FICHA TECNICA:

Título original: The set up
Año: 1949
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Robert Wise
Intérpretes: Robert Ryan (Bill “Stoker” Thompson), Audrey Totter (Julie Thompson), George Tobias (Tiny), Alan Baxter (Little Boy), Wallace Ford (Gus), Percy Helton (Red), Hal Baylor (“Tiger” Nelson)
Guión: Art Cohn (basado en un relato de Joseph Moncure March)
Fotografía: Milton Krasner
Música: C. Bakaleinikoff
Productor: Richard Goldstone
Duración: 72 minutos

SINOPSIS:

“Stoker” Thompson es un boxeador en el ocaso de su carrera. Con 35 años de edad, sigue buscando la victoria y la gloria. Tiny, manager de Stoker, está convencido de que su representado es un perdedor. Se deja sobornar por el mafioso llamado Little Boy,  amañando el combate con “Tiger” Nelson, una joven promesa.

CRITICA:

Esta película tiene una estructura muy lineal en el tiempo. Filmada de noche, hace que los personajes sean personas desencantadas. Boxeadores debutantes se mezclan con otros más curtidos por las peleas. La experiencia da lugar a la desesperación, pues la edad no perdona y el éxito se va alejando. Toda una vida perdida sin encontrar la fama, Thompson no ve la realidad de su esposa suplicante, está cegado por el orgullo y se agarra a cada combate con uñas y dientes. La secuencia final es una de las mejores del cine negro, conmovedor.

El retrato del personaje protagonista tiene una gran fuerza que resalta en esa atmósfera patética del conjunto.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando se levanta del suelo en el callejón oscuro y camina agarrándose a la pared, llamando a su mujer.

FICHA TECNICA:

Título original: The third man
Año: 1949
Nacionalidad: Reino Unido
Director: Carol Reed
Intérpretes: Orson Welles (Harry Lime), Alida Valli (Anna Schmidt), Joseph Cotten (Holly Martins), Trevor Howard (mayor Calloway), Bernard Lee (sargento Paine), Ernst Deutsch (barón Kurtz), Paul Hörbiger (el conserje)
Guión: Graham Green
Fotografía: Robert Krasker
Música: Anton Karas
Productor: Alexander Korda, David O.Selznick
Duración: 104 minutos
Premios: Oscar a la Mejor Fotografía

SINOPSIS:

Se sitúa en Viena, después de la Segunda Guerra Mundial. Un escritor estadounidense, Holly Martins, llega a la ciudad respondiendo a la invitación de su amigo Harry Lime. Le comunican que éste ha muerto víctima de un accidente y la policía le interroga sospechosamente. Holly decide quedarse un poco más e investigar por su cuenta, eso le conlleva crearse muchos enemigos misteriosos. Conoce a la novia de Harry, Anna Schmidt, que le ayuda a conocer facetas de su amigo que no hubiese imaginado.

CRITICA:

El guionista Graham Greenn, ya era autor de novelas negras; este texto lo escribió directamente para la pantalla. Recreando perfectamente el clima de la Guerra Fría, la ciudad de Viena devastada, los bajos fondos donde todos son turbios y traicioneros. Esta pesadilla oscura es acompañada por la música antológica de Anton Karas (con el famoso tema de Harry Lime).



Orson Welles no facilitó mucho la labor del rodaje, se dedicaba a viajar por Europa y el director Carol Reed se veía obligado a usar triquiñuelas para paliar sus ausencias. Utilizó numerosos dobles de cuerpo para sustituirlo, incluso al asistente de dirección Guy Hamilton, que usó rellenos y sombreros para los planos más cercanos, ya que era menos corpulento que el actor. Welles incluso se negó a filmar algunas escenas de las alcantarillas, suponiendo dos semanas de retraso por los problemas que causó. Tampoco confiaba mucho en la recaudación de la película, así que Orson optó por cobrar un sueldo por su trabajo, en lugar del porcentaje de beneficios.




Esta fue la primera y la última colaboración de los dos grandes productores, debido a todas las complicaciones.

Normalmente trabajaban tres equipos de filmación: el de día, el de noche y el de las alcantarillas; Reed insistía en dirigirlos personalmente, con lo cual las jornadas duraban veinte horas diarias. Pese a las dificultades, la escena final con la persecución por las alcantarillas forma parte de la historia del cine. Destaca durante toda la historia la magistral utilización de las sombras.

Alida Valli fue una imposición de David O.Selznick. Carol tuvo que negociar con él por que pretendía que ella apareciese con vestidos glamurosos y el director opinaba que era más creíble vestirla modestamente. O.Selznick también recortó siete minutos de película, porque el personaje de Joseph Cotten aparecía como alcohólico y eso lo hacía menos héroe.

Anton Karas fue descubierto por el director tocando en los bares de Viena, le encantó. Esa misma noche lo contrató y lo llevó al hotel para grabar alguna canción. El músico aprovechó inesperado éxito y abrió un club nocturno en la ciudad llamado "El tercer hombre".

También incluye esta película alguna frase un tanto inquietante, por ejemplo la que dice Harry:
"En Italia, bajo los Borgia, hubo guerra, terror, masacres, pero también existieron Miguel Angel, Leonardo da Vinci y el Renacimiento. ¿Y qué produjeron los suizos en quientos años de paz? el reloj de cuco."

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Es difícil elegir, así que me quedo con dos:

- Cuando Holly descubre a "alguien" entre las sombras de la noche al salir del apartamento de Anna.

- La escena de la noria gigante, donde Holly tiene "un poco de vértigo".

FICHA TECNICA:

Título original: The strange love of Martha Ivers
Año: 1946
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Lawis Milestone
Intérpretes: Barbara Stanwyck, Kirk Douglas, Van Heflin, Lizabeth Scott
Guión: John Patrick, Robert Rossen
Fotografía: Victor Milner
Música: Miklós Rózsa
Productor: Hal B. Wallis
Duración: 94 minutos

SINOPSIS:

   La historia se sitúa en Iverstown, Sam Masterson tiene un accidente con su coche cerca de allí. Casualmente es la ciudad de la que huyó dieciocho años antes. Su llegada no es bien recibida por  Martha Ivers y Walter O´Neil, ahora matrimonio, sus amigos de la infancia. Son gente acomodada e influyente, que le instan a abandonar el pueblo en cuanto esté hecha la reparación.

   Mientras Sam conoce a Tony, una bella mujer, que es detenida. Intenta pedir ayuda a su amigo Walter, (es el fiscal del distrito), pero éste piensa que es un chantaje. Salen a luz oscuros secretos del pasado.

CRITICA:

   La película se debate entre el cine negro y el melodrama, con los habituales claroscuros en los lugares cerrados y calles sombrías, húmedas. Barbara compone un personaje frío y ambicioso que trata de seguir adelante con lastres psicológicos (la culpa) y físicos (su marido). Kirk debuta con un papel alejado de los que le serán habituales, encarnando un hombre débil y desgraciado. Van Heflin y Lizabeth Scott les acompañan correctamente.

   Es compleja la dualidad que existe en los caracteres de los personajes. Por un lado el matrimonio Ivers, “buenos” solamente en la fachada, con una relación amor-odio. Donde el poder del dinero y la corrupción moral van de la mano.

   Por otro los descarriados Sam y Tony falsamente “malos”. El es un héroe de guerra jugador y que ha matado en defensa propia, ella también acaba de salir de la cárcel, pero pueden mirar al futuro con limpieza.

ESCENA /FRASE FAVORITA:

Tony: - “Perdí el autobús una vez y tuve suerte, quería probar otra vez”.

FICHA TÉCNICA:

Título Original: Les Diaboliques
Año: 1955
Nacionalidad: Francia
Dirección: Henri-Georges Clouzot
Intérpretes: Simone Signoret (Nicole Horner), Vera Clouzot (Christina Delassalle), Paul Meurisse (Michel Delassalle), Charles Vanel (Alfred Fichet comisario), Jean Brochard (Plantiveau el conserge),
Guión: Jérôme Géronimi, basado en la novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejac "Celle qui n'était plus"
Música: Georges Van Parys
Fotografía: Armad Thirard
Productor: Henri-Georges Clouzot
Duración: 112 min.

SINOPSIS:

En París, Michel Delassalle es el director de una escuela para chicos jóvenes. La dueña es su esposa Christina, una mujer tímida y débil enferma del corazón. Nicole Horner es la amante de Michel y trabaja como profesora en la escuela. Él trata a ambas mujeres con desdén y desprecio. Indefensas crean una alianza para librarse de su torturador común. Le engañan para que se desplace a Niort, en las afueras de París. Lo asesinan preparando todo y que parezca un accidente. Los misterios comienzan a ocurrir cuando el cadáver desaparece.

CRITICA:

La película se basa en la novela "Celle qui n'était plus", Clouzot se adelantó y compró los derechos antes que Hitchcock. En compensación los escritores Boileau y Narcejac crearon para él "Entre D'Les Morts", que filmó como "Vértigo" en 1958. A Clouzot se le etiquetó como el Hichcock europeo, pero hay diferencias entre los dos directores. El primero se basa en la incertidumbre del espectador para atemorizarlo y no hay toques de humor o ironía en su presentación, es directo, realista. Alfred suele informar a la audiencia de cosas que los propios protagonistas no saben.

Existe una ausencia general de música de fondo, apenas en los títulos de presentación y en el cierre de créditos, ésto aumenta el suspense. Todo se alía para crear una trama sofocante, un guión perfecto, el ambiente de la escuela, del apartamento, el agua negra y sucia de la piscina. Consigue un thriller oscuro sin mostrar realmente la violencia. Es un fantástico laberinto ordenado, atemporal.

Con una fotografía exquisita se ve la fuerte diferencia entre las dos mujeres protagonistas. La delicada Christina y la moderna e independiente Nicole. Su interacción en pantalla posee una dinámica perfecta. La actuación de Paul Meurisse, aunque breve también es muy correcta.

CURIOSIDADES:

- Niort es el lugar de nacimiento del director.
- Peter Falk intérprete de "Colombo", se inspiró en el personaje del comisario Fichet, copió su persistencia irritante y la manera de coger el cigarro.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

"Donde se ha visto que la esposa seque las lágrimas a la amante".

FICHA TECNICA:

Título original: The woman in the window
Año: 1944
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Fritz Lang
Intérpretes: Edward G. Robinson (profesor Richard Wanley), Joan Bennett (Alice Reed), Raymond Massey (fiscal Frank Lalor), Edmund Breon (Dr. Michael Barkstane), Dan Duryea (Tim Heidt)
Guión: Nunnally Johnson, basado en la novela "Once off guard" de J. H. Wallis
Fotografía: Milton R. Krasner
Música: Arthur Lange
Productor: Nunnally Johnson
Duración: 99 minutos
Premios: Nominación al Oscar Mejor Música (Arthur Lange)

SINOPSIS:

La familia del profesor Richard Wanley se ha ido de vacaciones. El se reúne en un club con sus amigos el doctor Michael Barkstane y el fiscal del distrito Frank Lalor, para charlar y tomar unas copas. Fascinados los tres por el retrato de una mujer que se expone en el escaparate de un comercio cercano, comienzan a bromear sobre ello. Richard considera que su vida acomodada resulta aburrida y previsible, llegada la mediana edad ya les quedan pocas emociones.

Richard abandona en solitario el club, deteniéndose una vez más en el escaparate. Como si fuera un fantasma, vislumbra el reflejo en el cristal de la modelo del cuadro. Allí está Alice Reed, a ella le gusta observar la reacción de la gente al observar su retrato. Van a tomar algo en un bar cercano y entablan una conversación que termina con la invitación al apartamento de Alice, donde tiene más bocetos del pintor. Wanley le acompaña.

Una vez acomodados en el piso, llega el amante de Reed y no atiende a razones. El pacífico profesor se enzarza en una grave pelea, el resultado es la muerte del amante. En un primer momento, su reacción es llamar a la policía, ha sido en legitima defensa. Pero el modo de vida que lleva, se vería seriamente afectado. Se deshacen del cuerpo y de las pruebas, sólo queda un pequeño detalle. El chantajista Tim Heidt les descubre. Para complicar más las cosas, su amigo Frank será el encargado de llevar el caso. 

CRITICA:

El fondo del argumento es la posibilidad de cometer un asesinato analizando la parte moral, no se persigue conseguir dinero. El protagonista que al principio se queja de su existencia monótona, se ve en un instante al borde de un precipicio. Adulterio, asesinato, culpa, chantaje. Lang utiliza los relojes, marcando cada momento del film. La resolución de la película se hizo basándose en el psicoanálisis, entrando en un terreno onírico, cuando el final de la novela era el suicidio del atormentado Wanley. Eso sirvió de modelo para otros como "Pesadilla" de Robert Siodmak 1945. El trío de actores protagonistas (Robinson, Bennett y Duryea) están perfectos en sus papeles.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

El reflejo de Joan en el escaparate y su encuentro en la calle.

FICHA TECNICA:

Título original: Champion
Año: 1949
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Mark Robson
Intérpretes: Kirk Douglas (Midge Kelly), Arthur Kennedy (Connie Kelly), Marilyn Maxwell (Grace Diamond), Paul Stewart (Tommy Haley), Ruth Roman (Emma Bryce), Lola Albright (sra. Harris), Louis Van Rooten (Jerry Harris), Harry Shannon (Lew Bryce), John Daheim (Johnny Dunne), Ralph Sanford (Hammond), Esther Howard (sra. Margaret Kelly)
Guión: Carl Foreman basado en el relato "Champion" de Ring Lardner
Fotografía: Franz Planer
Música: Dimitri Tiomkin
Productor: Stanley Kramer y Robert Stillman
Ganadora de un Oscar: Mejor montaje (Harry W. Gerstad). Nominada a Mejor actor principal (Kirk Douglas), Mejor actor secundario (Arthur Kennedy), Mejor fotografía (Franz Planer), Mejor música (Dimitri Tiomkin), Mejor Guión (Carl Foreman)

SINOPSIS:

Midge Kelly y su hermano Connie, viajan de polizones y hacen autostop para llegar a California. Son recogidos por Johnny Dunne, famoso boxeador y su novia. Este les comenta que pueden conseguir algo de dinero vendiendo refrescos durante los combates. Cuando se presentan allí para trabajar, el encargado los insulta, Midge lucha con los guardias de seguridad. Un sucio promotor le da a Midge una oportunidad boxeando, ganará 35,00 dólares. Pierde y no le pagan, pero llama la atención de otro gestor Tommy Haley que le ofrece ser su mánager. Golpeado y engañado en su primera experiencia, le responde que no está interesado.

Llegan a Los Ángeles, pensando que eran copropietarios de un restaurante, descubren que su socio ha desaparecido con todo el dinero. El dueño les ofrece empleo como ayudantes. Ambos hermanos se enamoran de la hija del propietario Emma, pero como siempre es Midge quien la seduce con su atractivo. El padre lo descubre y le obliga a casarse. Siguiendo lo que será una constante en su vida, deja tirada a Emma por que quiere triunfar en la vida. Su hermano Connie le acompaña reticente.
 
Buscan a Tommy Haley, pero ahora está retirado. Sin embargo, Midge le convence para que le entrene. Con su primer dinero compran una casa para su madre en Chicago. Poco a poco comienza a ganar combates y aumenta gradualmente en el mundo del boxeo hasta el punto en que es potencialmente un rival para el título del campeonato contra Johnny Dunne. La delincuencia organizada le promete que llegará al título el año que viene si se deja ganar en este. Kelly está de acuerdo, pero luego cambia de idea y vence a Dunne en un solo asalto. Eso le pone en una difícil situación.

Midge hereda la novia de Dunne, una dura rubia, Grace Diamond que gasta dinero como el agua. Pero él está a punto de hacer un cambio importante en su carrera. Ella le persuade de abandonar a Haley y contratar a Jerome Harris, rico e influyente en el boxeo (con vínculos criminales). Consciente de que esta es la única forma de ascender, acepta. Su hermano está tan enfadado con él que le abandona. Connie busca a Emma y se van a vivir con su madre enferma a Chicago.

Mientras Midge deja a Grace y enamora a la esposa de Harris. Nunca ve a su familia hasta que su madre muere. Connie le comunica su intención de casarse con Emma. A las puertas de un importante combate, se reconcilia con todos, incluso contrata de nuevo a Haley a cambio de una sustanciosa suma de dinero.

CRITICA:

Película que afianzó la carrera de Kirk Douglas como actor y su primera nominación a los Oscar, aunque tuvo otras dos nominaciones en su vida, finalmente le concedieron el Honorífico a toda su trayectoria. Aquí hace un trabajo excelente encarnando al frío y ambicioso Michael Kelly, una máquina de boxear con el objetivo del triunfo a toda costa. Los secundarios le acompañan convenientemente y la historia tiene un final memorable.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando Emma y Connie se declaran su amor.

FICHA TECNICA:

Título original: Kiss of death
Año: 1947
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Henry Hathaway
Intérpretes: Victor Mature (Nick Bianco), Richard Widmark (Tommy Udo), Coleen Gray (Netty ), Brian Donlevy (Louis D'Angelo),Taylor Holmes (abogado Earl Howser), Howard Smith (Warden), Karl Malden (Sargento William Cullen)
Guión: Ben Hecht y Charles Lederer (basado en una novela de Eleazar Lipsky )
Fotografía: Norbert Brodine
Música: David Butolph
Productor: Fred Kohlmar
Duración: 95 minutos
Premios: Nominación al Oscar de mejor actor secundario Richard Widmark, nominación al Oscar mejor historia original Eleazar Lipsky.


SINOPSIS:

Nick Bianco es un exconvicto rechazado por la sociedad, no puede conseguir un trabajo para mantener a su esposa y dos hijas. Se acerca la navidad y desesperado participa en un robo a una joyería. Sus cómplices logran huir, pero él es atrapado por la policía. El fiscal del distrito, Louis D'Angelo, intenta convencerle para que delate a sus socios, Nick se niega y decide aceptar ser enviado a prisión. Su abogado Earl Howser se compromete a cuidar de su familia a cambio del silencio. Sin embargo, esto no sucede, su esposa se   suicida y sus hijas son enviadas a un orfanato. Atormentado, decide dar nombres y colaborar infiltrándose para conseguir pruebas. Nick rehace su vida, vuelve a casarse y trabaja honradamente. Pero el pasado le acosará de nuevo, cuando después del juicio, el asesino psicótico Tommy Udo sale en libertad y busca venganza.


CRITICA:

Aunque con cierto aire documental, constituye una obra notable de cine negro. Su protagonista Victor Mature es continuamente consciente de que esta actuando, pero queda compensado por la primera aparición en el cine de Richard Widmark. Su papel de un asesino cruel y maniaco, que se ríe al tirar una mujer inválida por las escaleras, le valió una nominación al Oscar en 1948 (algunos le encuentran cierto aire al Jocker de Batman). Retrata la nada fácil redención de un hombre marcado que ha errado su camino y lucha por formar una familia para sus hijas.

Hay un remake, “El sabor de la muerte” de 1995, dirigido por Barbet Schroeder y protagonizado por Nicolas Cage, David Caruso y Helen Hunt.


ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando Nick va a por Udo y tira las balas de su pistola a la papelera.

FICHA TECNICA:

Título original: Scarface (el terror del hampa)
Año: 1932
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Howard Hawks
Intérpretes: Paul Muni (Tony Camonte), Ann Dvorak (Cesca Camonte), Karen Morley (Poppy), Osgood Perkins (Johnny Lovo), C. Henry Gordon (Inspector Ben Guarino), George Raft (Guino Rinaldo), Vince Barnett (Angelo), Boris Karloff (Gaffney), Purnell Pratt (editor Garston), Tully Marshall (jefe de redacción), Inez Palange (Sra. Camonte), Edwin Maxwell (jefe detectives)
Guión: Ben Hecht, basado en la novela de Armitage Trail “Scarface”
Fotografía: Lee Garmes
Productor: Howard Hughes
Duración: 90 minutos

SINOPSIS:

El film se desarrolla en el Chicago de los años veinte.  “Big Louie” Costillo es un ganster al viejo estilo, situado en “la cima del mundo”, (máximo nivel al que aspiran los pandilleros). Uno de sus rivales Johnny Lovo, envía a su mejor hombre, Scarface, para eliminarlo (en el momento del asesinato, aparece un símbolo en forma de X, que se repetirá durante toda la película). El inspector de policía Ben Guarino detiene a Scarface y éste en tono de burla enciende una cerilla en su placa (se rinde homenaje a esta escena en “Muerte entre las flores” 1990 de los hermanos Coen). 

Tony Camonte (caracortada), ya tiene un historial como miembro de la banda de los “Cinco puntos”, pero eso tiene poca importancia. Cada vez que se le detiene, su abogado presenta un Habeas Corpus y es puesto en libertad (sin cadáver no hay delito). Lovo le paga por su trabajo, esto no será suficiente. Scarface quedará cegado por el nivel de vida de su jefe (“Caro, ¿eh?”) y por su chica Poppy (una rubia glacial).

Se celebra una reunión en la vieja oficina de Costillo y Scarface deja claro que Johnny manda ahora. Controla el contrabando de cerveza (ley seca), en el lado sur de la ciudad y desea ampliar su zona, esto les llevará a una confrontación con O'Hara (jefe del lado norte). Se envían unas flores al funeral de Big Louie, una X de claveles blancos.

Comienza una guerra en la que Tony destaca por su brutalidad. Incluso remata a balazos en el hospital a uno de sus rivales que había sobrevivido al primer ataque (en la cortina se ve una X). Su nivel económico a aumentado considerablemente y junto con Guino (apoyo fiel de Camonte), planeará terminar con Lovo. Sin el consentimiento de éste, asesina a O'Hara en su floristería. El lado Norte lanza un ataque con ametralladoras (nuevas en el mercado de las armas). Scarface sobrevive y se lanza a una espiral de violencia, que finaliza con la “matanza de San Valentín” (atención a los símbolos X). También elimina a Gaffney (sucesor de O'Hara) cuando está jugando a los bolos.

Tony tiene una reunión con su jefe en un restaurante y le amenaza veladamente, Poppy apuesta por el ganador. A la desesperada Lovo envía unos asesinos, que fallan en el intento. Guino le ejecuta, Scarface está en la cima del mundo.

CRITICA:

A finales de la época de cine mudo, “Los muelles de Nueva York” fue un éxito de Josef von Sternberg, que mostraba a un ganster acorralado por la policía en su escondite, muriendo bajo las balas. La llegada del cine sonoro creará un género llamado “thriller” (espectáculo que estremece). La sociedad de EE.UU. Se encontraba en plena depresión y los sindicatos del crimen eran poderosos. Los jefes del hampa se mofaban de Edgar Hoover y sus “intocables”. Al Capone era uno de ellos y servirá de modelo para “Scarface” (caracortada).

Hay varias historias paralelas: el toque cómico que pone el secretario de Camonte, Angelo. La relación casi incestuosa entre Cesca y  Tony. La fría y materialista Poppy. El amor clandestino de Guino y Cesca.

El final de un Scarface cobarde no es el que Howard Hawks rodó. En el original, sobrevive al tiroteo, es juzgado y condenado a muerte en la horca.

CURIOSIDADES:

- Paul Muni y James Dean son los únicos actores en ser nominados al Oscar (mejor actor), en su primera y última película. También es el primero en estar nominado por una biografía “La historia de Louis Pasteur”.
- Se añadió al título “la vergüenza de una nación”, porque los gansters resultaban demasiado atractivos al público. Los discursos moralistas fueron añadidos por ese motivo.
- El cartel de “El mundo es tuyo” también se utilizó en el remake de 1983.
- La ametralladora Thompson se llamó “Tommy gun” o la máquina de escribir de Chicago.
- El guionista Ben Hecht fue periodista en Chicago. Una noche encontró en su habitación de hotel en Los Angeles, a dos hombres de Capone que le esperaban para preguntarle sobre la película. Le gustó tanto que tenía su propia copia.
- Muchas escenas se basan en acontecimientos reales. El asesinato de Big Jim Colosimo (Big Louie Costillo, en el film). El de Charles Dion O'Banion en su tienda de flores. El ataque que Capone sufrió en un restaurante en 1927. El que sufre en la persecución de coches. La ejecución en el hospital de Legs Diamond y la matanza del dia de san Valentín en 1929.
- George Raft se crió en Nueva York junto a pandilleros como Bugsy Siegel, Meyer Lansky, Joe Adonis y Lucky Luciano.
- Tuvo problemas con la censura (código Hays) para su estreno y fue retirada de la circulación. Con la ayuda de Francis Ford Coppola, se rescató en 1979.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

“Hazlo primero, hazlo tu mismo y sigue haciendolo”