifostio mediante la invención de otra máquina porculera.

Puede recordar su argumento bastante al largometraje predecesor, y es que así es. Hasta en los defectos. Mientras que en 'Batman Ninja', había una galería de villanos, en esta ocasión son los superhéroes quienes forman una especie de estructura de la Yakuza, salvo una de ellos, y tendrán que vérselas con Batman y sus compañeros de fatigas como Red Hood, Robin o Nightwing. Sin olvidar al cerebro mayor de todo que se revela a su tiempo. También vuelven algunos usos de la cultura japonesa como los créditos de algunos programas y secuencias varias reconocibles de obras audiovisuales del país nipón.

Creí, ingenuo de mí, que podría ver algo mejor. Sí que es cierto que no comete tantos excesos 'hecho en Japón', pero estamos ante una secuela muy parecida a la primera parte y, por lo tanto, no sorprende demasiado, salvo la entrada del tema multiversal hacia el final y alguna pelea destacable, estamos ante un cambio de cara de moneda de historia manteniendo, pues, aciertos y defectos que ya indiqué en la reseña de 'Batman Ninja'.

No ha supuesto en mí una experiencia inolvidable los visionados de 'Batman Ninja' y 'Batman Ninja vs. Yakuza League'. Sí que la premisa de un Batman visto desde la óptica japonesa podía tener su aquel, pero la aplicación de la teoría no es tan bueno. No han tirado la imagen del hombre murciélago por el suelo, aunque no las pondría ni de casualidad dentro de un ránking de mejores películas animadas de Batman. Son obras singulares y ya.

5

SINOPSIS: Batman, junto a sus aliados y enemigos, se ve transportado desde la moderna Gotham hasta el Japón feudal.


UN MAL VIAJE A ORIENTE

Muchas de las creaciones de Batman (cómics, películas, videojuegos, etc.,) vienen desde los Estados Unidos y esta película tiene la curiosidad de que viene desde Japón, una tierra también rica en cultura friki que adopta temporalmente al hombre murciélago en una historia que sucede en su país, pero no en el presente.

El punto de partida de este filme estaba muy bien pensado. Gorila Grodd inventa una máquina del tiempo que hace llevar a Batman, a sus aliados y a sus enemigos al Japón feudal (siglos XV-XVI), un territorio totalmente desconocido para ellos donde tendrán que adaptarse a las circunstancias, si bien, claro está, todos tienen sus planes entre manos.

Visto así, todo pintaba muy bien para ver una muy buena película de animación sobre el superhéroe de Gotham, quien ha tenido en este ramo cinematográfico obras destacadas como la adaptación de 'El regreso del caballero oscuro' o la aclamada serie de animación de los años 90. Esta aventura me da a mí que no entrará en ese selecto club, y por méritos propios.

El potencial se estaba cumpliendo más o menos durante poco más de 40 y pico minutos. Batman se adaptaba al nuevo lugar, aparecían sus aliados y el Joker se seguía encontrando en su salsa incluso fuera de sitio, con nuevos objetivos en su retorcida mente para derrotar a su némesis. Todo se empieza a descontrolar cuando hay un punto y aparte en la narrativa después de los combates en la mar con la entrada de alta tecnología y robots gigantes que no termino de ver para un personaje como Batman. Aparte de otras cosas ridículas como un mono amigo para Robin.

La idea de abrazar la cultura y la animación japonesa para este mítico personaje de DC Comics tenía mucho atractivo, pero en la práctica termina yéndose por el váter por un desenlace disparatado que tira por tierra los buenos primeros 45 minutos. Que tampoco estaban siendo de lo mejor de la animación 'batmaniana', pero sí que había un equilibrio entre una historia tradicional de Batman y los elementos orientales. Luego ya es el disloque.

5

SINOPSIS: Durante las vacaciones de primavera un grupo de jóvenes viaja a una isla donde asisten a una fiesta rave. La misteriosa isla es llamada "de la muerte" y siglos atrás, cuenta la leyenda, un brujo experimentó con un elixir para burlar a la muerte. Los jóvenes, una vez en la isla, descubren que el brujo sigue vivo, y que se alimenta de los humanos que caen en sus manos. Ahora, atrapados en la isla, tendrán que usar cualquier arma disponible para luchar contra las hordas de zombies asesinos que están bajo el influjo del malvado hechicero.



EN LA VIDA A VECES HAY QUE JUGAR

Me considero una persona que más o menos sabe de cine. Habrá gente que me dará sopas con ondas en este terreno, pero hablar sobre este arte no es algo que me pille de nuevas y ya sabía antes de visionar esta película quien es Uwe Boll y su desastroso currículum vitae, el cual le ha otorgado una reputación legendaria de ser de los mejores terroristas cinematográficos de la historia. Y ayer me tocó ver por vez primera una de sus 'grandes' obras.

'House of the Dead' es un videojuego al que me gustaría echarle el guante algún día, pues tengo curiosidad por ver si cumple con su estatus de videojuego mítico y porque me suelen gustar los videojuegos del subgénero zombi. Para Sega, desafortunadamente, el videojuego salió en un año como el de 1996 en el que la marca ya estaba empezando su declive, empezando por las fallidas expansiones de Mega Drive (Sega CD y 32X) y la que iba a ser, en teoría, la competencia de PlayStation y que se llamó Sega Saturn...y para echarle más escarnio al tema, resulta que cuando ya Sega dejó de fabricar videoconsolas estrenan una adaptación de uno de sus últimos baluartes bajo la dirección de Boll.

El videojuego tiene una trama que poco tiene que ver con el filme. Hay algún guiño a algún personaje en el nombre de uno de ellos y hay una subtrama que justifica la historia (más pantallas del juego usados como transiciones entre escenas), pero mayormente la historia transcurre como un filme más de adolescentes con las hormonas revolucionadas buscando una mujer para quitarse el picor y que acaban metiéndose en un lugar que les va a quitar el picor de forma permanente. Si al menos hubiera algo más de similitud entre las tramas del juego y el largometraje, quizás habría entrado algo mejor. Encima el logotipo de Sega aparece en la secuencia de la fiesta, para echarle más mierda a la empresa.

Imagino que hasta los más jóvenes del reparto ya sabían donde se metían y que de esto no iba a salir nada positivo. Sorprende ver a todo un gran actor europeo como Jürgen Prochnow en un título como este, pero el gran actor o actriz que esté libre de bodrios que tire la primera piedra. Al menos, se llevaría un buen sueldo a su casa para gastárselo en lo que quiera. Un dinero que se ve que no se gastó demasiado en el maquillaje de los muertos vivientes ni en escenarios, salvo quizás el de la casa en el tramo final.

En la vida hay veces que a uno le apetece simplemente venir a jugar y apostar por productos como este por puro sadomasoquismo y corroborar si realmente es un trozo de infección gigantesco o puede tener partes rescatables. 'House of the Dead' entra dentro de la primera categoría, si bien eso ya lo podía imaginar incluso viendo 0 segundos.

2

SINOPSIS: En la ceremonia de coronación del pequeño Buda, las fuerzas del mal atacan a los monjes. Después de una lucha feroz la guardaespaldas del Buda (Cynthia Rothrock) logra salvarlo, y tras una huida trepidante lo esconde, pero no tardarán mucho tiempo en localizarlo...


EL PEQUE SE VA DE MARCHA

Estaba acostumbrado a ver películas con escenas de peleas de gente como Jean-Claude Van Damme, Steven Seagal, Jackie Chan o Chuck Norris; creo que esta es la primera vez que veo una cinta de este estilo liderado por una mujer. En este caso, Cynthia Rothrock. Una actriz cuyo currículum consta de varios cinturones negros en disciplinas como Taekwondo o Karate, entre otras. Vamos, que te mete una hostia y vuelves a nacer.

En lo que respecta a su currículum cinematográfico, nunca ha sido un desecho de virtudes. Sus compañeros de género masculinos han tenido más éxito o algunos éxitos puntuales y, en el caso de Rothrock, nunca ha tenido uno; eso no quita que no interese ver nada de ella. Y hay que decir que sabe -como no podía ser de otra forma- repartir hostias.

'El príncipe del Sol' es uno de sus trabajos en tierras hongkongesas donde deberá proteger a un niño que resulta ser la siguiente reencarnación de Buda y habrá facciones corrputas dentro de su religión que no quieren que llegue a ser proclamado y tendrá que recorrer las calles junto con un ladrón de buen corazón y una maestra de escuela infantil con tendencia a gastarse el dinero en el casino y ser inaguantable. A pesar de que pueda parecer una pura película de acción, tiene muchas partes de comedia que hacen algo más liviano la experiencia, personalizado en el trío protagonista (Rothrock parece más secundaria, a pesar de ser el principal reclamo) del ladrón, la ludópata y el niño Buda. Tienen un gag recurrente como es el de romper una de las ventanas de la casa de la actriz principal que no se hace cansina. Y en lo que respecta a las escenas de pelea, las coreografías brillan por su rapidez y su muy buena ejecución.

Eso sí, los efectos especiales no es que sean precisamente dignas del mejor cine comercial, aunque ya sabía donde me metía y hubiera sido una sorpresa encontrarme con lo contrario. Entre pros y contras, la balanza sale equilibrada (como le habría gustado a Thanos) y sale un filme que sirve perfectamente para pasar un rato desconectando el cerebro.

5

SINOPSIS: Un respetado doctor por el día, Dennis Orloff, se dedica a asesinar prostitutas por las noches en las calles de Londres.


POR EL DÍA DA SALUD Y POR LA NOCHE LO QUITA

El director malagueño Jesús Franco (1930-2013) fue de los pocos cineastas de los que guardó un buen recuerdo de haber tenido a sus órdenes al conflictivo Klaus Kinski (1926-1991), no en vano trabajó con el actor alemán hasta en cuatro ocasiones, siendo esta 'Jack el destripador' la última de ellas. Una colaboración que empezó en 'Paroxismus' en el año 1969 y continuó con 'Marqués de Sade: Justine' el mismo año y con 'El conde Drácula' en 1970.

En 'Jack el destripador', Kinski es a su vez el bueno y el malo (en un no escondido giro de guion que podría haber dado más de sí). Por una parte es el Dr. Orloff, quien tiene una consulta y, por lo que se deja entender en el filme, es muy respetado por sus vecinos; por el otro, se transforma en un sádico que causa el terror entre las prostitutas de un barrio inglés a finales del siglo XIX. Mientras Orloff causa el bien y el mal, un inspector de policía (interpretado por Andreas Mannkopff) investigará el caso, mientras tiene su propia relación algo turbulenta con una bailarina, a quien da vida Josephine Chaplin -hija de ese Chaplin-.

Normalmente Jesús Franco es conocido por haber dirigido unos filmes con una calidad más bien tirando a cuestionable, además de por una trayectoria frenética en la que en un mismo año podía estrenar varias películas, y por mostrar sin ningún pudor el cuerpo femenino. En esta ocasión, se cumple lo del cuerpo femenino, aunque sorprende en que este es un trabajo por encima de la media. La recreación del Londres del siglo XIX está muy logrado entre localizaciones y vestimentas, además sus actores realizan interpretaciones muy decentes. La mala pata es el guion que no juega en absoluto con la dualidad del personaje de Kinski.

Si bien no estamos ante uno de sus filmes indisimuladamente eróticos del realizador, sí que muestra una vez más desnudos, justificados bajo el contexto de la prostitución, si bien hay un caso en el que hay un contexto turbio detrás que podrán adivinar sin problema si no han visto este largometraje y algún día lo hacen.

Más allá de eso, este es un producto que puede quedar opacado por la reputación de su director de ser mayormente conocido por largometrajes eróticos donde muchas veces el vestuario es nulo; sin embargo, ha merecido darle una oportunidad a este trabajo suyo y ver que Jesús Franco no siempre es desnudos y sexo, sino que también podía sorprender y sacar buenos resultados con otras historias.

6

SINOPSIS: En 1966, la joven Kristen (Amber Heard) es ingresada en una institución psiquiátrica, donde conoce a otras chicas perturbadas con sus respectivos problemas... y a otra que se le aparece por los pasillos al caer la noche.



ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DE AMBER

Exceptuando algunos trabajos para televisión como 'Alguien me está espiando', 'Elvis' y 'Bolsa de cadáveres', puedo decir que he visto el 90% de la filmografía de John Carpenter, un director del que admiró su independencia, sus múltiples facetas tras la cámara como realizador o compositor y su mala baba cuando hace declaraciones. No obstante, nadie está a salvo de los tropiezos y él tampoco.

Siendo su primer largometraje desde la horrible 'Fantasmas de Marte', regresa dirigiendo a un grupo de actrices lideradas por Amber Heard (¿quizás John Carpenter nos estaba dando señales con ésta chica? XD) y algunas jóvenes más que ya apuntaban maneras, si bien sus carreras no han terminado de despegar, como Lyndsy Fonseca, Danielle Panabaker y Mamie Gummer (hija de Meryl Streep). Todas ellas dan vida a pacientes de un hospital psiquiátrico que no tiene el encanto de Pescadero, vista en 'Terminator 2: El juicio final'. En el otro sexo destaca Jared Harris, que no creo que recuerde esto como uno de los momentos estelares de su carrera teniendo 'El curioso caso de Benjamin Button' o la miniserie 'Chernobyl', entre otros.

John Carpenter juega aquí con algunas cosas marca de su filmografía, que son:

- Espacio cerrado: Como en 'Asalto a la comisaría del distrito 13' o 'La cosa (El enigma de otro mundo)', en esta ocasión casi toda la acción sucede dentro del hospital donde empiezan a pasar cosas raras. Otra cosa es que el supuesto terror creo que no asustaría ni a un niño. En términos de dar miedo, Carpenter lo ha hecho bastante mejor.

- Escena sorpresa final: En muchas de sus películas, John Carpenter siempre ha reservado una escena final con una sorpresa para abandonar el visionado intranquilos. Tras la revelación final, esta surge poco después; pero para entonces, ya todo el pescado está vendido haciendo imposible cambiar de idea sobre el filme.

Este filme tiene un potencial que se desaprovecha a favor de interpretaciones del montón, desde las protagonistas hasta algunos actores que interpretan a los trabajadores de ahí que tienen menos registro que una piedra. Algunas muertes parecen sacadas de películas de terror barato por los gritos clichés. Sin necesidad de llegar al tramo definitivo ya se puede vislumbrar un rotundo suspenso, no hay razones para que esta producción no sufra las llamas del fuego, a pesar de que hay un intento de hacer algo potable; solamente, no le sale.

4

SINOPSIS: Basada en hechos reales. Aileen Wuornos (Charlize Theron) es una prostituta que fue ejecutada en 2002 en el estado de Florida, tras confesarse autora de seis asesinatos, incluido un policía. Aileen declaró que había matado en defensa propia, como reacción a los violentos ataques que sufria mientras ejercía su oficio. Al borde de la desesperación y del suicidio, conoce un día en un bar a Selby Wall (Christina Ricci), una joven lesbiana, que ha sido enviada por sus padres a vivir con su tía para "curar su homosexualidad". Wuornos, víctima de una trágica infancia llena de abusos, rápidamente se enamora de Selby, encontrando en ella una razón para vivir. Incapaz de encontrar un trabajo digno, Wuornos sigue ejerciendo la prostitución. Cuando uno de sus clientes la maltrata, ella lo mata en defensa propia, comenzando así una trágica cadena de asesinatos. Esta es la historia de una asesina, pero también una historia de amor entre dos inadaptadas.



SI TE DAN MUCHOS PALOS PUEDES CONVERTIRTE EN UN MONSTRUO

Más de 20 años me ha llevado ver esta película, aunque no hay película en este mundo que tenga fecha de caducidad. 'Monster' fue la película que definitivamente hizo de Charlize Theron la estrella que es hoy día cuando llevaba unos cuantos años de actriz opacada por otras grandes estrellas en películas como 'The Wonders', 'Pactar con el diablo', 'Hombres de honor' o 'La leyenda de Bagger Vance', siempre trabajando con lo mejor de la industria, aunque no había podido destacar realmente, más allá de una evidente belleza que tira de espaldas. Con 'Monster' lo consiguió siendo fea.

Su papel como la prostituta y asesina en serie Aileen Wuornos es de esos personajes de transformación física que son un imán para los premios, si bien hay veces que creo que son realmente merecidos más allá del hecho de esconderse tras maquillaje y kilos de más o de menos como, por ejemplo, el Oscar a Robert De Niro por 'Toro salvaje', un papel de lo más recordados de la carrera del actor. En este caso, de las actrices nominadas en esa categoría solamente vi el de Diane Keaton por 'Cuando menos te lo esperas' y hace tanto tiempo de eso que ahora mismo no recuerdo apenas nada; sí que puedo decir que Theron es más que una digna ganadora -además de llevarse el Globo de Oro, el Oso de Plata en el Festival de Berlín o el premio en el Sindicato de Actores, entre otros.

Theron no solamente esconde su belleza de diosa tras maquillaje y una transformación corporal, sino que cambia totalmente mimetizándose en el personaje. Pocas veces en la pantalla se reconocen los rasgos de la actriz y la mayoría de tiempo se ve a una mujer maltratada por la vida y con un agrio carácter de las que mejor estar lejos. Solamente Selby Wall es capaz de ver algo más en ella - además de Thomas, quien empatizaba con su dolor al ser él ex-combatiente y enfrentarse al rechazo social- y Aileen ve la aparición de Selby el de una oportunidad de ser alguien mejor, aunque lo hace de forma tan bruta que termina volviendo al camino de la prostitución.

La historia de Aileen y Selby (cuyo nombre en realidad es Tyria Moore, cambiado por razones legales) no es solamente la de dos personas a las que la vida las ha puesto en un sitio donde la salida es ser una inadaptada social, sino que es también una metáfora de hasta donde puede llevar a una persona la cadena de malas decisiones y el crecer en un entorno familiar inestable, como es en el caso de Aileen. El filme no pretende excusar en absoluto las acciones de la asesina, aunque sí que pone en relieve sus circunstancias y sirve de toque de atención para la gente porque cualquiera puede acabar como ella.

El filme tiene buenos momentos donde el papel de Charlize Theron eleva el resultado de dichas secuencias con sus malos modales o sus pocos momentos de amabilidad con Selby, una Christina Ricci que realiza una buena interpretación, mas la sudafricana realiza un trabajo excepcional y la ensombrece. Su personaje es también el retrato de un rechazo por su condición sexual y el de una mujer con muchas ganas de tener una vida, que termina en la vida de Aileen.

Una película notable con múltiples lecturas vitales que realiza una mirada bastante certera de la persona real en la que se basa y con motivos para aprobarla holgadamente más allá del trabajo de su actriz principal.

7