Mostrar Mensajes

Esta sección te permite ver todos los posts escritos por este usuario. Ten en cuenta que sólo puedes ver los posts escritos en zonas a las que tienes acceso en este momento.


Temas - Jason

Páginas: [1] 2 3 ... 8
2
Gente del cine / Pete Postlethwaite muere a los 64 años
« en: 03 de Enero de 2011, 02:29:58 pm »
Muere a los 64 años el actor británico Pete Postlethwaite

El intérprete fue nominado como mejor actor secundario por su papel en el filme 'En el nombre del padre'




EL PAÍS / AGENCIAS - Madrid / Londres - 03/01/2011


 El intérprete británico Pete Postlethwaite, nominado a los Oscar en 1994 por su actuación en el filme En el nombre del padre, ha fallecido a los 64 años en un hospital del centro-oeste de Inglaterra tras padecer una larga enfermedad. La noticia ha sido dada a conocer hoy por el periodista y amigo personal del actor, Andrew Richardson, aunque el fallecimiento se produjo el domingo.

 Durante meses, Postlethwaite se sometió a un tratamiento para luchar contra el cáncer, aunque durante ese tiempo no abandonó sus trabajos en el cine y el teatro, y siguió trabajando casi hasta el último momento.

El director de cine de Hollywood Steven Spielberg le describió como "el mejor actor del mundo" después de haber trabajado con él en El mundo perdido: parque jurásico y Amistad. También participó en cintas como Sospechosos habituales (1995) y Brassed off (1996).

Una de sus grandes habilidades consistía en interpretar impecablemente personajes corrientes y darles un profundo toque de humanidad.

Postlethwaite nació en el noroeste inglés, en el condado de Cheshire, en 1945, y cursó estudios de magisterio. Posteriormente, decidió estudiar interpretación en la escuela de teatro Old Vic de Bristol.

Empezó su carrera de actor en el Everyman Theatre de Liverpool, donde tuvo entre sus compañeros a actores tan respetados como Bill Nighy, Jonathan Pryce y Julie Walters, actriz con la que mantuvo una relación en la década de los 70.

Postlethwaite, condecorado con una Orden del Imperio Británico en el 2004, era también un miembro veterano de la prestigiosa Real Compañía de Shakespeare.

3
Gente del cine / Muere Dino de Laurentiis
« en: 11 de Noviembre de 2010, 04:12:07 pm »
Muere a los 91 años el productor Dino de Laurentiis

TONI GARCÍA - Barcelona - 11/11/2010

Agostino deLaurentiis (1919, Campania, Italia) no era un hombre fácil. Curtido en las tripas del cine italiano gracias a sus colaboraciones con Carlo Ponti en los años cincuenta de Laurentiis aprendió pronto que el productor, el buen productor, debía ser poco paloma y mucho halcón y a lo largo de su vida llevó ese precepto hasta sus últimas consecuencias: de las catacumbas del neorrealismo a las colinas de Hollywood, con eso estaría todo dicho.

En los últimos rodajes se le veía cansado, puro en boca y muy pendiente de las instrucciones de su esposa, Martha de Laurentiis, un Dino in pectore que hacía de intermediario entre el viejo productor y el director de turno. Su silla -la de Dino- estaba siempre pegada a la del realizador y éste no podía evitar mirar de reojo a derecha e izquierda después de cada toma, buscando la aprobación del tipo del bigote blanco y de su rubísima señora.

De Laurentiis atesoraba en sus alforjas memorables pájaras con señores de la talla de David Lynch, Ridley Scott o David Cronenberg. Esto se debía a la alergia del veterano productor a las "ingerencias creativas", que él consideraba contrarias al alma del negocio y a su afición a las buenas peleas, verbales o de las otras. El ejemplo más famoso de esta curiosa filosofía donde el dinero era la primera y más importante consideración (el arte venía después, un par de escalones más abajo) se produjo con Dune, película que a día de hoy sigue siendo tan maldita como en el momento de su concepción. Cuando se le preguntaba al mencionado Lynch, director de la película, por el asunto en cuestión éste no dudaba en contestar: "esa película no es mía". En cambio cuando se cuestionaba a de Laurentiis por el asunto se limitaba a torcer el gesto, dar una calada al puro e invocar a una memoria fugaz para dar carpetazo al tema. Otras veces se reía, como si al final todo aquello le pareciera una broma sin importancia.

Aún así, a pesar de sus últimos proyectos, rodados en sitios tan alejados de Los Ángeles (donde el cineasta echó raíces después de la descomunal bancarrota de sus estudios en Roma) como Bratislava y Budapest y que en algunos casos fueron a parar directamente al oscuro mundo del formato doméstico, no hay que olvidar que este señor bajito, discreto y de pasos cortos con afición al buen vino y a las mujeres guapas produjo en su momento filmes del tamaño de La Strada (Federico Fellini,1954) , Guerra y Paz (King Vidor, 1956), Serpico (Sidney Lumet, 1973), Ragtime (Milos Forman, 1981) junto a películas de culto tan memorables como Conan El Bárbaro (John Millius, 1982), Manhattan Sur (Michael Cimino, 1985) El ejército de las tinieblas (Sam Raimi, 1992). En su curriculum también sacaban la cabeza títulos como Los tres días del Cóndor (1975), Flash Gordon (1980), La zona muerta (1983) o la mencionada Dune (1984).

A sus 91 años deja a sus espaldas una tropa de enemigos irreconciliables, una maraña de contactos que se fueron esfumando a medida que envejecía y una carrera de más de 160 películas. Dos matrimonios, el primero con la legendaria actriz Silvana Mangano y el segundo con la mencionada Martha, y varios descendientes, entre ellos su hija Raffaella que produce sus propios proyectos en la meca del cine desde 1987.

La estirpe de los productores, ahora sustituida por tipos encorbatados cuya única preocupación son los estudios de marketing y que rara vez asoman la nariz en un rodaje, pierde así a uno de sus representantes más peculiares, un hombre sin ningún afán por resultar simpático que era mitad banquero, mitad cinéfilo y cuyo inglés italianizado fue más que suficiente para plantar ambos pies en Hollywood. No está mal para un tipo que empezó en el mundo del cine haciendo chapucillas cuando apenas contaba con 17 años.

4
20MINUTOS.ES. 01.10.2010 - 09.33 h

La compañía estadounidense Amazon, líder mundial en comercio electrónico y creadora del popular libro electrónico Kindle, podría hacer en breve su desembarco en España. Según informa Cinco Días, el gigante de Internet estaría negociando la compra de la firma europea BuyVip, una de las empresas de e-commerce más importantes en España.

Aunque el consejero delegado de BuyVip negó la noticia, fuentes internas aseguran que la operación ya está en marcha y que concluirá este mismo viernes. La compra, que algunos cifran en 80 millones de euros, supondrá la adquisición del 100% de las acciones de BuyVip por parte de Amazon y la instalación de dicha empresa en España.

Este movimiento estratégico de Amazon vendrá a satisfacer las demandas de miles de internautas españoles que, a medida que el comercio electrónico crecía a nivel mundial, reclamaban la existencia de una oferta local. Una de las posibles ventajas que podría conllevar la creación de Amazon España sería un aumento considerable en el catálogo de libros electrónicos en español.

Con la compra de BuyVip, Amazon no sólo ampliará sus operaciones en España sino también en el resto de países en los que opera la firma: Portugal, Alemania, Austria e Italia. La compañía estadounidense continúa así su expansión por Europa, donde ya realiza operaciones en países como Polonia, Portugal y Holanda.

http://www.20minutos.es/noticia/830287/0/amazon/buyvip/espana/


A ver si se concreta. Sería un bombazo de los que hacen época  :si

5
Actualidad / Muere Satoshi Kon
« en: 25 de Agosto de 2010, 02:31:15 am »
- Muere Satoshi Kon, maestro del anime

Influential Anime Director Satoshi Kon Has Died

Satoshi Kon director of such Anime classics as Perfect Blue, Tokyo Godfathers, Paranoia Agent and Paprika has died at the age of 47.
Kon started his career as a manga artist and editor in Young Magazine, and then made his screenwriting debut with 'Magnetic Rose, a section of the anthology film Memories. Kon made his directorial debut film, Perfect Blue, in 1997, followed by Millennium Actress, Tokyo Godfathers, Paprika and the television series Paranoia Agent. He had been at work on his fifth film, The Dream Machine since 2008. »

IMDb

6
Mundo DVD, Blu-ray y VOD / Gladiator (BD 2009) VS Gladiator (BD 2010)
« en: 19 de Julio de 2010, 01:26:14 pm »
Encuentra las ******* diferencias:

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13

7
Cine clásico y contemporáneo / Ojos sin rostro (1960)
« en: 08 de Julio de 2010, 07:56:17 pm »
Ojos sin rostro




FICHA TÉCNICA:

Título original: Les yeux sans visage.                     
Año: 1960
Nacionalidad: Francia/Italia.
Director: Georges Franju.
Guión: Pierre Boileau   ,Thomas Narcejac, Claude Sautet, Pierre Gascar, Jean Redon (novela).   
Música: Maurice Jarre.
Fotografía: Eugen Schüfftan (B/N).
Reparto: Pierre Brasseur, Alida Valli, Juliette Maynel, Edith Scob, François Guérin,  Alexandre Rignault, Béatrice Altariba .
Productora: Champs-Élysées Productions y Lux Film.                                                                                                                 
Duración: 88 min.
Premios: --.






SINOPSIS:

En plena noche una mujer conduce su vehículo llevando sentado en la parte de atrás el cuerpo de una chica envuelta en un abrigo. Tras arrojarla al río, horas después se descubre el cadáver siendo identificada por su padre, un brillante cirujano parisino. Al mismo tiempo una serie de extrañas desapariciones de chicas jóvenes, todas ellas cortadas por un mismo patrón, está siendo investigado por la policía.


CURIOSIDADES:

  • El título original de la película se menciona en los coros de la canción “Eyes without  a Face” de Billy Idol, perteneciente al álbum “Rebell Yell” (1983).
  • Se estrenó en USA conjuntamente en doble sesión con la película japonesa de terror The Manster.
  • Aunque pasó la censura europea sin problemas en el momento de su estreno, la escena de la cirugía facial  todavía crea controversia.
  • El título con el que se estrenó en USA fue The Horror Chamber of Dr. Faustus (La cámara de los horrores del Dr. Fausto). Curioso considerando que no hay nadie que se llame así en el film.
  • El director Georges Franju nunca la consideró como una historia de terror, sino más bien un relato sobre la angustia.
  • Se estrenó en París un 2 de marzo de 1960.
  • Cuando hizo su aparición en el festival de Edimburgo de aquel año, se dijo que hubo al menos siete espectadores que llegaron a desmayarse en la escena de la cirugía facial. Franju salió al paso de los hechos con un ingenioso comentario: “ahora sé porqué los escoceses llevan falda”.
  • La película se reestrenó  - por  primera vez sin cortes y bajo su título original - en los cines americanos en la noche de Hallowen de 2003.
  • Los primeros pases se encontraron con críticas negativas por parte de la prensa especializada. Un crítico francés dijo de ella que era de un género menor e indigna de la capacidad de su director. Franju contestó diciendo que su película era "su intento para que un género menor fuese tomado en serio"
  • John Carpenter sugirió una vez que para elegir la máscara de Michael Myers para Halloween (1978),se fijó en la que llevaba Edith Scob en esta película.
  • Un crítico inglés de The Spectator estuvo a punto de ser despedido por escribir una reseña positiva sobre ella, cuando la reacción de la crítica en general había sido bastante pobre.











COMENTARIO PROPIO:

Otra de esas de los que no recuerdo tener constancia (ni siquiera por nombre) ni haber oído hablar, y una vez vista acabo preguntándome por qué siendo tan buena permanece a la sombra de otras grandes obras a las que poco tiene que envidiar. Porque no me cabe la menor duda de que si hubiera llevado impreso el sello Hitchcock o Clouzot gozaría de una mayor difusión popular.

Ojos sin rostro es cine de terror de alta calidad porque sabe combinar muy bien el suspense y las escenas escabrosas, como las que se viven en la mesa de operaciones, con dotar de profundidad a sus personajes principales, movidos cada uno de ellos por sus obsesiones, sentimientos de culpabilidad/agradecimiento, lealtad o compasión y cuyos actos  sobrepasan con mucho cualquier ejercicio de raciocinio. Todo muy bien llevado en apenas hora y media, con un dominio del tempo estupendo y no exento de buenos y abundantes planos en su acertado blanco y negro.

Podría extenderme más comentado algunas cosillas sobre la historia, pero creo que para verla por primera vez, cuanto menos se sepa sobre ella mejor. Para mí desde luego, una de las de referencia en cuanto a clásicos de terror desde ya mismo.

A disfrutarla  :sonreir



IMDb:7,9/10



8
La cosa tiene TELA  :noo

Enlace a la noticia

9
Cine clásico y contemporáneo / El puente de Remagen (1969)
« en: 28 de Mayo de 2010, 06:34:35 pm »
El Puente de Remagen

 





FICHA TÉCNICA:

Título original: The Bridge at Remagen
Año: 1969
Nacionalidad: USA.
Director: John Guillermin.
Guión: Richard Yates, William Roberts y Roger O. Hirson.
Música: Elmer Bernstein.
Fotografía: Stanley Cortez.
Reparto: George Seagal, Robert Vaughn, Ben Gazzara, Bradford Dillman, E.G. Marshall, Peter van Eyck, Hans Christian Blech.
Productora: Wolper Pictures.                                                                                                                 
Duración: 115 min.
Premios:--.


SINOPSIS: a escasos dos meses del fin de la IIª G.M. Hitler ordena volar todos los puentes sobre el Rin, en un intento de contener la avanzada aliada sobre territorio alemán. Todos menos uno, el puente de Ludendorff en la localidad de Remagen, única vía de escape para el decimoquinto ejército teutón. La 9ª División Blindada americana al mando del Teniente Hartman tratará de hacerse con él a toda costa.



Soldado americano en 1945 en labores de reconocimiento.


El puente auténtico de Ludendorff y plano estratégico de la Operación Lumberjack.




CURIOSIDADES:

  • Los nombres reales de los oficiales y soldados que intervinieron en esta operación no se usaron en la película.
  • El puente usado durante el rodaje estaba en Checoslovaquia - en la localidad de Davle sobre el río Vltava - y la filmación se vio interrumpida por la invasión soviética de 1968. El personal y el reparto fueron trasladados a un lugar seguro en un convoy de 28 taxis, salvo Robert Logan que permaneció en el lugar con el equipo para captar el suceso en imágenes y fotografías. La película acabó de rodarse en Italia (Castelgandolfo) y Hamburgo. Guillermin desafió a todo el que viera la película a que intentase distinguir qué partes habían sido rodadas en cada uno de los lugares.
  • Ante la imposibilidad de rodar en el auténtico lugar de los hechos, la ciudad checoslovaca de Most ofreció parte de su ciudad para acoger la producción estadounidense. Definitiva para aceptar la oferta fue la posibilidad que tenía Guillermin de destruir prácticamente todos los edificios que quisiera, ya que esa zona se encontraba sobre un importante suelo minero e iba a ser arrasada en los próximos meses para explotarlo. Esto permitió obtener algunas de las mejores secuencias de destrucción para un film bélico. A pesar de ello, se abstuvieron de volar la antigua sede del partido comunista para evitar problemas con los rusos, que ya se encontraban preparando la invasión del país.
  • United Artist gastó 250.000$ para construir un túnel del lado este del río Vltava, similar al que tenía el de Ludendorff.
  • Checoslovaquia había empezado a preocupar a Rusia porque consideraban que sus valores estaban volviéndose demasiado liberales. En un intento de justificar lo que iba a ser la inminente invasión, agentes soviéticos extendieron el rumor de que las tropas americanas de la película eran reales, y publicaron las fotos de los tanques M24-Chaffee circulando por las calles checas. Las “tropas” americanas estaban conformadas en su inmensa mayoría por estudiantes de la zona contratados como extras. Tras expulsar al equipo de trabajo, los periódicos comunistas dijeron que el rodaje no era mas que una operación encubierta de la CIA.
  • Otro factor determinante fue la relativa facilidad de la que disponía ese país para proveer al rodaje de auténtico material bélico nazi que usar durante el film, difícil de encontrar en otros lugares.
  • El nombre real de la operación para capturar el puente, era “Operación Lumberjack”. Se enmarcaba dentro de la estrategia aliada para capturar ciudadades alemanas como Colonia y crear una vía de paso a través de la región del Rin. El 7 de Marzo de 1945 el Teniente Karl H. Timmerman de origen alemán y el Sargento Alex Drabik fueron el primer oficial y soldado aliados respectivamente que lo cruzaron, tras fracasar la voladura del mismo por los nazis.
  • Hitler, enfurecido por el fiasco de la voladura, ordenó destruirlo a toda costa en los días siguientes. Se usaron la últimas bombas V-2 e incluso se enviaron submarinistas a minarlo. El 17 de Marzo de 1945, diez días después de su captura, el puente colapsó tras el continuo bombardeo al que había sido sometido. Habían conseguido cruzar más de 8000 soldados americanos.
  • El comandante Scheller, los mayores Herbert Strobel y August Kraft y el Teniente Karl Heinz Peters fueron sentenciados a muerte por el fracaso de Remagen. El capturado capitán Willi Bratge fue sentenciado en ausencia.
  • El puente auténtico medía 325 de longitud y se elevaba 14,8 metros sobre el Rin. Su punto más elevado se situaba a una distancia sobre el mismo de 29,25 metros, y contaba con dos vías para ferrocarril y una pasarela peatonal.
  • Fue el último trabajo completado por Peter Van Eyck antes de morir, justo a falta de un día para cumplir los 58 años.
  • La batalla está ciertamente dramatizada, al estilo Hollywood. En realidad la resistencia en la conquista del puente no fue tan encarnizada como se muestra, pero sin ella, la película no sería tal.
  • Algunos de los Jeeps llevaban una barra vertical en el capó. Esto era para cortar los posibles cables “invisibles” colocados entre los árboles por el enemigo para decapitar a los soldados americanos.
  • Aparte de este film, el puente es retratado también en varios videojuegos como Panzer Front para Playstation, Call of Duty: Finest Hour y Medal of Honor: Allied Assault







COMENTARIO PROPIO:

Este es un clásico bélico poco conocido - yo al menos no lo había oído nombrar hasta hace relativamente poco tiempo - pero que cuenta con algunas cosas bastante destacables que en mi opinión lo elevan bastante por encima de la etiqueta de  “interesante”.
Para empezar sorprende la introducción al suceso en el que se basa, la toma del puente de Ludendorff por las tropas americanas el 7 de marzo de 1945. Con unas espectaculares tomas aéreas del convoy de la 9ª división blindada a su llegada a Remagen, abriéndose paso con fuego en movimiento frente a la artillería nazi apostada en la otra orilla del Rin. Ya da una idea de que el realismo en los enfrentamientos va a ser una constante de aquí en adelante, al igual que la fantástica ambientación. No en vano, el caramelito que tuvo John Guillermin para destruir parte de una ciudad real es tan excepcional que bien merecía un esfuerzo. Y vaya si se nota…

Continúa con la presentación de unos personajes bastante quemados con la guerra y lejos del perfil heroico de la propaganda. Poco patrióticos podría decirse y más interesados en hacer lo justo y necesario en su “trabajo” como para poder salir con vida, lo único que importa. Sencillos pero efectivos,  y destacando que el perfil bajo de los actores (habituales secundarios) resulta todo un acierto de casting. Llama también la atención el tratamiento dispensado al bando alemán, humanizado al mismo nivel que los “buenos” tanto en sus virtudes como en sus defectos, que consigue diluir en gran medida los acostumbrados roles asignados en este tipo de películas de aquella época, haciendo casi igualada la contienda en el aspecto emocional entre los que atacan con valentía y los que resisten con tenacidad. Por la parte nazi casi todo el peso recae sobre los hombros de Robert Vaughn, convincente en su papel de mayor alemán al mando de la defensa de Remagen, encontrándose más repartido por el lado americano. Todo esto redunda en la sensación de estar viendo una película que dramatizaciones aparte, parece bastante honesta en este aspecto.

Y tras ello, el acontecimiento histórico de la pelea por el puente, con las suficientes alternativas narrativas de uno y otro lado para – por momentos - resultar apasionante sin llegar a caer en la repetición.
 
Todo amante del género bélico no debería dejar pasar la oportunidad de ver este film, y será complicado que los más reacios no encuentren motivos para salir más que satisfechos con la experiencia.



10
Cine clásico y contemporáneo / ¿Quién puede matar a un niño? (1976)
« en: 02 de Abril de 2010, 09:17:46 pm »
¿Quién puede
matar a un niño?



 




FICHA TÉCNICA:

Título original: ¿Quién puede matar a un niño?
Año: 1976
Nacionalidad: España.
Director: Narciso Ibáñez Serrador.
Guión: Narciso Ibáñez Serrador y Luis Peñafiel (Novela, Juan José Plans).
Música: Waldo de los Ríos.
Fotografía: José Luis Alcaine.
Reparto: Lewis Flander, Prunella Ransome, Antonio Iranzo, María Druille, Lourdes de la Cámara, Roberto Nauta, Miguel Narros, Luis Ciges, Fabián Conde.
Productora: Penta Films.                                                                                                                  Duración: 100 min. (España), 111 min. (USA dvd)
Premios: Premio de la Crítica (1977) en el Festival Internacional de cine fantástico de Avoriaz (Francia).


SINOPSIS:

Un joven matrimonio inglés, Tom y Evelyn, deciden pasar unos días de vacaciones en la costa española, con la intención de hacer turismo y  pasar unos días tranquilos. Nada más llegar el bullicio de las fiestas patronales frustra sus planes, así que al día siguiente alquilan una pequeña barca con destino Almanzora, una pequeña y apacible isla en la que Tom veraneó años atrás. No tardarán en comprobar la razón de la extraña calma que se respira en las calles del pueblo, rota sola por las risas de los niños que lo habitan.


Me parece que va a llover..


CURIOSIDADES:

  • La película está basada en la novela El Juego de los niños, del asturiano Juan José Plans. No es una adapatación del todo fiel, ya que hay varias diferencias a la hora de explicar el comportamiento de los niños y varios personajes fueron obviados en el film.
  • Varias secuencias son homenajes a Los Pájaros (1963) de Alfred Hitchcock. Por ejemplo la escena de los niños sentados en la barca esperando a la madre de varios de ellos, o cerrando el paso de los protagonistas del camino que lleva al puerto.
  • Otra en cambio parece una alusión clara a El Pueblo de los Malditos (1960), cuando podemos ver la influencia que ejercen unos niños sobre otros. La idea general también recuerda bastante a la misma, aunque posee personalidad propia.
  • Más guiños cinéfilos con la alusión a La Dolce Vita de Fel
  • Chicho quería en primera instancia a Anthony Hopkins para el papel de Tom. Al final fue Lewis Fiander el que lo interpretó, y Chicho al parecer no quedo muy satisfecho con su trabajo. Todo lo contrario que con su compañera de reparto, Prunella Randsome.
  • El mismo director hace un breve cameo en la película (al más puro estilo del gordito), cuando informa a la pareja de las fiestas nada más bajarse del autobús.
  • La película se lanzó en Reino Unido bajo dos títulos diferentes de forma simultánea: ¿Matarías a un niño? Y La Muerte es un juego de niños. En Estados Unidos también se optó por algo similar, con los títulos de ¡Atrapados! y La Isla de los Malditos. Otros títulos curiosos que se utilizaron fueron La maldición de Lucifer (también en USA) o Los rebeldes del 2000 (Francia, Grecia y Portugal))
  • Está prohibida en Finlandia y fue censurada en España, Francia, Suecia, EEUU, y Argentina (entre otros).
  • A pesar de que la trama se desenvuelve en una isla, las escenas que transcurren en el pueblo se rodaron bastante lejos del mar. Concretamente en el pueblo de Ciruelos (Toledo), a más de 400 km de la costa. Otras localizaciones fueron Almuñécar (Granada), Sitges (Barcelona) y la isla de Menorca.
  • El sonido de las gaviotas y del mar para esa parte del rodaje en tierras manchegas, se tuvo que añadir más tarde en la postproducción.
  • Fue la segunda película - y última - del director, tras La Residencia (1969), también del género de terror/suspense.






COMENTARIO PROPIO:

¡De qué gran cineasta nos privó la pequeña pantalla! (Y no es porque en su querida televisión no crease geniales diabluras). Ese pensamiento lo tengo desde que hace unos años la tv - irónicamente - me regalase el placer de poder ver las dos obras del maestro Serrador. Y es que esta especie de Hitchcock patrio poco tiene que envidiar a los grandes del género salvo, quizás, la facilidad para trabajar dependiendo de en qué medios y la cuantía de sus obras. Pero hay que ser positivos, mejor esto que nada.
Con ¿Quién puede matar a un niño? hizo su mejor largo a nivel personal, y en mi opinión  toda una muesca como uno de los mejores exponentes del cine de “terror no superficial” de la historia del cine. ¿Es para estar orgulloso o no?

Lo primero que llama la atención son sus largos títulos de crédito, que además de ponernos en situación la historia que sigue - aunque en principio pensemos si no se habrán equivocado grabando el dvd -  impactan por la extrema rudeza de las imágenes y comentarios que los acompañan, todas ellas sacadas de informativos reales de la época y que hacen que se nos caiga un poco a todos la cara de vergüenza. Así  empezamos el visionado con mal cuerpo, bieeennn!!!

Tras siete minutos nos encontramos con la pareja protagonista, un matrimonio inglés bien avenido (ella embarazada de varios meses) con ganas de disfrutar de unos apacibles días de sol y playa en nuestro país. Les vemos sonrientes, felices, interactuando con los lugareños. A menudo tiende a criticarse la falta de acción en este tipo de películas durante los primeros minutos, como si ello fuera un lastre o una mera excusa para alargar la duración de la misma. Como suelo decir, eso solo pasa cuando ese “relleno” es insustancial o no contrasta con lo que vendrá después. Aquí no sucede nada de eso, más bien esa calma funciona como las primeras rampas de un puerto de montaña, que nos sirven para divisar las primeras curvas y darnos cuenta que la cosa va a empezar a ponerse difícil. Ya en Almanzora, esa calma paradisíaca se torna en tensa nada más llegar, con ese niño pescador molesto porque vean el cebo que usa para pescar. En un paraje que recordaría a cualquier buen y clásico duelo de western mejicano (a pleno sol, calles desiertas, ventanas que se cierran a tu paso,  rúas de paredes blancas y casas laberínticas) se despliega el tablero donde llevarse a cabo este juego del ratón y el gato, donde el ratón no sabe que lo es, y donde el gato, seguro de obtener a su presa y de la propia indefensión de esta, juega y se divierte con ella sin clavar sus zarpas – por el momento -. Y como diría la mismísima Mayra Gómez Kemp en el 1,2,3.. “hasta aquí puedo leer” (sin reventar nada).


No sólo estamos ante una magnífica película de terror y suspense, vista en su versión más lúdica. Si no que aquellos que quieran encontrar algo más que arañar tras la superficie, lo encontrará con las interesantes cuestiones morales que planean a lo largo y ancho de la misma: ¿es justo que los indefensos tengan su venganza? ¿Cómo estamos educando a las generaciones futuras? ¿De verdad aprendemos de nuestros errores pasados? ¿Podemos cambiar como raza o estamos condenados por la naturaleza? ¿Hasta qué punto la moral moldea nuestros instintos?

Miedo con llamada a la reflexión para esta cinta de altos vuelos.

A disfrutarla y que no le vean los niños..




IMDb:7,5



11
Críticas de estrenos / Avatar
« en: 18 de Diciembre de 2009, 10:10:49 pm »
Avatar




Sinopsis

 Hace años que los humanos llegaron a Pandora, un planeta donde ambas especies han tratado de convivir sin demasiados buenos resultados. Ante la existencia de un valioso mineral para los intereses terrícolas en pleno corazón de la civilización Navi, la presión sobre la población indígena aumenta, y se aborda un último intento de llegar a una solución pacífica. Utilizando uno de los cuerpos genéticamente creados llamados avatares, el marine Jake Sully intentará ganarse la confianza de los nativos y así evitar ir a la guerra.



Bienvenidos a Pandora

 ¿Qué es lo que has estado haciendo desde Titanic en estos últimos doce años, James? Esa es la pregunta ante la cual el director  James Cameron, uno de los directores más respetados y taquilleros de Hollywood, esboza una sonrisa y responde con un simple "Esto" (por Avatar). Y se nota. Pero vayamos al asunto.

¿Es Avatar la revolución para el cine que tanto se ha anunciado? ¿Realmente es para tanto? Es sencillo contestar a ello. NO. ¿Qué es entonces? Ni más ni menos que una entretenida película con un despliegue técnico inigualable. ¿Y en ese caso qué es lo que la hace diferente? La calidad de sus abundantes efectos visuales - hay escenas extensísimas - combinadas con el efecto 3D, cuya mayor virtud es la de no ser intrusista en el transcurso de la historia, sino un elemento que ayuda a sumergirse en el planeta Pandora más aún como espectador (gran acierto). ¿Cuál es la mejor forma de verla? Obviamente en una sala 3D. Y si es la primera vez que se va a ver una proyección de este tipo y se es fácilmente impresionable, un visionado extra en 2D tampoco estaría de más para bajar el hype (yo levantaba las gafas cada cierto tiempo durante algunos segundos) ¿Merece la pena ir a verla? SÍ. Al margen del apartado visual, tiene los elementos mínimos para ser un buen blockbuster invernal, es accesible para toda clase de público y mezcla bien la ciencia-ficción con la aventura.

Desmenuzada a grandes rasgos, si se analiza más fríamente Avatar es una película que casi todo el mundo ya ha visto sin verla. Una historia lineal y muy predecible de buenos y malos con historia de amor por el medio, repleta de tópicos (hasta en sus críticas y comparaciones con otros films; Bailando con Lobos, El Último Mohicano, etc), sin grandes diálogos, provista de una épica de cadena de producción, con actuaciones que se quedan en correctas (puede que hasta Zoe Saldaña "escondida" tras Neytiri sea la mejor) y con el lastre de no presentar sorpresa alguna. Eso sí, todo limpito, aseado y puede decirse que compacto, sin muchas fisuras visibles (esa Michelle Rodríguez desaprovechada) por donde se escape cualquier clase de olor. Igual que los asientos de Audi. Seguramente lo más acertado en el plano artístico, sea ese mensaje ecologista que lleva impreso, que sin estar marcado a fuego, es lo bastante visible para dar enjundia al conjunto y dotarle de cierta alma trascendente más allá de la rapidez con la que se habrá devorado el bol de palomitas. Muy distintas hubieran sido las cosas si Cameron hubiera tenido güevos (con g) de plantar unas grandes y visibles banderas norteamericanas en los vehículos y uniformes militares (aunque nadie dude de donde vienen). Entonces el espectáculo hubiera adquirido un tinte político - y polémico - con varias lecturas que a mi juicio le hubieran venido bastante bien, ya que si bien es difícil sacarle los colores en algún apartado, esa falta de matices es lo que aleja a Avatar - con mucho - de ser una de las mejores películas estrenadas en 2009. Lo que en definitiva me hace llegar a la conclusión que el resultado final es más bien fruto del esfuerzo ($$$) y del tiempo empleado (muy superior a otras producciones de corte similar), que de un talento único o especial capaz de plasmar una receta que él solo (o muy pocos) conoce(n). Un Ferrero Roché navideño rico, pero con el sabor de haber degustado seis u ocho antes que sabían mejor. Y ese bocado lo conozco de sobra.



6,9/10




 




12
Gente del cine / Fallece Paul Naschy a los 75 años
« en: 01 de Diciembre de 2009, 12:16:00 pm »
JOSÉ EDUARDO ARENAS ABC

Esta misma mañana ha fallecido en Madrid el director, actor, escritor y guionista Paul Naschy. Sus amigos y familiares podrán rendirle homenaje y darle su último adiós a lo largo de todo el día en el madrileño Tanatorio de la M-30, si bien el entierro se celebrará mañana miércoles en Burgos.

Como paradójica coincidencia y jugada del destino, la XIII Muestra de Cine Independiente y Fantástico de Toledo rendía en estos días homenaje a Naschy, junto al recuerdo cinematográfico a Narciso Ibáñez Menta (1912-2004). Mientras esto sucede, Ángel Gómez Hernández se hace con el premio del público en la cuarta edición de la Puesta de Corto del Campo de Gibraltar por “Lágrimas de papel”, donde aparecía Paul también.

A esto hay que añadir que el pack remasterizado con siete de sus filmes se ha agotado en una semana, según una llamada telefónica que la Fnac madrileña hizo al actor… Así era la vida de Paul Naschy, que no su realidad cotidiana, que pasaba por la hospitalización en el Rúber de Madrid para realizar una intervención quirúrgica que pretendía salvarle la vida del cáncer de páncreas que padecía desde hace un año, como ya informó este periódico. Pero no pudo ser y hoy nos ha dejado, con el recuerdo imborrable de sus estupendas interpretaciones.

Al otro lado del espejo. O sea, cuando él dirigía, tampoco ha llegado hasta nuestros días queja alguna de los actores a sus órdenes
Animado hasta el último momento. Pese a todo, su ánimo no decaía. Parecía estar más preocupado de su gente, “en su mayoría jóvenes, muy jóvenes” –y es verdad- que de su salud: “Qué más quisiera que poder estar en Toledo, donde me han dedicado una estatua por mi contribución al cine fantástico… ¡Qué se le va a hacer! Aquí me ve, esperando a que esto pase, si Dios quiere. Usted es una de las personas que mejor me conoce y sabe lo que he podido luchar en la vida para que se tomara en serio el trabajo. Se han necesitado más de 40 años. Ahora prologa mi biografía Christopher Lee o escribe en uno de mis libros Steven Spielberg. Grandísimos y humanos personajes con quienes hablo de vez en vez por teléfono y me dan ánimos. Tengo un proyecto con Lee para trabajar juntos y me lo recuerda frecuentemente”, decía un franco Naschy hace unos días a este periódico.
Junto a él escuchaba Elvira, su esposa y fan número uno. “Siempre juntos. Recuerdo que cuando tenía su pequeñita oficina salió el personaje de Valdemar, que se haría célebre en Alemania. País que salió al encuentro de mi marido para que pudiera hacer «La noche de Walpurgis, El gran amor del conde Drácula», ya que en España no le interesaba a ningún productor de entonces”, continúa ella sin rencor en el gesto.

Y es que hay que ser muy hombre y poseer el talento, educación y voluntad de los que Naschy rebosaba por cada uno de sus poros, para que tras dar el pelotazo en taquilla con las primeras películas pasara a vivir las más degradantes calamidades laborales durante ocho largos años, “en los que nadie se acordaba de mí, no había nunca nadie al otro lado del teléfono para proponer un trabajo, ni se me tomaba en cuenta en el mundo del cine, pese a ser ya reconocido en el mundo entero. Parecía un apestado. Prefiero no recordar nada de aquello, porque en es tu interior el que funciona. Y si pensaba que lo que hacía en el cine podía dar muchas oportunidades a otros españoles, ya que se vendían a todos los países del mundo. Sólo tiene que mirar la cantidad de páginas web que me dedican por todo el planeta. Cómo puedo ser rencoroso viendo a chavales jóvenes que se acercan para que les firme fotos a la vez que sus padres dicen que crecieron viendo mis películas. Guardo muy buen recuerdo de todos los directores con los que he trabajado. No dejo fuera a ninguno”.

Al otro lado del espejo. O sea, cuando él dirigía, tampoco ha llegado hasta nuestros días queja alguna de los actores a sus órdenes en títulos como “Inquisición”, “El retorno del Hombre-Lobo”, “La noche del ejecutor”, “Mi amigo el vagabundo” o “El huerto del francés”. Melancólica y última confesión de Paul Naschy, al que hoy el mundo de la Cultura rendirá homenaje: "Voy a decirle una cosa: Si tuviera que dejar el trabajo, me siento tan orgulloso que me iría feliz. He conseguido lo que deseaba, el poder demostrar que no ha sido baldío”.

13
Cine clásico y contemporáneo / Fugitivos (1958)
« en: 19 de Noviembre de 2009, 09:16:18 pm »
Fugitivos







FICHA TÉCNICA:

Título original: The Defiant Ones
Año: 1958
Nacionalidad: USA.
Director: Stanley Kramer.
Guión:. Nedrick Young & Harold Jacob Smith
Música: Ernest Gold.
Fotografía: Sam Leavitt (B/N).
Reparto: Tony Curtis, Sidney Poitier, Theodore Bikel, Charles McGraw, Lon Chaney,  King Donovan, Cara Williams.
Productora: CurtleighProductions & Stanley Kramer Productions.                                                                                                                 
Duración: 97 min.
Premios: 2 Oscars (1959) a la Mejor Fotografía y al Mejor Guión Original. 13 premios más y 19 nominaciones en total.


SINOPSIS:

Dos fugitivos encadenados aprovechan el accidente del furgón en que eran trasladados para darse a la fuga. En el camino, ambos deberán aprender a superar sus diferencias y prejuicios en busca de la libertad, antes de que la partida de búsqueda los atrape y los devuelva a prisión.




CURIOSIDADES:

  • Elvis Presley quería el papel de Joker Jackson, esperando hacer equipo con Sammy Davis Jr. (que había sido la primera opción para el papel de Noah Cullen), pero fue su mánager quien le persuadió de hacer la película.
  • Tony Curtis insistió en que Sidney Poitier recibiese el salario más alto..
  • Un consejero técnico de la película no aparecía en los créditos, y es que en la vida real fue un prisionero encadenado que también logró fugarse, y en aquel entonces todavía seguía siendo un hombre buscado por la justicia.
  • Toda la música que se escucha en la película proviene de una radio.
  • Los guionistas de la película, Nedrick Young y Harold Jacob Smith, figuran en el reparto como los conductores del furgón de presos, y sus nombres aparecen en los títulos de crédito justo debajo de sus caras, ya que Young por aquel entonces estaba en una lista negra y escribía bajo seudónimo y Stanley Kramer no quería dejar dudas sobre su participación.
  • El director en un principio tenía en mente a Sidney Poitier y a Marlon Brando para la pareja protagonista. Los dos estaban interesados en participar, pero sólo Poitier se encontraba disponible. Brando estaba atrapado en el rodaje de Rebelión a Bordo (1962), una película muy problemática y que parecía no finalizar nunca. Al empezar Fugitivos (1958), Kramer no tuvo más opción que buscar a otro actor para el papel.
  • Tony Curtis puso mucho empeño en hacer el film, ya que veía la oportunidad de cambiar de registro y sorprender, quitándose de encima el rol de chico guapo que solía interpretar. El director Stanley Kramer al principio tenías sus dudas, pero acabó cediendo.
  • Existe un remake, en plan comedia de acción llamada Fugitivos Encadenados (1996), con Laurence Fishburne, Stephen Baldwin y Salma Hayek, bastante flojo y desacertado.








COMENTARIO PROPIO:

Fugitivos es una entretenidísima película carcelaria pero sin prisión. Dos hombres, uno blanco y uno negro, condenados a trabajar juntos pese a su evidente falta de "simpatía" el uno por el otro, al estar unidas sus muñecas por una cadena dueña de sus destinos.

Este punto de partida es aprovechado por Stanley Kramer para elaborar todo un llamamiento al entendimiento entre razas y culturas diferentes, y una profunda historia de amistad forjada a base de superar adversidades. Porque los prejuicios mostrados por el personaje de Tony Curtis hacia los negros, son desnudados de manera brillante con el paso de los minutos secuencia tras secuencia, llegando a la conclusión de que finalmente solo el miedo a lo desconocido y el desconocimiento de aquello que parece diferente, es lo que separa a unas personas de otras, y una vez superada esa barrera no hay nada que impida sacar lo mejor de cada uno para todos juntos remar en una misma dirección, codo a codo desde la más honesta naturalidad.

El racismo, muy presente durante toda la película, no se restringe a los dos fugitivos, sino que es perfectamente palpable el enraizamiento en la sociedad americana de aquel entonces (brutal la escena de ese niño que se refugia en Curtis de la “amenaza” que representa Poitier), y que no extrañaría demasiado si se diese aquí y ahora. Un variopinto elenco de secundarios, como ese sheriff que persigue “personas” mientras el resto caza “animales”, o esa mujer abandonada - egoísta a más no poder - se encargan de dar consistencia al mensaje y variedad a la odisea de los dos prófugos. Por eso y por una factura técnica  impecable, Fugitivos aguanta perfectamente el paso del tiempo, porque podría pasarnos algo parecido a cualquiera de nosotros (en otras circunstancias claro está) a pesar de que más de medio siglo de concienciación y avances en la materia nos separan de su estreno.



IMDb: 7,7


14
La Saga Crepúsculo:
Luna Nueva




Sinópsis

Bella Swan y Edward Cullen siguen con su (des-) apasionada historia de amor, mientras en ella crecen las dudas e inseguridades sobre el futuro que le depara esta relación, ante la negativa de él para transformarla en un vampiro. Llegado el día de su 18º cumpleaños, un incidente en casa de la familia chupasangres, hace que Edward reconsideré su postura, pero no en el sentido que ella hubiera deseado. Abandonada y sumida en una depresión, poco a poco comienza a encontrar consuelo pasando tiempo con Jacob, desconociendo por completo que el destino, en ocasiones, es demasiado caprichoso..


"La Loba Herida"

Al igual que comenté que 500 days of Summer era una peli para ver sobre todo desde la perspectiva de un chico (no tienen nada que ver una con la otra, ¿eh?), esta lo es para las chicas. Los suspiros y gemiditos con los protagonistas masculinos no engañan a nadie (sí, enseñan cacha). Sólo hace falta entrar en una de las primeras sesiones, que tendrán público abrumadoramente adolescente y femenino, para darse cuenta de ello. Lejos de sorprenderme por ello, lo que sí lo ha hecho es que esto no era el gallinero crepuscular de hace casi un año, y al igual que la música amansa a las fieras, esta Luna Nueva parece hacerlo con las hordas teens fans de la saga. No voy a aventurarme a hacer un análisis del porqué, pues esos años ya me quedan lejos y seguro que me equivocaría. Lo que sí puedo afirmar es que sin perder ese espíritu a quien va dirigido, no es el típico producto adolescente que cabría esperarse.

Chris Weitz, ese infame director que perpetró la horrible La Brujula Dorada, se arriesga aquí (desconozco por completo la fidelidad con la novela) con una historia de desamor juvenil durante una hora larga - lejos del romanticismo un tanto torpe y bobalicón de la primera entrega - huyendo en esta parte de la acción y de los efectos especiales - salvo lo justo y necesario - cargando todo el peso de la película sobre el personaje de Bella (arrivederci  R. Pattison. No te echo de menos), en un juego un poco sádico que bien podría ir al compás de la perniciosa letra de Amaral "Sin ti no soy nada", y del que Kristen Stewart (no hace falta decir que sale guapísima, ¿cierto?) se aprovecha para estar presente en un plano sí y en otro también. Todo un ejercicio de contención que sin ser nada del otro mundo, parece acertar en contraste con lo que se preveía como un festival combinado de FX, achuchones y te quieros durante dos horas. Afortunadamente, el frikismo del que hace gala Bella Swan (soy diferente, soy rara) que ya arrastra desde Crepúsculo, hará que ese tremendismo del que adolece no sea trasmitido como un modelo a seguir por la audiencia más joven en su mayor parte (de todo hay en este mundo), y el público más adulto se lo tome como lo que es, un simple cuelgue caprichoso propio de la edad y hasta cierto punto disfrutable desde un inocente masoquismo  :malo. Por el lado negativo, este enfoque hace que la parte de los Vulturi, y en consecuencia la presencia de Michael Sheen y Dakota Fanning se quede casi en anecdótica y pidiendo a gritos un par de minutillos extra. Avanzo que los que esperen una película de acción y aventuras por lo visto en los avances, saldrán profundamente decepcionados. Luna Nueva, con sus fallos y aciertos, es una obra que se toma en serio a sí misma, que sabe a  lo que juega (guste más o menos) y a dónde quiere llegar, y que a pesar de alguna laguna argumental importante
Spoiler (Click para ver)
y de cierta tibieza en la dirección, construye un entretenimiento más que digno de ser visto en pantalla grande, por mucho que el "ínclito" Weitz se pegue un tiro en el pie en los últimos segundos con una final más propio de culebrón venezolano del bueno.

Técnicamente a destacar el trabajo de fotografía de Javier Aguirresarobe, que luce más espectacular - aunque breve - en la parte italiana del film, mucho más luminosa y colorida, y el salto cualitativo dado por el aumento de presupuesto en el apartado de efectos visuales, donde los hombres lobo ("metamorfos" en realidad, según me comentó alguien que leyó las novelas) brillan con luz propia. El apartado sonoro en cambio combina aciertos como el score (acompaña correctamente) con algún que otro desacierto en temas más modernos (emo-góticos de esos) que cantan un poco a los oídos y del todo olvidables. Algo en lo que trabajar urgentemente en un futuro, porque toda serie de películas que se precie de serlo debe tener sonido propio.


6,5/10

15
Cine clásico y contemporáneo / La invasión de los ladrones de cuerpos (1956)
« en: 04 de Noviembre de 2009, 10:49:25 pm »
La Invasion de los
Ladrones de Cuerpos









FICHA TÉCNICA:

Título original: Invasion of the Body Snatchers
Año: 1956
Nacionalidad: USA.
Director: Don Siegel.
Guión: Daniel Mainwaring y Richard Collins (Relatos: Jack Fenney).
Música: Carmen Dragon.
Fotografía: Ellsworth J. Fredericks (B/N).
Reparto: Kevin McCarthy, Dana Wynter, Larry Gates, Carolyn Jones, King Donovan, Virginia Christine, Tom Fadden, Guy Way, Sam Peckinpah.
Productora: Walter Wanger Productions.                                                                                                                 
Duración: 80 min.
Premios: 1994 National Film Registry a la conservación de películas americanas.







SINOPSIS:

El Doctor Miles Bennell regresa a su ciudad tras una conferencia, y se encuentra con algunos pacientes y conocidos que dicen no reconocer a algunos de sus familiares, ya que su comportamiento es completamente distinto al que conocían. Achacado todo a una especie de paranoia colectiva, el Dr. Bennell irá descubriendo que tras ese fenómeno se esconde algo que jamás hubiera podido imaginar y que amenaza las vidas de todos los habitantes del planeta.


CURIOSIDADES:

  • A lo largo de los años, Sam Peckinpah (que aparece brevemente en la película) reclamó que él había hecho cambios de todo tipo en el guión. Los que trabajaron en el film comentaban que si había hecho algún cambio, éste se limitaba a pequeñas líneas de diálogo. Las protestas de Peckinpah llegaron a tal punto que el verdadero guionista, Daniel Mainwaring, amenazó con hacer llegar una queja formal al gremio de escritores de América, y fue entonces cuando Peckinpah desistió. Cuando murió en 1984, varias de sus necrológicas incluían las quejas que hizo referentes a la reescritura del guión de la película.
  • La escena del túnel en que los protagonistas se esconden de la gente del pueblo que les persigue fue rodada en la Cueva Bronson, en el Parque Griffith, aunque los habitantes del lugar la conocen como la Batcueva.
  • Sólo 15000 $ del presuspuesto se destinaron a efectos especiales.
  • Elegida en Junio de 2008 en el puesto 9 por el Instituto de Cine Americano, como una de las 10 mejores películas de ciencia-ficción de todos los tiempos.
  • Becky y Miles parafrasean a Shakespeare en dos ocasiones. “I know a bank whereon the wild thyme blows” pertenece a Sueño de una Noche de Verano. “That way madness lies” es del Rey Lear.
  • El DVD de Universal lanzado en Reino Unido cuenta con otra versión de la película coloreada y con 5 minutos adicionales de metraje.
  • SPOILER

    La película original acaba con el Dr. Bennell en medio de la autopista gritando “¡Sois los siguientes!” ¡Sois los siguientes!” El estudio quería un final feliz que mostrase que los esfuerzos del héroe no eran en vano. Así que añadió un prólogo en el que se ve al protagonista llegando a un hospital para contar su historia, y un epílogo en el que los médicos descubren una de las vainas y uno de ellos alerta al FBI de la situación.






COMENTARIO PROPIO:

La Invasión de los Ladrones de Cuerpos es una ejemplar película en varios aspectos, y que goza de un merecido reconocimiento internacional desde su estreno. No extraña por tanto que cuente con nada más y nada menos que tres remakes a sus espaldas; la película del mismo título de 1978, Body Snatchers (1993) y la más reciente Invasión (2007) con Nicole Kidman como protagonista, aunque con diferentes niveles de popularidad cada una de ellas.

Para empezar, la idea de Siegel era la de plasmar los peligros de una sociedad decadente, abandonada a los designios de un sistema que otorga comodidades a cambio de eliminar la personalidad individual, tradicionalmente librepensadora y enemiga de los gobernantes. Y conseguirlo a través una historia enmarcada en un thriller de ciencia-ficción, rodada con cuatro duros y tan bien llevada es un logro al alcance de unos pocos elegidos, por eso ha dejado huella. Pero es que además, las lecturas paralelas - intencionadas o no - que se derivan de la época en la que fue rodada (finales del periodo McCarthista), resultan tanto o más apasionantes que la idea original del director. Podría calificarse tanto de una película patriótica - la amenaza comunista representada por la estandarización de la población contra la que lucha el héroe americano, amigo de las libertades y la democracia - como de una feroz crítica al intervencionismo/control del Estado en la vida privada de los ciudadanos, en referencia clara al periodo de la denominada Caza de Brujas - en este caso la desesperación del protagonista vendría del hecho de la imposibilidad de luchar contra el sistema, que acaba persiguiendo a aquellos contrarios del o conmigo o contra mí, cuya visión del mundo se mide en términos de blanco o negro - . Esta dualidad ideológica enriquece aún más una historia, que si bien es de corte clásico, conserva un importante trasfondo en la actualidad, de ahí que el calificativo de intemporal no le vaya grande.

Lo que sí que sería de criticar, es la dulcificación argumental que supone los añadidos del prólogo y epílogo por imposición de los estudios, ya que las sensaciones de angustia e impotencia que provoca la obra original (perfectamente visible eliminando esas cortinillas de flashback) acaban por convertirse en alivio, pervirtiendo así el espíritu con el que fue concebida en base a fines puramente comerciales. Una más de las innumerables intromisiones de los que ponen la pasta, pero que afortunadamente en el caso que nos ocupa, se queda sólo en unos “añadidos” fácilmente extirpables.





IMDb: 8

Páginas: [1] 2 3 ... 8
  El Séptimo Arte  
© 2005-2020, www.elseptimoarte.net . Todos los Derechos Reservados. SMF 2.0.17 | SMF © 2011, Simple Machines | XHTML | RSS | WAP2