Desde el brutal remake de Fede Álvarez, Sam Raimi ya dejó claro que su intención con la saga es darle nuevas entregas a directores prometedores, que tengan mucha libertad para dar rienda suelta a su personalidad y que experimenten con los elementos característicos de la saga. Con esta última han experimentado tanto que han perdido un poco la identidad, centrando sus esfuerzos en un drama familiar que nunca consiguen que te importe demasiado, pero equilibran la balanza con buenas secuencias a lo 'Evil Dead': divertidas, retorcidas y sangrientas a partes iguales, con muchísimo movimiento de cámara (hay set pieces bastante largas, dinámicas y hasta sorprendentes). Secuencias que están un poco espaciadas en el tiempo, haciendo que tenga un ritmo algo irregular.

No es la mejor ni la peor de la saga, pero se queda en tierra de nadie al estar mucho más cerca de 'Ready or Not' que de 'Evil Dead'.

La odisea que escribió Homero no es nada comparado a la odisea a la que se enfrenta Christopher Nolan cada vez que tiene que escribir un personaje femenino.

El viaje de Odiseo tiene una carga emocional que Nolan no es capaz de transmitir del todo al espectador. En gran parte porque todos los personajes que no son el protagonista son esbozos de personajes, con arcos argumentales poco trabajados y acelerados. El desarrollo de Telémaco es difícil de creer y Penélope necesitaba algo más de protagonismo para sentir realmente su dolor, por poner un par de ejemplos. No es culpa del reparto, que está en general muy bien, especialmente el siempre infravalorado Matt Damon. Pero Nolan nunca ha destacado por saber conectar sentimentalmente con el público, así que tampoco es sorpresa. La parte buena es que lo que Nolan sabe hacer, lo sabe hacer muy bien.

Quizá será porque este cine épico se extinguió hace muchos años y hace mucho que no se ve nada parecido, pero la escala de 'La Odisea' impresiona. Gracias a la (bendita) insistencia de Nolan en hacer que todo sea (o parezca) real, tangible, físico, haciendo que nunca pienses si se ha usado CGI. Cada momento épico de Odiseo es memorable llegando incluso al nivel de espectacularidad de 'Dunkirk'. El trío Christopher Nolan/Ludwig Göransson/Hoyte van Hoytema en su peak hacen que sea imprescindible verla en una sala de cine. El encuentro con Polifemo o la tormenta a la que se enfrenta toda la tripulación de Odiseo justifican el precio de la entrada.

Con sus más y sus menos, Nolan es el último bastión del blockbuster tal y como se concebía hace 10-15 años, antes de que llegaran los superhéroes de Marvel. Que dure lo máximo posible porque sin él, el panorama es un poco desolador.

Cita de: Wanchope en 12 de Julio de 2026, 01:15:09 PM

Cita de: Sacri94 en 12 de Julio de 2026, 10:49:00 AMComo película independiente no tiene sentido valorarla. Depende completamente de lo sucedido en la serie y además es la primera parte de una "trilogia" (que no deja de ser como una temporada de la serie). Si se valora así, es un suspenso de categoría.

Daba por sentado que estaba completamente relacionada con la serie, es lo normal. Pero esperaba que aún así tuviera algún tipo de autonomía o estructura como película. No como para verla como algo "independiente", pero sí para verla como "algo" en sí misma.

La de 'El tren infinito' si que se puede valorar como película independiente. Está ligada a la primera temporada (de hecho, es la primera parte de la segunda temporada) pero creo que si a alguien le apetece verla tampoco se va a perder tantísimo. Es una historia bastante autoconclusiva. Además esa si que tiene estructura de película y no de varios capítulos juntos.

Como película independiente no tiene sentido valorarla. Depende completamente de lo sucedido en la serie y además es la primera parte de una "trilogia" (que no deja de ser como una temporada de la serie). Si se valora así, es un suspenso de categoría.

Después de ver esta película ya se puede entender de donde sacó Disney la inspiración para producir dos de las películas menos Disney de todo su catálogo. 'Titan A.E.' fue un fracaso en taquilla pero solo hay que verla para darse cuenta de lo mucho que se fijó Disney en ella, contratando a Joss Whedon para escribir el guion de 'Atlantis' y cogiendo mucho de su estética, historia y protagonista para 'El Planeta del Tesoro'. Es curioso ver a Don Bluth intentando imitar a Disney durante toda su carrera y para una vez que se sale del patrón es Disney quien le copia.

Todo el mundo destacó de esta película la animación por CGI, que en la época sería impactante, pero como ocurre con todo el CGI de finales de los 90 e inicios de los 2000 ha envejecido fatal. Lo único que se puede ensalzar en este aspecto de la película es el toque distintivo que le da a los Drej, la raza alienígena que quiere exterminar a los humanos, al estar hechos con CGI y tener realmente un aspecto futurista y extraño. Lo realmente impresionante de la película es la animación tradicional, que como siempre ocurría con Don Bluth, está a un nivel altísimo.

Por lo demás, es otra película más de Don Bluth y Gary Goldman, seguramente una de las más sólidas junto con 'Anastasia'. Deja atrás el tono infantil y ataca directamente al target adolescente/adulto en una space opera donde los humanos están al borde de la extinción, con una imaginería potente y un discurso interesante sobre el miedo del fascismo a que la plebe tenga capacidad de pensar, innovar y crear. Una alternativa bastante apañada al patrón Disney que se ve algo empañada por su previsibilidad y el abuso de montajes musicales muy mal integrados.

Nota: 6,0

Apuesta todo su humor a explotar la parte más queer de la serie de dibujos de los 80 y funciona bastante bien, sobre todo por lo divertido que está Nicholas Galitzine como He-Man y su duelo con Skeletor, seguramente lo mejor de la película gracias a un gran Jared Leto (por mucha rabia que dé admitirlo).

Es 'Thor: Ragnarok' trasladado a la licencia de 'Masters del Universo'. Lo bueno que saca de ahí es un sentido del humor auto paródico y desvergonzado, lo malo una estructura narrativa que a estas alturas de la vida da una pereza que lo flipas: el poder está dentro de ti, no en la espada, tu eres el elegido, cree en ti mismo, etc. Acaba haciéndose un poco monótona por culpa de eso, aunque en general es entretenida hubiese agradecido que saliera de ese patrón tan quemado.

Por lo demás, tiene unas escenas de acción resultonas, un discurso sobre los diferentes tipos de masculinidad sorprendente para un blockbuster y varios temazos bien utilizados. No es ninguna maravilla pero para lo que a priori esperas de una adaptación al cine de 'Masters del Universo' está decente.

Ensalada de hostias sin miedo al ridículo, a los ADR en inglés o a usar planos generales de stock de una ciudad filipina. Tampoco le importa un carajo que la parte dramática de esta historia la hayamos visto mil millones de veces en otras películas del estilo ni usar algún deus ex machina cuando le interesa. Pero de verdad... ¿Quién se pone una película como esta para pensar en esas cosas?

El 80% del metraje son escenas de acción con las que llevarse las manos a la cabeza solo pensando en como debió ser la planificación en el rodaje. A nivel técnico, la dirección de las peleas aquí es de lo mejor que he visto dentro del cine de acción en mi vida. Es como 'The Raid' pero en esteroides, multiplicada por cuatro. Cuando te piensas que la escena ya ha acabado, aún queda una pelea más. Siempre tiene una locura guardada bajo la manga, su capacidad para sorprender a través de sus coreografías absurdamente complejas es fascinante.

Está bien adentrarse en 'The Furious' sabiendo que exprime las artes marciales hasta llevar al éxtasis y la extenuación al espectador. Son peleas que se desdoblan (normalmente multiplicando el número de implicados) continuamente, reinventándose y siendo exponencialmente más cafres a medida que pasan los minutos. Ahí se nota la influencia del videojuego en ella, sobre todo de la saga 'Yakuza' por su mix de artes marciales, su sentido del humor y especialmente por no pensárselo dos veces para hacer realidad una idea ridícula (lo de las bicis yo creo que ya es referencia directa).

Xie Miao y Joe Taslim forman una pareja que rebosa carisma y que caen simpáticos aunque solo sea por lo sobrados que afrontan cada situación limite (aunque luego se pasen sufriendo toda la película) y el catálogo de villanos es todo lo pasado de vueltas que debe ser, liderado por Brian Le interpretando a un oligofrénico que se roba el show cada vez que aparece por ser uno de los personajes más brutos y divertidos que he visto en este género.

Verla por primera vez en el festival de cine de Sitges, sin saber absolutamente nada de ella y con un público enchufadisimo es algo inigualable (algo que he echado un poco en falta al verla por segunda vez), pero poder verla de nuevo en el cine es algo con lo que no contaba y que ha sido una gozada. Un segundo visionado necesario para poder fijarse en los detalles de cada una de sus coreografías de esta gran película de acción.

Nota: 8,5

Los trailers no presagiaban nada del otro mundo y así ha sido al final. Tiene todo lo malo de las películas mediocres del MCU y muy poco de lo bueno que tiene la obra de James Gunn. Supongo que es lo que pasa cuando pones a un tío tan random como Craig Gillespie a dirigir una película que claramente es de James Gunn. No es que sea terrible, pero mientras la ves ya te estás olvidando de ella.

Milly Alcock es un casting fantástico para esta Supergirl alcohólica y deprimida. Es un retrato atípico para una superheroína que da para mucho más que para el drama de sobremesa que acaba siendo. La niña con la espada tampoco ayuda, en cada escena que sale es un obstáculo dando la sensación de que sin ella la película fluiría mucho mejor.

Luego está lo de Lobo. No se me ocurre otro actor mejor para hacer de Lobo que Jason Momoa y se nota que tenía ganas de pillar a este personaje porque se le ve disfrutando. La caracterización no es perfecta pero suficiente para sentir que ese es Lobo, al menos en el aspecto físico, porque donde falla es en su actitud. Está claro que como sidekick cómico funciona, pero es un Lobo increíblemente suavizado y desaprovechado, como cualquier elemento interesante de esta película.

Al menos no han hecho que dure más de dos horas ni tampoco que sea una película sobre salvar el mundo. Solo es una chica que quiere salvar a su perro. Si las escenas de acción hubiesen estado simplemente bien, cumpliría más o menos como blockbuster, pero son genéricas, aburridas, previsibles, caóticas... No tiene ni un solo momento memorable.

Curry Barker, si en tu primer largometraje tu principal influencia es 'The Twilight Zone' y referencias de forma tan clara 'Kairo' de Kiyoshi Kurosawa, ahí me vas a tener siempre.

'Obsession' es una película sencilla y directa, que no admite demasiadas interpretaciones ni tampoco da demasiadas explicaciones. Una rareza en el cine de terror actual que suele abusar de mommy/daddy issues o traumas disfrazados de monstruos escondidos en el sótano de casa ('Babadook' es maravillosa pero hizo mucho daño al cine de terror).

Terror romántico con el que es fácil sentirse identificado si eres introvertido, al menos antes de que el protagonista, Bear, pida su deseo. Incluso en ese momento no hace nada malo. ¿Quién iba a pensar que esa baratija de la tienda esotérica del barrio funcionaría? Aunque no será porque el genio de 'Aladdin' no avisaba de que uno de los deseos prohibidos era pedir que alguien se enamorase de ti...

A partir ahí se ve el tipo de persona que es Bear: el típico tío que se aprovecharía de una chica que está borracha, drogada o incluso inconsciente. Así se desarrolla su discurso principal, que sin tener la necesidad de ser "terror elevado" consigue ser un comentario visceral sobre el abuso de poder y la manipulación, elementos imprescindibles en una relación tóxica.

Imposible no ponerse del lado de Nikki conforme van pasando los minutos al ver que Bear es más cómplice que víctima. Por eso y porque la actuación de Inda Navarrette es una pasada, convirtiendo a Nikki instantáneamente en un icono del género.

No se puede decir que esta entrega aporte demasiado a la saga, que al menos desde la anterior entrega se siente algo estancada, y sobre todo, alargada. El final de la tercera era absolutamente perfecto, una caricia al alma para aquellos que vimos prácticamente siendo unos bebés la primera entrega haciendo que Woody, Buzz y compañía sean parte de nuestra vida, haciendo que ver 'Toy Story 3' de adolescente adquiera como significado el adiós a esa etapa de tu vida o abrir la puerta al primer paso hacia la madurez.

Teniendo esto claro, 'Toy Story 5' se disfruta en la misma medida que uno puede disfrutar de la anterior. Tiene una animación espectacular, es una buena (y divertida) película de aventuras, los nuevos juguetes son geniales y se nota que hay un esfuerzo en hacer que tenga algo diferencial dentro de la saga. Darle prácticamente todo el protagonismo a Jessie la hace crecer como personaje llegando a una reflexión a la que no fueron capaces de llegar ninguno de los otros juguetes a lo largo de 5 películas.

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"Rendirse" ante lo inevitable (los niños crecen y dejan de jugar) pero hacerlo sin rencor ni tristeza, sino desde el pensamiento de que si durante el tiempo que ha estado con ese niño/a le ha ayudado a ser más feliz, es suficiente.

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Su mensaje sobre como la tecnología afecta a los niños parecía que iba a ser un poco OK BOOMER, daba la sensación de que iban demasiado tarde para hacer algo así, pero no, les ha quedado algo equilibrado entre el discurso boomer y la realidad, poniendo el foco en

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que la tecnología de por si no es mala, depende del uso que le des. Suena muy típico, pero es que realmente creo que es así. Es un buen mensaje, tanto para los niños como para los padres. Ver la evolución de Lilypad, que empieza siendo ASQUEROSA pero al final es indispensable para volver a casa de Bonnie, o ver como los juguetes electrónicos también acaban siendo abandonados, es suficiente para entender que no han querido demonizar la tecnología. Fan del momento en el que Woody (el más boomer de todos los juguetes) le dice al resto "Asumirlo de una vez, Lilypad es uno de los vuestros". Simplemente hay avances contra los que no se puede luchar.

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No es la Pixar de los inicios pero sigue estando a un buen nivel incluso cuando se trata de la quinta película de una saga que ya parece habernos contado sus mejores historias hace tiempo.

Un panfleto cristiano con un exceso de buenismo y una idea principal tan ridícula que convierte en misión imposible tomarse en serio esta película. Tiene destellos del buen Spielberg, alguna buena idea visual que acompañada con la BSO del inmortal John Williams le da algo de emoción al asunto, pero son migajas dentro de una producción que bien podría pasar por ser una más de Netflix.

Si entro en los agujeros de guión y las licencias que se toma para que la historia avance no acabaría nunca. El guión de David Koepp no lo ha repasado nadie. Los personajes toman decisiones sin sentido constantemente y el bando enemigo es súper inteligente o super inútil cuando le conviene al guión.

Este hombre escribió los guiones de 'Jurassic Park' o las dos primeras 'Spider-Man' de Sam Raimi, pero ha llovido mucho desde entonces. Es más justo conocerle por haber perpetrado el libreto de las dos últimas de Indiana Jones o 'Jurassic World: El renacer', un dato que le da mucho más sentido a este desastre.

Yo quiero mucho a Spielberg, es el responsable de varias de mis películas favoritas, pero esta película me parece indefendible.

Si pones en una coctelera todas las bondades y los defectos del anime más mainstream de los 90 el resultado es 'Ninja Scroll'.

Es un portento visual, está mucho mejor animada que la grandísima mayoría de animes de los últimos 20 años, tiene un diseño de personajes espectacular y una atención al detalle muy propia de su época que desgraciadamente se ha perdido por culpa de la sobreproducción que hay en la industria de la animación japonesa.

La trama es una mera excusa para hacer que el protagonista se enfrente a una boss rush donde cada villano es único y ofrecen enfrentamientos lo suficientemente ingeniosos, ultraviolentos y diferentes entre si para que no se haga repetitiva. Cuando todo se reduce a estas batallas o al protagonista siendo el samurái más guay del planeta, funciona como un tiro.

Los problemas vienen cuando la película intenta crear un romance entre el protagonista y el único personaje femenino que va un poco más allá de estar hiper sexualizado. Algo que, sorprendentemente, acaba siendo incluso peor que esta hiper sexualización, haciendo que solo haga acto de presencia para ser violada o para suplicarle al protagonista que tenga sexo con ella. Fan service para pajilleros muy turbio e incómodo, aunque también muy típico en el anime noventero que en muchas ocasiones le gustaba juguetear con el hentai.

'Ninja Scroll' es hija de su época y para disfrutarla seguramente haya que apartar la mirada en ciertas decisiones que toma, pero merece la pena solo por su espectacularidad y por ser uno de los muchos ejemplos que demuestran que los noventa fueron la época dorada del anime.

Estoy escribiendo este texto justo después de haberme comido una pizza. Una que me ha llegado a domicilio previo encuentro frío (igual que la pizza) y serio con el pobre repartidor (seguramente, muy mal pagado basándome en mi propia experiencia). No es de un sitio nuevo, sino de uno en el que he hecho algún pedido anteriormente, un lugar donde se podría decir que las pizzas tienen buen aspecto y cumplen su función. Te dan el clásico subidón que te provoca una pizza cargada hasta arriba de vete tú a saber qué ingredientes. Te dicen que son unos, pero luego resultan ser sucedáneos, malas imitaciones de bacon, ternera o salsa carbonara.

Como se puede observar no ha sido una cena memorable. No recordaré esta pizza la semana que viene de la misma forma que en un par de días (siendo generoso) el pizzero no recordará haberla hecho. El quid pro quo de la vacuidad y la indiferencia. No hay ni rastro de emoción en todo este viaje, una sensación parecida a la que he tenido al salir del cine después de ver algunos estrenos recientes con los que uno ni siente ni padece, simplemente observa con algo de pena que es lo que el público decide convertir en éxitos de taquilla.

La última película de Carlo Padial, de ser una pizza, sería una casera, de esas que tienes que amasar durante un buen rato la masa (valga la redundancia) y tienes que dejar reposar durante al menos una hora. No la compras en alguna pizzería de especialidad con materiales y elaboración premium. Sería una que haces tú mismo con los humildes ingredientes que has comprado en el supermercado más cercano y la inestimable ayuda de amigos y/o familiares. Un ritual colaborativo con el que reírse y pasarlo bien al mismo tiempo que haces la cena.

Entre los ingredientes que la componen, hay multitud de caras conocidas dentro del trabajo de Carlo Padial (tanto en el cine como en Youtube) como el cómico Miguel Noguera o Berto Romero, pero quien destaca por encima de todos es una novedad, Judit Martín. La cómica catalana interpreta a una crítica de cine harta de la precariedad laboral de su profesión y de su situación vital que un día se le ocurre dar un giro de 180 grados a su vida y le entra la necesidad de abrir una pizzeria cinéfila. Berto hace de su marido, que tras algo de reticencia a esa idea por el poco futuro que le ve acaba participando y ayudando, algo que reforzará una relación que ya estaba muy desgastada.

Este escenario deja espacio para que Desirée de Fez (guionista de la película, crítica de cine en la vida real) exponga la cara oculta de la vida del crítico de cine con mucha acidez utilizando al personaje de Judit Martín como (presuntamente) su alter ego. Pagos con retraso, cambios de última hora en los importes acordados, tener que ver películas que no te apetece ver en absoluto, asistir a pases de prensa o festivales de cine a los que no va prácticamente nadie... No soy crítico profesional, pero gracias a esta web he podido asistir a pases de prensa o festivales de cine, además de tener algún que otro amigo que se ha dedicado profesionalmente a ello, y en ese sentido es una película que se siente muy cercana, realmente consigue transmitir con éxito la precariedad extrema de la profesión y también lo difícil que es vivir de ello. Todo desde el prisma de Carlo Padial, con la autoficción, la autoparodia y el humor absurdo como principales abanderados de su obra.

Al final 'Pizza Movies' se siente como una reunión entre amigos (sin ninguna intención de menospreciar todo el trabajo que hay detrás de la producción de un largometraje, por humilde que sea) que, en lugar de echarse una partida de Magic o de ir a hacer senderismo, han hecho una película donde se ríen mucho de ellos mismos y del mundo que les rodea. Una broma interna que consigue traspasar esa barrera y hacer partícipe al espectador, sobre todo si es cinéfilo y de Barcelona (está ambientada en la ciudad condal y hay un festival de referencias a la cultura cinematográfica barcelonesa), abrazando el ridículo y el absurdo especialmente cuando se pone en marcha la pizzería que da nombre a la película. De ese local saldrán unas pizzas basadas en films míticos como 'E.T. El extraterrestre', 'Psicosis' o 'En busca del arca perdida' que tienen diseños absolutamente delirantes pero mucho más memorables que la pizza que me ha llegado hoy a casa.

A base de mortadela, aceitunas negras, tomate y otros ingredientes, Carlo Padial crea una carta de amor al cine bastante atípica, con el regusto amargo necesario para que dentro de lo absurdo de la propuesta nos creamos el día a día de la pareja protagonista y empaticemos con ellos (en parte, gracias a la gran química que hay entre Judit Martín y Berto Romero). En lo formal, no es una propuesta demasiado estimulante. Es bastante plana y en ocasiones abusa un poco del mismo chiste, pero el guión de Desirée de Fez, Carlo Padial y Carlos de Diego y las actuaciones de todo el reparto (Miguel Noguera o Javier Botet están hilarantes) equilibran la balanza para que 'Pizza Movies' resulte una película simpatiquísima que hará las delicias de los cinéfilos y que anima a revitalizar la pasión por el cine (extrapolable a cualquier afición).

Nota:

Francis Ford Coppola se gasta 120 millones de dólares en hacer una película y parece un anuncio de Jean Paul Gaultier de más de dos horas. No me parece tan raro que no encontrase distribución.

Hay ideas curiosas entre todas las que plantea pero la ejecución es un disparate casi todo el tiempo. Nada fluye de forma natural en esta pelicula, siempre falla algún elemento y algunas subtramas están metidas con calzador.

Si fuese abiertamente una sátira sobre la USA actual sería más interesante, pero pretende ser seria y trascendental con frases cómo "Con un vestido la venganza siempre sienta mejor".

Vi esta película con nueve años esperando ver a Hulk destrozándolo todo y salí muy decepcionado porque eso apenas ocurre. Verla de nuevo tantos años después me ha hecho reconciliarme con ella y entenderla.

No está a la altura de las dos primeras Spider-Man de Sam Raimi, donde consigue un equilibrio perfecto entre sello autoral, desarrollo de personajes y acción, ni tampoco de la solidez que tienen las dos primeras entregas de X-Men. Pero su atrevimiento es mayor que en cualquier película de superhéroes que recuerde.

Ang Lee tiene más interés en la dualidad Bruce Banner/Hulk que en la parte destructiva de la ecuación. Es la parte más interesante del personaje, ya que al contrario que otros superhéroes, Bruce Banner es incapaz de controlar ese "don" que le han otorgado, convirtiéndolo en una maldición, que le afecta a él y a los suyos, persiguiéndole desde su nacimiento.

Centrar todo en este conflicto, teniendo en cuenta que estamos hablando de un blockbuster de 130 millones de dólares de presupuesto de la época, es prácticamente un suicidio. Darle este acercamiento de drama paternofilial (no solo entre Bruce y su padre, también entre Betty y el sargento Ross), con una puesta en escena imitando el lenguaje narrativo de las viñetas de los cómics (incluso los diálogos parecen sacados de un cómic), te hace ver de la libertad que tenían los directores al hacer películas de superhéroes en los 2000 y lo atados en corto que están ahora.

Los dos MVPs de la película después de Ang Lee son Danny Elfman y Nick Nolte. El primero porque siempre da con la tecla a la hora de componer un tema reconocible para los superhéroes (Batman, Darkman, Spider-Man) y el de Hulk protagoniza unos créditos iniciales maravillosos. El segundo porque simplemente es la mejor actuación del casting, a años luz de la siguiente. Si Nick Nolte aparece en una película con pintas de persona a la que la vida le ha pasado por encima como si le hubiese atropellado un camión, es muy probable que haga un papelón.

Sin duda, lo peor es la elección de Eric Bana como protagonista. Bruce Banner a nivel de guión está genial, pero Eric Bana no es capaz de dar lo que pide el personaje. También se resiente después de un fantástico primer acto, deambulando entre escenas fallidas y otras donde Ang Lee saca a relucir su brillantez, como cuando la película, de repente, se convierte en una representación teatral de algo parecido a Shakespeare. Es irregular pero prefiero mil veces algo así antes que una correcta monotonía.