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Cine clásico y contemporáneo / El cuervo (1942)
« en: 28 de Octubre de 2008, 12:37:37 am »
EL CUERVO




FICHA TECNICA:

Título original: This gun for hire
Año: 1942
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Frank Tuttle
Intérpretes: Alan Ladd (Philip Raven), Veronica Lake (Ellen Graham), Robert Preston (Detective Michael Crane), Laird Cregar (Willard Gates), Tully Marshall (Alvin Brewster), Marc Lawrence (Tommy), Frank Ferguson (Albert Baker)
Guión: Albert Maltz y W.R. Burnett, basado en la novela "A gun for sale"
Fotografía: John F. Seitz
Música: David Buttolph
Vestuario: Edith Head
Productor: Richard Blumenthal
Duración: 80 minutos


SINOPSIS:

Philip Raven es un asesino a sueldo que es contratado por Willard Gates para que acabe con el chantajista que le está amenazando. Finalizado el trabajo, Gates paga a Raven con dinero marcado e inmediatamente denuncia el asesinato y el robo del dinero. Philip decide vengarse, viaja a Los Angeles en un tren, siguiendo a Gates. Pero este le descubre y da el aviso a la policía. Para escapar coge de rehén a su compañera de asiento Ellen Graham.


CRITICA:

Basada en la novela "Una pistola de alquiler" de Graham Greene. Esta película marca unas directrices diferentes que la hacen poseedora de un nuevo germen en el cine negro. Fuente de inspiración de muchas otras, queda desnaturalizada por las imposiciones de Hollywood (ocultar la esquizofrenia del asesino, espionaje en la segunda guerra mundial, final feliz). Es una visita al territorio pero esquiva los personajes típicos.

Alan Ladd compone un personaje frío y solitario. Un hombre malo, oscuro con una sonrisa angelical. Cuyo único acto de compasión humana es no asesinar a una niña inválida. Tiene un código de fidelidad a sus contratos.

Existen tres historias donde los personajes principales se reúnen al final:

El detective Michael Crane que investiga el robo del dinero de la empresa química Nitro propiedad de Alvin Brewster.

La de Ellen Graham (prometida del detective), que es reclutada por un senador de los Estados Unidos para espiar a Willard Gates y Alvin Brewster sospechosos de vender secretos químicos a los enemigos.

Y por último, el contrato que el asesino Philip Raven tiene con Willard Gates, para eliminar al chantajista Albert Baker (trabajador de la empresa).

Raven vive solo en una habitación de alquiler y da leche a un pequeño gato callejero cada mañana. No tiene contacto con las personas, nunca sonríe y no confía en nadie. Cuando la empleada de la limpieza pega al gato, él la abofetea con furia. Más tarde, en un momento de debilidad, confesará a Ellen que sufrió malos tratos en su infancia.

Es la primera película que protagonizan juntos Alan y Verónica, el éxito de taquilla, hizo que rodaran "La llave de cristal" 1942 y "La dalia azul" 1946.


CURIOSIDADES:

- No era habitual que un asesino a sueldo fuera protagonista de una película.
- Tampoco se había hablado de los malos tratos a los niños y sus consecuencias.
- Laird Cregar murió a los treinta años de edad, dos años después del estreno.
- La voz de Veronica Lake en las canciones fue doblada por Martha Mears.


ESCENA/FRASE FAVORITA:

"No se lo dijiste a la policía"

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Cine clásico y contemporáneo / La dalia azul (1946)
« en: 21 de Octubre de 2008, 01:19:20 am »
LA DALIA AZUL




FICHA TECNICA:

Título original: The blue dahlia
Año: 1946
Nacionalidad: EE.UU.
Director: George Marshall
Intérpretes: Alan Ladd (Johnny Morrison), Veronica Lake (Joyce Harwood), William Bendix (Buzz Wanchek), Howard Da Silva (Eddie Harwood), Doris Dowling (Helen Morrison), Hugh Beaumont (George Copeland), Howard Freeman (Corelli), Costello (Don Leo), Will Wright (Newell)
Guión: Raymond Chandler
Fotografía: Lionel Lindon
Música: Robert Emmett Dolan
Productor: John Houseman
Duración: 96 minutos
Premios: Nominada al Oscar por Mejor Guión Original


SINOPSIS:

Johnny vuelve a la ciudad (después de participar en la segunda guerra mundial), junto con dos de sus compañeros (Buzz y George). Esa misma noche descubre que su esposa Helen vive en la habitación de un hotel y tiene una relación con otro hombre llamado Eddie. Es el dueño de un club llamado "La dalia azul" y otros negocios turbios.

Cuando se quedan solos, ella le confiesa la verdad sobre la muerte del hijo que tenían en común. No fue por enfermedad, sino por un accidente de coche, Helen conducía bajo los efectos del alcohol. Johnny la amenaza de muerte con una pistola, pero no es capaz de disparar. Recoge sus cosas, abandonando a su esposa para siempre. Por la mañana aparece el cadaver de la mujer junto al arma.


CRITICA:

Su estreno en el mismo año que "El sueño eterno" eclipsó la importancia de este film. Raymond Chandler es el creador del detective Philip Marlowe y el estilo narrado en primera persona de sus novelas, lo hace ideal para el cine negro. Colaborador en numerosas películas del género, el guión de "La dalia azul" fue el único adaptado por el propio Chandler. Se nota en el ritmo y en los buenos diálogos. No es una película demasiado oscura, por eso se puede pensar que está fuera de los "film noir". Supondría un error, ya que posee todos los ingredientes: amnesia, detective, mujer fatal, gangster, cabaret, ...

Es el tercer trabajo que realizan juntos Alan Ladd y Veronica Lake. El personaje de Joyce Harwood es la única luz que ilumina a Johnny. Su encuentro en la carretera resulta poco creíble, pero ella esta muy bella luciendo el vestuario de Edith Head.

Uno de los sospechosos es Eddie Harwood. Elegante propietario de un club nocturno de Hollywood. En la escena donde es chantajeado por Newell (detective del hotel), le da dinero y le enciende un cigarrillo con una mirada que se le quitan las ganas de volver a por más.


CURIOSIDADES:

- Alan Ladd fue llamado al servicio militar, lo que aceleró el rodaje de la película, obligando a Chandler a terminar el guión en muy poco tiempo. El estudio desesperado, le permitió trabajar en casa (un privilegio rara vez concedido a los guionistas). También puso dos coches a su disposición. Uno para llevar las páginas terminadas al estudio y otro para su esposa.

- Intervino la censura, no permitieron que el asesino fuera un héroe del ejército (Buzz).

- Después del estreno de la película, una mujer fue asesinada en Los Angeles. Los periódicos llamaron al caso "la dalia negra".


ESCENA/FRASE FAVORITA:

- "Esto es un adiós y me duele decírtelo"
- "Si acabas de conocerme"
- "Todos los hombres te han conocido alguna vez, lo difícil es encontrarte"

18
Cine clásico y contemporáneo / Margarita Gautier (1936)
« en: 18 de Octubre de 2008, 02:26:05 am »
MARGARITA GAUTIER





FICHA TECNICA:

Título original: Camille
Año: 1936
Nacionalidad: EE.UU.
Director: George Cukor
Intérpretes: Greta Garbo (Margarite Gautier), Robert Tailor (Armand Duval), Lionel Barrymore (Monsieur Duval), Elizabeth Allan (Nichette), Jessie Ralph (Nanine), Henry Daniell (Baron de Varville), Leonore Ulric (Olympe), Laura Hope Crews (Prudence Duvernoy), Rex O'Malley (Gaston)
Guión: Zoe Akins, Frances Marion y James Hilton, basado en la novela "La dama de las camelias" de Alejandro Dumas
Fotografía: William H. Daniels y W. Karl Freund
Música: Herbert Stothart
Productor: Irving G. Thalberg y Bernard Hyman
Duración: 105 minutos
Premios: Nominación al Oscar Mejor Actriz Principal (Greta Garbo) y premio Mejor Actriz del New York Film Critics


SINOPSIS:

Margarita, nace perteneciendo a la clase baja de París, pero con el tiempo se convierte en una bella cortesana de la alta sociedad. Se llama la dama de las camelias y el rico Barón de Varville cubre todos sus elevados gastos. Desilusionada de la vida, conocerá el amor verdadero en el joven Armand Duval.


CRITICA:

Basada en la novela de Alejandro Dumas, "La Dama de las Camelias", que ha sido llevada al cine en múltiples ocasiones. Cuando hizo esta película Greta Garbo tenía treinta años y los aprovechó para dar toda su experiencia. La llegada del cine sonoro imprimió un estilo rápido y realista. Ella, en cambio, utilizó cada uno de sus músculos para reflejar todos los matices posibles. El lenguaje de los gestos, su sonrisa o sus crisis de tos al borde de la muerte. Apoyada y rodeada por unos buenos actores, George Cukor supo sacar lo mejor de G.G.

Margarita lleva una vida de gastos desenfrenados en el París de 1847, (joyas, vestidos, perfumes, flores, carruajes, mansiones, criados, ópera, ...). Muy segura de si misma y apoyada por una belleza de alabastro, se mueve en las más altas esferas. El precio es pertenecer a hombres ricos como el Barón de Varville. Se cruza en su camino el joven Armand, que cae a sus pies perdidamente enamorado.

Ella se muestra reticente al principio, pues Duval no posee ningún dinero propio. Desengañada por sus anteriores relaciones, se resiste a quererle. Pronto descubre que no le es posible continuar y renuncia a todo por ese nuevo amor.

Durante un tiempo, (a costa de ir vendiendo poco a poco las propiedades de "Camille"), viven felices. Enterado de esa escandolosa relación, el padre de Armand se cita a solas con ella. Le comunica que en su intento de hacerla feliz, su hijo está gastando todo su dinero y arruinando su prometedor futuro. Arranca a Margarita la promesa de que le abandonará por su bien.

Rota y enferma de tuberculosis se arrastra ante el Barón, despreciando lo único le importa realmente. La Garbo esta hermosa a pesar de estar sucumbiendo a la enfermedad, con batas y en la cama, gracias a la estupenda fotografía de Daniels.


ESCENA/FRASE FAVORITA:

Spoiler (Click para ver)

19
Cine clásico y contemporáneo / Almas desnudas (1949)
« en: 16 de Octubre de 2008, 01:46:15 am »
ALMAS DESNUDAS




FICHA TECNICA:

Título original: The reckless moment
Año: 1949
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Max Ophüls
Intérpretes: James Mason (Martin Donnelly), Joan Bennett (Lucia Harper), Geraldine Brooks (Bea Harper), Henry O'Neill (Tom Harper), Shepperd Strudwick (Ted Darby), David Bair (David Harper), Roy Roberts (Nagel)
Guión: Basado en un relato corto de Elisabeth Sanxay Holding "The blank wall"
Fotografía: Burnett Guffey
Música: Hans J. Salter
Productor: Walter Wanger
Duración: 82 minutos

SINOPSIS:

Lucia Harper es un ama de casa y madre de familia, con un marido bastante ausente por temas de trabajo. Su hogar se encuentra a las orillas de una laguna, en Balboa cerca de los Ángeles.

Enterada del amorío que su hija Beatrice de diecisiete años (estudiante de arte), mantiene con un maduro y turbio comerciante llamado Ted Darby, no duda en dirigirse a la ciudad. Se entrevista con él a solas manteniendo una conversación no muy amable en la que Darby está dispuesto a aceptar dinero para abandonar a  Bea. Lucía se ríe y le asegura que cuando su hija lo sepa se desengañará. Ted se le adelanta, telefoneando de inmediato a la chiquilla y contando "su versión".

Esa tarde, madre e hija discuten. Beatrice se cita secretamente por la noche con el comerciante en el embarcadero de la casa. Afortunadamente se da cuenta sus intenciones, le golpea con una linterna y escapa para refugiarse en los brazos de Lucía. A partir de ese momento esta última se verá obligada a llevar una doble vida y proteger a su familia.

CRITICA:

Cine negro con un toque de melodrama. Inicialmente se nos presenta a una mujer un poco agobiada por sus obligaciones y añorando a su marido. Pero cuando el peligro acecha de una forma muy fea a sus cachorros, no duda lo más mínimo en ocultar, manipular y aceptar el castigo si hace falta. Su escala de valores se modifica inmediatamente y sin remordimientos.

No se puede seguir hablando sin descubrir la trama, así que simplemente apuntaré algunos detalles. El director Max Ophüls persigue constantemente a Joan Bennett con la cámara para dar la sensación de angustia y nerviosismo. La aparición de Martin Donnelly (el chantajista irlandés) en la casa, colándose en la sala de estar, hablando con la familia como si fuera compañero del señor Harper, acrecienta esa sensación.

En el desarrollo de la historia también consigue invertir la situación inicial. Lucía se comporta con una fuerza masculina, mientras que Martin comienza a mostrar una debilidad femenina. De forma que ella soporta mejor la presión que el propio chantajista.

CURIOSIDADES:

- En el comienzo de la película, Joan está buscando una lista de la compra que ha perdido. Luego ella la encuentra en el bolsillo de un abrigo. Es un guiño al relato original, pues esta lista llegaba a manos de la policía.

- El vestuario de James Mason es muy oscuro al principio, se va suavizando a medida que lo hace su personaje.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Spoiler (Click para ver)

20
Cine clásico y contemporáneo / Estambul (1943)
« en: 08 de Octubre de 2008, 07:55:57 pm »
ESTAMBUL




FICHA TECNICA:

Título original: Journey into fear
Año: 1943
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Norman Foster (y Orson Welles)
Intérpretes: Joseph Cotten (Howard Graham), Ruth Warrick (Stephanie Graham), Dolores del Rio (Josette Martel), Agnes Moorehead (Sra. Mathews), Jack Durant (Gogo Martel), Everett Sloane (Kopeikin), Eustace Wyatt (Profesor Haller Eustace), Frank Readick (Matthews Frank), Edgar Barrier (Kuvetli), Jack Moss (Peter Banat), Stefan Schabel (sobrecargo), Hans Conreid (Oo Lang Sang, el mago), Robert Meltzer (Steward), Richard Bennett (capitán del buque), Orson Welles (Coronel Haki)
Guión: Orson Welles y Joseph Cotten, basado en la novela de Eric Ambler "Viaje en el miedo"
Fotografía: Karl Struss
Música: Roy Webb
Productor: Orson Welles
Duración: 70 minutos

SINOPSIS:

Howard Graham, ingeniero norteamericano experto en armamento, trabaja con la armada turca. De vuelta a los EE.UU., acompañado de su esposa Stephanie, hacen una parada en Estambul para tratar de negocios con S. Kopeikin, empleado de la compañía de Howard. Llegan al hotel de noche, Kopeikin les espera e insiste en invitar al señor Graham a una sala de variedades. Allí intentan asesinarle, pero muere otra persona. El coronel Haki, de la policía secreta turca, le advierte que Peter Banat, un asesino a sueldo de la Gestapo, anda tras él. Para garantizarle su seguridad, le obliga a zapar en un barco con destino a Batumi, donde podrá reencontrase con su esposa. Pronto descubrirá que viaja con personajes de dudosa identidad, además del siniestro Banat.

CRITICA:

Deliciosa serie B del cine negro con un toque de espionaje. Basada en la novela "Viaje en el miedo" de Eric Ambler, bastante fiel al libro, salvo el cambio de profesión del protagonista.

Orson Welles ejerció de actor, productor, director y guionista con algo de ayuda por parte de Joseph Cotten y  Norman Foster. La verosimilitud del film queda relegada a un segundo plano en favor de una angustiosa puesta en escena. Claustrofóbica y sobre todo destacar el gran trabajo coral de los secundarios, son todos "sospechosos". Y en cuanto a Howard, sufre una cadena de situaciones absurdas y comprometidas que van en aumento.

Como ya he comentado, durante el viaje que realiza sufre un atentado fallido contra su vida. En un intento de protegerle, la policía cambia su ruta. Hace que siga el trayecto en solitario a bordo de un barco. Mala idea, le meterán en la boca del lobo y sin escapatoria posible. Graham tendrá que ingeniarselas para volver a ver a su esposa.

CURIOSIDADES:

- Welles pensó que era la primera película en la que se mostraban algunas escenas antes de que aparecieran los créditos, pero dos en los años treinta se le habían adelantado.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando Howard está en su camarote y no sabe donde esconder la pistola que le ha dado el policía.
 


21
Cine clásico y contemporáneo / La heredera (1949)
« en: 03 de Octubre de 2008, 08:03:04 pm »
LA HEREDERA



FICHA TECNICA:

Título original: The heiress
Año: 1949
Nacionalidad: EE.UU.
Director: William Wyler
Intérpretes: Olivia de Havilland (Catherine Sloper), Montgomery Clift (Morris Townsend), Ralph Richardson (Dr. Austin Sloper), Miriam Hopkins (Lavinia Penniman)
Guión: Augustus Goetz y Ruht Goetz, basado en la novela "Washington Square" de Herry James
Fotografía: Leo Tover
Música: Aaron Copland
Productor: William Wyler para Paramount Pictures
Duración: 115 minutos
Nominada a los Oscars Mejor Director (William Wyler) y Mejor Actor Secundario (Ralph Richardson). Ganadora de cuatro: Mejor Actriz (Olivia de Havilland), Mejor Decoración (John Meehan, Harry Horner y Emile Kuri), Mejor Vestuario (Edith Head y Gile Steele) y Mejor Banda sonora (Aaron Copland)

SINOPSIS:

1840 en Nueva York, Catherine vive con su padre, el doctor Austin Sloper. El señor Sloper ha idealizado a su esposa, muerta hace años y no pierde ninguna oportunidad para menospreciar a su hija comparandola con ellla. Catherine es muy tímida y retraida hasta que aparece Morris Townsend, un apuesto soltero que la mira con unos ojazos. Austin no aprueba esta relación, según él interesada, ya que Catherine es heredera de una gran fortuna y no posee ningún encanto especial. Las dificultades comenzarán para la pareja.

CRITICA:

Basada en la novela de Henry James "Washington Square", el guión fue adaptado por Augustus y Ruth Goetz. Wyler insistió mucho en este punto (la Paramount les pagó doscientos cincuenta mil dólares), ya que ellos habían redactado con mucho éxito la obra de teatro.

No puedo seguir contando partes del argumento sin desvelar la película, así que para conservar la sorpresa a quien la vea por primera vez iré esquivandolo. Olivia de Havilland presionó para conseguir el papel (afortunadamente), Richardson ya había trabajado en la obra de teatro, así que lo bordó. En cuanto a Clift, se comentó que fue una injusticia que no lo nominaran al Oscar de Mejor Actor Principal.

El director modificó el personaje de Morris Towsend respecto al argumento teatral, quería hacerlo más ambigüo, menos repulsivo. En definitiva alguien del que sea posible enamorarse. Sin embargo encontró dificultades trabajando con Havilland. Por ejemplo en la secuencia que Catherine sube la escalera con su maleta, no conseguía la interpretación correcta. Enfadada ella le tiró a Wyler la maleta vacía y  a él se le ocurrió la idea de llenarla de libros, de forma que casi no podía levantarla. El rostro de Olivia fue perfecto, aunque esta escena no estaba en la obra de teatro ni en la novela.

A partir de ese momento es ella la torturadora, de su padre (enfermo terminal) y de Morris.

Llamar la atención sobre la expléndida escalera de la mansión que funciona como si de un personaje más se tratara, pues muchas de  las emociones de la película se viven en ese escenario.

FRASE/ESCENA FAVORITA:

"Puedo ser muy cruel, me han enseñado buenos maestros"

22
Cine clásico y contemporáneo / El delator (1935)
« en: 03 de Octubre de 2008, 01:21:46 am »
EL DELATOR



FICHA TECNICA:

Título original: The informer
Año: 1935
Nacionalidad: EE.UU.
Director: John Ford
Intérpretes: Victor McLaglen (Gypo Nolan), Heather Angel (Mary McPillip), Preston S. Foster (Dan Gallagher), Margot Grahame (Katie Madden), Wallace Ford (Frankie McPhillip), Una O'Connor (Señora McPhillip)
Guión: Dudley Nichols basado en la novela de Liam O'Flaherty
Fotografía: Joseph H. August
Música: Max Steiner
Productor: Cliff Reid
Duración: 91 minutos
Ganadora de cuatro Oscars: Mejor Director (John Ford), Mejor Actor (Victor McLaglen), Mejor Guión (Dudley Nichols) y Mejor Música (Max Steiner)

SINOPSIS:

Ambientada en Irlanda, es la historia de Gypo Nolan. Expulsado del ejército de liberación irlandés, vaga por las calles arruinado. Esta situación le lleva a vender a su mejor amigo a las autoridades inglesas. Cargado de remordimientos se autodestruye.

CRITICA:

Basado en una novela de Liam O'Flaherty. Todo el film transcurre en una sola noche de niebla, con un memorable personaje que se mueve entre impulsos piadosos y la bravuconería. Un poco infantil, con pocas luces pero temible que termina devorado por la culpa.

Gypo Nolan callejea en el Dublín de los años veinte. Es un irlandés sin dinero, ya que ha sido expulsado del ejército. Se negó a obedecer la orden de matar a un hombre. Se encuentra a su novia Katie Madden en una esquina, tratando de ganar dinero para la comida y el alquiler. Ella le comenta que si tuviesen 20 dólares (una considerable suma en esos días), podrían viajar a América y comenzar una nueva vida.

En la calle ha visto un cartel de recompensa por su mejor amigo Frankie McPhillip, buscado por los ingleses (vivo o muerto). Aunque en un principio le da rabia y lo arranca de la pared, más tarde, cenando en el hospicio de la ciudad se encuentra con él. La gratificación es de veinte dólares y en su desesperación le delata.

Muerto su amigo y cobrado el dinero, comienza su derrumbe. Borracho se dirige a casa de Frankie para no levantar sospechas pero su patanería hace que sus ex-compañeros le sigan. Pasa la noche bebiendo e invitando a todo el mundo, lo que confirma su traición.

Quizás sea una obra menor de John Ford (irlandés) que no haya envejecido bien. Ya fue un fracaso de taquilla en su estreno, el director renunció a parte de su sueldo por que se lo imaginaba. Eso no desmerece la composición que hace Victor Mclaglen de Gypo, es perfecta. También la ambientación y fotografía (aunque lo del cartel sea un poco reiterativo), parecen un segundo personaje.

La secuencia final es un llamamiento a la paz y el perdón entre las personas.

CURIOSIDADES:

- Una copia del guión firmado por varios integrantes de la película se encontró en la basura en Madison (Wisconsin). Ha sido valorado en unos cuatro mil dólares.
- El primero que rechazó un Oscar fue Dudley Nichols (Oscar al mejor guión).

FRASE/ESCENA FAVORITA:

"Y Judas tiró las trece monedas al suelo y huyó", la escena en la que Katie tira al suelo el dinero que le da Gypo.

23
Cine clásico y contemporáneo / Niágara (1953)
« en: 01 de Octubre de 2008, 10:30:00 pm »
NIAGARA


FICHA TECNICA:

Título original: Niágara
Año: 1953
Nacionalidad: EE.UU.
Dirección: Henry Hathaway
Intérpretes: Marilyn Monroe (Rose Loomis), Joseph Cotten (George Loomis), Jean Peters (Polly Cutler), Casey Adams (Ray Cutler), Denis O'Dea (inspector Starkey), Richard Allan (Patrick)
Guión: Charles Brackett, Walter Reisch y Richard Breen
Música: Sol Kaplan
Productor: Charles Brackett
Duración: 92 minutos

SINOPSIS:

Rose y su marido George van a las cataratas del Niágara, un lugar muy común de vacaciones y lunas de miel. Lo que no sospecha George que su joven mujer lo ha planeado todo para asesinarle fingiendo un accidente. Las cosas no salen como estaban previstas y se desencadena una tragedia.

CRITICA:

The New York Times escribió: " Twentieth Century-Fox ha descubierto dos maravillas más en el mundo: las cataratas del Niágara y Marilyn Monroe". Rodada en Technicolor cambia la puesta en escena del cine negro.

Ray y Polly Cutler, un matrimonio que quiere celebrar con un retraso de tres años su luna de miel, llegan al paradisiaco lugar. La cabaña que habían reservado en un principio, está ocupada por George y Rose Loomis. Acceden a cambiar de cabaña y a partir de ese momento las dos parejas se ven enredadas en la trama.

Contrastan las relaciones entre los dos matrimonios. Ray y Polly tienen una relación sana, mientras que George es paranoico y muy celoso de Rose, al ser ella mucho más joven. Las cosas se complican cuando la señora Cutler ve como Rose besa a Patrick, su amante. Las sospechas del señor Loomis le hacen estallar de rabia y reafirman a Marilyn en su plan para matarlo.

Patrick intenta simular un accidente que no sale bien. Rose espera la señal convenida, una canción que sonará en el campanario. Es llamada a reconocer el cuerpo de su marido y descubre la verdad. Polly también cree ver vivo a señor Loomis, pero no la creen. Durante una visita a las cataratas, la señora Cutler tiene un encuentro con el "fantasma", éste le cuenta la verdad.

Mientras Rose esta ingresada en el hospital por un ataque de ansiedad, escucha la melodía y aterrada huye a la desesperada. En la huida marido y mujer quedan encerrados en el campanario.

CURIOSIDADES:

- Henry Hathaway comentó que Marilyn era la mejor actriz instintiva que jamás dirigió.
- El presupuesto fue de un millón doscientos cincuenta mil dólares.
- Se ha llegado a afirmar que esta película fue una inspiración parcial para Vértigo (secuencia del campanario).
- El papel de Polly Cutler fue rechazado por Anne Baxter.
- Es la única película donde el personaje de Monroe
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FRASE/ESCENA FAVORITA:

Cuando a MM se le cae en bolsito y las cosas que lleva adentro, en las escaleras del campanario.
 

24
Cine clásico y contemporáneo / Pesadilla (1945)
« en: 01 de Octubre de 2008, 08:04:50 pm »
PESADILLA


FICHA TECNICA:

Título original: The strange affair of uncle Harry
Año: 1945
Nacionalidad: EEUU
Dirección: Robert Siodmak
Guión: Stephen Longstreet, basado en el relato de Thomas Job
Música: Hans J. Salter
Fotografía: Paul Ivano
Productor: John P. Fulton
Duración: 79 minutos
Intérpretes: George Sanders (Harry Quincey), Ella Raines (Deborah Brown), Geraldine Fitzgerald (Lettie Quincey), Moyna MacGill (Hester Quincey), Sara Allgood (Nona)

SINOPSIS:

En una familia venida a menos, Harry es el que mantiene económicamente a sus hermanas. Cada cual ocupa su lugar en la casa familiar: Lettie (siempre finge estar enferma), Hester (que con la ayuda de una sirvienta se cuida de todo) y él pone paz en las peleas constantes de las dos. Pero un buen día Harry anuncia su boda, Lettie no se lo pondrá nada fácil.

CRITICA:

Basada en la obra de teatro "The strange affair of uncle Harry", de Thomas Job. Se rodó en exteriores de New Hampshire (EEUU) y en los estudios Universal. El director Robert Siodmak quiso enfocar la historia hacia la descripción de un crimen perfecto, cosa que se rechazó para evitar la censura. Motivo por el cual también se llegaron a rodar hasta cuatro finales diferentes, recurriendo al sueño onírico de un posible asesinato.

Un negro realismo envuelve todo el relato que huye de los artificios expresionistas y góticos. Sólo quiere mostrar a un hombre bajo el dominio posesivo de su hermana. Todo un estudio psicológico de las obsesiones.

Harry se nos presenta como un solterón, fracasado en su afición por la pintura que sobrevive diseñando en una gran empresa textil. Vive en la vieja mansión familiar con sus dos hermanas, que dependen económicamente de él. Lettie es también soltera e hipocondríaca, altamente posesiva respecto a Harry y desea ser siempre el foco de atención. Hester es viuda, sin hijos. No soporta el carácter de su hermana y le lleva a pelearse constantemente con ella. El único refugio de él es su afición por la astronomía y alguna pequeña reunión con sus amigos.

Un buen día llega a la empresa una empleada de Nueva York (Deborah), muy diferente de los tranquilos habitantes de la pequeña ciudad. Inmediatamente Harry se siente atraído por ella, superando su timidez empiezan a salir. Lettie se opone con disimulos a esa relación, pero cuando se anuncia la boda comienza una batalla entre las dos mujeres. Harry se atormenta y reflexiona sobre como puede romper su situación de dependencia.

Exquisita fotografía en blanco y negro que refuerza, cuando es necesario, el ambiente claustrofóbico.

CURIOSIDADES:

- Moyna MacGill (Hester), es la madre de Angela Lansbury.
- Se estrenó pocos días después de la destrucción de Hiroshima y Nagasaki.
- George Sanders se aleja de sus habituales papeles, con un buen resultado.
- La expresión "Tio Harry" hace alusión a su condición de soltero.

FRASE/ESCENA FAVORITA:

Cuando Hester se enfrenta a Lettie y la descubre ante Harry.



25
Cine clásico y contemporáneo / El salario del miedo (1953)
« en: 01 de Octubre de 2008, 02:27:55 am »
EL SALARIO DEL MIEDO




FICHA TECNICA:

Título original: Le salaire de la peur
Año: 1953
Nacionalidad: Francia
Dirección: Henri-Georges Clouzot
Intérpretes: Yves Montand (Mario), Charles Vanel (Jo), Peter Van Eych (Bimba), Vera Clouzot (Linda), Antonio Centa (dueño del bar)
Guión: Henri-Georges Clouzot y Jerome Geromini, basado en la novela de George Arnaud
Música: Georges Auric
Fotografía:  Armand Thirard
Productor: Raymond Borderie y Henri-Georges Clouzot
Duración:  141 minutos
Premios: Palma de Oro en el Festival de cine de Cannes y el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín (primera película en ganar los dos galardones)

SINOPSIS:

Con una temática intemporal, personas buscando trabajo; pero ¿hasta donde son capaces de llegar?. Desarrolla cada personaje en la miseria y ni ellos mismos saben donde está su límite. Mario, un francés que viajó a Sudamérica, vive allí a costa de su mejor amigo y de su novia. Se acerca a Jo, un recién llegado, pensando por su aspecto que tiene dinero. Pero no, aunque es un tipo duro del que aprender. Desesperados por salir de ese lugar, deciden aceptar un trabajo suicida para una petrolera. Han de trasladar dos camiones cargados de explosivos y sin ninguna medida de seguridad. Recorren un camino penoso, con la esperanza de que al menos uno de ellos llegue al destino.

CRITICA:

Henri-Georges Clouzot es un genio de la sencillez, las historias que cuenta no son grandes, sus actores tampoco, la cámara nos muestra siempre lo que tiene que ser visto pero sin llamar la atención. Ahora bien, nos describe las cosas de manera que las podemos sentir: el barro y la suciedad en las calles, la desesperación, la pobreza, la tensión de llevar la nitroglicerina. Un error y estas muerto.

La esposa del director Vera, en su papel de Linda (la novia de Mario) contrasta en el ambiente puramente masculino de la película. A lo largo del metraje, gradualmente se descubre la verdadera personalidad de cada uno de los personajes.

La filmación comenzó en agosto de 1951 (con unos cincuenta millones de francos de presupuesto) y estaba programada para una duración de nueve semanas. Se localizó en el sur de Francia, el pueblo se construyó expresamente para la película.

Sufrió numerosos problemas, uno de ellos fue la inusual temporada de lluvias de ese año. Los vehículos se atascaban, las grúas caían y los decorados se estropeaban. El director se rompió el tobillo. Yves Montand y Charles Vanel enfermaron después de filmar en una piscina de petroleo crudo y estar expuestos a vapores de gas. Se interrumpió el rodaje seis meses y se terminó en el verano de 1952.

CURIOSIDADES:

- En EEUU se censuraron varias escenas, debido a las acusaciones de anti-americanismo.
- Jean Gabin rechazó el papel de Jo, no quería aparecer
Spoiler (Click para ver)
- En el bar, Luigi coge una botella de champán llena de la mesa y cuando amenaza con ella a Jo, está vacía.
- Cuando Bimba se afeita en la cabina del camión, tiene jabón en la cara. Cuando se vuelve a hablar con Luigi ya no lo lleva.
- El camión está limpio después de pasar a través del petróleo.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

La secuencia donde Jo entra en la sala de los futuros conductores y dice que no sabe nada del "desaparecido".


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Cine clásico y contemporáneo / King Kong (1933)
« en: 30 de Septiembre de 2008, 01:26:12 am »
KING KONG



FICHA TÉCNICA:

Título Original: King Kong
Año: 1933
Nacionalidad: EEUU
Dirección: Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper
Intérpretes: Fay Wray (Ann Darrow), Robert Armstrong (Carl Denham), Bruce Cabot (Driscoll)
Guión: James A. Greelman, Ruth Rose basada en el relato de Edgar Wallace
Música: Max Steiner
Fotografía:  Eddie Linden, Vernon Walker, J. O. Taylor
Efectos especiales: Willis O'Brien
Productora:  RKO
Duración:  99 minutos

SINOPSIS:

Un equipo cinematográfico zarpa rumbo a Malasia, en busca de una isla donde todavía habitan seres prehistóricos, para rodar una película.
Ann, la actriz protagonista, es raptada por una tribu que la ofrece en sacrificio a King Kong, un enorme gorila que vive separado del poblado por una gran muralla milenaria. Con un gran trabajo en las maquetas se nos muestra como han de luchar diariamente por la supervivencia en esa selva. Finalmente el monstruo es capturado gracias a su obsesión por Ann y llevado a la ciudad de Nueva York siendo exhibido en público. Al escapar buscará nuevamente a la chica.

CRITICA:

En un principio, la película fue titulada Kong la octava maravilla, fueron los publicistas quienes añadieron King. Basada en un relato de Edward Wallace, es una proeza técnica que requirió más de un año de rodaje, un presupuesto de setecientos cincuenta mil dólares de la época y un sistema complejo de muñecos articulados de talla extensible.

Las maquetas fueron ejecutadas por un maestro modelista Willis O'Brien. Para el modelo de Kong se realizaron seis muñecos pequeños, hechos con goma y piel de conejo. También una cabeza y unos hombros enormes para los primeros planos, con una especie de esqueleto de acero, relleno con algodón y cubierto con látex para que pudiera moverse de manera natural, disimulado con pieles de oso.

La retroproyección fue una técnica de animación usada para que Kong pudiera aparecer en escena junto con Fay Wray. Para este mismo fin, se recrearon modelos en miniatura de los personajes.

La escena final, con el simio luchando contra los aviones en lo más alto del Empire State de Nueva York, es indiscutiblemente una de las más famosas en la historia del cine.

El éxito fue tal que engendró una serie de subproductos, casi todos mediocres, hasta un remake de 2005 dirigido por Peter Jackson.

CURIOSIDADES:

- La puerta gigante usada en King Kong fue quemada junto con un plató cinematográfico para recrear un incendio en la película "Lo que el viento se llevó".

- Las escenas ambientadas en la selva tuvieron lugar en la península de Palos Verdes y la isla Santa Catalina, pero los acantilados se rodaron en San Pedro, Long Beach y Redondo Beach.

- Una primera versión de King Kong fue preestrenada en San Bernardino (California) en enero de 1933. Se mostraba como la tripulación es devorada por una araña, un cangrejo, un lagarto y un pulpo gigantes, tras caer del tronco que derribó Kong. Eso provocó que algunos de los espectadores gritaran, abandonaran la sala de cine o sufrieran desmayos, por lo que Cooper decidió eliminarla.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

"La bestia miro a la bella y desde ese momento fue como si hubiese muerto".

 


27
Cine clásico y contemporáneo / Un lugar en el sol (1951)
« en: 26 de Septiembre de 2008, 04:48:53 pm »
UN LUGAR EN EL SOL


FICHA TÉCNICA:

Título Original: A place in the sun
Año: 1951
Nacionalidad: EE. UU.
Dirección: George Stevens
Intérpretes: Montgomery Clift, Elizabeth Taylor, Shelley Winters, Anne Revere, Keefe Brasselle, Fred Clark, Raymond Burr, Herbert Heyes
Guión: Michael Wilson y Harry Brown
Música: Franz Waxman
Productor: George Stevens
Duración:  117 minutos
Premios: Ganó seis Oscars, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Fotografía en blanco y negro, Mejor Montaje (William Hornbeck), Mejor Banda Sonora y Mejor Diseño de Vestuario. Siendo nominada en otras tres categorías Mejor Película, Mejor Actor (Clift) y Mejor Actriz (Winters).

SINOPSIS:

La historia trata la vida de George Eastman, pariente pobre de una gran familia acomodada. Un encuentro casual hace que su tío le de la oportunidad de trabajar en la fábrica de su propiedad, labrándose un futuro. A partir de ahí se enamora de dos mujeres bien distintas y siguiendo su tónica general no será demasiado afortunado.

CRITICA:

Es una tragedia diferente centrada en el arribismo. El asesino se convierte en depredador porque se le presenta la oportunidad. No es un psicópata, sino la víctima de sus deseos y de un cálculo equivocado.

George Eastman es hijo de dos religiosos que emprenden un grupo de ayuda a los necesitados. Decide buscar empleo para sacar a sus padres de la miseria y no seguir sus pasos. Despues de varios empleos corrientes, tropieza con su tío rico dueño de una fábrica y éste decide ayudarle. Desde el principio queda claro que no será aceptado en esa clase social y que empieza desde abajo. Le dan un puesto en la cadena, enamorándose de una empleada Alice Tripp. Es una buena chica humilde y sin grandes aspiraciones. Aunque sabe que George es sobrino del dueño, intenta desesperadamente alejarlo de su familia y abrirle los ojos. Nunca sera un Eastman.

Con el tiempo Alice queda embarazada, intentan que un médico solucione su problema, pero no lo consiguen. Todo cambia cuando su tío le invita a una de las fiestas de la casa y una rica heredera (que él admiraba en la lejanía) pone sus ojos en George. Se lanzan a un amor imposible que no es visto con buenos ojos. Mientras los pensamientos sobre el modo de asesinar a Alice, torturan al protagonista cegado por el lujo y la belleza.

Adaptación de la novela "Una tragedia americana" de Theodore Dreiser, basada en un caso de asesinato en 1906. Un joven ahogó a su novia en un lago del condado de Herkimer, Nueva York, presentando importantes problemas con la censura puesto que trataba temas como la lujuria, el aborto y el asesinato. Josef Von Sternberg ya la había rodado en 1931. Se produjeron diferencias respecto a la novela: se obvió la triste niñez del protagonista, explicando su pasado a través de detalles secundarios; cambiaron los nombres por George Eastman y Alice Tripp. Y el más importante (bajo mi punto de vista) ella era más atractiva que Angela, lo que hubiese sido mucho más jugoso.

CURIOSIDADES

- Fue el comienzo de una larga amistad entre los protagonistas, además de suponer un lugar en el sol para los dos. Taylor contaba tan solo diecisiete años y se apoyó mucho en Clift para dar cuerpo a su personaje de niña rica consentida.

- Mientras rodaron exteriores en los lagos Tahoe y Cascade, el ambiente resultó tremendamente frío: tuvieron que sacudir la nieve de los árboles y derretirla antes de poder interpretar las escenas románticas de George y Angela.

- Stevens resistió las presiones para que cortara o volviera a filmar las secuencias con Ann Revere (madre de George), pues formaba parte de la lista negra junto con el guionista Wilson.

- Una toma del reflejo de Clift en un cristal, proporcionó a Stevens la idea de superponer la imagen del primer beso entre Angela y George mientras éste camina hacia la muerte.

ESCENA/FRASE FAVORITA

Cuando Taylor se enamora de Clift en la sala de billar escuchando como llama por teléfono a su madre.

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Cine clásico y contemporáneo / Mogambo (1953)
« en: 17 de Septiembre de 2008, 10:32:38 pm »
MOGAMBO



FICHA TECNICA

Título original:  Mogambo
Año: 1953
Nacionalidad: Estados Unidos
Director: John Ford
Intérpretes: Clark Gable, Ava Gardner, Grace Kelly, Donald Sinden, Philip Stainton, Eric Pohlmann
Guión: John Lee Mahin, basado en la obra teatral de Wilson Collison
Fotografía: Robert Surtees y Freddie Young
Productor: Sam Zimbalist
Duración: 115 minutos
Premios: Preselección para el Oscar a la Mejor Actriz Protagonista (Ava Gardner), preselección para el Oscar a la Mejor Actriz Secundaria (Grace Kelly), Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria (Grace Kelly)

SINOPSIS

Triángulo amoroso ambientado en las tierras de Kenia. Víctor Marswel, un experimentado y maduro cazador, se encuentra entre el amor de dos mujeres Eloyse Kelly (corista) y Linda (esposa de un antropólogo).

CRITICA

Remake de Tierra de pasión 1932. Así como el primer filme se ambientaba en Indochina, éste se realizó en un lugar de moda en el cine de aquel momento, Africa. Las películas de aventuras en lugares exóticos tenían éxito en esos años.

Gable repite personaje, lo que no es habitual, pues también protagonizó la primera versión de la obra teatral. Quería separarse de la imagen de Rhett Butler, que detestaba. Intenta burlarse de su físico, para ello insertan comentarios ácidos de Eloyse hacia él sobre sus orejas y piernas.

En ese escenario salvaje, Víctor recibe la inesperada visita de Eloyse. Había sido invitada a un safari pero éste se cancela sin previo aviso. Desde el primer momento chocan sus caracteres, demasiado iguales. Pero durante la espera del barco que la llevará de vuelta a Nueva York, ella se enamora. El en cambio, solo la ve como un entretenido incordio.

En dicho barco llegan unos clientes que desean contratar un safari. Eloyse se va. Al principio Víctor se niega en redondo a perder su tiempo con el antropólogo y su esposa. Entonces Grace Kelly le enseña sus ojos azules y el cazador es cazado.

Ava vuelve por una avería, emprendiendo todos juntos y revueltos una aventura. Los diálogos entre Gable y Ava no tienen desperdicio.

CURIOSIDADES

- Para rodar los exteriores el equipo de filmación recorrió unos 16.000 kilómetros.

- Un rinoceronte atacó el vehículo en que viajaban los tres protagonistas y debió ser abatido de un disparo.

- Murieron tres miembros del equipo al volcarse el jeep en que se desplazaban por la jungla.

- Gable se llevó una sorpresa al ver que su compañeras de reparto acaparaban premios con un director especializado en películas de ambiente masculino.

- Al contrario que su personaje, Grace Kelly compartió más de una borrachera con Clark.

Mi escena/frase favorita

Todas en las que aparece Ava, pero especialmente cuando con los pantalones sucios de barro (descalza) se presenta a la Kelly, la chincha un poco y deja que se vaya a que se la coma un león. Y la escena final en la que se tira de la canoa de cabeza a por Gable.

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Cine clásico y contemporáneo / Luz que agoniza (1944)
« en: 17 de Septiembre de 2008, 02:35:59 am »
LUZ QUE AGONIZA




FICHA TECNICA

Titulo original:  Gaslight
Año: 1944
Nacionalidad: Estados Unidos
Director: George Cukor
Interpretes: Charles Boyer, Ingrid Bergman, Joseph Cotten, Angela Lansbury, Barbara Everest, Dame May Whitty
Guión: John Van Druten, Walter Reisch, John L. Balderston, basado en la obra de teatro de Patrick Hamilton
Director de fotografía: Joseph Ruttenberg
Música: Bronislau Koper
Productora: Metro Goldwyn Mayer
Duración: 114 minutos
Ganadora de dos oscar: Mejor actriz (Ingrid Bergman) y Mejor dirección artística
Cinco candidaturas a los oscar: Mejor película, Mejor guión adaptado, Mejor actor (Charles Boyer), Mejor actriz de reparto (Angela Lansbury) y Mejor fotografía.


SINOPSIS

Paula y su marido Gregory se trasladan a Londres para residir en la casa que ella recibió en herencia. Allí se cometió el asesinato (no resuelto) de su tía. Pronto el ambiente enrarecido y extraños sucesos llevan a Paula al borde de la locura.

CRITICA

Basada en la obra de teatro Gaslight, de Patrick Hamilton 1938 (creador así mismo de otra obra llevada con éxito al cine, La soga, de Alfred Hitchcock 1948). La expresión "hacer luz de gas" se utiliza como sinónimo de la voluntad deliberada de dañar el equilibrio mental de la persona con quien se convive. Es un clásico del maltrato psicológico.

Comienza con una adolescente, Paula Alquist, atormentada al hallar el cadaver de su tía (famosa cantante de ópera) en el suelo de la casa. Un asaltante la estranguló pero no robó nada. Sin más familia, se traslada a Italia.

En Roma unos años más tarde, se enamora de su profesor de piano Gregory Anton. Se casan rápidamente y él tiene un especial interés en vivir en Londres, ella accede a volver a la casa cerrada.

A partir de entonces queda sistemáticamente aislada del mundo exterior y poco a poco roza la locura.

La película se rodó totalmente en estudio. Incluso los planos exteriores se hicieron reproduciendo en plató una calle o plaza con gente paseando y coches de caballos. Todas las habitaciones de la casa están repletas de objetos, produciendo una adecuada sensación de claustrofobia. La niebla en Londres de fines del XIX y esos faroles de gas no invitan al paseo nocturno.

Afortunadamente la belleza de Paula no pasa desapercibida para el nuevo comisario.

CURIOSIDADES

- Hubo una primera versión inglesa en 1940, que fue destruida por los estudios de la Metro cuando se hicieron el remake de 1944.

- Ingrid Bergman suplicó a David Selznick que consintiera dejarla salir en los créditos detrás de Charles Boyer, tal era su admiración por el actor.

- La escena cuando Gregory recoge a Paula en la estación de tren de Como, se rodó con Boyer subido a una caja, pues era bastantes centímetros más bajo que Ingrid. Esta caja fue derribada varias veces por los dos antes de que se hiciera una toma válida.

- Ganadora del oscar, la actriz da cuerpo a ese personaje que de joven enamorada pasa a dudar paulatinamente de su cordura. Ya que su marido se encarga personalmente de que vaya perdiendo objetos, olvidando datos, etc... Para ello visitó instituciones mentales y observó los movimientos y gestos de los recluidos.

- Angela Lansbury solamente tenía 17 años cuando interpretó el papel de la impertinente sirvienta Nancy.

Mi escena/frase favorita

"¿Cuchillo?, yo no veo ningún cuchillo. ¿O acaso te lo parece?, te lo habrás imaginado. Lo habré perdido, siempre pierdo las cosas."
 

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Cine clásico y contemporáneo / El ángel azul (1930)
« en: 10 de Julio de 2008, 02:56:33 am »
El ángel azul


FICHA TECNICA:

Título original: Der Blaue Engel
Año: 1930
Nacionalidad: Alemana
Dirección: Josef von Sternberg
Guión: Robert Liebmann
Música: Friedrich Holländer
Fotografía: Gunther Rittau y Hans Schneeberger
Producción: Erich Pommer
Duración: 109 minutos
Intérpretes: Emil Jannings (profesor Inmanuel Rath), Marlene Dietrich (Lola-Lola), Kurt Gerron (Kipert), Rosa Valetti (Guste), Hans Albers, Eduard von Winterstein

SINOPSIS:

Adaptación de la novela de Heinrich Mann "Profesor Unrath (basura)". Se sitúa en una ciudad portuaria de Alemania hacia 1925. Un profesor soltero y despistado intenta inculcar moralidad a sus alumnos, pues éstos acuden de noche a un cabaret donde actúa una cantante llamada Lola-Lola. Se presenta en el local y cae rendido ante el encanto de la mujer. La aventura le cuesta el empleo, entonces decide casarse con ella y se van de gira. Cae en una espiral de celos y decadencia que culmina cinco años después con el regreso de la compañía a la ciudad.

CRITICA:

Jannins eligió este papel para que fuera su primera película hablada, eso se nota en las actuaciones con muy poco dialogo y mucha expresividad. Por otra parte ésta permitió que el realizador conociera a su gran musa Marlene Dietrich (elevada de golpe al rango de estrella), lo que sería el principio de una carrera juntos.

Hay varias escenas destacables que marcan la evolución de los personajes, puesto que este film es ante todo visual:

- Nos presentan a un profesor solitario, torpe y despistado.

- Cuando el profesor conoce a Lola en su camerino y ella (que ya lo ha visto desde el escenario) coquetea y le deja caer su ropa interior. Al día siguiente, él ya no simpatiza con el alumno moralmente correcto.

- En su siguiente encuentro ella le dice "Sabía que volvería, todos vuelven a mí", luego se maquilla delante de él y sigue jugando.

- Rath termina durmiendo en la cama de Lola y por la mañana ella le sirve café "si quisieras podrías tomarlo todos los días", antesala del despido en el liceo.

- La petición de mano es el principio de las humillaciones que irá soportando en su vida juntos. Pasado el tiempo ella (que le mantiene económicamente) le dice "Si no te gusta puedes irte", pero él siempre vuelve y la adora, le ayuda a vestirse para actuar...

- En las escenas finales Lola demuestra una pizca de amor, pero se ha cansado de su juguete. El profesor toca fondo (estremecedora la escena del cacareo vestido de payaso) y va a morir a su lugar.

Un gran trabajo de Emil Jannings, no es de estrañar que perdiera la cabeza por las piernas de Marlene, inolvidables.

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