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"El Séptimo Arte" opina / La escena favorita de... Xiry
« en: 28 de Noviembre de 2011, 10:49:19 pm »
La verdad es que esto de la escena, como habéis dicho casi todos, es un quebradero de cabeza, así que no me he querido complicar mucho y he ido sobre seguro, una que sí que es de mis favoritas, como no; solo que al principio estuve pensando en algo menos conocido, pero vaya, ¡qué demonios! si es lo mejor lo es y punto.

No sé si hará falta mucha presentación este hombrecito, bueno, lo sé, no -o no debería-. Se trata de 'Luces de ciudad', una de mis películas favoritas y la mejor de Chaplin para muchos (Y aunque fuera de lo peor suyo seguiría siendo muy bueno).
Aquí nuestro Charlot está bastante pobre, como casi siempre, así que se tiene que buscar la vida como buenamente pueda, y si es luchando en un combate de boxeo no por ello se va a rendir. Además, hay cierta mujer a la que adora y quiere satisfacer, pero necesita algo de dinero.

Se trata de una escena de esas que hacen de Chaplin uno de los mejores comediantes de la historia, con cuatro gags consigue sacarnos la risa como sea. No necesita más armas que lo poco del ring, alguien a quien dar y su mera persona para llevar a cabo la que es para mí una de as escenas más divertidas del cine.

Atención especial al protagonismo del árbitro jijiji.

<a href="http://www.youtube.com/v/OgAxWIbTqCs" target="_blank" class="new_win">http://www.youtube.com/v/OgAxWIbTqCs</a>

Vista ya espero que os hayáis divertido y, si no la habéis visto, que os entren ganas. En caso contrario me puedo volver muy loco y ponerme a arrancar cabezas, pero vamos, que no pasa nada...
A ver si de paso le abro los ojos a algún hereje, si lo hay, de una vez y si inicia con Chaplin, el cine mudo y todo el mundillo.

Me quedo con los momentos del tortazo del árbitro, del "ring" de la campana y con la tristeza que el pobre Charlot debería emanar en cada escena así, pero en cambio nos lo hace ver con alegría.

2
Cine clásico y contemporáneo / Cadenas rotas (1946)
« en: 23 de Noviembre de 2011, 05:23:09 pm »
Cadenas rotas
Great expectations (1946)


Ficha técnica:
AÑO:             1946
DURACIÓN:       118 min.
PAÍS:                    USA
DIRECTOR:   David Lean
GUIÓN:        David Lean, Ronald Neame, Anthony Havelock-Allan, Cecil McGivern, Kay Walsh (Novela: Charles Dickens)
MÚSICA:      Walter Goehr
FOTOGRAFÍA:     Guy Green (B/N)
REPARTO:     John Mills, Valerie Hobson, Martita Hunt, Alec Guinness, Jean Simmons, Bernard Miles, Francis L. Sullivan, Finlay Currie, Anthony Wager, Freda Jackson
PRODUCTORA:   Universal Pictures

Sinopsis:
El hijo de un humilde herrero es enviado a educarse a Londres gracias al dinero de un benefactor cuya identidad desconoce.


Comentario:
Grandes esperanzas (De su título original, mucho más acorde con la idea), viene de la mano de un David Lean ya famoso, con su Breve encuentro, y que inicia una nueva etapa, después de trabajar adaptando obras de Nöel Coward bajo su supervisión, bastante corta, de dos películas, que consiste en adaptar obras de Charles Dickens.

Great expectations no es lo primero que pensamos al oír Dickens, pues se nos viene a la cabeza Oliver Twist (La otra película suya de Lean), Cuento de navidad, o David Copperfield, pero eso no es problema para que se convierta la novela en un éxito en pantalla, para muchos la mejor adaptación de una obra del escritor inglés.

Tengo que admitir, muy a mi pesar, que, al acabar de verla no me dejó tan buena sensación como suponía que me iba a dejar en un principio, y así al acabar la cosa olía a muy ligera decepción, pero escribiendo esto y recordándola, como pasa con las películas merecedoras y buenas de verdad, ha subido mucho mi idea sobre ella. de hecho, no se me ocurre nada malo, la sensación que me dejó al acabar de que esperaba algo más (No mucho, quiero resaltar; que no parezca que ha sido un desastre, ya se ve en mis palabras; que tenía muy muy altas expectativas para la que pensaba que iba a ser la gran sorpresa de la filmografía de Lean, y lo ha sido) ya casi ni está patente.

La película comienza perfectamente, un inicio prácticamente ideal. Un niño, nuestro Pip, pasea por un cementerio, ambiente gótico, aparece un hombre (Menuda aparición)... Y es que es un escenón, en gran parte culpa de la fantástica ambientación, fascinante en toda la peli, especialmente en cierta mansión, ambiente formado por una fotografía y una dirección artística ganadoras del Oscar ese año. A eso le añadimos el vestuario y diferentes accesorios, que hacen los personajes cada uno más pintoresco que el anterior, con sus vestidos barrocos, sombreros de copa, bastón y pajarita gigante, al más puro siglo XIX. La música acompaña correctamente también, menos no se podía pedir.
A partir de ese comienzo, la película se vuelve un seguido de sucesos que irán cambiando la vida de nuestro particular protagonista, que, a través de diferentes golpes de suerte, consigue una buena posición social.

De mayor este chico es interpretado por John Mills, en el que, me atrevo a decir, es el papel más importante de su carrera y bien logrado dicho sea paso. Le acompañarán en su historia personajes muy carismáticos y pintorescos, perfectamente representados y muy icónicos, muy "dickensianos" llamémoslo. Entre ellos se encuentran, por ejemplo, una mujer despechada y extravagante que nunca sale de su posesión y que llama a hijos ajenos para divertirse, entre ellos está una muy joven -y muy guapa- Jean Simmons interpretando, solo de niña, a la chica rompecorazones que la otra mujer quiso ser; también contamos con la primera aparición en cine [La foto de arriba] de uno de los actores más poco tenidos en cuenta (en relación a su calidad) hoy en día, sir Alec Ginnes, quien aparecería mucho en películas de Lean, muy joven, que da vida al señor Pocket, el fiel amigo del protagonista; y unos cuantos personajes más que nombraré por encima, como el misterioso -le vamos a llamar, para no spoilear- hombre del parche, el abogado Mr. Jagger o en padre de uno de los abogados, que se divierte diciendo 'Sí'.


A parte de los Oscar ya nombrados, estuvo nominada a Mejor dirección, guión adaptado, y película, nada más y nada menos. Lean se tomó el trabajo muy enserio, era consciente que aquí la película era totalmente suya, tanto que despidió a su cámara original, Robert Krasher -sí, el que hacía unos dos años lo había hecho tan fabulosamente en Breve encuentro- por Guy Green, y no sé como iba el primero, pero al segundo le quedó bastante de maravilla; una obra de esas en las que adoras el blanco y negro y hay que verlas a luz apagada para apreciarlo al 100%.

Si hablamos de escenas concretas no sabré decidirme, hay cada uno divertidísima, emotivísima, esperanzadorísma... Vamos, que diré unas cuantas, pero mañana podría decir otras:
La primera escena sí que es inamovible, sencilla, gótica, clásica... pura. La primera vez que es reclutado para ir a la mansión. Cuando conoce al chico con el que se pelea y la pelea en sí. La clase de modales de Pocket. El anciano del "Sí" jajaja. La revelación y conversación con el abogado sobre la chica. El último momento...

En fin, es una película de aquellas que rezuman magia, son un clásico en el sentido más puro de la palabra, ya no por la edad o por la relevancia si no  por ser de esas películas que ya no se hacen, o no se hacen igual. Una aventura sobre el avance hacia la madurez de un joven, su amor, sus amistades, sus deberes, su honor, su gratitud y, por encima de todo, del logro de sus grandes esperanzas.

7'75



3
Cine clásico y contemporáneo / Una pura formalidad (1994)
« en: 19 de Noviembre de 2011, 02:03:02 am »
Una pura formalidad
Una pura formalità (1994)


Ficha técnica:
TÍTULO ORIGINAL:     Una pura formalità
AÑO:                    1994
DURACIÓN aprox.:    108 min.
PAÍS:                         Italia
DIRECTOR:            Giuseppe Tornatore
GUIÓN:                    Giuseppe Tornatore
MÚSICA:                    Ennio Morricone
FOTOGRAFÍA:            Blasco Giurato
REPARTO:                    Gérard Depardieu, Roman Polanski, Sergio Rubina, Nicola di Pinto...

Sinopsis:
Un famoso escritor que no ha publicado nada en mucho tiempo es detenido por la policía en una noche tormentosa. Sin identificación y con lagunas de memoria, el escritor es sometido a un duro interrogatorio por un inspector que, pese a todo, es un gran admirador de su obra.

Comentario:
No sabía muy bien lo que me iba a encontrar cuando se me recomendó esta película, a simple vista tiene pinta de película policíaca, tal vez de drama judicial o una reflexión de estas tan de moda para intelectuales. Nada, no sé en qué demonios pensaba, porque si acaso se asemeja más a la primera suposición. En realidad se trata de un duelo entre personajes para ver quien lleva razón, o ver quien consigue antes razón.

Y, claro, ¿donde se ha visto un duelo sin dos interpretaciones a la altura?, nunca, y está claro que ésta no será la excepción, pues Depardieu, ya famoso por su nominación al oscar poco antes por Cyrano y por interpretar a Colón con Ridley Scott, y Polanski, quien no aparecía en una película en condiciones desde su conocido Quimérico inquilino, se superan a cada momento, intentando cada uno quedar mejor que el otro en la anterior escena, lo que se convierte en un festín interpretativo prácticamente perfecto.

Giuseppe Tornatore, quien nos deleitaría no mucho tiempo atrás con su Cinema Paradiso, lleva la película por donde hace falta, desde un inicio desorientador, pasando por el desarrollo en comisaría, con unos diálogos maravillosos entre escritor y comisario admirador, y con secundaros breves pero muy importantes, como el escribano o el tío de la leche.

Está plagada de grandes momentos, casi toda la película va seguida de buenas escenas, parecidas, pero todas geniales. Por destacar algunos, nombraré las discusiones primeras, sobre su identidad y sus obras o el intento de escape, sin olvidar, por supuesto, el descubrimiento final, un pelo efectista pero de buena gana disfrutable.
Spoiler (Click para ver)
Si de algo me debo quejar será de la excesiva muestra de las piezas sueltas en su emoria, en forma de puzzle; quiero decir, que sale demasiadas veces, se puede recortar parte.
Algo a destacar también es el ambiente gótico que rodea la comisaría, con algunos personajes que rozan la irracionalidad (Como cuando intentan secar el suelo con toallas y está encharcado) y que junto con la fotografía oscura te meten en la película a la primera.

Así que desde ahora por mi parte se vuelve una película muy recomendable, abierta a debate, y que dará la sorpresa a los más confiados y hará disfrutar a todo aquel que se meta en la historia.

7'5


4
Cine clásico y contemporáneo / El sargento negro (1960)
« en: 07 de Octubre de 2011, 06:09:02 pm »
El sargento negro
(Sergeant Rutledge) (1960)


Sinopsis:
En Arizona, en el Fuerte Linton, se celebra un consejo de guerra para juzgar a un sargento negro acusado de la violación y el asesinato de una joven blanca. El sargento Rutledge, ha sido siempre un militar valiente y ejemplar, un modelo para todos sus soldados, pero ahora el ejército le cree culpable.




Comentario:
El sargento negro. Podemos analizar que es lo que viene siendo esta película de John Ford. Vayamos objetivamente comentando sus cualidades. En la interpretación no hay nada que achacarle, tanto Woody Strode -véase el interrogatoria a él- como Jeffrey Hunter -véase tomado por la ira al final- están geniales en sus papeles protagonistas, pero tiene unos secundarios tremendos, tanto en la parte más dramática, la jover que testifica, los soldados negros o el fiscal como en la comedia que suele acompañar a John Ford en sus películas, para aligerar tensiones, el jurado, el juez y su mujer. Sigamos con la ambientación, que si bien fijándonos mucho, tiquismiquiseando prácticamente, podemos fijarnos en que escenas como las de la casa de las vías son escenarios, no nos podemos quejar (¿Qué digo quejar? eso no se puede pensar) de los maravillosos paisajes del oeste ya bien vistos, pero maravillosos de todas maneras, o la cantidad de trajes militares o de época, de los que me llamaron la atención las señoras del juicio, tan barrocas. Buf, si nos metemos en la dirección ya está todo resabido con Ford como jefe; la música queda muy bien, con sus clásicas canciones del inicio y el final; y un guión sólido e impresionante como los que más.

Entonces, ya queda claro que está hecha genialmente, pero sigamos. Habrá muchas visiones de la película, y no es que te haga pensar ni reflexionar sobre el sentido de la vida, sobre la brevedad del tiempo o sobre la corrupción del mundo, me refiero a destejer la maraña de composiciones del Sargento negro.

¿Es un western, El sargento negro? Creo que queda bastante claro que sí, tanto su ambientación en su época del oeste, con la que debería ya bastar, como por la música y otros factores que saltan a la vista es definitivo que es un western. Pero no es solo un lugar cualquiera en la que desarrollar una acción cualquiera, aunque dicha acción aquí podría dar pie a pensarlo. Es un western también por el comportamiento de sus personajes, el sentido caballeroso de los hombres que reprimen sus emociones, la violencia que requiere un encontronazo fortuito con indios o semejantes, o el ¿desprecio? hacia personajes femeninos (Lo pongo entre interrogantes porque se les desprecia en cuanto a su importancia y a su peso en la película, que es más bien liviano, no porque se las trate mal).

¿Es un drama judicial? Pues casi media película tiene lugar en un juzgado, así que podemos apostar por ello. Es la parte que incluye más momentos cómicos -Give me the water- y la que produce también más emoción dramática. Ciertamente, lo que no es el juicio es el simple 'mira lo que pasó', que sigue siendo genial y emocionante, pero la historia que quieres atar está en el juicio (Es la misma, ya, pero me refiero que allí es donde la esperas). Aquí encontramos a personajes fantásticos como el Juez, su mujer -que madre mía de matrimonio feliz- y el otro miembro del jurado que no hace más que liarla de buena manera.
Y, claro, todo eso incluye el llegar a la solución final,
Spoiler (Click para ver)
Fantásticos los últimos diez minutos de duelo entre abogados.

¿Es un drama sobre racismo? Sinceramente, no. Bueno, sí, cojones, pero no como se tratan ahora, el hecho de que el acusado sea negro no influye en que sea acusado, (Recordemos que le ven salir de los sitios claves, escenas del crimen y tal, si fuera blanco pasaría lo mismo), aunque sin embargo sí que hay muestras de racismo en el fiscal o en otros momentos en que él mismo lo suelta como algo que deja en el aire con su característico "algún día". Por eso creo más apropiado su título original, que solo nombra al pobre sargento, sin mentar su condición, que solo es un medio para más densidad, pero no el camino principal.


Bueno, tratados los tres puntos más fáciles de captar, pero difícil de decantarse por uno solo, ya he visto unos cuántos 'Esto no es un western, es sobre le racismo' o 'No es un western, en un drama judicial', aquí todo el mundo tiene razón, lo es, lo uno, y lo otro, y lo otro. Pero a parte de eso, El sargento negro es espectáculo, ese espectáculo de ¿Que ha pasado en realidad?, de ¿Qué le va a pasar a este ¿pobre? señor?, de ¡Quiero saber más! porque Ford crea perfectamente la incertidumbre, una intriga bastante grande que desde fuera no parece tanta, que hace que cada apartado de la historia te llame más la atención porque sientes que te acercas a la verdad cual Sherlock Holmes, porque no sabes si querrá escapar, si será un supermacho, si habrá justicia; si no, y de qué manera; si el abogado tiene un plan, si se deja llevar por las emociones, si no tiene ni idea, si le quiere ver sufrir llevándolo a juicio o si tiene por seguro una verdad absoluta que desconocemos.

Así que, ¿que pasa con El sargento negro? Pues que hay que verla y entrar en la cabeza de cada uno de sus personajes, que querer descubrir la verdad y de disfrutar con la película, que es, en definitiva, a lo que vamos.

8/10

Ojo a los comentarios de éste póster:



5
Cine clásico y contemporáneo / El espíritu burlón (1945)
« en: 04 de Octubre de 2011, 06:03:17 pm »
El espíritu burlón
(Blithe Spirit) (1945)


Sinopsis:
Adaptación cinematográfica de una exitosa obra teatral de Noël Coward, una comedia con el fantasma de una ex-mujer que viene a incordiar a la nueva esposa de un novelista.

Comentario:
Tercera película dirigida por David Lean y sigue apareciendo en el cartel el nombre destacado de Nöel Coward. Y es que las obras novelísticas y teatrales de éste seguían aún muy por encima del éxito conematográfico de Lean. Aunque no nos vamos a quejar, porque los dos siguen de la mano, y donde uno pone la inventiva y crea una historia, el otro pone la cámara y nos siguen ofreciendo buenas películas. Como he dicho, ésta es la tercera y, de nuevo, cae un cambio de registro, se pasó anteriormente por el género bélico, el drama familiar y aquí paramos en la comedia, para seguir después, con bastante más éxito ya, con la cuarta -y definitiva- Breve encuentro, un drama romántico.

Esta película es de lo más simple, y creo que incluso puede serlo demasiado. Se trata de un escritor que quiere documentarse, para escribir una novela, sobre invocaciones del más allá, y, para eso, organiza una pequeña cena con unos amigos y la anciana/loca/bruja del pueblo. Ahí la han liado, porque la que viene no es ni más ni menos que la ex-mujer, por error, Dios nos libre. Y desde aquí ya no contaré más, pero es que tampoco pasa mucho más, en una hora que le queda parece que se queda como algo muy diluido; evidentemente sí que pasan cosas, algunas bastante divertidas, pero da esa impresión.

En cuanto al tipo de comedia, he de decir que esperaba reírme más, pero de todas maneras me pude adaptar a lo que ofrecía la película y lo pasé bien. Que nadie espere soltar carcajada tras otra que irá muy equivocado, es más tirando hacia una comedia sofisticada con ese toque de fantasía. Y, pensándolo bien, tampoco tiene muchos puntos medios, la mayoría del tiempo o es algo plano o aparecen unos puntazos que recogen otra vez las ganas de verla que se podrían ir desvaneciendo. He de destacar, en Spoiler, eso sí, el último minuto:
Spoiler (Click para ver)
Ese final me hizo que acabara con la risa en la cara, que siempre sube puntos en la sensación del acabar. Así que, con todo, lo dejaremos con el calificativo de "Agradable comedia", donde es probable el reír mucho, de calidad, no de cantidad, pues hay pocos chistes en verdad, pero la sonrisa y esa sensación agradable mientras la ves es difícil de quitarsete.

Rex Harrison lleva muy bien su papel de personaje de altas esferas, muy elegante, como suele hacer. Las dos mujeres hacer muy bien su interpretación, cada una por su lado, bastante diferentes, pero se nota en sus bromas/discusiones matrimoniales. Pero la jefa de la película es Margaret Rutherford, en su papelazo de vieja de la ouija que va en bici a todas partes y entra en trance en sus invocaciones, sin duda el punto fuerte entre personajes.


Cabe mencionar también el hecho de que ganase el Oscar a Mejores Efectos Visuales en su año. Unos efectos que nada llaman la atención ahora, y no me gusta eso de 'pues para su época no está mal' pero es que ésta vez no hay más que decirlo. Además en estos casos siempre es curioso ponerse a pensar como lo hicieron, porque si era superposición no se nota, aunque supongo que sí lo es. la cuestión es que aparece en muy pocos momentos las necesidad de esos efectos, pues se lleva con habilidad el tema de los espíritus, sin que haga falta que atraviesen paredes sin parar para creas la sensación de brujería.

Así que, cambio de registro de Lean, donde el experimento le sale aceptable, bueno, pero tampoco con algo que la haga emocionante o verdaderamente especial. Es una película entretenida y divertida a momentos, sin mucho más que ofrecer pero efectiva en lo que se propone.

6'25/10



6
Críticas de estrenos / Kerity, la casa de los cuentos
« en: 30 de Septiembre de 2011, 05:07:35 pm »
Kerity, la casa de los cuentos


Sinopsis:

Natanaël cumplirá pronto los siete años, pero todavía no sabe leer. Cuando hereda de su tía Eleonor la más valiosa colección de cuentos del mundo, a Natanaël le sienta fatal. Sin embargo, cada uno de esos cuentos contiene un secreto maravilloso, y es que cuando cae la noche, personajes como Alicia, la malvada bruja o el Capitán Garfio cobran vida y salen de las páginas de sus cuentos.
Estos fantásticos personajes avisan a Natanaël de que corren un gran peligro: puede que desaparezcan para siempre jamás, y con ellos las más maravillosas historias que protagonizan, que han entretenido a los niños de todo el mundo generación tras generación.
Para salvar a sus fantásticos amigos y a sus historias, Natanaël tendrá que enfrentarse a grandes peligros e increíbles aventuras. ¿Conseguirá leer a tiempo la fórmula mágica que les salvará a todos?


Comentario:
Podemos coger una poco de Alicia en el país de las maravillas, con una pizca de Toy Story, un ratito de historia de los diminutos, y seguro que un montón de cuentos más, meterlos en la batidora y sacar esta película.

No iba con ganas de verla, la verdad, estaba aprovechando la oferta de los 2€ y era la única tan corta como para empalmar con la siguiente, pero tengo que decir que me entretuvo, lo justo, pero por lo que me ha costado no me voy a quejar.

Kerity, la casa de los cuentos es una película que a priori parece bastante infantil, y, no voy a engañara a nadie, lo es. Hay momentos en los que parece que si no vas a verla en familia con chavalines pequeños te entra un poco de vergüenza por estar viéndola. Sin embargo, esa infantilidad se puede sobrellevar al pasar los momentos puntuales en que aparece, se puede dejar atrás y seguir con la historia, que, no queriendo admitirlo, nos está atrayendo, y lo hace con una historieta que conocemos bien, pues como digo es un batiburrillo de otros cuentos que se prestan a la predicción de lo pasará en la siguiente escena.

Y, como consecuencia de eso, de todo eso, es decir, lo de ser poco original, predecible e infantil, causa el acer en una espiral de tópicos que es inevitable no encontrarse en algo como Kerity, la casa de los cuentos. Es por eso que a muchos, los que valoran por encima de todo originalidad ante entretenimiento, se sentirán bastante asqueados, si bien no se pueden quedar encandilados con la gran maestría del dibujo, porque no la hay, es una animación correcta, sin alardes, un tanto original en este sentido -al menos yo no había visto esta animación antes- y bastante plana. De la música tampoco hay qué decir, la del cuentecito de turno, que ni recuerdo.

Así que queda claro, entretiene su aventura, algunas escenas son hasta disfrutables (Algunos chistes fáciles con los que me reí o bien el final, que era predecible, claro, pero tiene un factor que sí me pilló por sorpresa:
Spoiler (Click para ver)
y en comienzo es algo tierno, recordando a las series de la infancia y tal. Pero vamos, que si no se busca nada más que eso que no se pida, porque no se dará.
Yo le doy un 5'25.


7
Cine clásico y contemporáneo / La vida manda (1944)
« en: 12 de Septiembre de 2011, 07:06:00 pm »
La vida manda
This happy breed (1944)



Sinopsis:
Retrato de la clase media británica narrado a través del discurrir de la vida de los miembros de una familia londinense, Frank y Ethel Gibbons y sus tres hijos, cuyas historias ejemplifican los cambios sociales que tienen lugar a lo largo del periodo entreguerras.

Comentario:
Bonito póster, ¿verdad?, pues sí es bonito, pero no es en esencia la película.
Estamos ante la segunda película de David Lean, quién continúa en compañía de Nöel Coward, con quién compartiría dos películas más, en la producción y en la historia, pues es el autor de la obra de teatro. Pero esta vez Lean trabaja con más libertad, no es como en el primer trabajo, Sangre, sudor y lágrimas, en el cual Coward era la voz cantante; aquí nuestro ya casi amigo David da algo de rienda suelta al talento que poco a poco iremos apreciando. Pero aquí tampoco demasiado, aún. Hablemos ya de la película.

No se trata de una historia de amor, sino de unas cuantas, no se trata tampoco de una historia política, sino de más de un conflicto de ideales, ni es sobre el retorno de un soldado de la guerra, sino sobre una familia a la cual llega un soldado de la guerra. En definitiva, y como reza la película nada más empezar, La vida manda trata sobre la transición de una guerra a otra, años 20 y años 30, desde el punto de vista de una familia. Padre, madre, hijo y dos hijas forman la simple familia Gibbons, unida a un vecino y su hijo y las respectivas parejas de cada uno de los pimpollos. Como son 20 años, muchas cosas pueden pasar, y se juntan todo tipo de asuntos que pueden concernir a cualquier familia de clase media británica.

Tengo que destacar algunas actuaciones, entre los padres, que diríamos que son los más "protagonistas", que lo hacen genial, la hija rubia (Kay Walsh) también está muy bien, pero destaco y, me quedo ya con él, para vigilarlo mucho, y por suerte me lo encontraré en este ciclo Lean: John Mills, que es el hijo del vecino, y como todo hijo de vecino sirve a la patria con mucha honra esperando a su amada; lo borda. Pero vamos, en general el trabajo interpretativo está bastante logrado. Luego viene el guión, que nos suelta grandes duetos de diálogo cuando hay discusión de pareja o entre amigos, las escenas corales no son el fuerte, aunque la película procure tener el sustento ahí; el fuerte es lo dicho, los enfrentamientos de tú a tú, prácticamente todos.

También debo hacer referencia al hecho de que casi toda la acción sucede en la casa, dando énfasis a la situación familiar. La película se abre con la puerta y se cierra con ella, pasando 20 años con sus idas y venidas, pero la casa lo ha visto todo, creo que es otro punto a favor.


Veamos, sin ser una muy buena película, solo tratando de mostrar ese cambio de ideales (Bien representados en cada hermano), historietas amorosas dignas de buen culebrón -me quedo, con la de Mills-, amistad post-guerra con el vecino, otro apartado que me gusta bastante, este film es digno de ver, ya no diré de disfrutar, porqué no sé hasta que punto será posible, pues la he visto más como algo para ver, apreciar y admirar como buena obra que es, que para llegar a emocionar, pero vamos que si ocurre bienvenido sea.

Ahí va mi
6'5

8
Cine clásico y contemporáneo / Sangre, sudor y lágrimas (1942)
« en: 07 de Septiembre de 2011, 08:52:44 pm »
Sangre, sudor y lágrimas.
In which we serve (1942)

Primero de todo:
Este es mi intento, bueno, el comienzo de la intención que tengo de presentar todas las películas de un director, bastante conocido (tampoco descubro mucho), al que últimamente estoy admirando mucho, me he planteado ver su filmografía e ir haciendo/abriendo/completando críticas de cada una de ellas. habréis adivinado, es David Lean. La verdad no sé cuánto tardaré porque algunas ya las vi y no las comenté, con lo que tardarán reverse. Pero bueno, ahí está la intención; empecemos.

Sinopsis:
Trata la vida de los miembros de la tripulación del destructor inglés Lord Mountbatten, que se hundió en el Mediterráneo, tras ser bombardeado en la batalla de Creta.

Comentario:
Paradójicamente, yo que vengo a referirme a Lean, la cabeza de ésta película no es él, sino Nöel Coward, quién también produce, escribe, dirige la música y protagoniza; a lo más Chaplin. Esto se debe, claramente a un potente anuncio de propaganda en pleno año 42, donde no sobran películas como ésta.
Coward fue un renombrado dramaturgo, y ya vemos que si le apetecía sacarse una película de la manga por la patria, dicho y hecho, cojamos a un director novel que, sin embargo, tenga experiencia en el cine editando películas medianamente famosas o bastante, como Pigmalyon, por ejemplo, y pongámonos manos a la obra.

No sé decir de quién se nota la mano, un Lean novato, nada que ver con lo que llevo yo visto de momento (veremos si más adelante podré opinar) y Coward, que, bueno, ya he dicho que tuvo el antojo de una película y no tiene más. De todas maneras poco importa, la dirección es floja, no mala pero tiene fallos que comentaré más adelante, pero, vale, no sale del todo mal el experimento. Lo que pasa es que sale algo irregular, no sabes cuando te cansas de la película porque en un momento te vuelve a llamar la atención y en otro la pierdes o la aflojas de nuevo. Los trabajos actorales están bastante variados, Coward se defiende justo, pero los que se salen son John Mills (Colaborador frecuente de Lean) y una breve aparición de Richard Attenborough. Y el guión es una cosa bastante, -no sé como decirlo, mm- rebuscada, hay un planteamiento con sus, después, vistas de las vidas anteriores de los personajes que acontecen ese comienzo, que se entrecruzan, algo que ahora se usa mucho, pero parece como si entonces no lograran captar el hacerlo correctamente. Pero bueno, tampoco es un desastre.

"Sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor" fue lo que Winston Churchill contestó a la pregunta de qué iba a hacer con respecto a la guerra [Sólo puedo prometer sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor], aunque se dice incorrectamente Sangre, sudor y lágrimas, y por eso ha quedado así; aunque la traducción literal del título viene siendo 'En lo que servimos'. Y creo que esta vez me quedo con el doblado, pues es lo que trata de, y consigue de vez en cuando, transmitir la película. El antes de la guerra {Qué guay, defenderé mi patria a toda costa, menudas juergas de legionario me correré :tititi}, la guerra {Quiero ir a casaaa, espera, mi país me necesita, me tengo que quedar. :'( } y los permisos también tienen su lugar {Cariño, tenemos una semana, aprovechémoslo y recarguemos pilas para que esté a tope en la batalla  :mmm} Pero, fuera coñas, busca de forma seria que veamos una propaganda hacia a la guerra, pero que en según qué escenas se nota la tristeza también, lo que descoloca después de ver las ganas que parecía que quería inculcar.

Encontramos buenas escenas, como los discursos del capitán a toda la tropa, arengas bastante especiales, que me han gustado, de lo mejor del film; cierta escena con una carta hacia el final; disputas en casa, discusión con la mujer, con la madre, con los hijos, ligoteo antes de partir; y los primeros 3 minutos me gustan también, la preparación del barco. Las escenas "malas" no las comentaré, solo por encima, por ejemplo, la balsa desde la cual vivimos todos los flashbacks y sus ataques no me convencen, así como el hundimiento, esa escena de batalla me parece horrorosa. Así que hay para todas las clases de gustos, cosa buena y cosa mala.

Y hasta aquí, la nota creo que va a andar sobre el 5 y medio, no es un mal comienzo para el director ni un mal capricho para el otro, pero para nada una obra importante, aunque sí a tener en cuenta para ver alguna vez.


9
Cine clásico y contemporáneo / Oliver! (1968)
« en: 14 de Agosto de 2011, 02:45:52 pm »
Oliver!

Sinopsis:
En el siglo XIX, un pobre niño inglés, Oliver Twist (Mark Lester) escapa de un orfanato y llega a Londres en busca de fortuna. Allí es reclutado por un granuja llamado Fagin (Ron Moody), jefe de una banda de jóvenes ladronzuelos que roban a los transeúntes.. Adaptación en formato musical de la famosa obra de Dickens.


Comentario:

Quien más quien menos conoce la historia de Dickens, Oliver Twist, y la cosa es que no sabemos si va a dar para un musical o si va a dar para unas dos horas y media de película. Pues yo diría que sí, que estar plagada de canciones no es ningún lastre.
Muchas veces, a mucha gente, el convertir clásicas obras en musicales le huele mal, o, simplemente, los musicales huelen mal a diversa gente. A esto último no se le puede combatir tan fácilmente, pero tal vez puedo decir en favor de la película, que a otros puede que tampoco les vuelva a hacer gracia esto, y es que podría ser perfectamente un musical de disney. La historia es típica de disney: lo que le sucede a un niño huérfano. Las canciones son también muy disney. Los personajes, lo mismo.

Ah! a los personajes quería yo llegar, son muy exagerados todos, o sea, muy para niños, disfrutable para todos evidentemente. El personaje de Oliver Twist hace función de dvd, vamos, que nos lleva por las diversas escenas, canciones y personajes como si fuera un narrador. Tiene importancia él mismo, claro, como no, pero lo mejor es ver como nos pasea por las vivencias de su amigo de ciudad, Dodger, el chorizillo gamberrete enamoradizo y con gracia, Fagin, el mejor de la película sin duda, encarnado por Ron Moody magníficamente; sus canciones son de las mejores y sus coreografías son grandiosas, y es que además su personalidad es bastante única en la película; tenemos a Bill Sikes (Oliver Reed, prácticamente el único que siguió haciendo mucho cine), un personaje que da verdadero miedo a niños y asco a mayores; y para redondear tenemos a la chica de la película, que sin ser tampoco un bellezón, es muy dulce, aunque posee las canciones más olvidadizas.

Obtuvo seis Oscars, nada más y nada menos que a película y director, a banda sonora está bastante claro, sonido y dirección artística, gracias a un decorado de el Londres del siglo XIX muy conseguido. El sexto fue un honorífico para la coreografía, sin duda logrado, como, por ejemplo, podemos ver en canciones como 'Be back soon' o 'Consider yourself'. Y bueno, nominada estuvo también a actor para Moody, que, como digo, está tremendo y para Jack Wild en el papel de Dodger como actor de reparto.

Vamos a las canciones, que es practicamente lo más importante. Bueno, sin prácticamente, seguro, porque de las dos horas y media podría asegurar que una y media sí son de música. Y de todo eso, lo mismo tedian unos veinte minutos, de tantas canciones no se puede pedir tanto. No me podría quedar con una, 'Oliver' 'Consider yourself' con fantástica coreografía y acento de Dodger, 'Pick a pocket or two', 'I do anything', también muy buen Dodger o la chica, con el coche imaginario, 'Be back soon', 'Who will buy', larga pero entrañabilísima, y 'Reviewing the situation', de nuevo con Fagin fascinante.

Nada, sí que puede cansar un rato, que es mucho tiempo de canciones, sí, pero por las que lo valen, la película lo vale también. Canciones subtituladas, por supuesto.

                           7                           

Una promo molona:
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10
Cine clásico y contemporáneo / Cuenta conmigo (1986)
« en: 07 de Agosto de 2011, 02:05:40 pm »
Cuenta conmigo (Stand by me) (1986)


"Nunca he vuelto a tener amigos como los que tuve cuando tenía doce años.
Dios mío, ¿los tiene alguien?"

Sinopsis:
En un pequeño pueblo de Oregón, cuatro jóvenes amigos emprenden una aventura en busca de un muchacho desaparecido. Jugando a ser héroes, el sentimental Gordie, el rudo Chris, el extravagante Teddy y el miedoso Vern se adentran en un ambiente hostil en el que deberán valerse por sí mismos.

Comentario:
Cuenta conmigo es la aventura que todos hemos querido vivir, no muy lejos de la realidad. Es la vivencia de 4 amigos en busca de lo que esperan ver, un hombre muerto. Ganas no les faltan, los medios son suficientes y tienen tiempo de sobra en un verano de esos en los que en la primera mitad das gracias por el descanso del estudio y en la segunda suspiras por volver a estar ocupado. Así que sin ataduras, sin restricciones por donde pueden ir, donde pueden acampar, ni de qué hablar; sentirse libres, una sensación que ansiamos muchas veces experimentar pero pocas veces surge al completo; emprenden su viaje. No es un viaje largo, ni complicado (en cierta medida), ni tampoco peligroso. Es tan solo un viaje de entretenimiento, de emociones, de placer, como he dicho, de libertad.
Menudo rollo que suelto, si solo es una excursión de nada, se puede pensar. Yo no lo veo así, me ha parecido exactamente el rollo que he soltado en el primer párrafo, es una excursión, pero más especial.

¿Por qué es tan especial -a parte del hecho de que están buscando a un muerto-? Lo debería ser si se nos presenta al principio a Richard Dreyfuss observando un periódico entristecido y entonces empieza a contar la historia, puede serlo también por la profundidad de cada uno de los personajes; por los sucesos, desde los que tienen que ver con Kiefer Shuterland hasta los mismos retos que plantea la excursión en sí (La escena entera del pantano es demasiado); o incluso lo sería por lo que transmite, al menos a mí, de volver a esa edad, llamar a los amiguetes, coger mochila y comenzar a andar por la montaña hasta caer rendido, montar una hoguerita y comentar la jugada hasta que entre el sueño.

Es curioso que siendo Stephen King conocido sobretodo por sus novelas de terror, las mejores películas que se basan en sus libros son, la mayoría -respetemos a El resplandor-, dramas sin terror alguno (o apenas), como son Cadena Perpetua, La milla verde, o Cuenta conmigo. Así que ya hay otra razón por la que ésta película se sostiene, goza de una muy buena historia, incluso con historietas de lo más divertidas (La del gordo cometartas que se inventa Gordi es un fantástico descanso a la historia principal). Otra razón:  Rob Reiner, en sus buenos inicios, antes de caer en la comedia romántica de finales de los 90 que le dan un bajón a su carrera (Aunque hace poco haya resurgido con The bucket list o Flipped), lleva lo que nos deja Stephen King por el buen camino, consiguiendo una buena película de un la buena historia que ya teníamos. ¿Más? Podemos añadir las actuaciones de un reparto más que prometedor, encabezado por el desaparecido Wil Wheaton (Sí, es ese de The Big Bang Theory), el -descanse en paz- que iniciaría su carrera hacia el estrellato, River Phoenix, junto con un Goonie con bastantes papeles en los 80, 90 cuando era adolescente (Teddy) y el gordito que ya no lo es tanto con papeles bastante flojeras. Acomapañados de el macarra Kiefer Shutterland o un fugaz John Cushack, al igual que Dreyfuss, los tres con papeles importantes e imprescindibles. Ya acabando, la sazón es la música que suena continuamente, éxitos de los 50 que nos ponen más en onda, emocionarnos y motivarnos y nos hacen hasta menear las piernas cuando no nos ven.
Entre escenas me quedaría con la del tren en el puente y la del pantano, pero todos esos momentos con ellos charlando de cosas sin importancia son demasiado.

Pero bueno, dejémonos de las partes de la película y volvamos a ella entera, que en esencia es lo comentado al principio. ¿Una oda a la amistad? No sé, he visto películas con una amistad más potente. Espera, pero no he visto ninguna con una más real (Bueno, no recuerdo ninguna), como sabemos al final, hay amigos que han calado muy hondo en según que situaciones y luego tan solo les saludamos al verlos por los pasillos del instituto. Con otros sigues en contacto, pero pocas veces es como antes. Evidentemente lo de los 12 años es aquí, puede variar bastante, pero esta película nos deja una de las últimas frases más destroyer de una película, después de haber visto todo esto que han vivido, volvemos Dreyfuss soltándonosla.
Spoiler (Click para ver)
Y es como una patada. Al momento nadie lo piensa, pero es en el recuerdo cuando uno se lamenta o más bien puede enorgullecerse de esos momentos tan especiales entre amigos, que en realidad son los que tienen un gran papel en la formación como persona. Una simple excursión, una acampada en el bosque, una búsqueda de la aventura, todo eso emite la película y lo consigue en un servidor por lo menos.





7'75/10

11
Cine clásico y contemporáneo / La isla desnuda (1960)
« en: 25 de Julio de 2011, 02:53:18 am »
La isla desnuda (1960)


Sinopsis:
Al este de Japón, en la zona que posee el paisaje más bello del país, en un pequeño islote vive una familia: los padres y sus dos hijos. Llevan una vida sencilla y austera debido a la escasez de agua y víveres. Un drama sin diálogos, en el que la imagen adopta el papel de narrador absoluto.

Comentario:
Al leer esa sinopsis lo normal es esperar ver a una familia y su vida en la isla, y no pienso engañar a nadie, es exactamente eso lo que ocurre. Cuando uno se decide por ver esta, o este tipo de películas lo suyo es, como digo yo, ponerse el "chip" adecuado. No se puede esperar más de lo que da, así que lo que hay que hacer es proponerse ver la película, sin querer nada especial, solo lo que dice la sinopsis. Pero, ¿como decirlo? eso es simplemente lo que la hace especial. Fui a verla pensando en un rollo potencial o tal vez algo sobrellevadero que poder comentar haber visto al finalizar y me dio mucho más.

Empieza con una presentación de lo que es la película, pero, ¡espera! si casi toda la película va a ser así. Eso no es una presentación normal, la película ya ha empezado, ya puedes ver como coge forma ella sola. Miras los personajes que salen, miras la isla (que es una birria), miras el mar, miras la costa y no hay más para ver. Aunque eso sí, te queda observar, dejar de mirar solo con un movimiento vacío de ojos y empezar a sentir con la vista y con los oídos; con estos más ligeramente, recordando que la película es sin diálogos, sólo unas palabras sueltas de niños en una escuela o gritos y risas.
Estos personajes que aparecen transportan alimento a su isla, tarea de la que no hay preocupación al perderse algo, pues es repetida varias veces y, extraña pero mágicamente, sin llegar a cansar. Ese es el medio de vida, coger la barcucha y trasladarse de la isla más grande, ya con un pueblo, a su islote, donde habita nuestra familia, con a penas una casa, pero eso sí, bien aprovechada en cuanto a conreo. En nuestra familia (nuestra por llamarlos cariñosamente) encontramos a un padre y una madre encargados de la mayoría de quehaceres y unos chiquillos de apenas digamos 6 y 8 años, tan serviciales y eficientes personajes como los que más.

Y la película sigue y sigue mostrándonos sus vidas, o más bien su vida, ya que existen prácticamente al unísono, con sus idas y venidas, sus tratos con el pueblo y su convivencia, divertida a ratos, más dura a otros; sin mediar palabra, ¿para qué? ya se ve todo, no le tiene que decir al hijo si ha ido bien la búsqueda de agua porque lo ve al venir. Eso me ha abierto otro punto: el llevar el agua puede convertirse en una tarea de tensión absoluta a manos del director Kaneto Shindô, pues el subir hasta su casa con los barriles, uno a cada lado, llenos de agua, resulta un conjunto de escenas largas e increíblemente llamativas, estremecedoras al saber que si se derrama, habrá que volver a la isla grande a por más.

Y es que, a pesar de parecer en un principio lo que podría ser un falso documental, La isla desnuda se convierte en un gran ejercicio de buen cine, solo hay que leer lo que acabo de decir: casi toda la película parece un documental. Por su verosimilitud, por sus actuaciones que me presentaban tres opciones: o bien era un documental (había visto que no) o bien era un papel muy fácil de interpretar o los actores lo bordaban, la pregunta me dejó tan confuso que tuve que comprobar más tarde si esos eran actores de verdad (luego por lo visto el hombre es un continuo colaborador de Shindô en películas más conocidas como Onibaba o El gato negro) y también ayuda a que me parezca lo dicho, una especie de documental, la fotografía muy natural. Pero las magnificencias no terminan, ya que también cuenta con una banda sonora, que sinceramente ahora sabría recordar -y vete tu a saber cuando podré- pero sí que recuerdo que era perfecta para el momento y que un tipejo que tenía al lado no paraba de tratar de tararearla o silbarla.

Más detalles del argumento serían comentarios absurdos si ya han entrado ganas de verla y, si no, tampoco lo harán con eso, por lo tanto solo me queda destacar el último tramo, el motivo por el que había un "casi" delante algunos de los "toda la película". Al verse ya se dará la cuenta de cual es el momento, deja de darnos la lección documental y aparece el atisbo de ficción, que puede descolocar un poco, pero en realidad le hacía falta para no caer en la monotonía hacia la que iba si no venía el cambio, el cambio que en ese momento la diferencia de lo que habíamos visto hasta entonces y que veremos como se desenvolupará en ese momento, otro muy bien llevado.

Así que no, nadie debe esperar un disfrute por todo lo alto, es una película con sencillez que si somos hábiles nos dará lo que promete y si no nos dará lo que a simple vista ofrece. Una película para atreverse y salir satisfecho, una película diferente sin necesidad de innovar, no hará las delicias de nadie que no lo quiera encontrar, pero al menos será una película difícil de olvidar.

La nota no la tengo clara ni casi una semana después de verla, está entre el 7 y el 8.


12
Cine clásico y contemporáneo / La princesa Mononoke (1997)
« en: 19 de Julio de 2011, 12:44:22 pm »
La princesa Mononoke (Mononoke Hime) (1997)


Sinopsis:
Con el fin de curar su herida provocada por un jabalí enloquecido, el joven Ashitaka sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarle del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre la lucha de los animales del bosque contra los hombres prestos a destruir la naturaleza.

Comentario:
Es una premisa más que utilizada en cine de aventuras, aunque esté encubierta, por todo los malos son los que tiene armas más poderosas, y los buenos los que viven de la naturaleza (El señor de los anillos, puede ser un ejemplo de esos); y es que aquí hay otro tema que confunde la premisa, ¿quién es realmente el malo? todos se comportan según su carácter. Podemos suponer que como se titula así y el protagonista se enamora de ella, Mononoke deba ser la heroína, nadie dice que no lo sea, pero se comporta según su ser, también quiere matar por venganza sin piedad; hay otros a los que podríamos considerar malos (los que quieren la cabeza del espíritu) pero también se comportan a su manera, no son malvados en sí. Y hasta aquí uno de los puntos que hacen de 'La princesa Mononoke' una gran película, el comportamiento de los diferentes personajes, redondos, por supuesto, a cada uno muy diferente a otro semblante.

Pero no, no es último, acabamos de empezar. Es ya casi banal comentar sobre el mundo que crea Miyazaki, pero seremos pesados y haremos hincapié. Todas y cada una de las bestias -y otros no bestias- que aparecen tienen su particularidad, lobos, jabalíes (de diversos tipos y, repito, diversa personalidad), humanos, ciervos y entes extraños de toda clase tan particulares del mundo del director japonés. Aquí aún con más poderío visual si cabe, se funde toda imagen para formar el nuevo personaje de la película: la naturaleza como ser, con sus espíritus y monigotes. Fundiéndose además ahí la fantástica música (pocas veces no lo es) de Hisashi, con temas exactos para la película, temas de aventura, pelea y de amor.

'La princesa Mononoke' es presentada, y así se pensó en muchos países, como una película ecologista, se entiende por qué, y, siendo mucho más que eso, no se limita solo a lo que a naturaleza se refiere, si no que posee una historia de guerra, de amor y de venganza. A causa, en gran parte, de eso, esta película es la más violenta y adulta del director, sigue siendo para todos los públicos, pero no es una historia infantil, es una guerra con miembros cortados, mucha sangre (no, no es gore ni mucho menos, pero hay más rojo de lo que nos tiene acostumbrados) y maldiciones que dan un poco de grima por momentos. Por no hablar de los monstruos que podrían causar pesadillas a los más pequeños, el jabalí maldito es un ejemplo.

Y ya entrando más en lo que son escenas concretas que llamen la atención, está plagado de ellas. Desde la primera vez que se conocen los dos protagonistas, ella con la cara llena de sangre, hasta la transformación espectacular del espíritu del bosque; pasando por diferentes batallas que deleitarán a los más belicosos y persecuciones por el bosque a lomos de lobos gigantes corriendo a por jabalíes, habiendo también espacio para buenos diálogos, como me puedo acordar de la conversación entre la loba y Ashitaka sobre el transcurso de la guerra, e incluyendo también comicidad en algunas -tampoco muchas, que es una película bien seria- escenas del graciosillo de turno que no puede faltar.

La magia

La esencia

El sentimiento

Curiosidades:
· Miyazaki hacía sesiones intensivas de dibujo durante la producción, lo que le provocó una lesión y tuvo que terminar la película con la mano vendada. Este hecho está registrado en vídeo-documental "Cómo se hizo la princesa Mononoke"
· Tras una irresponsable edición de una de las películas de Miyazaki: Nausicaä del Valle del Viento, donde el metraje fue editado sin conocimiento ni consentimiento del estudio, este adoptó una política de "tolerancia cero" ante cualquier edición posterior fuera de la marcada por el propio estudio Ghibli, por lo que al oír que Harvey Weinstein, de Miramax, deseaba recortar parte de La princesa Mononoke para hacerla más atractiva en el mercado, uno de los productores del estudio Ghibli le mandó una espada katana auténtica con un único mensaje: "Sin cortes". El director, frente a esa anécdota, se limitó a decir: En realidad, fue mi productor el que lo hizo.


7'75/10

PD: Si tiene que ir en Críticas y no en clásicos movedlo :guiñar

13
Cine clásico y contemporáneo / El increíble hombre menguante (1957)
« en: 13 de Julio de 2011, 04:33:52 pm »
El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man) (1957)


Sinopsis:
Scott Carey (Grant Williams) navega con su mujer en una lancha motora y, mientras ella va a buscar una cerveza, él se ve envuelto en una extraña nube. Unos meses después, Scott empieza a notar extraños cambios en su cuerpo: poco a poco va perdiendo peso y altura hasta hacerse casi invisible. A partir de entonces su vida será una pesadilla, una lucha constante por la supervivencia, en la que los hechos más cotidianos (un gato, una araña) representan para él una amenaza mortal que sólo su ingenio puede conjurar.

Comentario:
Aquí presento, muchos ya la conoceréis, otra de las grandes películas de sci-fi de la época clásica del género. Esta vez se trata de lo que avanza el título, un hombre mengua, es decir, empequeñece, sí, como 'Cariño, he encogido a los niños' y su secuela. En realidad hay bastantes similitudes, siempre teniendo en cuenta el cachondeo de la "moderna".

El increíble hombre menguante se puede dividir claramente en dos partes: lo que yo llamaría como la parte más de drama y de ciencia ficción, que trata sobre como sucede el asunto en cuestión y sobre cómo lo lleva el sujeto y sus seres cercanos, en especial su mujer, que incluye diferentes visitas al médico con explicaciones no muy claras y encuentros con gente semejante a él, o tal vez no tanto; la segunda parte es la que de verdad engancha: como sobrevivir midiendo un palmo o menos. En la segunda parte encontramos peligros y retos inconcebibles desde nuestra altura (bueno, es posible que sí que sean concebibles) que tendrá que ir superando nuestro protagonista en una lucha por persistir en su mundo, que es el nuestro sin apenas darnos cuenta. En resumidas cuentas, el menguado se convierte en un náufrago de los de isla desierta, pero no está en una isla, y desierta lo sería según se mire.

Está repleta de escenas que llaman la atención y que son difíciles de olvidar, persecuciones con gatos, odiseas por encontrar comida, combates con arañas, etc. Lo curioso es que a pesar de ser un gran exponente de la serie B, todo está llevado con bastante buena mano, solo hace falta ver algunas de estas escenas, o simplemente cuando está con su mujer ya menguado, para ver que los efectos especiales del momento no resultaban tan risibles. Si bien es verdad que se nota fácilmente, sí, se nota, no es tan perfecta como parecía que la pintaba, pues se nota en las escenas en que se ve él de más lejos, pero en general la cosa no sucumbe en ese aspecto, podemos fijarnos incluso como se hicieron objetos diminutos gigantescos para que el protagonista fuera enano cual duende.


En otros aspectos no habría nada especialmente destacable, la película es un gran paseo en torno a un extraño fenómeno fantástico que sirve para pasar una ligera agonía en la primera parte y vivir un gran, original y emocionante aventura (dejo ya claro que me gusto mucho más la segunda parte, sin ser desechable la primera, para nada), con una ¿bonita? interesante y ¿innecesaria? metafísica reflexión final sobre lo infinitamente grande y lo ídem pequeño.

Por mi parte, haciéndome disfrutar como un enano y ofreciéndome otra visión de la ciencia ficción, a la que me estoy aficionando, se lleva un 7'25.

14
Cine clásico y contemporáneo / El último hombre sobre la Tierra (1964)
« en: 12 de Julio de 2011, 10:15:07 pm »
The Last Man on Earth (El último hombre sobre la Tierra o Soy leyenda)


Sinopsis:
El Dr. Robert Morgan (Vincent Price) es el único superviviente de una guerra bacteriológica que ha asolado el planeta y convertido al resto de la humanidad en vampiros. Su vida se ha reducido a asesinar al máximo número posible de estos seres sanguinarios durante el día, y soportar su asedio cada noche. Para ellos, el auténtico monstruo es este hombre que lucha por subsistir en un nuevo orden establecido.

Comentario:

Habréis visto muchos Soy leyenda de Will Smith o El último hombre... vivo de Charlton Heston y ya sabréis como va la cosa. Bien, yo no he visto esas dos, así que poco condicionado iba, buscaba una película de terror sesentero tan disfrutable como correcta.
Y eso es lo que es, un disfrute de película, en la que el entretenimiento está asegurado, todo va al grano, si en algún momento se desvía tiene perfecta justificación y aún mejora lo que tienes, que podría caer en la monotonía de no ser por cierto flashback.

Vincent Price interpreta al que él mismo cree 'el rey del mundo', y muy rápidamente se nos presenta ya que por la noche no se debe salir, está lleno de zombis (como les llamaríamos nosotros hoy en día) o, más bien, vampiros, como él los llama. Y no son zombis con ojo y medio sacado ni un mordisco en la frente, los zombis son lo más lógico: Las mismas personas que eran antes, pero mermados por haber (no) muerto. Es una de las cosas más curiosas, el tratamiento de los zombis, uno, por ejemplo, había sido amigo suyo y cada noche va a su casa clamando su nombre.

La ambientación está logradísima, ese blanco y negro con una fotografía que da un aspecto tétrico al asunto, sumado a la gran actuación de Price (Jefe en estas películas de terror de 50s/60s) y una música acorde con el ambiente consiguen dotar a la película de ese misterio, intriga y sostén que la hace una muy buena película.

Ya pasando hacia el final de la película, cuando la cosa cambia bastante, sorprendentemente no se desmorona aun perdiendo poco a poco el aura tranquila de la rutina del último hombre en la tierra, para pasar a algo más de acción, convirtiéndose de pronto en un thriller. Pero como ya he dicho, el nivel es mantenido durante todo el rato, un nivel alto para una buena película, diferente aunque clásica y agradable aunque tétrica.




7/10


15
Juegos / Hilo de comparación de películas (Vol. 6)
« en: 10 de Junio de 2011, 03:17:04 pm »

Me toca a mí esta vez. Presento esta disputa por ver cual de las dos es mejor película y también quien es un drama romántico más completo (Ya que las dos encabezan listas de este género).
Contienen bastantes diferencias, así que será fácil compararlas pero difícil decir cual es mejor, pero vamos allá.

En mi opinión, creo que la historia, con numerosos problemas y aventuras de Lo que el viento se llevó es más completa que la historia de amor en el cine negro de la otra, tiene más cosas, evidentemente por su duración, pero si gusta, que es muy probable, bienvenidas sean sus 4 horas. Con esto no quiero dar a entender que desmerezca Casablanca, doy por entendido que las dos son obras maestras. Por otra parte, otra cosa que pesa a Casablanca es que se hace corta, toso el bastante rápido, excepto algunos momentos que ralentiza, pero que no rebaja nada; y si iba gustando prefieres que no se acabe.

Ya si hablamos de actuaciones tengo que votar en blanco, los 4 principales son maravillosos, si acaso se podría comparar los secundarios, ese policía o Peter Lorre en la de Curtiz o las negras en la de Flemming, pero hace ya bastante que las vi.

Y en cuanto a finales, el de Casablanca es más potente, pero el del viento contiene más momentos para la historia y de hecho, resulta bastante inesperado también.

Las dos magníficas Va, opinemos.



Lo que el viento se llevó... 1 votos
Casablanca...................... 1 votos

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