FICHA TECNICA:

Título original: The set up
Año: 1949
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Robert Wise
Intérpretes: Robert Ryan (Bill "Stoker" Thompson), Audrey Totter (Julie Thompson), George Tobias (Tiny), Alan Baxter (Little Boy), Wallace Ford (Gus), Percy Helton (Red), Hal Baylor ("Tiger" Nelson)
Guión: Art Cohn (basado en un relato de Joseph Moncure March)
Fotografía: Milton Krasner
Música: C. Bakaleinikoff
Productor: Richard Goldstone
Duración: 72 minutos

SINOPSIS:

"Stoker" Thompson es un boxeador en el ocaso de su carrera. Con 35 años de edad, sigue buscando la victoria y la gloria. Tiny, manager de Stoker, está convencido de que su representado es un perdedor. Se deja sobornar por el mafioso llamado Little Boy,  amañando el combate con "Tiger" Nelson, una joven promesa.

CRITICA:

Esta película tiene una estructura muy lineal en el tiempo. Filmada de noche, hace que los personajes sean personas desencantadas. Boxeadores debutantes se mezclan con otros más curtidos por las peleas. La experiencia da lugar a la desesperación, pues la edad no perdona y el éxito se va alejando. Toda una vida perdida sin encontrar la fama, Thompson no ve la realidad de su esposa suplicante, está cegado por el orgullo y se agarra a cada combate con uñas y dientes. La secuencia final es una de las mejores del cine negro, conmovedor.

El retrato del personaje protagonista tiene una gran fuerza que resalta en esa atmósfera patética del conjunto.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando se levanta del suelo en el callejón oscuro y camina agarrándose a la pared, llamando a su mujer.

FICHA TECNICA:

Título original: Hell in the Pacific
Año:1956
Nacionalidad: EE.UU.
Director: John Boorman
Intérpretes: Lee Marvin, Toshiro Mifune
Guión: Alexander Jacobs, Eric Bercovitch
Fotografía: Conrad L. Hall
Música: Lalo Schifrin
Productor: Reuben Bercovitch
Duración: 103 minutos

SINOPSIS:

Durante la Segunda Guerra Mundial un soldado americano entra en combate y llega a una pequeña isla deshabitada en el Océano Pacífico. No está solo, allí vive un soldado japonés en la misma situación.

CRITICA:

Perdidos y desesperados ¿se matarán mutuamente?, esta es la pregunta que se hace el espectador durante la totalidad del film. Como única banda sonora los sonidos naturales de la isla y los exabruptos que se lanzan uno a otro (cada cual en su correspondiente idioma, sin entenderse entre ellos).



Muchos tramos de la película se desarrollan en absoluto silencio, los expresivos rostros de ambos actores son la única vía de comunicación de sus sentimientos. Aun así atrapa desde los primeros planos. Está rodada en un maravilloso lugar exótico, las islas Palau del Océano Pacífico, que enmarca perfectamente la historia.

La falta de entendimiento y el odio de la guerra son suficientes motivos no solo para que no se ayuden mutuamente, sino para que estén en continua tensión esperando una agresión física de la otra parte. No es hasta el final, cuando ya han medido sus fuerzas, que deciden cooperar, se rinden a la evidencia: juntos es más fácil sobrevivir.

Es una profunda reflexión sobre las reacciones humanas ante la guerra y la supervivencia. Como es posible una amistad individual dentro del odio colectivo. En fin, pequeña joya que merece la pena visionar.

Como curiosidad ambos actores sirvieron realmente en sus respectivos ejércitos.


ESCENA/FRASE FAVORITA:

Las escenas donde se ve la reacción de cada uno a las mismas fotografías de la revista Life.

FICHA TECNICA:

Título original: The third man
Año: 1949
Nacionalidad: Reino Unido
Director: Carol Reed
Intérpretes: Orson Welles (Harry Lime), Alida Valli (Anna Schmidt), Joseph Cotten (Holly Martins), Trevor Howard (mayor Calloway), Bernard Lee (sargento Paine), Ernst Deutsch (barón Kurtz), Paul Hörbiger (el conserje)
Guión: Graham Green
Fotografía: Robert Krasker
Música: Anton Karas
Productor: Alexander Korda, David O.Selznick
Duración: 104 minutos
Premios: Oscar a la Mejor Fotografía

SINOPSIS:

Se sitúa en Viena, después de la Segunda Guerra Mundial. Un escritor estadounidense, Holly Martins, llega a la ciudad respondiendo a la invitación de su amigo Harry Lime. Le comunican que éste ha muerto víctima de un accidente y la policía le interroga sospechosamente. Holly decide quedarse un poco más e investigar por su cuenta, eso le conlleva crearse muchos enemigos misteriosos. Conoce a la novia de Harry, Anna Schmidt, que le ayuda a conocer facetas de su amigo que no hubiese imaginado.

CRITICA:

El guionista Graham Greenn, ya era autor de novelas negras; este texto lo escribió directamente para la pantalla. Recreando perfectamente el clima de la Guerra Fría, la ciudad de Viena devastada, los bajos fondos donde todos son turbios y traicioneros. Esta pesadilla oscura es acompañada por la música antológica de Anton Karas (con el famoso tema de Harry Lime).



Orson Welles no facilitó mucho la labor del rodaje, se dedicaba a viajar por Europa y el director Carol Reed se veía obligado a usar triquiñuelas para paliar sus ausencias. Utilizó numerosos dobles de cuerpo para sustituirlo, incluso al asistente de dirección Guy Hamilton, que usó rellenos y sombreros para los planos más cercanos, ya que era menos corpulento que el actor. Welles incluso se negó a filmar algunas escenas de las alcantarillas, suponiendo dos semanas de retraso por los problemas que causó. Tampoco confiaba mucho en la recaudación de la película, así que Orson optó por cobrar un sueldo por su trabajo, en lugar del porcentaje de beneficios.




Esta fue la primera y la última colaboración de los dos grandes productores, debido a todas las complicaciones.

Normalmente trabajaban tres equipos de filmación: el de día, el de noche y el de las alcantarillas; Reed insistía en dirigirlos personalmente, con lo cual las jornadas duraban veinte horas diarias. Pese a las dificultades, la escena final con la persecución por las alcantarillas forma parte de la historia del cine. Destaca durante toda la historia la magistral utilización de las sombras.

Alida Valli fue una imposición de David O.Selznick. Carol tuvo que negociar con él por que pretendía que ella apareciese con vestidos glamurosos y el director opinaba que era más creíble vestirla modestamente. O.Selznick también recortó siete minutos de película, porque el personaje de Joseph Cotten aparecía como alcohólico y eso lo hacía menos héroe.

Anton Karas fue descubierto por el director tocando en los bares de Viena, le encantó. Esa misma noche lo contrató y lo llevó al hotel para grabar alguna canción. El músico aprovechó inesperado éxito y abrió un club nocturno en la ciudad llamado "El tercer hombre".

También incluye esta película alguna frase un tanto inquietante, por ejemplo la que dice Harry:
"En Italia, bajo los Borgia, hubo guerra, terror, masacres, pero también existieron Miguel Angel, Leonardo da Vinci y el Renacimiento. ¿Y qué produjeron los suizos en quientos años de paz? el reloj de cuco."

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Es difícil elegir, así que me quedo con dos:

- Cuando Holly descubre a "alguien" entre las sombras de la noche al salir del apartamento de Anna.

- La escena de la noria gigante, donde Holly tiene "un poco de vértigo".

FICHA TECNICA:

Título original: The glass key
Año: 1942
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Stuart Heisler
Intérpretes: Alan Ladd, Veronica Lake, William Bendix, Brian Donlevy, Eddie Marr, Joseph Calleia
Guión: Jonathan Latimer, basado en la novela de Dashiell Hammett
Fotografía: Theodor Sparkuhl
Música: Victor Young
Productor: Fred Kohlmar
Duración: 85 minutos

SINOPSIS:

Paul Madvig es un hombre corrupto y mafioso que decide apoyar al candidato reformista Ralph Henry. Esta decisión no gusta a sus compañeros, en especial a su hombre de confianza Ed Beaumont. Este piensa que ese repentino interés se centra en la bella hija del político.

Entonces aparece el cadáver del hijo de Henry y todas las sospechas recaen sobre Paul. Ed intentará limpiar el nombre de su jefe, pero no será fácil.

CRITICA:

El guión se basa en la novela favorita del autor, Dashiell Hammett, creador de hombres "duros" y las tramas enrevesadas. Hubo otra versión anterior en 1935 que protagonizaron George Raft y Edward Arnold. Esta adaptación es más fiel al universo del escritor que la del "Halcón Maltés". Personalidades amorales, neuróticas, violentas, sádicas, aunque aquí el final feliz estropee el conjunto.

El título de la película hace referencia a una conversación que mantiene Madvig sobre Henry, donde se le advierte en tono irónico que las relaciones son frágiles como el cristal y se pueden romper.

La química de Ladd y Lake es evidente y funciona desde el primer encuentro ante la cámara, ambos poseen una sonrisa fría. Y Bendix forma una vez más parte del equipo, esta vez como un patán ocurrente y bastante violento. La verdad es que ningún personaje se hace simpático realmente, son todos desconfiados, corruptos y tratan de destruir a los demás, desesperanza que caracteriza a Hammett entre otros autores del género negro.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Jeff- "Vamos a tomar una copa"
Ed- "Llamaré a mi dentista"

FICHA TECNICA:

Título original: The strange love of Martha Ivers
Año: 1946
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Lawis Milestone
Intérpretes: Barbara Stanwyck, Kirk Douglas, Van Heflin, Lizabeth Scott
Guión: John Patrick, Robert Rossen
Fotografía: Victor Milner
Música: Miklós Rózsa
Productor: Hal B. Wallis
Duración: 94 minutos

SINOPSIS:

   La historia se sitúa en Iverstown, Sam Masterson tiene un accidente con su coche cerca de allí. Casualmente es la ciudad de la que huyó dieciocho años antes. Su llegada no es bien recibida por  Martha Ivers y Walter O´Neil, ahora matrimonio, sus amigos de la infancia. Son gente acomodada e influyente, que le instan a abandonar el pueblo en cuanto esté hecha la reparación.

   Mientras Sam conoce a Tony, una bella mujer, que es detenida. Intenta pedir ayuda a su amigo Walter, (es el fiscal del distrito), pero éste piensa que es un chantaje. Salen a luz oscuros secretos del pasado.

CRITICA:

   La película se debate entre el cine negro y el melodrama, con los habituales claroscuros en los lugares cerrados y calles sombrías, húmedas. Barbara compone un personaje frío y ambicioso que trata de seguir adelante con lastres psicológicos (la culpa) y físicos (su marido). Kirk debuta con un papel alejado de los que le serán habituales, encarnando un hombre débil y desgraciado. Van Heflin y Lizabeth Scott les acompañan correctamente.

   Es compleja la dualidad que existe en los caracteres de los personajes. Por un lado el matrimonio Ivers, "buenos" solamente en la fachada, con una relación amor-odio. Donde el poder del dinero y la corrupción moral van de la mano.

   Por otro los descarriados Sam y Tony falsamente "malos". El es un héroe de guerra jugador y que ha matado en defensa propia, ella también acaba de salir de la cárcel, pero pueden mirar al futuro con limpieza.

ESCENA /FRASE FAVORITA:

Tony: - "Perdí el autobús una vez y tuve suerte, quería probar otra vez".

FICHA TÉCNICA:

Título original: Greed
Año: 1924
Nacionalidad: E.E.U.U.
Dirección: Erich von Stroheim
Intérpretes: Gibson Gowland (McTeague), ZaSu Pitts (Trina), Jean Hersholt (Marcus), Dale Fuler (María), Chester Conklin (papá Sieppe)
Guión: Joseph Farnham, Junio Mathis. Basado en la novela "McTeague" de Frank Norris
Música: Carl Davis, Robert Israel
Fotografía: William H. Daniels, Ben F. Reynolds
Efectos especiales: Sasha Leuterer, Chad Mielke
Productora: MGM
Duración: 140 minutos (versión restaurada en 1999, 239 minutos)

SINOPSIS:

Comienzos del siglo XX, California. McTeague sobrevive trabajando duramente como minero. Se le presenta la oportunidad de ser ayudante de un dentista, abandonando su hogar. Aprende rápidamente y abre su propia consulta en San Francisco. Allí se enamora de una de sus pacientes, Trina (novia de su mejor amigo Marcus). Se casan y Trina es agraciada en la lotería. Lo que podría haber sido felicidad, degenera en una avaricia brutal de la esposa y el alcoholismo del marido. Aderezado por el odio y la envidia de Marcus hacia McTeague.

CRITICA:

Erich von Stroheim (1885-1957), concibió en principio nueve horas de metraje, se redujo a cinco horas "versión del director". El productor Irving Thalberg exigió cortes, finalmente quedaron dos horas y cuarto. El resto se perdió para siempre. Ocurrió lo mismo con sus películas siguientes, hasta el punto de abandonar la dirección en 1929 y continuar trabajando como actor.
El rodaje de las escenas finales en el Valle de la Muerte fueron extremadamente duras para los actores y los operadores, hubo alguna hospitalización.
La casa donde se rodó el film todavía sigue en pie. El conjunto resulta realista, escabroso y con abundantes detalles oníricos, toda una experiencia visual y una lección de cine.

FRASE/ESCENA FAVORITA:

Cuando Trina cepilla sus largos cabellos.

FICHA TÉCNICA:

Título Original: Les Diaboliques
Año: 1955
Nacionalidad: Francia
Dirección: Henri-Georges Clouzot
Intérpretes: Simone Signoret (Nicole Horner), Vera Clouzot (Christina Delassalle), Paul Meurisse (Michel Delassalle), Charles Vanel (Alfred Fichet comisario), Jean Brochard (Plantiveau el conserge),
Guión: Jérôme Géronimi, basado en la novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejac "Celle qui n'était plus"
Música: Georges Van Parys
Fotografía: Armad Thirard
Productor: Henri-Georges Clouzot
Duración: 112 min.

SINOPSIS:

En París, Michel Delassalle es el director de una escuela para chicos jóvenes. La dueña es su esposa Christina, una mujer tímida y débil enferma del corazón. Nicole Horner es la amante de Michel y trabaja como profesora en la escuela. Él trata a ambas mujeres con desdén y desprecio. Indefensas crean una alianza para librarse de su torturador común. Le engañan para que se desplace a Niort, en las afueras de París. Lo asesinan preparando todo y que parezca un accidente. Los misterios comienzan a ocurrir cuando el cadáver desaparece.

CRITICA:

La película se basa en la novela "Celle qui n'était plus", Clouzot se adelantó y compró los derechos antes que Hitchcock. En compensación los escritores Boileau y Narcejac crearon para él "Entre D'Les Morts", que filmó como "Vértigo" en 1958. A Clouzot se le etiquetó como el Hichcock europeo, pero hay diferencias entre los dos directores. El primero se basa en la incertidumbre del espectador para atemorizarlo y no hay toques de humor o ironía en su presentación, es directo, realista. Alfred suele informar a la audiencia de cosas que los propios protagonistas no saben.

Existe una ausencia general de música de fondo, apenas en los títulos de presentación y en el cierre de créditos, ésto aumenta el suspense. Todo se alía para crear una trama sofocante, un guión perfecto, el ambiente de la escuela, del apartamento, el agua negra y sucia de la piscina. Consigue un thriller oscuro sin mostrar realmente la violencia. Es un fantástico laberinto ordenado, atemporal.

Con una fotografía exquisita se ve la fuerte diferencia entre las dos mujeres protagonistas. La delicada Christina y la moderna e independiente Nicole. Su interacción en pantalla posee una dinámica perfecta. La actuación de Paul Meurisse, aunque breve también es muy correcta.

CURIOSIDADES:

- Niort es el lugar de nacimiento del director.
- Peter Falk intérprete de "Colombo", se inspiró en el personaje del comisario Fichet, copió su persistencia irritante y la manera de coger el cigarro.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

"Donde se ha visto que la esposa seque las lágrimas a la amante".

FICHA TECNICA:

Título original: Scarlet street
Año: 1945
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Fritz Lang
Intérpretes: Edward G. Robinson (Christopher Cross), Joan Bennett (Kitty March), Dan Duryea (Johnny Prince), Margaret Lindsay (Millie Ray), Jess Baker (David Janeway), Rosalind Ivan (Adele Cross), Arthur Loft (Delarowe),Samuel S. Hinds (Charles Pringle)
Guión: Dudley Nichols, basado en la novela "La Chienne" de Georges de la Fouchardière y André Mouézy-Eon
Fotografía: Milton R. Krasner
Música: Hans J. Salter
Productor: Fritz Lang
Duración: 103 minutos

SINOPSIS:

Cristopher Cross es el cajero de una entidad bancaria homenajeado en sus veinticinco años de servicio a la empresa. Durante la cena recibe un reloj de oro, su única pertenencia de valor. Casado por conveniencia con una mujer viuda Adele Cross, no tiene un matrimonio feliz y el trabajo tampoco le llena. Su único escape es la afición que tiene por la pintura. Al volver a su casa esa noche, es testigo de la agresión de un hombre, Johnny Prince, a una bella joven. Interviene para defenderla y le invita a tomar café. Se llama Kitty March, durante la conversación Chris intenta impresionarla diciendo que es un rico pintor.

Lo que ignora es que Johnny es un estafador y amante de Kitty. Al contarle ésta el encuentro con Cross, acuerdan engañarle, obteniendo de él todo el dinero que les sea posible. Presionado por el falso amor de March y sus exigencias de tener un gran estudio propio, toma la decisión de robar en su empresa. Una vez conseguido, traslada sus pinturas allí. A Johnny no le parece suficiente, vende algunos de los cuadros en nombre de Kitty. Un crítico de arte y el propietario de una galería considera que son buenos. Cross descubre el engaño advertido por casualidad con un comentario de Adele.

Está tan enamorado que no le importa esta suplantación de identidad. Su vida da un giro cuando aparece el ex-marido de Adele. No murió ahogado como se suponía, con lo cual su infeliz matrimonio queda anulado.

CRITICA:

Remake de "La Chienne" de Jean Renoir. Es la historia de un robo de identidad y de la destrucción completa de un ser humano, que llegado un punto no distingue entre la realidad y su imaginación.

Conoce a una mujer maravillosa que parece una luz en la oscura y triste vida de Cristopher. Pero es una persona diabólica que le conduce a una corrupción total (engaño, robo, asesinato, pobreza y locura). Es la primera película en Hollywood que modela las pautas de una tendencia, estar atormentado por un delito sin castigo.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando Cross está pintando una flor en el cuarto de baño.

FICHA TECNICA:

Título original: The woman in the window
Año: 1944
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Fritz Lang
Intérpretes: Edward G. Robinson (profesor Richard Wanley), Joan Bennett (Alice Reed), Raymond Massey (fiscal Frank Lalor), Edmund Breon (Dr. Michael Barkstane), Dan Duryea (Tim Heidt)
Guión: Nunnally Johnson, basado en la novela "Once off guard" de J. H. Wallis
Fotografía: Milton R. Krasner
Música: Arthur Lange
Productor: Nunnally Johnson
Duración: 99 minutos
Premios: Nominación al Oscar Mejor Música (Arthur Lange)

SINOPSIS:

La familia del profesor Richard Wanley se ha ido de vacaciones. El se reúne en un club con sus amigos el doctor Michael Barkstane y el fiscal del distrito Frank Lalor, para charlar y tomar unas copas. Fascinados los tres por el retrato de una mujer que se expone en el escaparate de un comercio cercano, comienzan a bromear sobre ello. Richard considera que su vida acomodada resulta aburrida y previsible, llegada la mediana edad ya les quedan pocas emociones.

Richard abandona en solitario el club, deteniéndose una vez más en el escaparate. Como si fuera un fantasma, vislumbra el reflejo en el cristal de la modelo del cuadro. Allí está Alice Reed, a ella le gusta observar la reacción de la gente al observar su retrato. Van a tomar algo en un bar cercano y entablan una conversación que termina con la invitación al apartamento de Alice, donde tiene más bocetos del pintor. Wanley le acompaña.

Una vez acomodados en el piso, llega el amante de Reed y no atiende a razones. El pacífico profesor se enzarza en una grave pelea, el resultado es la muerte del amante. En un primer momento, su reacción es llamar a la policía, ha sido en legitima defensa. Pero el modo de vida que lleva, se vería seriamente afectado. Se deshacen del cuerpo y de las pruebas, sólo queda un pequeño detalle. El chantajista Tim Heidt les descubre. Para complicar más las cosas, su amigo Frank será el encargado de llevar el caso. 

CRITICA:

El fondo del argumento es la posibilidad de cometer un asesinato analizando la parte moral, no se persigue conseguir dinero. El protagonista que al principio se queja de su existencia monótona, se ve en un instante al borde de un precipicio. Adulterio, asesinato, culpa, chantaje. Lang utiliza los relojes, marcando cada momento del film. La resolución de la película se hizo basándose en el psicoanálisis, entrando en un terreno onírico, cuando el final de la novela era el suicidio del atormentado Wanley. Eso sirvió de modelo para otros como "Pesadilla" de Robert Siodmak 1945. El trío de actores protagonistas (Robinson, Bennett y Duryea) están perfectos en sus papeles.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

El reflejo de Joan en el escaparate y su encuentro en la calle.

FICHA TECNICA:

Título original: White heat
Año: 1949
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Raoul Walsh
Intérpretes: James Cagney (Cody Jarrett), Virginia Mayo (Verna Jarrett), Edmond O'Brien (Vic Pardo), Margaret Wycherly (Ma Jarrett), Steve Cochran (Big Ed Somers), John Archer (Philip Evans), Wally Cassell (Cotton Valletti), Fred Clark (Daniel Winston)
Guión: Ivan Goff y Ben Roberts, basado en una historia de Virginia Kellogg
Fotografía: Sidney Hickox
Música: Max Steiner
Productor: Louis F. Edelman
Duración: 114 minutos
Premios: Nominación al Oscar Guión Original (Virginia Kellogg)

SINOPSIS:

Cody Jarrett es el jefe de una banda criminal. Casado con la manipuladora Verna, tiene un fuerte complejo edípico, su "Ma" es para él todo lo que necesita. Cody sufre en secreto unas horribles jaquecas que sólo su madre sabe calmar. Despiadado y calculador, roba un tren junto con sus hombres, muriendo cuatro personas. El resultado es un gran botín, pero uno de sus cómplices cae herido. Le matan y abandonan, dejando pistas en el cadáver.

Viéndose acorralado, Jarrett se autoinculpa de otro robo menor cometido el mismo día y así logra escapar de la cámara de gas. Condenado a tres años de prisión, "Ma" le sustituye. La policía ve la oportunidad de averiguar el método que utiliza Cody para blanquear el dinero de sus golpes. El investigador "Vic Pardo" se convierte en su compañero de celda y trata de formar parte en sus planes.

Mientras tanto Big Ed Somers, planea junto con Verna, que Jarrett sufra un "accidente" dentro de la cárcel.

CRITICA:

Esta película es un clásico que marco el estilo semi-documental de las que le siguieron en los años cincuenta. En el año 2003, "White heat", fue seleccionada para su conservación en el Registro Nacional de Cine de los EE.UU.

Quizás haya quedado un poco desfasada en cuanto al comentado estilo, pero eso no le resta demasiado mérito, puesto que la estupenda interpretación de James Cagney (de una histeria constante y mantenida, dispuesto a estallar en cualquier momento), su madre y el resto de acompañantes le da fuerza. Contiene escenas que han sido copiadas en numerosas películas, por ejemplo cuando Jarrett pide información sobre su madre en el comedor de la cárcel. O los minutos finales en el momento que grita la célebre frase: "Lo hice Ma, estoy en la cima del mundo".

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Por nombrar otra que la del comedor,  los instantes en que Cody fabrica "ventilación" en el maletero de un coche.

FICHA TECNICA:

Título original: Champion
Año: 1949
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Mark Robson
Intérpretes: Kirk Douglas (Midge Kelly), Arthur Kennedy (Connie Kelly), Marilyn Maxwell (Grace Diamond), Paul Stewart (Tommy Haley), Ruth Roman (Emma Bryce), Lola Albright (sra. Harris), Louis Van Rooten (Jerry Harris), Harry Shannon (Lew Bryce), John Daheim (Johnny Dunne), Ralph Sanford (Hammond), Esther Howard (sra. Margaret Kelly)
Guión: Carl Foreman basado en el relato "Champion" de Ring Lardner
Fotografía: Franz Planer
Música: Dimitri Tiomkin
Productor: Stanley Kramer y Robert Stillman
Ganadora de un Oscar: Mejor montaje (Harry W. Gerstad). Nominada a Mejor actor principal (Kirk Douglas), Mejor actor secundario (Arthur Kennedy), Mejor fotografía (Franz Planer), Mejor música (Dimitri Tiomkin), Mejor Guión (Carl Foreman)

SINOPSIS:

Midge Kelly y su hermano Connie, viajan de polizones y hacen autostop para llegar a California. Son recogidos por Johnny Dunne, famoso boxeador y su novia. Este les comenta que pueden conseguir algo de dinero vendiendo refrescos durante los combates. Cuando se presentan allí para trabajar, el encargado los insulta, Midge lucha con los guardias de seguridad. Un sucio promotor le da a Midge una oportunidad boxeando, ganará 35,00 dólares. Pierde y no le pagan, pero llama la atención de otro gestor Tommy Haley que le ofrece ser su mánager. Golpeado y engañado en su primera experiencia, le responde que no está interesado.

Llegan a Los Ángeles, pensando que eran copropietarios de un restaurante, descubren que su socio ha desaparecido con todo el dinero. El dueño les ofrece empleo como ayudantes. Ambos hermanos se enamoran de la hija del propietario Emma, pero como siempre es Midge quien la seduce con su atractivo. El padre lo descubre y le obliga a casarse. Siguiendo lo que será una constante en su vida, deja tirada a Emma por que quiere triunfar en la vida. Su hermano Connie le acompaña reticente.

Buscan a Tommy Haley, pero ahora está retirado. Sin embargo, Midge le convence para que le entrene. Con su primer dinero compran una casa para su madre en Chicago. Poco a poco comienza a ganar combates y aumenta gradualmente en el mundo del boxeo hasta el punto en que es potencialmente un rival para el título del campeonato contra Johnny Dunne. La delincuencia organizada le promete que llegará al título el año que viene si se deja ganar en este. Kelly está de acuerdo, pero luego cambia de idea y vence a Dunne en un solo asalto. Eso le pone en una difícil situación.

Midge hereda la novia de Dunne, una dura rubia, Grace Diamond que gasta dinero como el agua. Pero él está a punto de hacer un cambio importante en su carrera. Ella le persuade de abandonar a Haley y contratar a Jerome Harris, rico e influyente en el boxeo (con vínculos criminales). Consciente de que esta es la única forma de ascender, acepta. Su hermano está tan enfadado con él que le abandona. Connie busca a Emma y se van a vivir con su madre enferma a Chicago.

Mientras Midge deja a Grace y enamora a la esposa de Harris. Nunca ve a su familia hasta que su madre muere. Connie le comunica su intención de casarse con Emma. A las puertas de un importante combate, se reconcilia con todos, incluso contrata de nuevo a Haley a cambio de una sustanciosa suma de dinero.

CRITICA:

Película que afianzó la carrera de Kirk Douglas como actor y su primera nominación a los Oscar, aunque tuvo otras dos nominaciones en su vida, finalmente le concedieron el Honorífico a toda su trayectoria. Aquí hace un trabajo excelente encarnando al frío y ambicioso Michael Kelly, una máquina de boxear con el objetivo del triunfo a toda costa. Los secundarios le acompañan convenientemente y la historia tiene un final memorable.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando Emma y Connie se declaran su amor.

FICHA TECNICA:
Título original: Red river
Año: 1948
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Howard Hawks
Intérpretes: John Wayne (Thomas Dunson), Montgomery Clift (Matthew Garth), Joanne Dru (Tess Millay), Walter Brennan (Groot Nadine), Coleen Gray (Fen), Harry Carey (Sr. Melville), John Ireland (Cherry Valance), Noah Beery Jr. (Buster McGee), Harry Carey Jr. (Dan Latimer), Jefe Yowlahie (Quo), Paul Fix (Teeler Yacey), Hank Worden (Simms Reeves), Ray Hyke (Walt Jergens), Wally Wales (Old Leather), Mickey Kuhn (Matt niño)
Guión: Borden Chase, basado en "The Chisholm Trail"
Fotografía: Russell Harlan
Música: Dmitri Tiomkin
Productor: Howard Hawks
Duración: 133 minutos
Premios: Nominación al Oscar mejor guión Borden Chase,  nominación al Oscar mejor montaje Christian Nyby

SINOPSIS:
1851, una caravana se dirige al oeste, Thomas Dunson se separa de ella. Su idea es iniciar un rancho en el sur (posee una vaca y un toro), con su amigo Groot. Hace que su novia Fen se quede a salvo con los demás, pues el camino es duro y peligroso, le regala un brazalete y le promete que cuando le vaya bien la buscará. Más tarde Dunson y Groot ven humo a lo lejos, la caravana ha sido incendiada por los indios. Demasiado distantes para ayudar, son atacados por un grupo explorador y al matar a uno de ellos recupera el brazalete de su novia muerta. Recogen a un muchacho superviviente del incendio, Matthew Garth. Juntos emprenden un largo viaje, buscando las tierras más adecuadas para instalar el rancho. Una vez elegidas, Thomas deberá defenderlas a tiros durante catorce años.

Propietario ya del mayor rancho de Texas, se ve arruinado, pues la Guerra Civil ha empobrecido el Sur y no hay un mercado donde vender la carne. A grandes males, grandes remedios, Dunson se decide a trasladar nueve mil cabezas de ganado al norte de Missouri. Empresa imposible y suicida, le acompañaran hombres desesperados, Matt, Cherry (famoso pistolero) y como siempre, Groot. El camino es largo y crudo, como jefe debe hacer acopio de toda su rudeza para mantener la disciplina entre el grupo. Las cosas empeoran bastante debido a la torpeza de un hombre, que provoca una estampida. Comienzan los tiroteos y las deserciones, Matt ha de enfrentarse con Thomas evitando más asesinatos. Como nuevo jefe conduce al ganado por un camino más seguro a Abilene, deja atrás y herido a Dunson. Este promete vengarse.

CRITICA:
Excelentes actuaciones y fotografía, Wayne dibujando un personaje fuerte e intransigente, a veces despiadado. El amigo siempre fiel y su voz de la conciencia Walter Brennan, el perfecto Montgomery Clift. Un argumento interesante, una pizca de aventura y amor, de fondo grandes paisajes. Como casi siempre, la novela original tenía un final más oscuro del que se rodó (Dunson, herido por Cherry, muere. Matt y Tess le entierran en su rancho).

CURIOSIDADES:
Se filmó en 1946, pero se estrenó dos años después debido a que Howard Hughes alegaba que era muy similar a una película suya de 1943. Fue el primer trabajo de Clift, pero el público tuvo acceso antes a "La búsqueda" de 1948. El rodaje fue bastante accidentado, varios participantes tuvieron enfermedades y lesiones. También se enfrentaron a que la raza de ganado Texas Longhorn estaba casi extinta. Sólo quedaban unas pocas docenas, así que las mezclaron con otra llamada Hereford. Costó una suma muy considerable en el momento, tres millones de dólares.

Se acordó que durante el trabajo, no se hablara de política, ya que John Wayne y Montgomery Clift eran abiertamente opuestos. En los descansos tampoco se relacionaban, debido a la homosexualidad de Clift. Gary Cooper rechazó el papel de Dunson y Cary Grant el de Cherry. Howard Hawks regaló a Wayne un cinturón con el símbolo de Río Rojo que luciría más tarde en "El Dorado" 1966. Uno de los temas musicales fue utilizado de nuevo en "Río Bravo" 1959. La película ocupa el puesto número cinco de los mejores western, según el American Film Institute.

ESCENA/FRASE FAVORITA:
Cuando Dunson dispara sobre Matt.

FICHA TECNICA:

Título original: Kiss of death
Año: 1947
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Henry Hathaway
Intérpretes: Victor Mature (Nick Bianco), Richard Widmark (Tommy Udo), Coleen Gray (Netty ), Brian Donlevy (Louis D'Angelo),Taylor Holmes (abogado Earl Howser), Howard Smith (Warden), Karl Malden (Sargento William Cullen)
Guión: Ben Hecht y Charles Lederer (basado en una novela de Eleazar Lipsky )
Fotografía: Norbert Brodine
Música: David Butolph
Productor: Fred Kohlmar
Duración: 95 minutos
Premios: Nominación al Oscar de mejor actor secundario Richard Widmark, nominación al Oscar mejor historia original Eleazar Lipsky.


SINOPSIS:

Nick Bianco es un exconvicto rechazado por la sociedad, no puede conseguir un trabajo para mantener a su esposa y dos hijas. Se acerca la navidad y desesperado participa en un robo a una joyería. Sus cómplices logran huir, pero él es atrapado por la policía. El fiscal del distrito, Louis D'Angelo, intenta convencerle para que delate a sus socios, Nick se niega y decide aceptar ser enviado a prisión. Su abogado Earl Howser se compromete a cuidar de su familia a cambio del silencio. Sin embargo, esto no sucede, su esposa se   suicida y sus hijas son enviadas a un orfanato. Atormentado, decide dar nombres y colaborar infiltrándose para conseguir pruebas. Nick rehace su vida, vuelve a casarse y trabaja honradamente. Pero el pasado le acosará de nuevo, cuando después del juicio, el asesino psicótico Tommy Udo sale en libertad y busca venganza.


CRITICA:

Aunque con cierto aire documental, constituye una obra notable de cine negro. Su protagonista Victor Mature es continuamente consciente de que esta actuando, pero queda compensado por la primera aparición en el cine de Richard Widmark. Su papel de un asesino cruel y maniaco, que se ríe al tirar una mujer inválida por las escaleras, le valió una nominación al Oscar en 1948 (algunos le encuentran cierto aire al Jocker de Batman). Retrata la nada fácil redención de un hombre marcado que ha errado su camino y lucha por formar una familia para sus hijas.

Hay un remake, "El sabor de la muerte" de 1995, dirigido por Barbet Schroeder y protagonizado por Nicolas Cage, David Caruso y Helen Hunt.


ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando Nick va a por Udo y tira las balas de su pistola a la papelera.

FICHA TECNICA:

Título original: A woman's face
Año: 1941
Nacionalidad: EE.UU.
Director: George Cukor
Intérpretes: Joan Crawford (Anna Holm o Ingrid Paulson), Melvyn Douglas (Dr. Gustaf Segert), Conrad Veidt (Torsten Barring), Osa Massen (Vera Segert), Reginald Owen (Bernard Dalvik), Albert Bassermann (Consul Magnus Barring), Marjorie Main (Emma Kristiansdotter), Donald Meek (Herman Rundvik), Connie Gilchrist (Christina Dalvik), Richard Nichols (Lars-Erik Barring), Charles Quigley (Eric), Gwili Andre (Gusta), Clifford Brooke (Wickman)
Guión: (basado en "Il etait une fois" de Francis de Croisset), Donald Ogden Stewart y Elliot Paul
Fotografía: Robert H. Planck
Música: Bronislau Kaper
Productor: Victor Saville
Duración: 106 minutos


SINOPSIS:

En Estocolmo, Suecia. La historia es narrada en una serie de flashbacks, cada personaje da testimonio en  un juicio por asesinato, la acusada es una mujer. Comienza en una taberna rural, el aristócrata Torsten conoce a la propietaria Anna Holm. Enseguida se da cuenta del grupo de chantajistas en que esta mezclada y le ayuda a conseguir su próxima víctima: Vera, esposa infiel de Gustav Segert. Anna se enamora por primera vez en su vida, ya que su rostro está horriblemente desfigurado y Torsten la ama tal como es. Envidiosa de la belleza de Vera, va a casa de ésta para aumentar la cifra del chantaje. El marido Gustav las sorprende, al ser cirujano plástico le interesa enormemente el caso de Anna y se compromete a ayudarla.
Ansiosa por conseguir una vida normal se pone en manos del doctor. Transformada en una belleza vuelve a los brazos de Torsten, él la forzará a llevar a cabo un asesinato.   


CRITICA:

A George Cukor a menudo se le ha llamado "el director de mujeres". Un rostro de mujer, es un remake de la versión sueca protagonizada por Ingrid Bergman. Cukor se sintió decepcionado por que la película cayera en la convencionalidad, en parte por las presiones del estudio y de la época. También confesó sentirse incapaz de poner freno a Joan Crawford. En la parte del film que ella está deformada, surge la actuación. Cuando se opera es ella misma. En el momento del rodaje la estrella estaba envejeciendo y se le consideraba veneno para la taquilla. No mucho después del estreno, Mayer la despidió.

Si se mira superficialmente, la película es un simple melodrama de suspense con un final que redime a la mujer malvada. Pero si se ve varias veces, hay un conjunto de imágenes memorables y quizás la mejor interpretación de toda la carrera de la Crawford. El director, gracias a la puesta en escena, muestra claramente los puntos de inflexión en el carácter de la protagonista. Maravillosos los planos en claroscuro donde hace que el rostro de Joan quede oculto y a la vez se registre hasta el mínimo detalle de sus gestos.

La liberación de la cicatriz (proyectando su imagen en los espejos del pasillo), sus dudas en el teleférico, en el fondo es un film bastante noir.


ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando baja la guardia y enseña la camisa nueva que se ha comprado.

FICHA TECNICA:

Título original: Scarface (el terror del hampa)
Año: 1932
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Howard Hawks
Intérpretes: Paul Muni (Tony Camonte), Ann Dvorak (Cesca Camonte), Karen Morley (Poppy), Osgood Perkins (Johnny Lovo), C. Henry Gordon (Inspector Ben Guarino), George Raft (Guino Rinaldo), Vince Barnett (Angelo), Boris Karloff (Gaffney), Purnell Pratt (editor Garston), Tully Marshall (jefe de redacción), Inez Palange (Sra. Camonte), Edwin Maxwell (jefe detectives)
Guión: Ben Hecht, basado en la novela de Armitage Trail "Scarface"
Fotografía: Lee Garmes
Productor: Howard Hughes
Duración: 90 minutos

SINOPSIS:

El film se desarrolla en el Chicago de los años veinte.  "Big Louie" Costillo es un ganster al viejo estilo, situado en "la cima del mundo", (máximo nivel al que aspiran los pandilleros). Uno de sus rivales Johnny Lovo, envía a su mejor hombre, Scarface, para eliminarlo (en el momento del asesinato, aparece un símbolo en forma de X, que se repetirá durante toda la película). El inspector de policía Ben Guarino detiene a Scarface y éste en tono de burla enciende una cerilla en su placa (se rinde homenaje a esta escena en "Muerte entre las flores" 1990 de los hermanos Coen). 

Tony Camonte (caracortada), ya tiene un historial como miembro de la banda de los "Cinco puntos", pero eso tiene poca importancia. Cada vez que se le detiene, su abogado presenta un Habeas Corpus y es puesto en libertad (sin cadáver no hay delito). Lovo le paga por su trabajo, esto no será suficiente. Scarface quedará cegado por el nivel de vida de su jefe ("Caro, ¿eh?") y por su chica Poppy (una rubia glacial).

Se celebra una reunión en la vieja oficina de Costillo y Scarface deja claro que Johnny manda ahora. Controla el contrabando de cerveza (ley seca), en el lado sur de la ciudad y desea ampliar su zona, esto les llevará a una confrontación con O'Hara (jefe del lado norte). Se envían unas flores al funeral de Big Louie, una X de claveles blancos.

Comienza una guerra en la que Tony destaca por su brutalidad. Incluso remata a balazos en el hospital a uno de sus rivales que había sobrevivido al primer ataque (en la cortina se ve una X). Su nivel económico a aumentado considerablemente y junto con Guino (apoyo fiel de Camonte), planeará terminar con Lovo. Sin el consentimiento de éste, asesina a O'Hara en su floristería. El lado Norte lanza un ataque con ametralladoras (nuevas en el mercado de las armas). Scarface sobrevive y se lanza a una espiral de violencia, que finaliza con la "matanza de San Valentín" (atención a los símbolos X). También elimina a Gaffney (sucesor de O'Hara) cuando está jugando a los bolos.

Tony tiene una reunión con su jefe en un restaurante y le amenaza veladamente, Poppy apuesta por el ganador. A la desesperada Lovo envía unos asesinos, que fallan en el intento. Guino le ejecuta, Scarface está en la cima del mundo.

CRITICA:

A finales de la época de cine mudo, "Los muelles de Nueva York" fue un éxito de Josef von Sternberg, que mostraba a un ganster acorralado por la policía en su escondite, muriendo bajo las balas. La llegada del cine sonoro creará un género llamado "thriller" (espectáculo que estremece). La sociedad de EE.UU. Se encontraba en plena depresión y los sindicatos del crimen eran poderosos. Los jefes del hampa se mofaban de Edgar Hoover y sus "intocables". Al Capone era uno de ellos y servirá de modelo para "Scarface" (caracortada).

Hay varias historias paralelas: el toque cómico que pone el secretario de Camonte, Angelo. La relación casi incestuosa entre Cesca y  Tony. La fría y materialista Poppy. El amor clandestino de Guino y Cesca.

El final de un Scarface cobarde no es el que Howard Hawks rodó. En el original, sobrevive al tiroteo, es juzgado y condenado a muerte en la horca.

CURIOSIDADES:

- Paul Muni y James Dean son los únicos actores en ser nominados al Oscar (mejor actor), en su primera y última película. También es el primero en estar nominado por una biografía "La historia de Louis Pasteur".
- Se añadió al título "la vergüenza de una nación", porque los gansters resultaban demasiado atractivos al público. Los discursos moralistas fueron añadidos por ese motivo.
- El cartel de "El mundo es tuyo" también se utilizó en el remake de 1983.
- La ametralladora Thompson se llamó "Tommy gun" o la máquina de escribir de Chicago.
- El guionista Ben Hecht fue periodista en Chicago. Una noche encontró en su habitación de hotel en Los Angeles, a dos hombres de Capone que le esperaban para preguntarle sobre la película. Le gustó tanto que tenía su propia copia.
- Muchas escenas se basan en acontecimientos reales. El asesinato de Big Jim Colosimo (Big Louie Costillo, en el film). El de Charles Dion O'Banion en su tienda de flores. El ataque que Capone sufrió en un restaurante en 1927. El que sufre en la persecución de coches. La ejecución en el hospital de Legs Diamond y la matanza del dia de san Valentín en 1929.
- George Raft se crió en Nueva York junto a pandilleros como Bugsy Siegel, Meyer Lansky, Joe Adonis y Lucky Luciano.
- Tuvo problemas con la censura (código Hays) para su estreno y fue retirada de la circulación. Con la ayuda de Francis Ford Coppola, se rescató en 1979.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

"Hazlo primero, hazlo tu mismo y sigue haciendolo"

FICHA TECNICA:

Título original: This gun for hire
Año: 1942
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Frank Tuttle
Intérpretes: Alan Ladd (Philip Raven), Veronica Lake (Ellen Graham), Robert Preston (Detective Michael Crane), Laird Cregar (Willard Gates), Tully Marshall (Alvin Brewster), Marc Lawrence (Tommy), Frank Ferguson (Albert Baker)
Guión: Albert Maltz y W.R. Burnett, basado en la novela "A gun for sale"
Fotografía: John F. Seitz
Música: David Buttolph
Vestuario: Edith Head
Productor: Richard Blumenthal
Duración: 80 minutos


SINOPSIS:

Philip Raven es un asesino a sueldo que es contratado por Willard Gates para que acabe con el chantajista que le está amenazando. Finalizado el trabajo, Gates paga a Raven con dinero marcado e inmediatamente denuncia el asesinato y el robo del dinero. Philip decide vengarse, viaja a Los Angeles en un tren, siguiendo a Gates. Pero este le descubre y da el aviso a la policía. Para escapar coge de rehén a su compañera de asiento Ellen Graham.


CRITICA:

Basada en la novela "Una pistola de alquiler" de Graham Greene. Esta película marca unas directrices diferentes que la hacen poseedora de un nuevo germen en el cine negro. Fuente de inspiración de muchas otras, queda desnaturalizada por las imposiciones de Hollywood (ocultar la esquizofrenia del asesino, espionaje en la segunda guerra mundial, final feliz). Es una visita al territorio pero esquiva los personajes típicos.

Alan Ladd compone un personaje frío y solitario. Un hombre malo, oscuro con una sonrisa angelical. Cuyo único acto de compasión humana es no asesinar a una niña inválida. Tiene un código de fidelidad a sus contratos.

Existen tres historias donde los personajes principales se reúnen al final:

El detective Michael Crane que investiga el robo del dinero de la empresa química Nitro propiedad de Alvin Brewster.

La de Ellen Graham (prometida del detective), que es reclutada por un senador de los Estados Unidos para espiar a Willard Gates y Alvin Brewster sospechosos de vender secretos químicos a los enemigos.

Y por último, el contrato que el asesino Philip Raven tiene con Willard Gates, para eliminar al chantajista Albert Baker (trabajador de la empresa).

Raven vive solo en una habitación de alquiler y da leche a un pequeño gato callejero cada mañana. No tiene contacto con las personas, nunca sonríe y no confía en nadie. Cuando la empleada de la limpieza pega al gato, él la abofetea con furia. Más tarde, en un momento de debilidad, confesará a Ellen que sufrió malos tratos en su infancia.

Es la primera película que protagonizan juntos Alan y Verónica, el éxito de taquilla, hizo que rodaran "La llave de cristal" 1942 y "La dalia azul" 1946.


CURIOSIDADES:

- No era habitual que un asesino a sueldo fuera protagonista de una película.
- Tampoco se había hablado de los malos tratos a los niños y sus consecuencias.
- Laird Cregar murió a los treinta años de edad, dos años después del estreno.
- La voz de Veronica Lake en las canciones fue doblada por Martha Mears.


ESCENA/FRASE FAVORITA:

"No se lo dijiste a la policía"

FICHA TECNICA:

Título original: The blue dahlia
Año: 1946
Nacionalidad: EE.UU.
Director: George Marshall
Intérpretes: Alan Ladd (Johnny Morrison), Veronica Lake (Joyce Harwood), William Bendix (Buzz Wanchek), Howard Da Silva (Eddie Harwood), Doris Dowling (Helen Morrison), Hugh Beaumont (George Copeland), Howard Freeman (Corelli), Costello (Don Leo), Will Wright (Newell)
Guión: Raymond Chandler
Fotografía: Lionel Lindon
Música: Robert Emmett Dolan
Productor: John Houseman
Duración: 96 minutos
Premios: Nominada al Oscar por Mejor Guión Original


SINOPSIS:

Johnny vuelve a la ciudad (después de participar en la segunda guerra mundial), junto con dos de sus compañeros (Buzz y George). Esa misma noche descubre que su esposa Helen vive en la habitación de un hotel y tiene una relación con otro hombre llamado Eddie. Es el dueño de un club llamado "La dalia azul" y otros negocios turbios.

Cuando se quedan solos, ella le confiesa la verdad sobre la muerte del hijo que tenían en común. No fue por enfermedad, sino por un accidente de coche, Helen conducía bajo los efectos del alcohol. Johnny la amenaza de muerte con una pistola, pero no es capaz de disparar. Recoge sus cosas, abandonando a su esposa para siempre. Por la mañana aparece el cadaver de la mujer junto al arma.


CRITICA:

Su estreno en el mismo año que "El sueño eterno" eclipsó la importancia de este film. Raymond Chandler es el creador del detective Philip Marlowe y el estilo narrado en primera persona de sus novelas, lo hace ideal para el cine negro. Colaborador en numerosas películas del género, el guión de "La dalia azul" fue el único adaptado por el propio Chandler. Se nota en el ritmo y en los buenos diálogos. No es una película demasiado oscura, por eso se puede pensar que está fuera de los "film noir". Supondría un error, ya que posee todos los ingredientes: amnesia, detective, mujer fatal, gangster, cabaret, ...

Es el tercer trabajo que realizan juntos Alan Ladd y Veronica Lake. El personaje de Joyce Harwood es la única luz que ilumina a Johnny. Su encuentro en la carretera resulta poco creíble, pero ella esta muy bella luciendo el vestuario de Edith Head.

Uno de los sospechosos es Eddie Harwood. Elegante propietario de un club nocturno de Hollywood. En la escena donde es chantajeado por Newell (detective del hotel), le da dinero y le enciende un cigarrillo con una mirada que se le quitan las ganas de volver a por más.


CURIOSIDADES:

- Alan Ladd fue llamado al servicio militar, lo que aceleró el rodaje de la película, obligando a Chandler a terminar el guión en muy poco tiempo. El estudio desesperado, le permitió trabajar en casa (un privilegio rara vez concedido a los guionistas). También puso dos coches a su disposición. Uno para llevar las páginas terminadas al estudio y otro para su esposa.

- Intervino la censura, no permitieron que el asesino fuera un héroe del ejército (Buzz).

- Después del estreno de la película, una mujer fue asesinada en Los Angeles. Los periódicos llamaron al caso "la dalia negra".


ESCENA/FRASE FAVORITA:

- "Esto es un adiós y me duele decírtelo"
- "Si acabas de conocerme"
- "Todos los hombres te han conocido alguna vez, lo difícil es encontrarte"

FICHA TECNICA:

Título original: Camille
Año: 1936
Nacionalidad: EE.UU.
Director: George Cukor
Intérpretes: Greta Garbo (Margarite Gautier), Robert Tailor (Armand Duval), Lionel Barrymore (Monsieur Duval), Elizabeth Allan (Nichette), Jessie Ralph (Nanine), Henry Daniell (Baron de Varville), Leonore Ulric (Olympe), Laura Hope Crews (Prudence Duvernoy), Rex O'Malley (Gaston)
Guión: Zoe Akins, Frances Marion y James Hilton, basado en la novela "La dama de las camelias" de Alejandro Dumas
Fotografía: William H. Daniels y W. Karl Freund
Música: Herbert Stothart
Productor: Irving G. Thalberg y Bernard Hyman
Duración: 105 minutos
Premios: Nominación al Oscar Mejor Actriz Principal (Greta Garbo) y premio Mejor Actriz del New York Film Critics


SINOPSIS:

Margarita, nace perteneciendo a la clase baja de París, pero con el tiempo se convierte en una bella cortesana de la alta sociedad. Se llama la dama de las camelias y el rico Barón de Varville cubre todos sus elevados gastos. Desilusionada de la vida, conocerá el amor verdadero en el joven Armand Duval.


CRITICA:

Basada en la novela de Alejandro Dumas, "La Dama de las Camelias", que ha sido llevada al cine en múltiples ocasiones. Cuando hizo esta película Greta Garbo tenía treinta años y los aprovechó para dar toda su experiencia. La llegada del cine sonoro imprimió un estilo rápido y realista. Ella, en cambio, utilizó cada uno de sus músculos para reflejar todos los matices posibles. El lenguaje de los gestos, su sonrisa o sus crisis de tos al borde de la muerte. Apoyada y rodeada por unos buenos actores, George Cukor supo sacar lo mejor de G.G.

Margarita lleva una vida de gastos desenfrenados en el París de 1847, (joyas, vestidos, perfumes, flores, carruajes, mansiones, criados, ópera, ...). Muy segura de si misma y apoyada por una belleza de alabastro, se mueve en las más altas esferas. El precio es pertenecer a hombres ricos como el Barón de Varville. Se cruza en su camino el joven Armand, que cae a sus pies perdidamente enamorado.

Ella se muestra reticente al principio, pues Duval no posee ningún dinero propio. Desengañada por sus anteriores relaciones, se resiste a quererle. Pronto descubre que no le es posible continuar y renuncia a todo por ese nuevo amor.

Durante un tiempo, (a costa de ir vendiendo poco a poco las propiedades de "Camille"), viven felices. Enterado de esa escandolosa relación, el padre de Armand se cita a solas con ella. Le comunica que en su intento de hacerla feliz, su hijo está gastando todo su dinero y arruinando su prometedor futuro. Arranca a Margarita la promesa de que le abandonará por su bien.

Rota y enferma de tuberculosis se arrastra ante el Barón, despreciando lo único le importa realmente. La Garbo esta hermosa a pesar de estar sucumbiendo a la enfermedad, con batas y en la cama, gracias a la estupenda fotografía de Daniels.


ESCENA/FRASE FAVORITA:

Spoiler

Cuando ella muere, bellísima.

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FICHA TECNICA:

Título original: The reckless moment
Año: 1949
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Max Ophüls
Intérpretes: James Mason (Martin Donnelly), Joan Bennett (Lucia Harper), Geraldine Brooks (Bea Harper), Henry O'Neill (Tom Harper), Shepperd Strudwick (Ted Darby), David Bair (David Harper), Roy Roberts (Nagel)
Guión: Basado en un relato corto de Elisabeth Sanxay Holding "The blank wall"
Fotografía: Burnett Guffey
Música: Hans J. Salter
Productor: Walter Wanger
Duración: 82 minutos

SINOPSIS:

Lucia Harper es un ama de casa y madre de familia, con un marido bastante ausente por temas de trabajo. Su hogar se encuentra a las orillas de una laguna, en Balboa cerca de los Ángeles.

Enterada del amorío que su hija Beatrice de diecisiete años (estudiante de arte), mantiene con un maduro y turbio comerciante llamado Ted Darby, no duda en dirigirse a la ciudad. Se entrevista con él a solas manteniendo una conversación no muy amable en la que Darby está dispuesto a aceptar dinero para abandonar a  Bea. Lucía se ríe y le asegura que cuando su hija lo sepa se desengañará. Ted se le adelanta, telefoneando de inmediato a la chiquilla y contando "su versión".

Esa tarde, madre e hija discuten. Beatrice se cita secretamente por la noche con el comerciante en el embarcadero de la casa. Afortunadamente se da cuenta sus intenciones, le golpea con una linterna y escapa para refugiarse en los brazos de Lucía. A partir de ese momento esta última se verá obligada a llevar una doble vida y proteger a su familia.

CRITICA:

Cine negro con un toque de melodrama. Inicialmente se nos presenta a una mujer un poco agobiada por sus obligaciones y añorando a su marido. Pero cuando el peligro acecha de una forma muy fea a sus cachorros, no duda lo más mínimo en ocultar, manipular y aceptar el castigo si hace falta. Su escala de valores se modifica inmediatamente y sin remordimientos.

No se puede seguir hablando sin descubrir la trama, así que simplemente apuntaré algunos detalles. El director Max Ophüls persigue constantemente a Joan Bennett con la cámara para dar la sensación de angustia y nerviosismo. La aparición de Martin Donnelly (el chantajista irlandés) en la casa, colándose en la sala de estar, hablando con la familia como si fuera compañero del señor Harper, acrecienta esa sensación.

En el desarrollo de la historia también consigue invertir la situación inicial. Lucía se comporta con una fuerza masculina, mientras que Martin comienza a mostrar una debilidad femenina. De forma que ella soporta mejor la presión que el propio chantajista.

CURIOSIDADES:

- En el comienzo de la película, Joan está buscando una lista de la compra que ha perdido. Luego ella la encuentra en el bolsillo de un abrigo. Es un guiño al relato original, pues esta lista llegaba a manos de la policía.

- El vestuario de James Mason es muy oscuro al principio, se va suavizando a medida que lo hace su personaje.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Spoiler

El momento en que Lucia hace desaparecer el cuerpo de la playa

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FICHA TECNICA:

Título original: Journey into fear
Año: 1943
Nacionalidad: EE.UU.
Director: Norman Foster (y Orson Welles)
Intérpretes: Joseph Cotten (Howard Graham), Ruth Warrick (Stephanie Graham), Dolores del Rio (Josette Martel), Agnes Moorehead (Sra. Mathews), Jack Durant (Gogo Martel), Everett Sloane (Kopeikin), Eustace Wyatt (Profesor Haller Eustace), Frank Readick (Matthews Frank), Edgar Barrier (Kuvetli), Jack Moss (Peter Banat), Stefan Schabel (sobrecargo), Hans Conreid (Oo Lang Sang, el mago), Robert Meltzer (Steward), Richard Bennett (capitán del buque), Orson Welles (Coronel Haki)
Guión: Orson Welles y Joseph Cotten, basado en la novela de Eric Ambler "Viaje en el miedo"
Fotografía: Karl Struss
Música: Roy Webb
Productor: Orson Welles
Duración: 70 minutos

SINOPSIS:

Howard Graham, ingeniero norteamericano experto en armamento, trabaja con la armada turca. De vuelta a los EE.UU., acompañado de su esposa Stephanie, hacen una parada en Estambul para tratar de negocios con S. Kopeikin, empleado de la compañía de Howard. Llegan al hotel de noche, Kopeikin les espera e insiste en invitar al señor Graham a una sala de variedades. Allí intentan asesinarle, pero muere otra persona. El coronel Haki, de la policía secreta turca, le advierte que Peter Banat, un asesino a sueldo de la Gestapo, anda tras él. Para garantizarle su seguridad, le obliga a zapar en un barco con destino a Batumi, donde podrá reencontrase con su esposa. Pronto descubrirá que viaja con personajes de dudosa identidad, además del siniestro Banat.

CRITICA:

Deliciosa serie B del cine negro con un toque de espionaje. Basada en la novela "Viaje en el miedo" de Eric Ambler, bastante fiel al libro, salvo el cambio de profesión del protagonista.

Orson Welles ejerció de actor, productor, director y guionista con algo de ayuda por parte de Joseph Cotten y  Norman Foster. La verosimilitud del film queda relegada a un segundo plano en favor de una angustiosa puesta en escena. Claustrofóbica y sobre todo destacar el gran trabajo coral de los secundarios, son todos "sospechosos". Y en cuanto a Howard, sufre una cadena de situaciones absurdas y comprometidas que van en aumento.

Como ya he comentado, durante el viaje que realiza sufre un atentado fallido contra su vida. En un intento de protegerle, la policía cambia su ruta. Hace que siga el trayecto en solitario a bordo de un barco. Mala idea, le meterán en la boca del lobo y sin escapatoria posible. Graham tendrá que ingeniarselas para volver a ver a su esposa.

CURIOSIDADES:

- Welles pensó que era la primera película en la que se mostraban algunas escenas antes de que aparecieran los créditos, pero dos en los años treinta se le habían adelantado.

ESCENA/FRASE FAVORITA:

Cuando Howard está en su camarote y no sabe donde esconder la pistola que le ha dado el policía.