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Star Wars: El despertar de la fuerza
(Star Wars: The Force Awakens)


SINOPSIS:
Esta nueva entrega de la Guerra de las Galaxias se establecerá 30 años después de 'El retorno del Jedi', contando con una nueva generación tanto de héroes como de oscuros villanos y, por supuesto, la vuelta de algunos de los personajes favoritos de los fans.


CRÍTICA: Imagino (y soy de mucho imaginar)

Cuando un niño ve cumplido su sueño… tras perseguirlo toda su vida.

Imagino (y soy de mucho imaginar) al ahora adulto J. J. Abrams siendo un niño de 11 años, viendo a Luke destruir una Estrella de la Muerte y soñar con ser él algún día. Años más tarde y con una mayor capacidad de raciocinio, soñar con no ya ser Luke, sino hacer películas como esa, es la que manejar los designios de Luke, Leia, Han y los demás.



Imagino a J.J. estudiando las películas y a su autor, descubriendo que George Lucas es íntimo de Spielberg y trazando un plan, uno descabellado, ese que le permita algún día dirigir los designios de esa pandilla que tantas veces le habían hecho soñar con mundos extraños en una galaxia muy muy lejana.

Me resulta curioso echar la mirada atrás y observar con detenimiento le bagaje de J. J hasta llegar a hoy. Consigue meter la cabeza en el mundo de la ciencia ficción colaborando en el guión de Armageddon, lo cual le permite llegar a su siguiente salto con la serie Alias, su reputación empieza a crecer como guionista y da su golpe maestro encima de la mesa con Lost. Ahora el mundo ya sabía a ciencia cierta que era capaz de escribir buenas y enrevesadas historias.

Una vez alcanzada la primera parte del plan, vamos a por la segunda. Consigue dirigir acción como todo un profesional y manejar a una estrella como Tom Cruise en Mi:3, primer pasito logrado, ha demostrado maneras y se está ganado un sitio. Año 2009, directamente y sin pudor proclama a los cuatro vientos su amor por Star Wars y su total desconocimiento de la otra saga galáctica por excelencia, Star Trek, y lo hace una vez ha sido elegido para dirigir el reinicio de esta franquicia, consiguiendo demostrar de nuevo que la ciencia ficción espacial se le da de maravilla y dejando el germen en muchas mentes de que si en algo que nunca le ha llamado la atención consigue estos resultados que no podría hacer con la franquicia de sus amores. Su plan va dando los resultados esperados ahora queda la parte más difícil, ganarse a Lucas y Spielberg, los únicos que le pueden aupar a lo más alto.

Año 2011, el homenaje de Super 8 al estilo de las películas favoritas de Spielberg cala y deja huella en el hasta el momento personaje más influyente de la industria del cine. El plan estaba finalizado, ya solo cabía mantener el tipo con Star Trek 2 para dejar claro quién es el mejor candidato posible para dirigir la nueva película que reinicie la saga de sus desvelos de niñez, Star Wars es el premio final y él está a punto de conseguirlo.

El resultado del plan es lo mejor de todo, la creación de El Despertar de la Fuerza, una película hecha por un fan para los fans, y de la cual solo nos queda recomendarles una cosa: Disfrutenla en pantalla grande y vuelvan a ser niños, merecerá la pena.

2
Críticas de estrenos / ¡Rompe Ralph!
« en: 23 de Diciembre de 2012, 07:47:03 pm »
¡Rompe Ralph!
 



SINOPSIS:
Ralph sueña con ser tan querido como el perfecto hombre arréglalo-todo Félix. El problema es que a nadie le gusta un chico malo, pero en cambio todos aman a los héroes... así que cuando un moderno juego llega con un personaje malo como ayudante del protagonista, Ralph lo ve como su oportunidad para el heroísmo y alcanzar la felicidad. Ralph se mete en el juego con un simple plan -ganar medallas de oro-, pero accidentalmente libera un enemigo mortal que amenaza a todos los juegos del salón recreativo. ¿Será Ralph lo suficientemente bueno y hábil para convertirse en un héroe antes de que llegue el "Game Over" para todo el salón?

CRÍTICA: Llegan las Navidades, llega Disney
 
Recuerdo como si fuese ayer la vez que vi en el cine El Rey León de Disney, al igual que recuerdo los cines en los que vi La Bella y la Bestia, Aladdín, e incluso Lilo & Stich o Pocahontas. Soy de los asiduos de Disney o mejor dicho, soy de los incondicionales de Disney y llevo desde los 14 años acudiendo año tras año (que por desgracia para mi son ya muchos) a todos y cada uno de los estrenos de animación de los llamados clásicos de la compañía (incluso muchos de los no clásicos), perdiéndome tan solo las de los años 2003 al 2007 (luego las vi en DVD no se preocupen).  ¿Por qué me atraen tanto sus películas?, muy sencillo, además de ser un amante de la animación ya sea esta tradicional o digital, hay una cosa que siempre ofrece una película de Disney y son valores morales, más comúnmente Moraleja y eso me atrae sobremanera, vale que a veces sus moralejas son flojas, forzadas, repetidas o incluso un poco ridículas en algunos casos, cada uno busque sus propios ejemplos, pero por desgracia a mi me atrae este tipo de cine, así que cuando se me brindó la oportunidad de ver la de este año, no lo dudé ni un segundo.

Por supuesto los tiempos han evolucionado y donde antes había animación tradicional (mi preferida), ahora suele haber animación digital, lo que le viene como anillo al dedo a este ¡Rompe Ralph! ya que la película se desarrolla por completo en un salón de máquinas recreativas, el universo de lo digital. Este es el primer acierto de la película, basar la misma en un personaje de videojuego, concretamente el malo de uno de los pocos títulos que aun se mantienen en uso tras muchos años (en clara alusión y homenaje al Donkey Kong) que por supuesto no es tan malo como parece. Y es que con tan solo pensar un poco nos damos cuenta de que los padres de los críos de hoy en día son aquellos chavales que crecimos (me incluyo) en pleno boom de las recreativas, aunque el motivo puede bien no ser este sino que los creadores de la misma coincidan en edad con dicha generación incluso puede que ambos se den a la vez lo cual es todavía mejor. Se nota claramente que los creadores crecieron en salones de videojuegos intentando mejorar los récords de turno en Street Fighter, Out Run y que aun en día como la mayoría de nosotros, mantenemos ese espíritu gracias a las consolas.

Todo eso se nota y mucho, los detalles desde el minuto 1 son innumerables, enriqueciendo la película, creando continuamente guiños de cara al espectador adulto que son más que bienvenidos. Esa terapia de grupo en la que aparecen M.Bison, Otoboke, Zanguief o Sub Zero hablando de porque son los malos de los juegos, el video juego Héroes Duty que recuerda claramente al Halo o la aparición de mítico Root Beer son solo algunos ejemplo de los muchos que pueblan la película que harán las delicias de los adultos. Pero no solo hay guiños a videojuegos, sino a otras muchas películas que han hecho las delicias de esos mismos adultos y es que parece que ¡Rompe Ralph! no esta orientada en exclusiva a los niños como normalmente ocurre, sino casi por completo a esa generación de adultos que fue etiquetada de “Friki” esa palabra que tanto parece estar de moda, pero que hace unos años era estigmatizadora y que ahora verán como un grupo de los suyos les hacen un claro homenaje con esta película. Si, por supuesto que la película es de animación, infantil y tiene moraleja final, pero es demasiado claro que los que más se divierten con ella son esos adultos que están en la treintena.

¿Y que pasa con los niños?, el motivo principal del 80% de los que acuden a la sala de cine. Dependiendo de la edad que tengan, se lo van a pasar bien para los más pequeños y pipa para los un poco más mayores, aunque esto no siempre sea lo mejor y no me malinterpreten, no es que este mal que los chiquillos disfruten, todo lo contrario, simplemente me refiero a con que disfrutan y que aprenden con ello. Todos somos partidarios de que nuestros hijos disfruten y se diviertan viendo cine, creo poder decir sin temor a equivocarme que si bien al menos la mitad de ustedes no verían con demasiados malos ojos que sus hijos se divirtiesen viendo un programa de videos de primero, pondría la mano en el fuego a que sin embargo la gran mayoría no les parecería correcto que lo hiciesen viendo un programa de JackAss, ¿me equivoco?. Y es que sin llegar a tales extremos como los del ejemplo, si que podemos decir que esta vez Disney ha cometido un grave error en la manera de intentar divertir a los niños a la hora de atribuirle un lenguaje totalmente inapropiado al personaje de Vanellope, es decir a la coprotagonista. Por supuesto que los chavales se lo van a pasar genial y que muchos dirán que si los niños son muy crueles y que si ya se habla así en los colegios y todo lo que quieran, pero una cosa es la vida real y otra muy distinta es que los dentro de los valores que se les intentan inculcar con películas como esta, eso de la moral que mencioné antes, se les de a entender que esta bien hablar tal y como lo hace este personaje. Juzguen ustedes mismos y discrepen conmigo si creen que me equivoco, a lo mejor me estoy volviendo muy quisquillosos con la edad, pero me da mucha pena que Disney haya confundido sus propios valores por miedo a no evolucionar y quedarse anclada en el pasado de los mismos. Yo soy de los que piensa que no es que lo antiguo sea lo mejor, es que simplemente lo correcto es lo mejor, ya tenga esto la edad que sea.

Como ya dije al principio recuerdo perfectamente el mensaje de El Rey León, Pocahontas o la infravalorada Mulán y tampoco me duelen prendas en admitir que he olvidado o más bien recuerdo vagamente las de Tiana y el Sapo, Enredados, Bolt o cualquiera de las que ustedes elijan de los últimos 5 años (quien dice 5 podría decir 10) a aquí y no es porque las películas no me hayan gustado, de hecho tanto Bolt como Enredados me agradan bastante (no así la funesta Tiana y el Sapo) sino porque más allá de resultar entretenidas o divertidas, que lo siguen siendo, no llegan a dejar ese poso que antaño dejaban sus producciones. Ahí radica el quid del asunto, las películas de Disney se espera que no solo sean entretenidas, sino que les enseñen a los niños unos valores morales que por desgracia en los tiempos que corren parecen haberse perdido, tanto como Disney en sus intentos de encontrarlos y recordarlos, de ahí que este ¡Rompe Ralph! Sea más de los mismo de los últimos años, entretenida, divertida, con un final bastante decente y con una moralina de quita y pon.

Seguiremos esperando otro año más el resurgir del Gigante, aunque quizá debemos empezar a pensar que el Gigante se ha hecho viejo y difícilmente volverá a tener el porte que antaño lució, se lo contaremos el año que viene.




 Lo Mejor:

- Una idea muy buena y un Ralph inmejorable

- Hará las delicias de todo aquel entre los 30  y los 40 rememorando recreativas.
 
- Los giros de guión son muy originales.

 - Que las empresas de los videojuegos dieran su permiso para ser usados.
 
 Lo Peor:

- El personaje de Félix es flojísimo y la marine no esta bien aprovechada.
 
- Demasiado tiempo en Sugar Rush, se echa de menos ampliar espectro a otros juegos.

- El tramo final no acaba de cuajar del todo

- Lenguaje y formas totalmente inadecuados para dar ejemplo a los críos en el personaje de Vanellope


Nota: 6


3
Críticas de estrenos / Lo Imposible
« en: 09 de Octubre de 2012, 10:28:15 pm »
Lo Imposible 




SINOPSIS:

Maria (Naomi Watts), Henry (Ewan McGregor) y sus tres hijos comienzan sus vacaciones de invierno en Tailandia, pasando unos días en un paraíso tropical. Pero en la mañana del 26 de diciembre, cuando la familia se relajaba en la piscina después del día de Navidad, un rugido terrible se eleva desde el centro de la tierra. Un enorme muro de agua negro recorre todo el recinto del hotel hacia ellos, María queda paralizada por el miedo, Henry trata de coger a sus dos hijos más pequeños, Simon y Thomas, pero es demasiado tarde.
 
CRÍTICA: Cuando ocurre lo impensable

En las navidades del año 2004, las costas de Indonesia, Japón, Tailandia y la mayoría de los países del Océano Índico fue arrasada por una de las mayores catástrofes jamás han ocurrido en la tierra. Tras un terremoto de 9,3 grados en pleno Océano Índico se generó una ola de más de 20 metros de altura que se llevó la vida de aproximadamente un cuarto de millón de personas, o para hacernos una idea más real, todos los habitantes de la provincia de Cuenca, o de la provincia de Zamora…y más. Lo impensable es que ocurra algo como eso, lo imposible es sobrevivir cuando un suceso de semejante magnitud te golpea de lleno y en eso es precisamente en lo que se centra la película de J. A. Bayona, en la tragedia que hay más allá de la tragedia, en sobrevivir cuando debería ser imposible.

Películas de tragedias se han hecho unas cuantas, de tragedias reales una pocas menos, eso sí, pero también hay. La mayoría de las veces estas necesitan de unos medios más acorde a  presupuestos más allá de nuestras fronteras y es que lo que parece verdaderamente imposible es que está película sea española, rodada en estudios españoles, con efectos españoles, con un presupuesto español y con estrellas internacionales como protagonistas. Estamos de celebración, realizar esto en España parece poco más que impensable, por suerte LO IMPOSIBLE  viene a demostrar que ni nuestro cine está muerto, ni faltan ideas, ni se producen cosas de baja calidad. Es más, voy a arriesgarme y apostar a que este film será nominado en los próximas Oscars, no se si a mucho o a poco, pero tengo la corazonada de que no soy el único que le ve aciertos y buenas maneras. Técnicamente es magistral, con unos efectos especiales tan reales que son de verdad, no hechos por ordenador, como los de toda la vida, con unas interpretaciones impecables pese a lo difícil que es hacer creíble la actuación de un niño y con unos adultos rayando a altísimo nivel y con un guión… bueno, con un guión sobre una película de catástrofes, aquí radica el inconveniente principal, cuando entran en juego los sentimientos que deparan las tragedias humanas.

 
Lo verdaderamente complicado de este tipo de películas es no traspasar el límite. El límite de que mostrar y que no mostrar, de cómo contarlo o como no hacerlo. Es verdaderamente fácil dejarse llevar y traspasar ese límite, imágenes impactantes, momentos lacrimógenos, música melodramática en una medida incorrecta, hacen que el público desprecie lo que ve, aunque todo haya sido real, y es que el espectador en un simple visionario de aquello que nos muestra el director que no es otra cosa que su manera de contarnos el suceso y ahí radica el problema, en que si no se tiene un cuidado extremo con ese límite, el público pierde el interés en aquello que está viendo pasando del  más absoluto de los encandilamientos a la mofa más dañina y degradando no sólo el producto sino la tragedia, el verdadero protagonista, la historia real que hay tras esas imágenes. Bordear ese límite sin llegar a cruzarlo es lo que ha de procurar todo buen director que desee contar una historia de estas características sin caer en la burla del respetable y es precisamente lo que a mi entender ha conseguido Bayona.

Tendré legiones de insurrectos opositores y de simpatizantes con mi causa, pero hay una cosa muy clara, por mucho que todos esos detractores vilipendien esta película, saben perfectamente que en una película que pretenda contar un suceso tan horrible, han de aparecer los estragos que esto causa, y no por el morbo del director o por la lágrima fácil, no, sino porque simplemente ocurrieron y son parte de la historia que se pretende contar. De hecho son los desencadenantes de la mayoría de las penurias que los protagonistas sufren y es que a veces nos olvidamos que los actores que vemos en pantalla están basados en personas de carne y hueso que fueron protagonistas de la historia y a los que seguro que no les parece nada ridículo que se le maquille un ojo completamente morado al protagonista, porque ellos tuvieron el ojo no morado sino completamente negro y cerrado por la hinchazón. Eso no hay que esconderlo, porque está ahí y aunque ahora me digan que recrearse en eso no es necesario, con lo que estoy totalmente de acuerdo, no podrán decirme que nuestro director cae en ello, precisamente porque lo que muestra lo hace con los segundos justos y en el momento preciso.

Cosas como esta o los momentos emotivos de la película, son con los que se cruza o no el límite, porque ambos son necesarios y aunque siempre habrá gente que nunca esté a gusto con lo que ve y se excusen diciendo que se podría haber contado de otra forma o que se podía haber hecho de otra manera, la verdad es que por mil maneras de contarlo que haya, que las hay, la única que hay de esa historia es la que nos transmite el director, que nos puede gustar más o menos, pero que no deja de ser tan real como cualquier otra.

Desde aquí mi más sincera enhorabuena a Bayona y su equipo, por tener la valentía de contar con la delicadeza que lo hace no ya la historia de esa familia (por cierto española para más señas) sino la historia de cientos de ellas y de lo que supone sobrevivir a un desastre de semejantes dimensiones, no ya por el Tsunami, sino por el hecho de pederlo todo en un segundo, sobrevivir cuando todo parece imposible y tras la culpa y el sufrimiento (a veces sobrevivir es mucho más duro que perecer) tener las fuerzas necesarias para querer contarlo.
A veces se nos olvida nuestra propia condición de ser humano, estamos sentados en el sofá o en la butaca de cine y vemos todo en perspectiva sin llegar a darnos cuenta de lo que ocurre a nuestro alrededor, eso a lo que no prestamos atención más allá del egoísmo de nosotros mismos
es lo que en el momento más inesperado nos golpea cual ola gigante de agua salida del mar y nos recuerda que no somos entes intocables. Siempre le pasa a otro, nunca a uno mismo…

Gracias a lo que sea, siempre quedan gente como este joven director con ganas de contar aquello que le emociona e intentar transmitirlo a más gente en una sala de cine. Como no me canso de decir en mil y una ocasiones, el cine está creado para hacernos llegar emociones, para hacernos sentir y no hay mejores exponentes para esto que las propias tragedias, ya sean bíblicas, romanas, griegas o en forma de tsunami.


Lo Mejor:

    - Tom Holland

    - La escena del móvil.

    - Demostrar que en España de pueden hacer grandes películas sin tetas u olor a rancio.


Lo Peor:

    - La idea de partirla en dos falta engrasarla un poco más.

    - Que tengan que venir estrellas de fuera para que sea exportable.



Nota: 7.5

4
Críticas de estrenos / Step Up Revolution
« en: 07 de Septiembre de 2012, 12:09:40 am »
Step Up Revolution (2012)
 



SINOPSIS:
Step up Revolution establece el baile en un dinámico contexto en la ciudad de Miami. Emily, hija de un acaudalado hombre de negocios llega hasta Miami con el sueño de convertirse en bailarina profesional. Pero pronto se enamora de Sean, un joven que dirige un equipo de baile de competición. Sean se esfuerza por llevar a su equipo, MOB, para ganar un importante concurso y así obtener un patrocinador. La única posibilidad de que el barrio sobreviva es ganar el concurso de baile y así poder hacer realidad sus sueños, a la vez que conservan sus hogares.

CRÍTICA: Que el ritmo no pare.
 
Hacer una crítica de una película que es la cuarta parte de algo que ni siquiera conocías, reconozco que es al menos complicado. Ni he visto Step Up, ni Step Up 2, ni Step Up 3 y no me cuesta admitir que no sabía absolutamente nada de su existencia, es más, sigo sin saberla más allá de sus nombres y de que la franquicia, si es que se puede llamar así, comenzó allá por el año 2006 o eso creo. Se hace difícil que una persona que colabora activamente en una publicación como la nuestra, dedicada en exclusiva al cine, no haya siquiera oído hablar de ninguna de ellas, lo cual dice poco no solo a mi favor sino también al suyo. Podría ser que soy un despistado (que lo soy) pero también es verdad que si apuesto un brazo, el que ustedes quieran, a que el 90% de los que se lean la crítica tampoco conocían las anteriores, al final del día sigo sin parecerme a Cervantes más allá de que los dos escribimos con mayor o menor acierto y precisamente ahí es donde radica el problema, no en que yo me haga o no manco que podría tener su gracia (para mi ninguna), sino que la gran mayoría del público no sabe nada de nada respecto a esta franquicia y eso sólo puede significar una cosa, son totalmente intrascendentes y carecen de un mal recuerdo más allá de los 15 minutos posteriores a su visionado.

No suele ser normal que una productora del tamaño e importancia de Disney saque este tipo de películas fuera del circuito de DVD/Bluray, al menos antes era así y solo hay que ir a cualquier establecimiento comercial de venta de películas para encontrar estanterías llenas de el Rey León 3, En busca del  Valle Encantado 7, Tod y Toby 2, Chetaah Girls o El Misterio de los Excavadores, todas ellas creadas a propósito para su propio canal de difusión y de las cuales seguro que usted conocía vagamente de su existencia a no ser que tenga menores cercanos en su entorno familiar claro está, no hay nada como un hijo, nieto o sobrino cercano para que la necesidad y el cariño le vuelvan a uno experto, pero parece ser que desde que los fenómenos de Hannah Montana o High School Musical les mostró un público juvenil rebosante de ganas de seguir a sus ídolos camino de las multisalas, la tónica habitual de unos años a esta parte es buscar el dinero de esos inmaduros bolsillos con este tipo de productos.

Step Up Revolution es justo lo que acabo de contar, un producto adecuado a un publico eminentemente juvenil, con una historia simple hasta decir basta basada en el típico, chico pobre conoce a chica rica, se enamoran locamente y tras los consabidos problemas de rigor que corresponden al 80% del metraje, llegar a un final de los de felices para siempre. Si en este momento hay alguien que está pensando en acusarme de haber destripado la película o bien tiene 14 años o menos o debería hacérselo mirar, porque además en este tipo de películas lo importante esta en ese tanto por ciento de minutos que transcurren desde el “Hola me llamo Sean” hasta el “Te amaré por siempre y pase lo que pase estaremos juntos” que en el caso de Step Up Revolution son de lo más movido. Un sinfín de números musicales de lo más videoclipero son el relleno de este pastel, coreografías de un grupo de bailarines callejeros a cual mejor con ese punto de rebeldía que tanto atrae a esa edad con una música que sin ser reconocible, suena igual a todo lo que se oye en estos momentos, diseñadas para un lucimiento en pantalla que las hace aun si cabe más espectaculares.

Efectivamente el encanto de esta película ni es la historia, ni el mensaje de moralina más bien pobre que pretende divulgar (si realmente bailando todos juntos consiguiésemos que se acabase la crisis, mañana estoy delante de los leones de las cortes con un tutú como único atuendo moviendo mis michelines al ritmo de un pasodoble patrio), sino la música y los bailes que lo acompañan. Con una puesta en escena y una fotografía estudiada a tal efecto, los números de baile son lo UNICO de esta película, siendo en todo momento no solo el relleno del asado, sino la salsa que le da sabor. Lógicamente el plato luce mucho mejor si los ingredientes con los que mostrarlo, es decir los actores, ya sean estos principales, secundarios o simples extras, son de un aspecto envidiable, o lo que es lo mismo, chicas de infarto para ellos y abdominales mejores que una tableta de Milka para ellas.

Desde luego está muy claro, el objetivo es llamar la atención lo máximo posible del público al que va dirigido y a fé mía que lo consigue. Si bien una vez dentro de la sala de cine hay poco donde rascar más allá de ese envoltorio, el dinero no será invertido en vano para todo aquel que sepa lo que va a ver y sin otro propósito se deje arrastrar por esos endiablados ritmos que hacen moverse los pies de todo aquel que esté presente en la sala, lo que es un punto muy a favor y es que si hay algo que reconocerle a esta película es que por mucho que la historia y el guión dejen mucho que desear, la película deja un poso de buen rollo al salir de la sala que por poco que dure y aunque esto solo sea los 10 minutos posteriores ya es más de lo que pueden decirse de muchas otras.

Desempolven la alfombrilla o pongan a punto su Kinect, porque esta es la nueva generación y Disney pretende que se mueva al son de sus bailarines, ¿lo conseguirán?.



 Lo Mejor:
- Una buena fotografía que resalta en los números musicales
 
- Se deja ver bastante bien a pesar del pobre guión

- Alegrar la vista del público por igual a ambos géneros.
 
 
 Lo Peor:
- El guión no se sostiene ni con andamios.
 
- Tan fácil de ver como de olvidar.

- Que la vida real no se parezca a la que muestra Disney

Nota: 4

5
Críticas de estrenos / Las Aventuras de Tadeo Jones
« en: 30 de Agosto de 2012, 05:58:16 pm »
Las Aventuras de Tadeo Jones



SINOPSIS:
Debido a una fortuita confusión, Tadeo, un albañil soñador, será tomado por un famoso arqueólogo y enviado a una expedición a Perú. Con la ayuda de su fiel perro Jeff, una intrépida profesora, un loro mudo y un buscavidas, intentarán salvar la mítica ciudad perdida de los Incas de una malvada corporación de caza tesoros.


CRÍTICA: El triunfo de lo pequeño
En el año 2006 la mayoría de los que disfrutamos de esto del cine conseguimos ver, en gran parte gracias a la red, un corto de animación llamado Tadeo Jones que contaba en clave de humor las peripecias de un Pseudo Indiana Jones patrio, una especie de aventurero explorador torrentiano que sin llegar al humor zafio y grueso característico del personaje de Segura si que se servía de la conocida picaresca española en algunos momentos, léase una navaja suiza sustituyendo una moneda, para darnos a conocer el personaje. El corto era y es entretenido, ingenioso y divertido, de ahí que se llevase el Goya al Mejor Cortometraje de Animación de ese año y como bien digo al principio, pese a que el corto se pudo ver ya en el año 2005, no fue hasta el 2006 cuando lo vimos la gran mayoría y el motivo fue precisamente que nos enteramos de su existencia gracias a dicho premio. Y es que si bien los Goya que denominamos “principales” suelen ser concedidos a películas sobradamente conocidas, casos como el de Pan Negro son la excepción que confirma la regla, en las categorías “menores” son no solo el reconocimiento al esfuerzo y el buen trabajo, sino el trampolín necesario para dar a conocer la obra al público.

Son precisamente las categorías menos reconocidas los verdaderos premios, esos que a veces viene a ser la tabla de salvación para una gente que pone todo su ilusión, esfuerzo e incluso la mayor parte de la veces el dinero de su propio bolsillo, en sacar adelante un sueño y es que la creación de lo que puede parecer un simple corto es bastante más complejo y complicado de lo que se cree.

Tras un año de duro trabajo, el premio recompensó a Enrique Gato y su equipo, la difusión y todo lo que vino después les ayudó a poder seguir haciendo cine y llevar a cabo un segundo corto del mismo personaje. Un par de años más tarde llegaba Tadeo Jones y el Sótano Maldito, con casi el doble de duración que el primero, mucho más elaborado, con una clara evolución de la historia y el personaje. Sí en el primero se podría catalogar al personaje como algo lerdo y un poco mezquino, en este segundo se le dota de una mayor profundidad haciendolo más amable mostrándonos su cariño por los animales, y transformando su “lerdismo” en una sucinta inocencia infantil disimulada que va dando forma a su pasión por la arqueología, mostrado todo sutílmente al principio del corto con la reconstrucción estilo puzzle en la que se le ve trabajar. Al igual que el primer corto, este también se vió recompensado en el año 2008 con el Goya al Mejor Corto de Animación. Estaba demostrado, Tadeo no era flor de un día y si la evolución natural a menudo soñada de todo cortometrajista sea el paso al largo, las cosas son bastante más difíciles de lo que parece, han tenido que pasar 6 años y dos cortos para que por  fin Enrique Gato llegue a esa meta y tras todo ese tiempo tenemos en nuestras carteleras a partir de este viernes el largometraje que narra las Aventuras de Tadeo Jones (en 3D).

Lo que nos espera con este largometraje es lo que ye hemos ido viendo en sus precedentes y que realmente es la baza ganadora de este personaje, es entretenido. Para ilustrar mejor lo que en principio puede parecer que no es nada que no se pueda encontrar en cualquier otra pelicula, indicaré que al pase de prensa acudí con todas las circustancias necesarias para que echase un sueñecito en a sala. Había otro compañero que podía cubrir la crítica (estaba en la butaca de al lado), era en 3D (lo cual a veces me da sueño sin que todavía sepa porqué) y lo más importante de todo, apenas había podido dormir 4 horas... de las ultimas 48h. Sí, os aseguro que la ví completa e incluso después pude comentarla con nuestro compañero y es que sin llegar a ser un ejercicio deslumbrante de ingenio, se disfruta perfectamente porque entre otras cosas no pretende ser más que entretenimiento, para grandes y pequeños (sobre todo para estos ultimos) sin ínfulas de grandeza de ningún tipo, ni es Disney ni pretende serlo, ni es Dreamworks ni pretende serlo, ni es Pixar ni pretende serlo, tan solo es una pequeña gota de agua Española en un mar de enfurecidas competencias por las que no va a competir, como se suele decir, no es su liga.

Nada mejor que unos objetivos comedidos para no intentar comer más de lo que se puede tragar y de esta forma convertirse en una alternativa más que decente para sofocar el calor veraniego en una fresquita sala de cine, ya sea solo, en pareja o acompañado de un enjambre de crios cansados ya de vacaciones. Si, incluso el 3D es decente y ni aturde ni marea como ultimamente es habitual y si bien es una añadido que no le hace falta, tampoco desmejora e incluso en algunos momentos puntuales se disfruta y es que hasta en eso se han sabido conformar, nada de 3D incongruente durante todo el metraje, sino un 3D que acompaña y que en determinadas secuencias se le da la importancia que requiere.

Ya está, decididamente Las Aventuras de Tadeo Jones me ha gustado, no me voy a esconder porque ante trabajos conseguidos con tanto esfuerzo no hay más que posicionarse y defender las convicciones y las mías estan totalmente a favor suyo. ¿Que tendré que aguantar muchas embestidas?, seguro, pero como tengo claro que se pueden desmontar tanto mis argumentos como los de cualquiera que se posicione en contra, no diré más. El que quiera sacarle peros, puede hacerlo y sin demasiado esfuerzo, pero merece mucho más la pena dejarse llevar por este arqueólogo soñador y compartir sus 85 minutos con buenos, malos, secundarios cómicos, secretos, tesoros y final al uso que criticar un producto que merece haber consegudio llegar a donde el corresponde, una sala de cine.



 Lo Mejor:
- Es entretenida de principio a fin.
 
- Los animalitos secundarios, de lo mejor.

- El personaje de Tadeo a veces es demasiado forzado.
 
 
 Lo Peor:
- Posiblemente el personaje que dobla Jose Mota, sobra del todo.
 
- No sorprende en ningún momento.

- Asusta lo plana que es en algunos momentos.

Nota: 5

6
Críticas de estrenos / Pollo con Ciruelas (Poulet aux Prunes)
« en: 02 de Agosto de 2012, 11:44:43 pm »
Pollo con Ciruelas
(Poulet aux prunes)



SINOPSIS:
Teherán, 1958. Desde que se rompió su amado violín, Nasser Ali Khan, uno de los músicos más famosos de su época, ya no tiene ganas de vivir. Al no encontrar un instrumento digno de sustituirlo, decide meterse en la cama y aguardar la muerte. Durante la larga espera, se sume en ensoñaciones melancólicas y alegres que le llevan a su juventud, a hablar con Azrael, el Ángel de la Muerte, y que le revelan el futuro de sus hijos… A medida que encajan las piezas del rompecabezas, empezamos a descubrir el gran secreto de su vida: una maravillosa historia de amor que alimentó su genio y su música...

CRÍTICA: Independiente, experimental o simplemente francesa
 
Con frecuencia se suele olvidar que el cine debería ser una experiencia no sólo para los sentidos de la vista y el oído, sino también para la mente. Estamos mal acostumbrados a ir al cine a “ver” y no a “sentir” y esto último enriquece mucho más que un simple visionado. Parece que sólo exista aquello que se confecciona como Blockbuster, que no es otra cosa que un pobre entretenimiento pirotécnico con no demasiada coherencia, dejando de lado todo lo demás. Y es que dado que las grandes productoras controlan la mayor parte del mercado, el 95% de las películas que cada semana llega son las mismas en todas las salas, que no son más múltiples copias de los mismo de siempre. Preguntemos a quien preguntemos, todo el mundo sabe que lo que hay es: “varias de acción (acción pura, suspense o incluso ciencia ficción), alguna romántica (que podría ser por igual comedia o drama), algo para los críos (que están de vacaciones y es buena época) a lo mejor una de desmadre (podríamos denominar juvenil) llena de humor grueso y si acaso (una de cada tres semanas más o menos) una de lo que ahora se denomina terror (que de terror suelen tener poco). Cualquiera que revise la cartelera de las semanas posteriores o anteriores a hoy, sea hoy el día que sea en el que usted está leyendo esto, verá que poco o nada cambia la plantilla expuesta.

Y es que el respeto por el espectador inteligente se ha vendido al mejor postor, dando por sentado que usted no tiene criterio para elegir más allá de lo que ellos ofrecen y que ese 5% que ellos no pueden controlar (no porque no sueñen con ello), será ignorado por la mayoría tras años de duro aleccionamiento a base de McClanes, Potters, Neos, Crepusculos, Superhéroes, Transformers, Lo que sea Movies, etc.. empezando incluso a ser complicado encontrar a alguien que haya visto la ultima de Woody Allen sin ir más lejos. Intentan inculcarnos que en ese 5% lo que hay no merece la pena porque no les pertenece, porque ahí no encontraremos acción tan buena o comedias tan bien hechas, tan solo encontraremos experimentos raros o locuras de autor, de manera que jamás nos pueda interesar ese porcentaje que ellos desprecian. Precisamente en ese 5% es donde posiblemente se encuentren la mayor parte de aquellas películas que hacen del cine una experiencia y como sé que usted puede que no esté de acuerdo conmigo le pondré un par de ejemplos claros de cine de calidad que estaba dentro de ese pequeño porcentaje, ¿le suenan los títulos de Intocable o The Artist? Si aun no sabe de que le hablo, le recomiendo que bucee en la cartelera, posiblemente aun tenga la posibilidad, remota pero plausible, de verlas en pantalla grande y créame, me lo agradecerá. Si usted ya las ha visto, habrá podido disfrutar con el buen sabor de boca que dejan y con las sensaciones que proporcionan durante su visionado, o puede que no y que a usted no le parezcan más que cualquier otra, pero lo que si ha hecho es elegir algo que se sale de lo normal y no ceder más que sus gustos o apetencias y no a lo que viene marcado por la dominancia del mercado.

Se habrá dado cuenta que  ambas son de origen francés y no es que sea una casualidad, es que precisamente he elegido esos dos ejemplos por compartir procedencia con la película que nos ocupa.  Dado que Francia es lo que más cerca nos queda con una industria cinematográfica más que decente fuera del stablishment americano, una buena parte de ese pequeño porcentaje son producciones suyas y por suerte para nosotros, en el país vecino son de los que hacen cine para espectadores exigentes. Si a la anteriores mencionamos Persépolis, nos daremos cuenta de que aun siendo las tres totalmente diferentes,  todas son dignas de la experiencia de la pantalla grande, incluso esta última que a priori por ser animación “no convencional” puede echar hacia atrás a algunos es tan interesante o más que las otras. Digo esto no por recomendar Persépolis, que también, sino porque Pollo con Ciruelas es igual de experimental, extrema y original, algo lógico viniendo de la misma pareja de directores.

Tras la buena acogida que tuvo la primera la pareja formada por la iraní Marjane Satrapi y el francés Vincent Paronnaud se atreven con un film mucho más onírico en el que con un ritmo cambiante veremos a través de los ojos del protagonista lo que hasta el momento y para él ha sido una existencia feliz como músico de renombre y que de repente se ve truncada al padecer la rotura de lo que alberga su alma, que no es otra cosa que su amado violín. A partir de ese momento la película es una experiencia a veces divertida, a veces visual, a veces interesante, a veces incongruente que intenta trasladar esa demencia absolutamente egoísta de un personaje endiosado de si mismo que se deja llevar por su propia autocompasión en un delirio de neurótica nostalgia digno del mismísimo Woody Allen.

Una historia extraña, que sorprende en su planteamiento tanto por lo que plantea como por los personajes que componen este arcoiris de emociones encontradas envolviendo en un crisol de emotiva realidad al personaje central encarnado a la perfección por un Mathieu Amalric que sorprende por su versatilidad para provocar con su interpretación toda clase de sentimientos en el espectador. Y es que si algo tiene esta película es la capacidad de sorprender para bien y en algunos momentos para mal, mostrando unos altibajos tan sorprendentes que parecen calculados, haciendo de su visionado toda una experiencia, agradable para algunos y soporífera para otros. Efectivamente acaba de leer usted bien, para muchos este film les parecerá la más absurda de las películas mientras a que muchos otros les parecerá un interesante ejercicio de imaginación, porque si algo tiene un producto como este es el de no dejar indiferente a nadie (esa frase tantas veces enunciada aquí si que adquiere todo su sentido).

El riesgo de intentar hacer un producto totalmente distinto e independiente del mainstream es lo que conlleva, puedes acertar según unos y estrellarte según otros, pero solo el que se arriesga es el que merece el aplauso del público y esta pareja por lo menos se lleva el de un servidor aunque solo sea por intentar salirse del tiesto aunque no consigan del todo el mear fuera de él.



 Lo Mejor:
- Lo sorprendente de la propuesta.
 
- Se ríe de si misma sin el menor rubor

- El uso de la luz en algunas escenas.
 
 
 Lo Peor:
- A veces parece navegar sin rumbo.
 
- Más que previsible pese a intentar no serlo.

- Desperdiciar a María de Medeiros.

Nota: 5,5

7
Críticas de estrenos / Lobos de Arga
« en: 12 de Julio de 2012, 10:01:55 pm »
Lobos de Arga




SINOPSIS:

Tomás Mariño (Gorka Otxoa), escritor fracasado y último descendiente varón de los Mariño, regresa al pueblo para ser nombrado hijo adoptivo. Tomás cuenta con la única compañía de Vito, el pequeño perro de su ex novia, que se instala con él en el viejo caserón familiar. Allí es recibido con amabilidad por su tío Evaristo (Manuel Manquiña), párroco y alcalde de Arga. Todo parece indicar que Tomás ha encontrado el lugar ideal donde poder concentrarse y escribir su segundo drama existencial, pero las cosas no son lo que parecen…

CRÍTICA: Un Hombre Lobo Español en Galicia

Desde los tiempos de ese clásico, convertido en película de culto, que fue Un Hombre Lobo Americano en Londres y su bastante peor y aun así más que decente secuela Un Hombre Lobo Americano en París, nadie había vuelto a hacer algo parecido, y no me refiero a hacer una película sobre hombres lobo, sino a simplemente buscar lo que John Landis conseguía sin apenas esfuerzo y es llevar el género de terror a los limites de la comedia, sin llegar al ridículo, moviéndose siempre en esa fina línea y resolviendo de manera soberbia momentos de auténtico terror junto a otros de la más pura chanza haciendo que ambos convivan juntos pero no revueltos. El listón esta muy alto, ya que directamente la primera de ellas redefinió el canon de lo que desde ese instante iban a ser los hombres lobo, con unas transformaciones realizadas a base de maquillaje, prótesis y partes mecánicas tan realistas para la época que no sólo a partir de ese momento todas las películas en las que algún humano se transformaba en algo se basaban en el trabajo de Landis, sino que la propia Academia de Cine creo el Oscar a los mejores Efectos Especiales ese año, que hasta entonces no existía, para concedérselo a la película (el primero de los siete que tiene Rick Baker en su poder).

Como decía, dos son los factores fundamentales de estas películas, las transformaciones y el mezclar terror y comedia con esa sabiduría. Del primero  hay muchos ejemplos de películas que siguen directamente los pasos de Landis, de hecho todo lo filmado después se sigue comparando con ella, pero de la otra característica tan solo recuerdo en estos momentos otro clásico (que no de hombres lobo sino de Vampiros) que mezclara ambos géneros con bastante buen acierto aunque no con tanta maestría y de la que recientemente hemos tenido remake, Noche de Miedo.
Es precisamente por esa segunda característica, por la que mejor se mueve esta Lobos de Arga que nos ocupa, pero ojo, no es que mezcle terror con comedia con gran acierto (eso sigue siendo muy muy complicado) sino que pasando de largo y olímpicamente del terror, se basa en la comedia más absoluta sin llegar al ridículo, cosa más difícil de lo que parece. Y es que si algo tiene de especial esta película es el ser un homenaje patrio al hombre lobo más famoso de la historia del cine, nuestro recientemente fallecido Jacinto Molina Álvarez, más conocido como Paul Naschy.

Y es que si en este país se peca en exceso, es de no saber valorar lo que tenemos o hemos tenido cinematográficamente hablando, porque si más allá de nuestras fronteras la figura de Paul Naschy y de su cine son admirados, ¿porqué aquí nos empeñamos en no querer ver?, ¿en permanecer ausentes ante lo obvio?. Gracias a Dios en este país de ciegos, ha aparecido un  tuerto (para mí hasta ahora desconocido) llamado Juan Martínez Moreno que ha tenido a bien iluminar esa figura que nos empeñábamos en olvidar cual instrumento silencioso y cubierto de polvo en un ángulo oscuro del salón y no sin poco esfuerzo mostrarnos su más sentido homenaje al género de los hombres lobo a la antigua usanza, léase sin ordenadores, cromas, digitalizaciones y todo tipo de tecnologías a la orden del día, de esos que se hacen a base de maquillaje y que destilan un encanto especial como esos viejos westerns que se pueden ver a media tarde en casi cualquier canal de televisión regional, pero que no por ello dejan de ser cine del que construyó las bases de lo que actualmente es esta industria. Y reitero lo del esfuerzo, porque a todo aquel que acuda a verla le va a parecer al menos, poco comprensible, como todos los años nos quejamos de que el cine español no salimos de estereotipos a lo Mentiras y Gordas (guaperas, tetas y guiones huecos)  y en cambio esta ha costado muchísimo poder estrenarla en salas comerciales, pese a triunfar llamando la atención del público de numerosos festivales desde hace más de un año.

Poco favor se hace a nuestro cine, esquivando productos tan entretenidos y bien tratados como Lobos de Arga, llena a rebosar de ganas de divertir, con un cariñoso recuerdo a esa supersticiosa y profunda España no tan lejana en el tiempo, plagada de mitos y leyendas, con Galicia como su mayor exponente que bien merece ser el lugar elegido para la narración de lo que se podría denominar un cuento de terror al más puro estilo caperucita y el lobo, sólo que en este caso la ingenua caperucita es un Gorka Otxoa que tampoco estará solo ante el peligro y que como cazador para defenderle, tendrá a un Carlos Areces en estado de gracia, acompañado de un Secun de la Rosa en un papel de editor/vividor a su medida y de un guardia civil inteligente como pocos (como pocos se ven en el cine, quiero decir) interpretado por el más que polifacético Luis Zahera. Para colmo de secundarios de LUJO, la abuela del desdichado y conocedora a fondo de la maldición del pueblo no es otra que Mabel Rivera y como colofón final y jefe supremo de los malos del cuento, es decir los lobos, Manuel Manquiña al que sólo le falta decir “aquí va a haber andanadas de hostias” para recordarnos que el es el Mourinho de la pantalla, o como diría Guardiola, el p*** amo.

Y es que el cine como el de antes, se puede seguir haciendo sin que llegue a parecer rancio o anticuado, basta unas pequeñas dosis de cotidianeidad en la historia y de tener ganas de hacerlo bien, para que el producto resultante esté fresco y nos proporcione esos momentos de diversión y nostalgia que a veces tanto se echa en falta en el cine, sea este de donde sea.




Lo Mejor:

    - El comienzo tipo comic es fantástico

    - La escena de los dedos.

    - Entretenida, divertida y española.

     

Lo Peor:

    - Tener que distinguir a los lobos por heridas y no por maquillajes diferentes.

    - Haber tenido que esperar tanto para que se llegue a estrenar.



Nota: 6.8

8
Críticas de estrenos / Ira de Titanes (Wrath of the Titans)
« en: 29 de Marzo de 2012, 08:16:09 pm »
Ira de Titanes
(Wrath of the Titans)



SINOPSIS:
Una década después de su heroica victoria sobre el monstruoso Kraken, Perseo está intentando llevar una vida tranquila como pescador en un pueblo y también único progenitor de Helius, su hijo de 10 años.
Mientras tanto, ruge la lucha por la supremacía entre los titanes  y los dioses, peligrosamente debilitados por la falta de devoción de la humanidad. Perseo no puede ignorar su verdadera vocación cuando Hades, junto a Ares llegan a un acuerdo para capturar a Zeus. La fuerza de los titanes se hace más fuerte a medida que los restantes poderes celestiales de Zeus son absorbidos y el infierno es desatado en la Tierra.
Consiguiendo la ayuda de la Reina Andrómeda, Agenor, el hijo semidiós de Poseidón, y del Dios caído Hephaestus, Perseo se embarca en una peligrosa búsqueda en el infierno para rescatar a Zeus, derrocar a los titanes y salvar a la raza humana.

CRÍTICA: Ni más ni menos, pero mejor
 
Como buen cinéfilo nacido en los años 70 (sí, empiezo a hacerme mayor) tuve la suerte de ver en mi niñez aquella película de aventuras llamada Furia de Titanes, con lo años y como todo el mundo sabe, se convirtió en película de culto y hace apenas 2 años como viene siendo habitual Warner Bros decidió hacer caja utilizando su recuerdo y un montón de dinero en efectos especiales. Por desgracia gastaron tanto en efectos especiales y en un recién descubierto fenómeno del que sacar todavía más dinero llamado 3D, que no hubo dinero para hacer un guión decente.

A estas alturas no creo que haya nadie que se esté preguntando si Furia de Titanes me pareció buena o no, es más que claro que me decepcionó y mucho, asi que mis prejuicios a la hora de acudir a ver una secuela con la misma o mayor cantidad de efectos especiales y de nuevo en 3D iban totalmente encaminados en la misma dirección, tanto que estuve esperando hasta ultima hora la oportunidad de ver cualquier otra cosa antes de decidirme por ir a verla, finalmente decidí darle una oportunidad no porque me apeteciese, sino por tener la oportunidad de coincidir con uno de nuestros compañeros y charlar tanto antes como después de eso que nos apasiona a todos, cine. La pregunta que toca ahora es si tras el visionado salí de la sala decepcionado o no y la respuesta la podemos encontrar en la frase de Vigo Mortensen en La Teniente O´Neil “Bienaventurados aquellos no esperaban nada porque no quedarán defraudados”.

Precisamente ahí radica el quid de la cuestión, en qué esperamos de esta Ira de Titanes en 3D. No se si debido al mal recuerdo que guardo de la primera, que era entretenida y tal pero tenía menos sustancia que la leche de soja desnatada, o a que me pillo en un momento bajo, la verdad es que me gustó más que la primera. Por supuesto el 3D de esta aun siendo mucho mejor es absolutamente prescindible (de verdad, no caigáis en el error de pagar 3€ más por verla en 3D porque no aporta nada más allá de un par de escenas de 3 minutos para lucir en pantalla pero sin interés en la historia), el intentar ser fiel a las leyendas mitológicas es algo que jamás se les ha pasado por la cabeza (más bien se lo pasan por el forro de…) y el despliegue de efectos especiales es aun mayor y de mejor calidad que en la primera (ojo a la mantícora), si que hay algo que en esta destaca por encima de la otra, el guión. A lo mejor en algo tiene que ver que los guionistas de la primera fuesen los culpables de El Esmoquin y Aeon Flux, de los que no voy a hacer comentario alguno porque ni lo merecen y en cambio ahora se haya confiado en uno de los guionistas de la serie The Walking Dead que también escribió el guión de La Huérfana.

Nadie vaya a pensar que estamos hablando de historias sin agujeros, con una trama enrevesada y giros inesperados, nada más lejos de la realidad, pero lo poco que es capaz de desarrollar es bastante más decente que el de su predecesora. Los personajes tiene algo más de profundidad, tampoco mucho, el listón era fácil de superar, la historia está mejor llevada y rodada de manera más eficiente y continúa siendo entretenida que al fin y al cabo es lo menos que se le puede pedir a un Blockbuster como este pretende ser.  Seguramente también tenga culpa de esta mejoría el cambio de director, pasando de un mediocre Louis Terrier a un menos irregular Jonathan Liebesman que aun abusando como es norma en todo Blockbuster de los efectos especiales, algo debió de aprender en su Invasión a la Tierra: Batalla L.A. haciendo una mejor utilización de los mismos y poniéndolos más al servicio de la historia y menos al artificio espectacular por el artificio espectacular en el que se convirtió la primera. Curioso como utilizando incluso las mismas localizaciones que en la primera (las dos rodaron bastantes de sus exteriores en nuestras islas afortunadas) los de esta sean mucho más creíbles dando mejor sensación de veracidad que las explanadas sosas de detrás del patio de casa que yo vi en la anterior. Podríamos decir que esta Ira de Titanes hace malo el dicho de que nunca segundas partes fueron buenas, pero no estaríamos haciendo honor a la verdad porque la película no es buena, aunque si es cierto que dentro de lo que le toca, es mejor que Furia de Titanes sin lugar a dudas.

Por supuesto el espectador deberá estar dispuesto a hacer unas cuantas concesiones a los Dioses por el bien del espectáculo, actores que cambian de una cinta a otra, errores de script más que notables, o columnas blandas como la mantequilla, pero una vez metidos es faena, un bol de palomitas a rebosar y la sana intención de disfrutar, veremos como Perseo, Agenor (con Toby Kebbel robando escenas) y una preciosa Andrómeda dan sopas con ondas a todo Dios que se les cruza por delante.

 Lo Mejor:
- Mejores FX y más al servicio de la historia.
 
- Mejor guionizada.

- La escena de los cíclopes.
 
 
 Lo Peor:
- Liam Nesson está bastante flojo.
 
 - La escena final.

- Utilizar la mitología sin ton ni son con la de cosas que hay para contar.

Nota: 6


9
Off Tópic / Carteles de pelis actuales reconvertidos a clásicos.
« en: 21 de Marzo de 2012, 10:09:02 pm »
Mirad estos carteles que se ha currado alguien.

Son muy originales, y aunque algunos cantan mucho, otros merecen la pena.

http://www.henrypq.com/2012/02/movies-from-parallel-universe.html#more

10
Críticas de estrenos / Mi semana con Marilyn
« en: 24 de Febrero de 2012, 12:28:28 am »
Mi semana con Marilyn




SINOPSIS:

En el verano de 1956 Colin Clark (Eddie Redmayne), de 23 años, deja Oxford para hacer carrera en el cine trabajando como asistente en el set de rodaje de “El Príncipe y la Corista”, la película que interpretaron Laurence Olivier (Kenneth Branagh) y Marilyn Monroe (Michelle Williams) quién también estaba de luna de miel con su marido, el escritor Arthur Miller (Dougray Scott). Cuando Miller vuelve a Estados Unidos, deja el camino libre a Collin para introducir a Marilyn en los placeres de la vida británica durante una idílica semana en la que la acompañará en su huída de los aduladores y de la presión del trabajo en Hollywood.

CRÍTICA: Cuando el MITO se come a la persona

Sin lugar a dudas, preguntes a quien preguntes la actriz más famosa de todos los tiempos siempre ha sido y será Marilyn Monroe.
Las ha podido haber más guapas (muchas) y mejores interpretes (todavía más), pero hemos de reconocer que ninguna ha llegado a alcanzar las cotas de popularidad que alcanzó Marilyn no sólo en su época, sino incluso en la actual. Porqué llenaba las salas como las llenaba es algo que aun hoy en día sigue siendo un misterio, pero lo cierto es que la gente acudía en masa a verla allí donde apareciese, fuese en una película, acto público o cualquier otro lugar, su carisma era de tal magnitud que su historia sigue fascinando hoy en día a miles de personas de todo el mundo.

Es curioso como siendo la industria de Hollywood tan aficionada a los biopics (películas biográficas del ingles biographical motion picture) de cualquier tipo de personalidad destacada a nivel mundial y con lo acostumbrados que estamos a que se haga no una sino varias películas de una misma persona (de Cleopatra van 5 películas y de John Dillinger, Abraham Lincoln o Julio César otras 4) sea esta la primera vez que alguien se atreve con el MITO femenino por excelencia. Bien es verdad que existe un precedente televisivo del año 1996 llamado Norma Jean y Marilyn que casi nadie recuerda, con Mira Sorvino como Marilyn, lo cierto es que parece extraño que semejante icono de la cultura popular de los últimos 40 años nunca haya sido objeto de estudio cinematográficamente hablando. Por indiferencia no puede ser, Marilyn puede caer mejor o peor (también tiene legiones de detractores) pero indiferente no deja a nadie, por respeto tampoco, si hay algo que a Hollywood le gusta es sacar provecho del escarnio público al que se puede someter a todo personaje conocido y Marilyn tiene historia truculenta como para escribir dos Quijotes. No siendo ninguna de las anteriores, justificación para desaprovechar una vida tan de cine como la suya, a mí personalmente se me ocurre una: Miedo.

Parece mentira que haya tenido que venir una pareja de debutantes (director y guionista), curtidos en televisión pero debutantes en cuestiones de celuloide, los que hayan tenido que venir a intentar plasmar la vida de Marilyn o mejor dicho, un pequeño pasaje de su vida. Partiendo del libro de memorias de Colin Clark, en el que cuenta la suerte que tuvo de ser el tercer ayudante de dirección de la película El Príncipe y la Corista, director y guionista nos intentan mostrar a través de los ojos fascinados del joven Colin no sólo la tormenta que se generaba alrededor de la estrella sino como esta luchaba y alimentaba a la vez a ese monstruo devorador de almas que es la fama desbordada y desbordante. No sólo era el público de a pie el que idolatraba a la joven estrella, muchos de sus propios compañeros de profesión como bien refleja el film estaban deseosos de compartir escena con ella, no tan sólo por los beneficios que traería a sus carreras sino por el magnetismo que irradiaba Marilyn, todo el mundo quería conocerla, fotografiarla, besarla e incluso odiarla.


Si en algo coincidían todos aquellos que trabajaron con la actriz, además de con sus continuas faltas de puntualidad y repentinos cambios de humor, era en que llenaba la pantalla con sólo aparecer en ella. La cámara sólo tenía ojos para ella y eso era lo que hacía que se llenaran las salas y que todo el mundo la quisiera en su película. Aproximadamente lo mismo es lo que ocurre en esta película con Michelle Williams. Desde el momento en que aparece en escena, dejan de importar todos los que están a su alrededor. Por muy buen trabajo que haga siempre Judy Dench (y en esta lo vuelve a demostrar) o por mucho que se esfuerce Kenneth Branagh
en parecerse al soberbio Lawrence Olivier (con nominación incluida) lo cierto es que Michelle Williams se apodera de la película como hacía Marilyn y tras escasos 5 minutos, uno se olvida de que sea Michelle Williams la que aparece en pantalla viendo en todo momento  el trabajo Marilyn Monroe. Incluso en esos momentos de dualidad en los que aparecía la frágil Norma Jean, uno no pueda por más que admirar el imponente trabajo de Williams no por meterse en la piel del personaje, sino por ser la propia Marilyn.

Desde luego, tachar de biopic una película que tan sólo muestra el escaso tiempo que duró el rodaje de El Príncipe y la Corista me parece exagerado, si que es cierto que en tan solo ese pequeño lapso de la existencia de Marilyn que se describe en la película, se llega a entender la angustia, los temores y el sueño destruido que era la vida la estrella. Cómo actuaba dentro de su propia vida a fin de conseguir alcanzar una felicidad que parecía darle al público a través de sus personajes pero que para ella era incapaz de lograr en su día a día. No me cabe duda de que si Meryl Streep tiene alguna rival a tener en cuenta para su enésima carrera al Oscar, esta es Michelle Williams, y aunque soy de los que piensan que Streep se merece no sólo el oscar por La Dama de Hierro sino también por algún otro anterior que no se le concedió, he de reconocer que vería totalmente justo que de nuevo se quedara con la miel en los labios mientras una rubia platino abraza una estatuilla dorada y rememora con lágrimas en los ojos a su también oscarizado y difunto marido.


Tras todo esto, no vayan ustedes a pensar que la película es nada del otro mundo, porque no lo es, ni el guión es bueno, ni hay nada que resaltar más allá de ver de nuevo a Marilyn en pantalla. Eso sí, como todo seguidor de mitos que se precie, a veces merece la pena pagar sólo por estar cerca de las estrellas, en ustedes está el decidir si es su esterlla o buscan otra.


Lo Mejor:

    - Michelle Williams.

    - Michelle Williams.

    - Michelle Williams.

     



Lo Peor:

    - Que Michelle Williams lo eclipse todo.



Nota: 5.5


11
Críticas de estrenos / Juan de los Muertos
« en: 04 de Enero de 2012, 10:35:23 pm »
Juan de los Muertos




SINOPSIS:

Juan tiene cuarenta años, de los cuales la mayoría los ha dedicado a vivir en Cuba sin hacer absolutamente nada. El único vínculo emocional de Juan es con su hija, Camila, una joven y bella muchacha que no quiere saber nada de su padre porque lo único que hace es meterse en problemas.
De pronto comienzan a suceder una serie de extraños acontecimientos: la gente se vuelve violenta y se atacan unos a otros. Al principio Juan está convencido que no es más que otra etapa de la Revolución. Los medios de comunicación oficiales se refieren a los ataques como incidentes aislados provocados por disidentes pagados por el gobierno de los Estados Unidos.

No son vampiros, no están poseídos, pero definitivamente no son disidentes. Pero esta plaga de sanguinarios agresores parece incontrolable. La población ha quedado indefensa. Llega un momento en que la única solución que encuentran algunos es tirarse al mar para huir de una isla convertida en una verdadera carnicería, y a Juan no le queda más remedio que hacer lo contrario de lo que ha hecho toda su vida: asumir la responsabilidad y ponerse en el papel de héroe, guiando sus seres queridos con la esperanza de sacarlos a salvo de la locura en que se ha convertido una Habana repleta de zombies hambrientos.

CRÍTICA: El cubano cuba quiere

Seamos sinceros, cuando uno de nuestros compañeros de foro me dijo que le apetecía ver una película llamada Juan de los Muertos, la cosa no me sonó demasiado bien. Vale que íbamos al Festival de Sitges y que como buen festival de cine fantástico, el título de la película debía de ser estrambótico cuanto menos, cosas como TrollHunter, Zombies vs Monstruos, etc.. Están a la orden del día y de hecho se agradecen, ya que normalmente te ayudan a intuir que vas a ver, cosa por otro lado nada complicada en un festival de este tipo, en el que la sangre, vísceras, fantasía y cualquier cosa fuera del espectro normal tiene cabida, pero aun así cuando me dijo que le apetecía mucho ver esta, digamos que no me emocioné. Debido a los años que ya tiene nuestra amistad y a la multitud de películas que juntos hemos disfrutado o sufrido, pero sobre todo tertuliado (bonito palabro que me acabo de sacar de la manga como si tal cosa), la opción de ver cualquier cosa sobre la que luego podamos debatir siempre es algo que me apetece tener en cuenta, asi que aun con mucho miedo pero con la misma cantidad de esperanza, busque información del film en cuestión.

Lo primero que me llamó la atención es que fuese Cubana, aunque en colaboración con España, lo cual no se si es una ventaja o un inconveniente. No voy a mentir, a mi de cine cubano no me suena nada más allá de Tomás Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabío, de hecho los dos únicos filmes que recordaba claramente eran Guantanamera, que no me sedujo lo más mínimo y Fresa y Chocolate que ya si que dejó un mucho mejor poso, pero no conocía ni de oídas (seguro que por mi culpa no diré que no) a Alejandro Brugués ni por supuesto había visto ninguno de sus trabajos anteriores, lo cual tampoco jugaba a favor suya. Lo segundo era la sinopsis, en la que resumiendo se decía que en una Cuba infestada de Zombies, el protagonista montaba un negocio a base de matar los Zombies que los demás no tuviesen el valor de matar. Es decir, esto es una comedia cubana de zombies lo que aun hizo aumentar más mis prejuicios sobre ella, tanto que preferí no ver el trailer. Por supuesto, accedí de buen gusto a comprar un asiento junto al de nuestro compañero y que fuese lo que  Dios quisiese.

Una vez llegado el día o mejor dicho la noche… pero que muy noche, me dispuse a enterrar todos mis prejuicios y dejarme invadir por esta hueste de disidentes pagados por los USA y vaya si lo conseguí. No voy a decir ahora que fue la peor película que vi en el festival, tampoco voy a decir que fue la mejor porque eso haría poca justicia a filmes mucho más destacables, pero lo que si diré con la voz bien alta es que fue con la que más me divertí de todas las que vi y creedme, vi muchas. Por lo pronto, no es una película de Zombies al uso, de eso hay más bien poco. Los zombies son la gamberrada perfecta (porque más que excusa es gamberrada) para hacer según que cosas en determinados momentos de la película, que sin estos entrañables seres carcomidos, lentos y tontos como ninguno no tendrían razón de ser, de que otra forma un tirachinas se va a convertir en una mortífera arma sino es para matar Zombies por poner un ejemplo.

Pero Alejandro Brugués ha intentado ir un paso más allá y ayudarse de esta gamberrada para reírse y a la vez retratar esa imagen del cubano vividor, que aun sin tener donde caerse muerto, sigue viviendo la vida como si la cosa no fuese con él. Ese perdedor que le echa todas las culpas de su situación a la revolución, a los imperialistas americanos o a lo que toque en ese momento, y que se empeña en todo momento en que lo mejor es salir de la isla, porque en esta es donde no hay futuro. Un pasito más allá de todo esto, no se esconde, sino que saca la cabeza sin ningún pudor una crítica social a la sociedad cubana y su forma de ser y actuar, todo a través de las vivencias que va sufriendo y ha sufrido el protagonista y la pandilla de mequetrefes buscavidas que rondan a su alrededor, todos tan particulares como Juan y que harían las delicias de nuestro Pedro Almodóvar en cualesquiera de sus filmes.

El problema es que no sólo con intenciones y crítica se saca un filme adelante y eso por desgracia aquí se nota mucho. Lo que arranca magníficamente, con una presentación de personajes y de la situación más que divertida, se convierte en algo ya visto a los 30 minutos, y mucho más visto a los 50 minutos, asi que ya ni os cuento lo que vais a ver a la hora, porque cualquiera puede adivinarlo sin temor a equivocarse, sí, lo mismo de antes. Y es que más que una película, da la sensación de que hubiese tenido muuuucho más jugo y enjundia un simple corto, que esta sucesión forzada de gags que a veces sólo sirven para llegar al siguiente en el que meter una pullita social y este a su vez lleva al siguiente y así sucesivamente, dando vueltas en una espiral que se fagocita a si misma hasta llegar al final allá por el minuto 94, cuando no solo las carcajadas se agotan sino también las ideas, dejando un momento final de crítica más que duro contra el propio cubano que no hace sino recordarnos que todo esto se suponía un toque de atención social  en clave de comedia, que ha acabado por convertirse en una burla de si misma incapaz de llevar a buen término sus propias convicciones.

Por suerte para mí, y lo vuelvo a decir con la boca bien ancha ME LO PASÉ EN GRANDE con este Juan de los Muertos, por mucho que alguno de los que estaban en la sala se terminasen cagando en los mismos.







Lo Mejor:

    - Algunos momentos realmente hilarantes.

    - La crítica final a los propios cubanos.

    - Algún que otro homenaje a los grandes del género de Zombies.

     



Lo Peor:

    - Altibajos que llevan a más altibajos.

     - Pretender ser más por ser largometraje.
     
     - Actuaciones que no llegan.


Nota: 5

12
Críticas de estrenos / Otra Tierra (Another Earth)
« en: 20 de Octubre de 2011, 09:47:12 pm »
 
Otra Tierra
(Another Earth)

SINOPSIS:
 Otra Tierra narra la cruda y conmovedora historia de Rhoda Williams (Brit Marling), una inteligente joven que busca la forma de reparar una terrible tragedia. Vive en un mundo como el nuestro, salvo que, repentinamente, a lo largo de la noche, en el cielo aparece un planeta misteriosamente idéntico –llamado provisionalmente Tierra 2–, como un gigantesco y reflectante espejo gravitando sobre nosotros.


Para Rhoda, ese extraño e inquietante planeta, así como la realidad paralela que los científicos afirman que brinda, constituye su última esperanza. Absolutamente perdida tras sufrir un espantoso accidente que puso fin a sus sueños de convertirse en astrofísica, Rhoda no tiene ninguna perspectiva de futuro. Llevada por la necesidad vital de enfrentarse a su pasado, Rhoda termina presentándose en la casa del hombre cuya vida alteró irremisiblemente: el reputado compositor John Burroughs (William Mapother).


CRÍTICA: Cuando la excusa es casi más importante que la propia historia

 
 Un Mcguffin es la excusa que se utiliza como recurso para que la trama de un film avance en el sentido apropiado, pero que no debe tener ninguna relevancia en la misma. Se cuenta que el rey de los Mcguffin e inventor del término era Hitchcok, no sólo fue el que acuño el termino por primera vez, sino que en muchas de sus películas (Psicosis, Con la muerte en los talones) es utilizado en el arranque de la misma para echar a andar la trama. Básicamente se utiliza para engañar al espectador y a su vez engancharle, ya que piensa que la trama va a ir por unos derroteros que finalmente cambian de manera radical desarrollándose de una manera totalmente distinta a lo que se insinuaba al comienzo. Precisamente un gran Mcguffin es lo que utiliza Mike Cahill para dar comienzo a la película, este no es otro que la aparición en el firmamento de un mundo idéntico al nuestro, un mundo que nuestra protagonista observa (como cualquier ser humano haría en lugar) y es a partir de dicha observación cuando arranca su historia.


Tras, como se dice en la sinopsis, un situación catastrófica, la vida de la adolescente Rhoda cambia por completo y Cahill nos narra con un ritmo pausado y una simpleza de imágenes el cambio, como de ser una prometedora astrofísica en potencia, por una de esas casualidades del destino, la vida te cambia y pasas a ser un paria de la sociedad, con una culpa a las espaldas que te marca. Porque de eso va esta Otra Tierra, de la culpa con mayúsculas, de esa que una vez invade a Rhoda no la deja vivir, la que sufre su familia que ha pasado de tener un orgullo a tener algo de lo que avergonzarse, de la que sufre ese padre que se encierra en si mismo por no tener razón alguna por la que seguir viviendo y que sólo vive para sufrir de autocompasión y tristeza cada uno de los segundos que le queden de vida, de esa que cuando llega inunda el alma y es difícil que la abandone.



El film sin pasarse en ningún momento de rosca (cosa fácil por otra parte) nos transmite sin caer en tópicos la soledad del culpable (el que lo siente, lo sea o no) con una forma de narrar que en muchos momentos recuerda a nuestra Isabel Coixet de La Vida Secreta de la Palabras, con unos silencios, miradas y acciones que cuentan más que 20 páginas de diálogo. En eso radica el encanto de este film independiente, no ya en que sea esto último, sino en que gracias a la estética que le hace serlo (últimamente parece que todo film independiente ha de hacerse con la cámara al hombro, en perpetuo plano secuencia y con continuos traqueteos, cosa que por suerte no ocurre tanto en este film) traslada al espectador esos sentimientos encontrados que sufren los personajes y que se muestran más reales de esta forma que con la imagen cuidada y suavizada que se da en películas con mayor presupuesto. Por desgracia, aun con todo el buen hacer que cosecha, la película tiene un ultimo tramo que deja un sabor agridulce por ser soso y predecible, que sin llegar a empañar el resto de la película, si que hace algo de mella en la misma.



¿Y porque he titulado este comentario como CASI MÁS IMPORTANTE QUE LA HISTORIA? Pues porque realmente el Mcguffin debería ser algo que al principio nos interesa (de ahí que se use para enganchar) pero que a medida que la trama avanza se “olvida” en favor de la verdadera historia y que finalmente podría haber sido cualquier otra cosa, pero el problema de este McGuffin, de este mundo idéntico que parece en el cielo, es que en ningún momento desaparece de la historia. Es más se utiliza en mayor o menor medida en momentos de la historia de forma que al finalizar el film, quedan tal cantidad de interrogantes sobre él, que obstaculizan en gran medida la verdadera intención de la misma. No es bueno que al terminar la película, más que pensar en lo que nos ha contado y meditar sobre ello, el espectador divague sobre la cantidad de posibilidades que dicho Mcguffin ha abierto y no hay forma de cerrar. Parece como si el propio director se sintiese culpable de lo que nos ha hecho ver y nos proporcionase algo que nos distraiga para no pensar en ello. De ahí el CASI del título, el que casi se nos obliga a contemplar en perjuicio de nuestra propia perspectiva.




 Lo Mejor:
- Una sensacional y hasta ahora desconocida Brit Marling.
 
 - Las sensaciones bien transmitidas.

- Que independiente no sea sinónimo de baja calidad y plano secuencia.
 
 
 Lo Peor:
- Que se nos pretenda hacer meditar sobre el tema no principal del film.
 
 - A veces ser independiente puede ser una desventaja.


- El bajón destacable del final.

Nota: 6,2

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Críticas de estrenos / La Cosa (The Thing (2011))
« en: 19 de Octubre de 2011, 11:27:22 pm »
 
La Cosa
(The Thing)


SINOPSIS:
 La paleontóloga Kate Lloyd (Mary Elizabeth Winstead) ha viajado a la desolada región de la Antártida para hacer realidad su sueño. Se une a un equipo noruego que ha encontrado accidentalmente una nave extraterrestre enterrada en el hielo, y descubre un organismo que parece haber muerto en la colisión hace miles de años. Pero está a punto de despertar...
Un sencillo experimento libera al alienígena de su cárcel de hielo. Kate y Carter (Joel Edgerton), el piloto de la expedición, unirán sus fuerzas para impedir que la criatura mate a los miembros del equipo uno a uno. En la inmensidad blanca, un parásito capaz de imitar a la perfección a cualquier ser vivo que toca, conseguirá que florezca la desconfianza y el terror mientras intenta sobrevivir y florecer.

CRÍTICA: Grandes medios para grandes fallos
 
 Allá por los principios de los años 80, concretamente en 1982, un director que se estaba labrando un nombre dentro del género del terror y la ciencia ficción apareció con un producto en principio menor que narraba lo que mucha gente calificó como una burda copia del Alien de Ridley Scott que en vez de desarrollarse en el espacio, se desarrollaba en la tierra, un grupo de gente aislada (en el hielo de la Antártida) iba a encontrarse con un monstruo alienígena que se las haría pasar canutas. Ese producto no era otra que “La Cosa”, adorado como film de culto 29 años después y ese director no es otro que el hoy considerado leyenda del género, el maestro John Carpenter.

Aun recuerdo perfectamente ese TeleProgramas (que finalmente derivó en TP con sus famosos premios) que compraban mis abuelos y que yo devoraba ávidamente en cuanto pisaba el salón de su casa, anunciando esta película con una foto en blanco y negro de un Kurt Rusell (en pleno proceso de salida del cine Disney apenas comenzado el año anterior con su Snake Plissken)  empuñando un lanzallamas de dimensiones más que notables, a punto de enfrentarse al horror de los horrores. Recuerdo las ganas de poder conocer el destino de ese grupo de hombres (en aquel caso no había ninguna mujer) y el miedo que al mismo tiempo me producía (lo normal considerando que no llegaba aun a la década de edad), ganas que pude finalmente satisfacer unos cuantos años más tarde, cuando con la visita a casa de unos tíos en pleno ritual familiar (íbamos al menos una vez por semana a visitarles y de paso disfrutar de su video, un artículo de lujo por aquel entonces) sentado en el suelo debajo de la mesa camilla, conocí por fin como se las gastaba el alienígena y como se manejaba Kurt Russell y compañía (hoy en día cualquiera de los que aparecían en ella, son secundarios más que conocidos por todo el mundo) en aquellos desoladores fríos árticos ante semejante monstruo.

Como todo el mundo a estas alturas ya conoce, La Cosa no era tal producto menor y ni mucho menos era una burda copia de la de Ridley Scott aunque se reconozca en ella un más que ligero parecido en su planteamiento general (por otra parte reconocido por el propio Carpenter) y en que sus protagonistas echan mano de lanzallamas en ambos casos. Mas allá de dichas coincidencias (aparte lógicamente del alienígena) el film acabó cautivando a la mayoría del público que por aquel entonces acudía a disfrutar del género, esa misma generación que 30 años más tarde sigue recordando con agrado las fantásticas sensaciones que la película proporcionaba y que hoy en día espero ya escarmentado de remakes, precuelas, secuelas, sagas y demás intentos de sacar dinero de unos bolsillos en crisis sepan ver la zanahoria de plástico tras el palo que se nos ofrece con esta The Thing de 2011. Porque aunque no lo parezca, estas lineas se basan en el metraje que nos llega esta semana a las pantallas y que se nos vende como la precuela (como no) de la del año 1982.

Lógicamente uno debe pensar y con razón, que si la sorpresa inicial de saber que pasaba en la de Carpenter ya no existe, sólo nos queda el conocer como con las técnicas de hoy en día se mostrará:  un alienígena convincente, una temporalidad anterior al año 1982 real y por supuesto una historia que nos haga ver plausible no sólo este film, sino la continuación que supone la realizada por Carpenter. Pues bien, mi recomendación es que ni los que hayan visto la original piensen que esta les va a aportar nada nuevo (ni siquiera recordar en momento alguno aquellas sensaciones) ni los que no conozcan el clásico acudan con la idea de que lo que van a ver algo distinto a cualquier otro descuidado producto de terror/ciencia-ficción de los que pululan hoy en día por la cartelera.

Como ya todos sabemos, la cinta trata del descubrimiento a principio de los años 80 (algo que para mí tiene mucha importancia o al menos debería tenerla) de lo que en principio parece un espécimen extraterrestre en la zona de la Antártida. Y porque digo que para mi es importante el momento en el que se desarrolla, porque seamos realistas, estamos en el año 2011 y las técnicas cinematográficas han avanzado tanto desde ese tiempo que si hoy en día recrear un dinosaurio, una ciudad en las nubes, etc.. que parezcan reales es perfectamente posible y teniendo en cuenta que si bien Universal ha destinado unos más que suculentos 35 millones de dólares en la confección del film (cifra que por otro lado matarían por tener la mayoría de directores españoles) no podemos más que pedirle que al menos lo que se puede hacer, se haga bien. Puede que el alienígena sea más o menos bonito, que la nave este mejor o peor hecha, pero lo que no se puede permitir es que estando en una zona cuyas temperaturas normalmente sean de más de -20ºC, dentro de la enorme estación (con un bar-comedor que ya quisieran muchos establecimientos) el sistema de calefacción (que por otra parte ni se ve) les permite andar en camiseta de manga corta como si fuese la primavera de cualquier ciudad de cerca del ecuador o que en un momento de la película esa misma estación sea dañada en su estructura de forma que por el agujero abierto en una de sus paredes siga sin entrar ese frío (nada menos que en medio de una tormenta). Por supuesto, esto que a simple vista da a entender que soy un maniático de los detalles no es más que un par de ejemplos (la película esta llena de ellos) para dar a entender que en el cine que se practica hoy en día, no se cuida lo más mínimo la credibilidad no sólo de la historia, sino de lo que lo rodea (que en este caso también ocurre), para centrarse en “la acción”. Y es una verdadera lástima, porque si esta película estuviese más cuidada, no sólo se distinguiría de todas las demás, sino que incluso estaría bastante por encima de la media.

La historia da para ello y no está mal llevada, el ritmo de narración aunque bien llevado al principio, en el último tercio de película se vuelve un desenfreno vulgar que no le hace justicia al producto y ese mismo cambio de ritmo hace que la atmosfera de incertidumbre en la que los actores se mueven correctamente al comienzo y que realmente es lo que hace ser interesante esta película tira al traste su trabajo en esa vorágine que la que se convierte finalmente el film, porque aunque el director se empeñe en lo contrario, no saber quien es quien es mucho más terrorífico e interesante que el correr a esconderse o para perseguir al monstruo. Todos hemos visto miles de veces (y las que nos quedan) a gente huyendo del monstruo y/o gente corriendo para matarlo y en esta The Thing eso es igual a todas las demás. Si matas lo que la hace diferente consigues precisamente eso, que sea más de lo mismo que al fin y al cabo es la sensación que queda cuando acaban los créditos.
Ni más ni menos, no es ni mejor (aun pudiendo serlo) ni peor que cualquier otra película de terror de las que llega a nuestras amadas salas de cine cada año, con la diferencia de que esta no sorprende por estar basado en algo ya conocido con anterioridad. Eso sí, es de agradecer que por lo menos no se intente el susto por el susto tan manido hoy en día (ese que sólo se consigue subiendo los decibelios y a los que el cuerpo humano reacciona no por miedo sino por puro instinto) y que al menos al haberse intentado parecer a su predecesora se vea menos perjudicada en ese sentido.

Mi recomendación más sincera es que si viste la primera, no esperes que esta te aporte nada nuevo y que si no viste la original tampoco creas que no conocer el tema vaya a conseguir que esta te sorprenda aunque tampoco te va a disgustar.

 
 
 
 
 Lo Mejor:
- Los actores no lo hacen mal para lo que se les deja.
 
 - La primera mitad del film.
 
- El recuerdo de la primera.
 
 
 Lo Peor:
- Dar la sensación de no ser más que otra de tantas.
 
  - El tramo final.
 
  - El recuerdo de la primera.
Nota: 5

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Críticas de estrenos / MOVIDO: REPULSIÓN, de Román Polanski
« en: 29 de Abril de 2011, 04:26:34 pm »

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Críticas de estrenos / Thor
« en: 29 de Abril de 2011, 01:09:33 am »
THOR




SINOPSIS:
En el centro de la historia está el mítico Thor (Chris Hemsworth), un poderoso pero arrogante guerrero cuyas irresponsables acciones reinician una guerra ancestral. Thor es desterrado a la Tierra por su padre Odín (Anthony Hopkins) y forzado a vivir entre los humanos. Una bella y joven científica Jane Foster (Natalie Portman), tiene un profundo efecto sobre Thor y se convierte en su primer amor. Es en la Tierra donde Thor descubre lo que hay que tener para ser un héroe cuando el más peligroso de los villanos de su mundo envía las más oscuras fuerzas del mal de Asgard hacia la Tierra.



CRÍTICA: Por las Barbas de Odín

De toda la vida de Dios, la infancia de un crío está marcada por personajes de ficción, ya sean estos radiofónicos, televisivos, cinematográficos, literarios o como en este caso gráficos. Todos (o por lo menos la gran mayoría) nosotros hemos soñado alguna vez con ser como Superman, El Llanero Solitario, Sherlock Holmes, Hércules, Legolas, Indiana Jones, Peter Pan,  Starbach, Oliver Aton, formar parte de la Pandilla de los 5, del Equipo A, de la Patrulla-X, etc..

Durante muuuchos años, todos esos personajes fueron las inspiración de una gran cantidad de cineastas para sus films, bueno todos no, los gráficos, es decir los que salían en los tebeos ahora llamados cómics, fueron poco utilizados. Pero no porque no hubiese niños que no soñasen con ellos, sino porque era precisamente el público al que estaba destinado, la razón por la que no se hacía, los cómics, eran para niños y como tal se veían a esos personajes. No fue hasta el año 78 cuando se pudo ver por primera vez en pantalla grande y de forma seria un superhéroe (el Batman del 66 ni lo cuento) de esos que salía en los tebeos. Richard Donner abrió el camino con Superman, pero lo abrió poco. Si bien las dos primeras películas de la saga tuvieron gran éxito comercial y estaban bien realizadas, las dos siguientes dejaban mucho que desear y esto mismo hizo que todo volviese a quedar en el mismo estado en el que estaba antes, el olvido.

La desconfianza de los grandes estudios hacia este tipo de películas hacía que se creasen productos de bajo presupuesto como el Howard el Pato del año 86 (sí, es un personaje de Cómic) o directamente peor que mediocres como ese Vengador teñido de Dolph Lundgren del 89 o ese Capitán América de Matt Salinger del 91 que fueron directos a video. Curiosamente estas dos últimas fueron creadas por estudios pequeños e independientes al amparo de la que fue la segunda incursión seria de otro personaje “en mallas” que llego en el año 88 de la mano de ese genio para algunos y chiflado para otros que es Tim Burton con un Batman de coloristas contrastes que empezaba a demostrar que eran muchas las generaciones que habiendo crecido con estos personajes estaban dispuestos a acudir a las salas de cine para seguir disfrutando de las aventuras de esos personajes que les hacían soñar de niños.

Pero por desgracia,  sin contar con ese destacable The Crow del malogrado Brandon Lee en el año 94 (que sí, que este también salió de las páginas de un cómic), otros 10 años de espera y productos de serie inclasificable como esos 4 Fantásticos que sólo se pueden conseguir por Internet y que nunca se llegaron a estrenar ni en los USA, o el Spawn de New Line fueron necesarios para que finalmente un vampiro sediento de venganza llamado Blade pusiese por fin una pica en Flandes e hiciese que esos primeros surcos que había abierto 20 años antes Superman y  que se hicieron mas profundos 10 después con Batman se convirtiesen en un camino a seguir a partir de ese momento por todas las grandes distribuidoras para explotar esa gran veta dorada en la que ha acabado por convertirse todo aquello que aparece en una viñeta gráfica.

En sólo 13 años, el subgénero de los cómics y dentro de este el de los superhéroes ha crecido exponencialmente tanto en calidad (gracias a Raimi y Nolan entre otros) como en cantidad, haciendo las delicias de esas generaciones antes mencionadas entre las que tengo la suerte de encontrarme que soñaban con ver a sus admirados personajes en pantalla grande. Tanto ha sido así, que se podría decir que lo que antes eran productos marginales dentro de los grandes estudios, se han convertido en los grandes proyectos de las mismas, esos que aseguran la taquilla, que hay que explotar de todas las formas posibles desde que San George Lucas inventase el Merchandaising y que al menos una vez por año nos hacen pasar por caja para ver y a ser posible disfrutar de las andanzas de estos dioses de la imaginación. Este año el primero de los elegidos que nos visita desde la mismísima Asgard es el mítico Dios del Trueno encarnado en la figura del australiano Chirs Hemsworth y al igual que a los gigantes de hielo a los que se enfrenta, a mi me ha dejado frío.

Con un plantel de actores tan solvente como los oscarizados Hopkins y Portman, el más que bueno Stellan Skarsgard, lo prometedores Tom Hiddleston y el propio Chirs Hemsworth y un director de los que les gusta crear buenas historias de personajes como Kenneth Branagh, no entiendo como Paramount ha permitido un Blockbuster tan Blockbuster como este.
 
Viéndolo desde la perspectiva del seguidor del personaje desde mi más tierna infancia y conociéndome todo de él, veo que se han preocupado medianamente por la coherencia de la historia del personaje, que han hecho un esfuerzo porque me sienta a gusto y conforme viendo batallas con gigantes de hielo o respetando con bastante acierto la historia del que seguramente sea el villano con mayor potencial de todos los que pueblan los cómics como es Loki, o que incluso se han molestado en añadir esos pequeños detalles que a nosotros tanto nos gusta descubrir como la gula de Volstagg o las referencias a Stark. Y desde la perspectiva del espectador que acude sin más conocimiento a la sala de cine que el que me proporcionan los anuncios de televisión, el propio cartel y lo que se anuncia en los distintos medios de comunicación, la película ciertamente es todo un Blockbuster, con mundos imaginarios espectaculares, vestuarios y caracterizaciones retrofuturistas, escenas de acción y lucha, buenos y malos perfectamente reconocibles y efectos especiales para dar y tomar.

Lo malo es que ninguno de los dos espectadores sale excesivamente contentos de la experiencia mística. Ni consigue contentar al crítico seguidor, por desperdiciar no sólo a Thor sino a todo lo que le rodea (lo de los 3 guerreros y Sif es de risa) ni al neófito, que no ve más allá que otra hueca historia de chico idiota y engreído (en este caso Dios idiota y engreído, pero para el caso es lo mismo) que se redime por el amor en un abrir y cerrar de ojos, rodeado de puñetazos, explosiones y un peligro que amenaza al mundo, es decir, lo mismo de una y mil veces. Da la sensación de ser una película sin alma por culpa de que alguien estrechó las miras de un proyecto que de pretender ser bueno, debiera haberse rodado o bien en dos partes o en una con al menos 30 min más que le dieran coherencia al conjunto, pero que parece haber sido cortada para no resultar pesada y que consigue un producto del montón con unos mimbres tremendos. Es como si para construir un coche elegimos ruedas de camión, el motor de un Rolls-Royce, la carrocería de un Aston Martin, pretendemos que lo pilote Fernando Alonso y lo ensamblamos con tornillos de IKEA en 30 min (con todos mis respetos hacia la compañía Sueca). Por muy bueno que sea el piloto, eso no hay manera humana de hacerlo andar de manera decente aunque cada parte sea excepcional. Por desgracia este Thor más que Dios del Trueno se queda en Colega del Mazo Gordo y eso no tiene perdón de Dios, digo de Odín.


Ahhhh, se me olvidaba, no os vayais cuando salgan los créditos (por lo menos los seguidores de comic)  :disimu


Lo Mejor:

    - Ver a Portman en pantalla siempre es agradable para ellos.

    - Ver a Hemsworth será agradable para ellas.

    - No se hace larga pese a sus casi 2 horas.



Lo Peor:

    - Le falta mucha “chicha” a la historia.

     - Desperdiciar el talento que había.
     
     - Que no se sepa si es culpa del Director o de la Productora.



Nota: 5,5

P.D. La nota es incluso susceptible de bajar


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