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Críticas de estrenos / Bajo la piel de lobo
« en: 15 de Marzo de 2018, 11:07:31 am »
BAJO LA PIEL DE LOBO






SINOPSIS: Martín es el último habitante de Auzal, un remoto y pequeño pueblo en las montañas, donde vive en paz con la naturaleza. Desciende hacia los valles dos veces al año, al comienzo de la primavera y al final del verano, donde comercia y consigue provisiones para el resto del año.

Pero un día tiene un tórrido y fugaz encuentro con Joxepi, "la molinera", y tras esto comienza a plantearse seriamente su actitud de lobo solitario. Así empezará a experimentar nuevos sentimientos, unos sentimientos que cuando afloran ya no pueden reprimirse.



CRÍTICA: No todo vale. Por mucho que le duela a Maquiavelo, en la vida hay cosas que necesitan un por qué para que su existencia cobre sentido, algo que también pasa, y puede que con mayor importancia, en el cine. Terrence Malick sólo hay uno, y no se puede usar su talento para fundamentar cualquier propuesta. Esto no significa que se esté oprimiendo la libertad de expresión o que se esté censurando cualquier muestra de arte, para nada. Ruben Östlund lo dejaba claro en 'The Square' cuando la cámara se paseaba por varias salas del museo donde la película tiene parte de su acción, que el arte es de quien lo siente, aunque no sea del que no lo comprenda.

En esta intención contradictoria se mueve 'Bajo la piel de lobo', una película que se pudo disfrutar en el Festival de Cine Europeo de Sevilla y que llega a los cines españoles 4 meses después de la celebración del mismo. El director de la cinta, Samu Fuentes, en la que debería estar considerada su ópera prima, usa a Mario Casas para adentrarse en la figura de los lobos solitarios que viven aislados y casi incomunicados entre nieve, pieles y barbas largas. No obstante, 'Bajo la piel de lobo' es una película fallida porque básicamente se olvida de contar una historia que quizá ni tiene o que quizá sólo Fuentes siente.

Una cosa es contar mostrando, y otra que lo que se muestre no tenga apenas coherencia (y menos cuando se usa como referencia obvia esa magnánima película como es 'El renacido' de Alejandro González Iñárritu). No hace falta hora y media de la vida de un trampero que sólo inhala vida humana cada primavera para cerciorarnos de que, como decía John Milton (y algún otro también), la soledad a veces es la mejor compañía. Si encima la nada desdeñable presencia de Irene Escolar y Ruth Díaz sólo se usa como mejunje para moldear el lado amoroso de la película (que no necesita por otro lado) y además tomando como motor la contención, el resultado termina siendo negativo.

Quizá el error de 'Bajo la piel de lobo' sea que el guión literario cuenta con sólo 3 páginas, o que el proceso en la sala de montaje fue demasiado cruel con la película, pero la cinta fracasa en su intento de reflexión interiorista sobre un páramo que, para más inri, sólo se asoma tibiamente a mirar una ventana más que interesante de este país: la España más rural, lúgubre y arcaica. La decisión de preferir silencios a diálogos termina por hundir a una película que cuenta con una partitura en clave de thriller muy notable y una fotografía francamente destacable (gracias a la ambientación, por supuesto, de los Oscos asturianos). No todo vale en esta vida.

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Críticas de estrenos / Jupiter's Moon
« en: 01 de Diciembre de 2017, 11:10:45 am »
JUPITER'S MOON






Sinopsis: Un joven inmigrante recibe un disparo cuando está cruzando ilegalmente la frontera. Aterrorizado, herido y en estado de shock, Aryan se da cuenta de que es capaz de levitar. Le envían a un campo de refugiados del que escapa con ayuda del cínico Dr. Stern que quiere aprovecharse de su extraordinario secreto. Perseguidos por Laszlo, el enfurecido director del campo, se desplazan continuamente buscando la forma de ponerse a salvo y conseguir dinero. Inspirado por los asombrosos poderes de Aryan, Stern da un salto de fe en un mundo donde los milagros sirven de moneda de cambio...


Crítica: La idea de castigar a Occidente

A una idea hay que cuidarla casi como a la vida misma, o mejor, como a la vida de un amigo. Las ideas son el inicio de todo en este mundo, tengan carácter real o no. En el cine, esta necesidad se antoja más vital que nunca, no sólo porque puede ser el nacimiento de un proyecto en ciernes, sino porque de su cuidado dependerá la categoría de tal proyecto. Así nacen las películas, con una idea, la cual a veces es tan desorbitada que termina funcionando, aunque parezca improbable.

Así nació 'Jupiter's Moon', la nueva película del director húngaro Kornél Mundruczó, cuya idea original es la de darle un superpoder a nada más y nada menos que un inmigrante. Como ya ocurriese en el anterior filme de Mundruczó, 'White God (Dios blanco)', cuando a la historia le toca ponerse el traje de thriller de acción, la película va como un tiro, con una velocidad vertiginosa y a un ritmo desbordante. Su trato de la acción, pura taquicardia, convierten a Mundruczó en el Paul Greengrass húngaro (y casi europeo).

Esta talentosa cualidad del realizador natural de Gödöllö convierte en brutales escenas como la del opening (rodada en un asfixiante plano secuencia) o como la de la persecución en coche (desde abajo del vehículo con una perspectiva subjetiva). No sólo en el aspecto realizador brilla Mundruczó. También acreditado como guionista de la historia -junto a Kata Wéber, con la que colaboró también en 'White God (Dios blanco)'-, la película es intachable a niveles poéticos por su lectura y su trasfondo social.

'Jupiter's Moon' es un cuento intachable sobre los refugiados, un canto valiente y honorable a ojos de una Europa racista, discriminatoria y fronteriza que no tiene otra que quedarse petrificada ante la divinidad que trae la llegada de Aryan, que simplemente quiere ver a su padre, descansar y comer patatas fritas, en ese orden. Un toque de atención al comportamiento hipócrita, oportunista, vil e inhumano de Occidente, pero también una atípica mirada aportada al género de los superhéroes.

Todo empezó siendo una idea, quizá disparatada para unos, quizá con potencial desarrollo en la mente de un director húngaro que ya tenía crédito en Europa por su anterior trabajo (ojo al siguiente para el año que viene con Gal Gadot y Bradley Cooper en el reparto, Max Landis en el guion y David S. Goyer como uno de los mecenas). La idea terminó evolucionado en proyecto, y este ha desembocado en una realidad hecha película, una buena película. Todo empieza con una idea, absolutamente todo.





That's what I say.

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Críticas de estrenos / El Autor
« en: 01 de Diciembre de 2017, 11:08:18 am »
EL AUTOR





Sinopsis: Álvaro (Javier Gutiérrez) se separa de su mujer, Amanda (María León), una exultante escritora de best-sellers, y decide afrontar su sueño: escribir una gran novela. Pero Álvaro es incapaz; no tiene talento ni imaginación... Guiado por su profesor de escritura (Antonio de la Torre), indaga en los pilares de la novela, hasta que un día descubre que la ficción se escribe con la realidad. Álvaro comienza a manipular a sus vecinos y amistades para crear una historia, una historia real que supera a la ficción...
 


Crítica: ¿Todo el mundo manipula?

Todo el mundo escribe, eso es algo que está claro. Todo el mundo ha escrito alguna vez algo, aunque sea un punto o una línea. La extensión y la forma dependen de las ganas que tenga quien escribe. La cosa varía cuando se cambia el verbo, cuando la escritura deja paso a la manipulación. Aquí la frase necesita de los dos signos interrogantes para que no suene a sentencia, ya que evidentemente no está tan claro que todo el mundo manipule. Lo que quedaría sería una muy buena pregunta: ¿Todo el mundo manipula?

Con esta premisa se puede introducir a la nueva película de Manuel Martín Cuenca, un habitual del cine patrio que lleva trabajando desde prácticamente inicios de siglo. De título 'El autor', el filme narra la historia de Álvaro, al que encarna el siempre eficiente Javier Gutiérrez, un hombre que va perdiendo su vida a pasos demasiado seguidos y que se niega a caer a los infiernos, apoyándose en lo único que (cree que) sabe hacer bien, ser novelista.

La película recuerda por momentos a la americana 'El ladrón de palabras', dirigida por los novatos Brian Klugman y Lee Sternthal, y protagonizada por Bradley Cooper. Si en aquella el personaje de Cooper se apropiaba de un texto encontrado para darle sentido a su enquistada carrera como escritor, el de Gutiérrez aquí se apropia de las vidas de su nueva comunidad de vecinos, a la que Álvaro (Gutiérrez) concibe como un horno de personajes por pulir más que por un edificio donde viven personas.

Su tono liviano aproxima al espectador, volviendo su relación con él más cercana. Cuenca, apoyado en las hojas de Javier Cercas (el escritor del libro en el que está basada la película), narra las peripecias que Álvaro vive en su vehículo transitorio entre realidad y ficción con un ritmo tan cotidiano que resulta casi familiar. Esto por un lado resulta un lastre a la hora de generar empaque e impacto, siendo difícil dotar al visionado de algo más que mero interés por la historia.

'El autor' es una película ante todo curiosa, trabajada más en el drama que en el suspense o la intriga, con Javier Gutiérrez doctorándose en eficacia interpretativa, con alegres apariciones en roles secundarios como las de María León o Antonio de la Torre, pero sobre todo, y haciendo honor a la ciudad que acogió uno de sus pases de prensa especiales, con una Sevilla esplendorosa sirviendo como ambientación de la historia. Ya sea escribiendo o manipulando, hacerlo con Sevilla de fondo es un punto a tu favor.





That's what I say.

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Críticas de estrenos / El día más feliz en la vida de Olli Mäki
« en: 19 de Febrero de 2017, 06:56:23 am »
El día más feliz en la vida de Olli Mäki





Lo pequeño siempre ha sido asociado con un sentimiento de cariño. Aquello que es chico de estatura, proporción, duración o incluso esencia despierta una sensación de aprecio instantáneo, como si no hubiese otra alternativa que abordarlo con simpatía y felicidad. "Hay que quererlo" que dicen por el sur. 'El día más feliz en la vida de Olli Mäki' es la personificación cinéfila de este concepto.

La película, mareada entre la comedia y el drama, es un biopic deportivo en torno a la figura de Olli Mäki, cuyo parecido físico con el actor que lo encarna, Jarkko Lahti, es asombroso. En ella se establece una relación irónica entre el final de la misma y el título de la cinta, en un claro juego de palabras. La moraleja del relato es que a veces, en la derrota se haya la victoria, un mensaje inteligente a pesar de la decepción que supone el clímax de la película, la cual fomenta con amor, boxeo y zona de confort la llegada de dicho momento.

De manufacturación finlandesa, 'El día más feliz en la vida de Olli Mäki' ('Hymyilevä mies' en su original) demuestra dos características identificadoras del cine de esta región nórdica; el talento a la hora de reflejar la alternancia de emociones en estados de ánimo y el gusto por el filtro blanco y negro. La dirección es tenue, comedida, al servicio de la historia y del protagonista, al que por momentos se le monitoriza, y junto con una fotografía que aprovecha con inteligencia los claroscuros, aromatizan el filme de un aire clásico bastante llamativo.

'El día más feliz en la vida de Olli Mäki' pasa sin pena ni gloria por nuestro corazón, se paseará sin causar revuelo por los cines de España y probablemente revolotee por tiendas sin levantar sospechas cuando salga al mercado doméstico, pero no por ello supondrá un mal rato de cine de tomar la decisión de verla. Más que eso, se le guardará un cariño por ser, en su pequeñez, extrañamente encantadora.

Nota: 5/10

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Críticas de estrenos / Solo el fin del mundo
« en: 18 de Enero de 2017, 04:59:57 pm »
SOLO EL FIN DEL MUNDO




No es necesario engañarse más: la vida es distinta después de una película de Xavier Dolan. Mucho y variado es el mundo que todavía no ha asistido a una sesión de cine proveniente del que todos llaman “L’enfant terrible”, algo así como una etiqueta para esos niños con más inteligencia, astucia pero sobre todo picardía, que sus adultos al cuidado. No es que corra una prisa mortal de necesidad el tener que ver la filmografía de Dolan, pero sí que, ahora que experimentar con el sentir en el cine está de rigurosa y objetiva búsqueda intencional, se antoja altamente recomendable contemplar una de sus obras para cerciorarse de que este chico de 27 años no es un cualquiera del negocio.

El realizador canadiense brinda con su último trabajo, 'Solo el fin del mundo', un retrato magistral del caos familiar, donde es imposible no verse reflejado en muchas de las distintas situaciones que propone la historia. Un filme que rebosa un estilo de cine íntimo, personal, realista, rico en detalles y minucioso en el plano, y de una clase totalmente innovadora, volviendo a categorizar el género, algo que Dolan lleva haciendo desde su ópera prima, 'Yo maté a mi madre', allá por el año 2009. Es innegable el soplo de aire fresco para el cine europeo que ha supuesto este joven canadiense, y será igual de irreversible su influencia pasada la treintena de edad en el cine americano.

El uso de la música, potenciando la escena a niveles extrasensoriales, es un auténtico escándalo. Sólo alguien como el genio de Montreal es capaz de emocionar retrotrayendo el relato al pasado con Dragostea Din Tei de fondo, o arrollar a un espectador entregado a su merced por el clímax de la película con Moby cuando más que nunca el silencio regenta el visionado. A todo esto se le añade un trabajo de fotografía exquisito, resaltando al personaje en los primeros planos y dándole vida a paisajes interiores y cerrados. Todo obra de André Turpin, colaborador de Dolan en el pasado y creador de la atmósfera visual apabullante de la 'Incendies' (2010) de Denis Villeneuve.

'Solo el fin del mundo' es como la 'Agosto' de John Wells, pero con una histeria rompedora. Es una joya contemporánea, una película espeluzante que reúne muchos arquetipos familiares que sufrían un insufrible hastío talentoso, que aborda temas que son tabú en muchos senos familiares y que se arriesga con valentía sobre la moralidad que emana del conocerse alguien una enfermedad terminal. Xavier Dolan sabe más de la vida con 27 años que cualquiera de los presentes en aquella mañana de Cannes en la que fue abucheado junto a su película, pero quizá duela tanto saber eso, que es mejor callarlo que aceptarlo.

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"El Séptimo Arte" opina / PORRA GLOBOS DE ORO 2017
« en: 08 de Enero de 2017, 06:48:14 pm »
Vamos a animarnos, hombre, que es hoy

MEJOR PELÍCULA DRAMA: Manchester By The Sea
MEJOR PELÍCULA COMEDIA/MUSICAL: La La Land
MEJOR DIRECTOR: Damien Chazelle
MEJOR ACTOR DRAMA: Cassey Affleck
MEJOR ACTRIZ DRAMA: Natalie Portman
MEJOR ACTOR COMEDIA/MUSICAL: Ryan Gosling
MEJOR ACTRIZ COMEDIA/MUSICAL: Emma Stone
MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Mahershala Ali
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Viola Davis
MEJOR GUIÓN: La La Land
MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA: Elle
MEJOR PELÍCULA ANIMADA: Zootropolis
MEJOR CANCIÓN: City Of Stars (La La Land)
MEJOR BSO: La La Land

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General / Es para un amigo..
« en: 18 de Octubre de 2016, 04:13:09 pm »
Nah es en serio, me está diciendo una película con parámetros de búsqueda generalmente reconocibles pero no caigo. A ver si la sacáis vosotros.

Solo recuerdo de la película que trataba de un joven que se acostaba con la mujer de un millonario y este los descubre, el millonario amenaza al joven con arruinarle la vida si no consigue entrar en su casa y robar algo (unas joyas creo), y cuando el joven lo consigue el millonario cierra la casa completamente y le dice que lo va a perseguir y matar. Se que es poca información y como al principio lamento las molestias pero me está volviendo loco. Muchas gracias de antemano!

9
Críticas de estrenos / El hombre de las mil caras
« en: 28 de Septiembre de 2016, 04:07:04 am »
EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS




SINOPSIS: Francisco Paesa (Fernández), ex agente secreto del gobierno español, responsable de la operación contra ETA más importante de la historia, se ve envuelto en un caso de extorsión en plena crisis de los GAL y tiene que huir del país. Cuando regresa al cabo de los años está arruinado y su vida personal atraviesa su peor momento. En estas circunstancias, recibe la visita de Luis Roldán (Santos), ex Director General de la Guardia Civil, y de su mujer Nieves Fernández Puerto (Etura), quienes le ofrecen un millón de dólares por ayudarles a salvar 1.500 millones de pesetas sustraídos al erario público y para brindarle una oportunidad idónea de mejorar su situación económica, vengándose del gobierno español, en una magistral operación digna del mejor espía ayudado de su inseparable amigo Jesús Camoes (Coronado).




CRÍTICA: Si usted, atento y apreciado lector, es, por otro lado, uno de esos ignorantes que sigue predicando la malévola palabra de todos esos cretinos que aplastan cualquier noticia de cine patrio y que refuerzan su porqué en ese tan tópico, violado y falso “porque sí”, no siga leyendo, pues estas líneas pueden fundir las escasas conexiones sinápticas que conforman la única red neuronal que tiene en lo que se le presupone es su cerebro. O para que lo entienda mejor, masticado y tragado, estas líneas pueden ponerle de mal humor o amargarle su actual estado de interés o curiosidad.

Una vez rota la enésima pero más que necesaria lanza a favor de la industria cinematográfica española, lo que atañe a este texto es el humilde juicio de valor de la película que muestra la increíble y fascinante historia de Francisco Paesa, el agente de los agentes secretos del gobierno español. ‘El Hombre de las Mil Caras’ es como ha sido bautizada la cinta, la cual dirige Alberto Rodríguez, uno de los cineastas que se está encargando por talento, trabajo y ganas de aupar al cine español al lugar que se merece en el mundo del séptimo arte, y vaya si lo está consiguiendo.

Allá por el 2014, Alberto Rodríguez, que celebraba el indiscutible éxito de una de las mejores películas españolas del nuevo siglo, ‘La Isla Mínima’, confirmaba que su próxima película contaría la relación entre Francisco Paesa y Luis Roldán, el ex Director General de la Guardia Civil. 2 años después, con la película en la rampa de salida tras ser proyectada en San Sebastián, Rodríguez tiene motivos para seguir festejando un trabajo suyo. ‘El Hombre de las Mil Caras’ es el nuevo cénit con el que topa el doctorado del director sevillano en el thriller. Un cine que se cuenta enrevesado, que se transmite tenso, y que trasciende como obra de elegante sátira didáctica.

El filme se gusta en el juego de intereses que despliega, pero no pierde la acidez de, a la hora del clímax, mostrarse inteligentemente tramposa, tal y como su protagonista, hilando muy fino. Esta tarea no es nada fácil, dado que acompañar el visionado de ‘El Hombre de las Mil Caras’ durante sus dos horas de metraje no es fácil por su complejidad argumental y por la constante que suponen los saltos temporales y espaciales durante su desarrollo. El elemento diferenciador para lograr sortear tal dificultad es la narración en off. Una voz (en este caso la de José Coronado) fuera de pantalla sirve de faro en momentos donde el montaje es frenético y donde ni siquiera el uso de textos de ubicación o de introducción de actos son tan aclaratorios.

Poco se puede decir de Alberto Rodríguez. Todo está descubierto ya de él, salvo el cómo es capaz de seguir cautivando con su cine. Ya con el opening sequence tiene con los ojos enchufados a la pantalla al espectador, y eso sumado a la gran mezcla que forman la deliciosa ensalada de planos variados (incluido su favorito, el cenital) con los paisajes y los cambios de ritmo de una banda sonora fulminante y potente, dan un resultado notablemente remarcable. Señor trabajo en lo sonoro el de Julio de la Rosa, un habitual y fiel de Rodríguez, creando una partitura poderosa, compacta y rompedora en momentos de transición.

Mención aparte merece Eduard Fernández. Su Francisco Paesa recuerda con nostalgia honorífica al Robert Redford de ‘Juego de Espías’. Un tipo que desafía lo temerario con una pasividad insultante, un hombre de tranquilidad ambiciosa. Papel importante, de esos que reviven, refuerzan, cambian o levantan una carrera. Obviamente, Carlos Santos le brinda un soporte en el campo secundario muy notable. La película es mejor con ellos en pantalla que por separado, y el guion se desenvuelve más eléctrico. José Coronado y Marta Eturra suman en su regular corrección y no afean el resultado final del filme.

Quizá la única pega de ‘El Hombre de las Mil Caras’ sea su irregular condensación, por etapas. Existen subtramas y macguffins muy pesados de superar (algo lógico si se es honesto) y que entorpecen el visionado por la pérdida momentánea de interés. Con todo, la película es como el enésimo tiro de Michael Jordan al aro: Puede ser o no canasta, pero qué disfrute ver su mecánica de tiro. ‘El Hombre de las Mil Caras’ es la reivindicación de un talento de la tierra llamado a ser un gigante de las filas patrias, el atmosférico retrato de una de las mentes más vivas que transitó durante tres décadas del siglo XX, y una recreación cinéfila de una época convulsa, corrupta y estafadora de España.








That's what I say.

10
Críticas de estrenos / El Verano de Sangaile (The Summer Of Sangaile)
« en: 09 de Julio de 2016, 07:31:33 pm »
EL VERANO DE SANGAILE



SINOPSIS: Sangaile, de diecisiete años, está fascinada por los aviones de acrobacias. En un espectáculo aeronáutico de verano, cerca del pueblo de sus padres, conoce a una chica de su edad. Sangaile permite a Auste descubrir su secreto más íntimo y en el proceso descubre el amor adolescente y a la única persona que realmente le anima a volar.


CRÍTICA: Hay películas que llegan de sorpresa. Esa es su naturaleza, pertenecer en el saco de la mundanidad cinéfila sin ningún ápice de distinción, hasta que son, de entre muchas otras, las elegidas para un visionado y se muestran con un potencial que tiene lo mismo de brillante que de inesperado. Ese es el caso de ‘The Summer Of Sangaile’, una película con patronaje de festival y con etiqueta de “no interesa a la gran masa”, con carácter mundano y aspecto de apuesta perdedora, pero de un contenido, una calidad y un mensaje (todo en orden ascendente) fantásticos. Es el ejemplo de que no todo es lo que parece.

 ‘The Summer Of Sangaile’, de origen lituano pero de co-producción francesa, es una preciosidad de esas que enamoran desde los primeros 5 minutos de metraje. Tiene incidencias del cine francés remarcables en los brutales toques extrasensoriales que se le dan a los planos, haciendo partícipe al espectador de la escena, invitándole a sumarse a lo que acontece en la misma. Detalles, tactos, anhelos, etc. A aspectos meramente ínfimos se les da una proporción inmensa y se les dota de relieve, porque se perciben, porque se ven, porque se sienten.

La minuciosidad en el trato de la fotografía, con unos planos imborrables, que se pegan horas y horas dando vueltas en la cabeza del espectador por su inenarrable belleza, justifican una merecidísima victoria en Sundance en la categoría de mejor dirección. Alanté Kavaïté narra ese amor inolvidable que es el de verano con una doble visión que brinda condescendencia y dolor en la misma dosis. La mirada enamorada y la mirada de necesidad, el complemento perfecto de cada una de las dos chicas en la otra, la confianza que da sentirse amado, que libera tanto que uno se siente capaz de vencer hasta al más intrínseco de los miedos.

Gran parte de culpa la tiene Julija Steponaityte, a.k.a la preciosa Sangaile, que enmarca todo esto en una actuación emotiva, bella y redonda. Ella es una de las pruebas de que de esto también consta el cine, de saber elegir y de saber equivocarse, de jugársela con algo y perder, o de jugársela con algo y no solo ganar, sino dar sentido por un tiempo al vivir. La elección de Sangaile es Auste, la de usted, querido lector, es una película. No hay que olvidar que equivocarse es un lujo, pues esto siempre será señal de que podemos elegir y de que el catálogo sigue siendo amplio y diverso. Este es el éxito del cine, que siempre hay más de una opción, y que la que menos esperas que te gane, no solo te gana, te enamora.





That´s what I say.

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Críticas de estrenos / Las Mil y Una Noches: Vol.1, El Inquieto
« en: 03 de Junio de 2016, 04:50:49 pm »
LAS MIL Y UNA NOCHES: VOL.1, EL INQUIETO






SINOPSIS: En un país europeo en crisis, Portugal, un director se propone construir ficciones a partir de la miserable realidad que le rodea. Pero incapaz de encontrar sentido a su trabajo, huye de manera cobarde, dejando su lugar a la bella Sherezade. Ella necesitará ánimo y coraje para no aburrir al Rey con las tristes historias de ese país. Con el transcurrir de las noches, la inquietud deja paso a la desolación, y la desolación al encantamiento. Por eso Sherezade organiza las historias en tres entregas. Comienza así: "Oh venturoso Rey, fui conocedora de que en un triste país...". Libre adaptación de 'Las mil y una noches' ambientada en el Portugal de hoy, y dividida en tres películas.



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CRÍTICA: Dice el refrán que quien mucho abarca, poco aprieta. Tiene mucho sentido el dicho, pues el hecho de querer amasar el máximo posible de lo que se pretenda termina por culminar en incapacidad para conseguirlo y, por ende, en desgracia. Miguel Gomes no es partidario de este refrán. Él tenía una idea, una idea sumamente jugosa: expresar la visión de su país natal aliñada de una curiosa adaptación de los célebres cuentos en lengua árabe de tiempos medievales, ‘Las mil y una noches’.

Tan jugosa y densa era su idea que no cabía en una sola película. Tanto tanto de jugosa y densa era, que tampoco cuajaba dentro de una posible secuela. Gomes necesitaba una trilogía, la cual, a riesgo de parecer agoreros, por el olor que desprendía el proyecto en lo que se dejaba visible a los ojos del gran público, era un movimiento muy arriesgado, no exento de valor por supuesto. Un director queriendo retratar a una nación, algo visto con facilidad en cine, ¿pero en 3 películas? La atención, al menos, la había conseguido.

Gomes, en un tríptico abismal sobre la Portugal más decadente, presenta como primer ejemplar 'Las mil y una noches: Vol. 1, El inquieto', una de las películas más indefinibles e indeterminables que se recuerdan. No se puede etiquetar ni establecer un canon de referencia con ella, porque la película es tan singular que transgrede, y es tan peculiar que viola la percepción que se tiene de una película como tal. No se puede ver ni juzgar de manera normal a cualquier otra cinta, pues no se ha visto nada similar antes.

Amén de un prólogo que no interesa a nadie y que hastía, hay, después de rebuscar un buen rato en el baúl de la memoria, cierta similitud con lo que Damián Szifrón lograba en 'Relatos Salvajes', aunque la diferencia principal es que al argentino, al contrario del portugués, no le salía la jugada tan sumamente grotesca. La acidez con la que Gomes denuncia y se queja de la situación institucional portuguesa es lo más remarcable, pero sus cuentos son racionalmente histriónicos. Por mucho que se pretenda, no se puede tomar nada en serio de lo cuenta, ni siquiera cuando se pone dramático.

‘Las mil y una noches: Vol. 1, El inquieto’ es un momento de cine WTF?, una sesión de carcome mental, y no por la dificultad de lo que se ha visto, sino por lo que se ha visto en sí mismo. La pureza con la que Gomes quiere contar su historia trastoca, y sombreros fuera si es su intención y si así es exactamente como quería enseñar lo tocada pero no hundida que está su Portugal, una Portugal de gentes y de historias más que de playas y Ronaldos. La clave está en la condescendencia, y no todo el mundo en esto del cine la tiene, querido Gomes.

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Críticas de estrenos / Mustang
« en: 11 de Marzo de 2016, 06:10:43 pm »
MUSTANG





SINOPSIS: En un pequeño pueblo, al norte de Turquía, cinco hermanas huérfanas de edades comprendidas entre los 12 y los 16 años pasan el verano en un jardín paradisíaco de risas y juegos inocentes sobre las olas del Mar Negro con los chicos de la escuela. Sin embargo, la condición de la mujer en el país no tardará en provocar rumores de inmoralidad y escándalo de las jóvenes, así que sus familiares, a través de la abuela y el tío, deciden hacerse cargo del asunto; esto es, prepararlas y precipitarlas hacia su destino de futuras esposas.


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CRÍTICA: Que nadie se engañe por la omnipresencia que ‘Mustang’ ha tenido en la temporada de premios. Esta película (ópera prima además) francesa dirigida por Deniz Gamze Ergüven es tan exitosa porque está hecha con un tacto emocional sin parangón. Su sonora ovación en su paso por varios festivales como ocurrió en el último SEFF (Festival de Cine Europeo de Sevilla) dan fe de que no es una sentencia muy equivocada. No se puede enamorar más narrando una historia de opresión juvenil en una sociedad represiva y retrógrada.

Tomando el verano como destino paradisíaco inalcanzable, la película va rotando el drama adolescente que viven 5 hermanas que pagan justas por pecadoras por haber nacido en un lugar de categoría rural pero de actitud medieval. La forma en la que se describe el robo de la libertad de simples niñas golpea directo al corazón, urdiendo más en la llaga a través de miradas decaídas, abrazos grupales o risas arrancadas de los angelicales rostros de las muchachas. Esta es la vida en Turquía, donde la condición de ser mujer conlleva la triste violación de su derecho ya no a la libertad, sino a vivir.

A través de la pequeña Lale, la más chica de las 5 hermanas, se denuncia con rigor pero sin dureza a la Turquía más anclada en un ideal machista y totalitario. Otra vez más se pone de manifiesto el talento que tiene el cine francés para emocionar con la más íntima de las sensibilidades a la hora de relatar una historia. La película aprovecha todos los recursos de los que dispone, incluida la música, obra de Warren Ellis (colaborador de Nick Cave en películas de innegable calidad), que rezuma libertad y ansia de vida.

Incluso se permite el lujo de, como ya hiciese Juan José Campanella en la maravillosa ‘El Secreto de sus Ojos’ (2009), usar el fútbol como fórmula de escape de una realidad opresora, aunque ambas realidades sean en su jaula de opresión abismalmente diferentes. No tiene fallos ni peros que poner, solo disfrute y amor por un film inolvidable que a buen seguro seguirá asomando por crónicas, críticas y análisis más allá de este fantástico año 2015 donde tanta gloria ha tocado.





That's what I say.

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Críticas de estrenos / Langosta
« en: 12 de Diciembre de 2015, 05:20:43 pm »
LANGOSTA






SINOPSIS: Una historia de amor en un futuro cercano y distópico donde según las reglas de la ciudad se arresta a los solteros para trasladarlos al Hotel. Allí son obligados a encontrar pareja en menos de 45 días. Si fracasan, son transformados en un animal de su elección y soltados en el bosque.


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CRÍTICA: La idea de criticar al presente con una situación futura es sinónimo, muy generalmente, de éxito. Libros, tesis, teorías y películas fundamentan esta idea crítica en dimensionar una distopía ficcional y futurista para elevar una queja sobre el mundo actual, el cual enorgullece a muy poca gente. El ejemplo más reciente de este recurso es “Her”, maravillosa película dirigida por Spike Jonze, quién destroza el patriarcal estado matrimonial con una historia tan conmovedora como descorazonadora, la del bueno de Theodore y su SO (Sistema Operativo).

Yorgos Lanthimos utiliza este método para, en “Langosta”, abofetear, quebrar y mancillar la figura del matrimonio de una forma casi chanante. Lanthimos se carga a la sociedad contemporánea en una historia versátil, que se desliza sin problemas a lo largo de su metraje, evolucionando y vistiéndose de drama a la vez que de comedia. El director griego mira satíricamente a las relaciones como si fuese algo obligatorio, de infeliz alcance y de naturaleza opresiva. Su humor crítico es la principal baza para no desentonar y para conseguir una atención que jamás pierde y que desde el minuto uno de película deja de ser mera curiosidad.

Obviamente, como lo fuese Joaquin Phoenix en “Her”, la tención debe tener un protagonista. En “Langosta”, el afortunado es Colin Farrell, cuya actuación es excelsa. Su trabajo, de tono insensible (aunque toda la película así lo es) y de atmósfera ciertamente dulce, es una fuente inagotable de regusto, potenciada por secundarios como la bella Rachel Weisz, el nuevo Q, Ben Whishaw, o el siempre profesional John C. Reilly, que brindan interpretaciones las cuales ayudan a que Farrell no tenga el monopolio de la escena, cosa que se agradece pues hay empatía e interés por todo el reparto.

“Langosta”, es, sin lugar a dudas, una demostración de que el humor negro tiene sólidas bases de éxito en el cine y de que siendo cínicos en la comedia es como más atención (de la buena o de la mala, eso da igual) se genera. Una película que parte el molde de lo patriarcal de una civilización que ha instaurado la figura del matrimonio como un deber y que clama contra dicha institución etiquetándola de opresiva y arcaica. Si encima a la dirección se le da un toque wesandersoniano, pues además de buena, la película es bonita, y el espectador, que es siempre el que manda, sale más contento que nunca.




NOTA: 8,5



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14
Críticas de estrenos / La Novia
« en: 12 de Diciembre de 2015, 04:47:23 pm »
LA NOVIA






SINOPSIS: Dos hombres, una mujer, un amor, un deseo más fuerte que la ley y que la naturaleza salvaje del mundo que les rodea. Leonardo, El Novio y La Novia son un triángulo inseparable desde niños, pero Leonardo y La Novia tienen un hilo invisible, feroz, imposible de romper… Pasan los años y ella, angustiada e infeliz, se prepara para su boda con el Novio en medio del desierto blanco, de tierras salinas y yermas, donde vive con su padre. El día anterior a la ceremonia, a su puerta llama una Mendiga anciana que le ofrece un regalo y un consejo: “No te cases si no le amas”, mientras le da dos puñales de cristal. Un escalofrío recorre el alma y el cuerpo de la Novia.


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CRÍTICA: No son fáciles las adaptaciones cinéfilas de clásicos literarios. Nunca lo fueron y nunca lo serán, dado que el elemento que hace triunfar al papel es la imaginación. Un aspecto poderoso, diferencial e inimitable, que lastra indirectamente al cine a la hora de representar la obra que se precie, ya que el séptimo arte cambia la imaginación por la visualidad, y en gran parte le funciona, puesto que un libro podrá tener la imaginación de una fotografía mágica, o la imaginación de una música preciosamente perpetua, pero es el cine quién la muestra de una manera real y tangible, dejando por obsoleta la imaginación. Es obvio que las sensaciones que deja un buen libro no las da una buena película, y viceversa.

Puede que Paula Ortiz, cuando decidió llevar al cine su oda particular a modo de largometraje de la novela de Lorca ‘Bodas de Sangre’, tuviese muy en cuenta este matiz entre imaginación y realidad, tanto, que su realidad es portentosa. ‘La Novia’, que así es como se llama la 2ª película de esta joven directora aragonesa, es la piel estremecida de Federico García Lorca si levantase la cabeza. Con una fotografía alucinante, de una belleza estética indescriptible (bestial trabajo de relieve de Migue Amoedo), y con una Inma Cuesta eterna que capitanea un elenco que tiene a la metáfora por bandera, la película es el mejor producto español del año y uno de los ejercicios más poéticos y bellos de este año 2015.

Proyectada en festivales otoñales, como San Sebastián o el SEFF en Sevilla, la estela que deja a su paso es de estupefacción por motivos de índole diversa y todos positivos; por no aflojar nunca en esa tensión in crescendo desde el inicio de la película, por su narración perfecta, inequívoca, clavando los tiempos de pausa y aprovechando hasta el máximo de los acelerones dramáticos, por su lenguaje tan sensible y cuidado, por sus actuaciones memorables (qué penúltima maravilla firmó Carlos Álvarez Novoa) o por su mimado trabajo fotográfico, de una paz hinchada de sentimiento contenido imposible de recoger mejor. Y lo mejor de todo, nunca hay que dejar de decirlo, es que es cine nacional, por incrédulo que se sea al saberlo.

95 minutos que regalan más que una película un recuerdo, de esos imborrables que son como citas, besos o abrazos que no se van de nuestra mente. Un recuerdo que desgarra desde el más acérrimo de los amores, que solloza y se estremece entre los parajes desérticos de la comarca de Los Monegros y que aprieta y asfixia en la bella pero sin alma región de la Capadocia turca. Una adaptación contemporánea de una de las obras más laureadas y preciadas del poeta sentimental por antonomasia, y que tiene por Inma Cuesta a la imagen y voz de uno de los más bellos y duros cuentos de Destino y romance hechos en toda la historia.



Nota: 9,25




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15
Críticas de estrenos / El Cuento de los Cuentos
« en: 12 de Diciembre de 2015, 04:33:14 pm »
EL CUENTO DE LOS CUENTOS






SINOPSIS: El cuento de los cuentos ambientada en el Barroco, narra, con tintes fantásticos, la historia de tres reinos y sus respectivos monarcas. Desde una reina celosa que pierde la vida por su propio marido, hasta llegar a la misteriosa historia de dos hermanas que ensalzan la pasión de un rey hasta llevarlo a límites insospechables.



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CRÍTICA: La vida está, sobre todo desde su infancia, llena de cuentos infantiles. Disneyha sido la encargada de rellenar nuestra memoria desde mucho tiempo atrás con películas fantásticas e inolvidables como ‘La Sirenita’, ‘Aladdin’, ‘La Bella y la Bestia’ o ‘101 Dálmatas, o recientemente, con cintas maravillosas como ‘Shrek’, ‘Los Increíbles’, ‘Big Hero 6’ o la eterna saga de ‘Toy Story’. Sufábulas, metáforas y enseñanzas han criado y siguen criando a muchas generaciones casi con la misma importancia que lo han hecho y hacen madres, padres o abuelos, pero hay un chico italiano que, no se sabe si en su infancia o ahora en su adultez, ha querido sodomizar a dichos cuentos.

Ese chico, hoy con 47 años, responde al nombre de Matteo Garrone, y en su última película, ‘El Cuento de los Cuentos’, pretende destrozar esa dulzura y encanto que conforman el aura de las películas de marca Disney. El director de la fantástica ‘Gomorra’ fantasea con la disección en pequeños relatos de un universo de fantasía y color donde para que todo siga igual todo tiene que cambiar. La película empieza insoportable, con arcos argumentales realmente grotescos, como el que le toca protagonizar al siempre interesante Toby Jones, pero, para sorpresa de propios y extraños, la cosa cambia, y para bien.

Su vuelta de tuerca es alucinante, y lo que antes era absurdo y cargante, ahora se muestra y se percibe entretenido y mágico. En una versión más optimista y light del universo mental de Guillermo del Toro, la estética de la película, preciosa gracias a la ambientación dimensionada sobre exteriores de auténtico cuento de hadas y a un atrezzo de época espectacular donde no se ha escatimado en gastos, termina por refrendar como positivas esas buenas sensaciones que la película iba transmitiendo tras su primera hora de metraje, terminando por ser una curiosa, peculiar y delirante familia de cuentos fantásticos que amenizan bastante el visionado.

El reparto, encabezado por figuras como Salma Hayek o Vincent Cassel y reforzado por nombres como los de Alba Rohrwacher o John C. Reilly (aunque lo de este último sea prácticamente un cameo), se contagian de esa mejora tanto argumental como de ritmo en la película y consiguen ser personajes más redondos que generan mucho más interés. Incluso Garrone, cerca del epílogo, lanza un puñetazo gore al espectador con un clímax espeluznante. Y es que, al final, la visión de Disney de la vida va a resultar que no es tan entretenida como parecía, o al menos como se la imagina ese chico romano de apellido Garrone y de nombre Matteo.


NOTA: 6.25





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