La 71 Seminci avanza quince títulos que protagonizan la temporada cinematográfica
La Semana Internacional de Cine de Valladolid adelanta quince de los títulos que formarán parte de su 71 edición. Una selección de películas que contiene algunas de las propuestas que más están marcando la temporada cinematográfica, ya sea por la fuerza de sus historias o por la personalidad de sus cineastas. Todos son estrenos en España y formarán parte de la Sección Oficial y Punto de Encuentro.
La Sección Oficial a concurso programará 'La gradiva', de Marine Atlan, y 'Un hombre de nuestro tiempo', de Emmanuel Marre, dos de las películas más aclamadas por la crítica francesa, que llegan a Valladolid después de competir en Cannes. El avance incluye además 'We Are All Strangers', de Anthony Chen; 'Everytime', de la austriaca Sandra Wollner, ganadora de Un Certain Regard en Cannes; 'Aquí', de Tiago Guedes, con Manolo Solo en uno de sus últimos papeles; el Oso de Oro de la 76 Berlinale, 'Yellow Letters', de Ilker Catak; 'Rose', de Markus Schleinzer, premio a la mejor interpretación en Berlín para Sandra Hüller; 'Prosecution', de Faraz Shariat; y 'A Bit of Light', de Ali Asgari.
Los títulos franceses más aplaudidos del año
En 'La gradiva' un grupo de estudiantes franceses se desplaza a Nápoles para visitar Pompeya, en un recorrido en el que deseo, violencia y descubrimiento desbordan progresivamente sus relaciones. Marine Atlan convierte este viaje en un lúcido retrato del momento en que la adolescencia pasa abruptamente a la edad adulta. Ópera prima de la cineasta, obtuvo el Gran Premio de la Semana de la Crítica de Cannes.
Por su parte 'Un hombre de nuestro tiempo', premio al mejor guion en Cannes, se sitúa en la Francia de 1940, en plena instauración del régimen colaboracionista. Su protagonista, interpretado magistralmente por Swann Arlaud, acaba integrándose en el aparato administrativo de Vichy, lo que permite a Emmanuel Marre evidenciar la inquietante facilidad de adaptación, el oportunismo y las responsabilidades individuales ante la ocupación alemana.
Familias, pérdidas y nuevos comienzos
Anthony Chen, ganador de la Cámara de Oro de Cannes por 'Ilo Ilo', presenta 'We Are All Strangers', un drama familiar ambientado en el Singapur contemporáneo. Un acontecimiento inesperado altera la vida de un joven y obliga a su padre, inmerso en una nueva etapa sentimental, a replantearse sus vínculos y responsabilidades. La película construye un relato sobre el cuidado, los afectos y la capacidad de crear nuevas formas de familia.
También competirá 'Everytime', de Sandra Wollner, Premio Un Certain Regard en Cannes y elegida para representar a Alemania en los Oscar. Una tragedia reúne a una madre, su hija y un adolescente en un aparentemente idílico viaje a Tenerife. La película indaga en el duelo, la culpa y la posibilidad del perdón a través de una propuesta formal tan extraordinaria como inesperada y una narración en la que pasado y presente se superponen.
El portugués Tiago Guedes compite con 'Aquí', adaptación de la Trilogía de Jesús del premio Nobel de Literatura J. M. Coetzee. En un territorio sin pasado ni identidad definida, Simón se hace cargo de David, un niño que ha perdido a su madre, y busca una figura materna para construir una nueva familia. El reparto incluye a Patricia López Arnaiz, Sergi López, Ángela Molina y Manolo Solo, que se despide del cine con esta interpretación magistral.
La identidad frente al poder
En 'Rose' Markus Schleinzer retrocede hasta el siglo XVII para contar la historia de una mujer que adopta una identidad masculina para acceder a una libertad negada. Gran éxito de público en Alemania, la película plantea cuánto está dispuesta a esconder de sí misma para poder vivir como desea. Sandra Hüller, protagonista del largometraje, elegido para representar a Austria en los próximos Oscar, recibió el premio a la mejor interpretación en la Berlinale.
'Yellow Letters', de Ilker Catak, ganadora del Oso de Oro de la Berlinale, sigue a una pareja de artistas turcos cuya vida en Ankara se ve alterada por la presión política. La persecución que sufren afecta también a su relación y convierte el espacio privado en escenario de un conflicto político. El filme ofrece una estampa dolorosa del avance del autoritarismo y continúa el interés de Çatak por las estructuras de poder, después de 'La sala de profesores', nominada al Oscar a la mejor película internacional y premio al mejor montaje de la 68 Seminci.
En 'Prosecution', Premio del Público de Panorama en la Berlinale, Faraz Shariat pone el foco en la violencia de extrema derecha y el racismo institucional a través de una fiscal de origen coreano que, tras sufrir una agresión racista, decide investigar el caso y se enfrenta a los responsables y a las resistencias del sistema judicial. La intensidad del relato se apoya en una protagonista que se niega a convertirse en víctima y decide desafiar al sistema para buscar justicia.
'A Bit of Light', de Ali Asgari, ambientado en el Irán actual asolado por las bombas estadounidenses, sigue a un médico que, tras ser detenido y ver clausurada su consulta, pierde la confianza en el futuro. La película, que competirá por el León de Oro del próximo Festival de Venecia, se detiene en las tensiones y restricciones de la sociedad iraní con un relato profundamente humanista sobre el tránsito de la oscuridad a la luz a través de los afectos. Asgari regresa a Valladolid tras ganar con 'El silencio' la Espiga de Oro al mejor corto de la 61 edición y presentar un año después su primer largo, 'Disappearance'.
Punto de Encuentro: El poder transformador del entorno
Punto de Encuentro será, una vez más, el espacio destinado para las grandes revelaciones del año. El avance presenta seis películas, todas ellas atravesadas por la relación entre los personajes y los espacios que habitan, evidenciando la amplitud geográfica de la programación de la 71 Seminci.
En 'Forest High' la francesa Manon Coubia sitúa a tres mujeres en un refugio de los Alpes, donde los visitantes se suceden a lo largo de las cuatro estaciones. Rodada en 16 mm, la película explora el tiempo, la soledad y las relaciones humanas, convirtiendo ese espacio aislado en un lugar de encuentro, escucha y reconocimiento entre mujeres de distintas edades.
'Ben’imana', de la ruandesa Marie-Clémentine Dusabejambo, ganadora de la Cámara de Oro de Cannes, examina las consecuencias del genocidio contra los tutsis a través de una mujer implicada en procesos comunitarios de justicia y reconciliación. Su obra se acerca a la reconstrucción de los vínculos personales y comunitarios tras la violencia, y plantea la dificultad de perdonar cuando el pasado irrumpe en la propia vida.
La japonesa Yukiko Sode presenta 'Los amantes de la noche', película sobre una correctora de textos que vive aislada, cuya existencia se transforma a partir de una relación inesperada. La película retrata la soledad, el deseo y los vínculos afectivos desde la atención a los pequeños gestos, con una elegante puesta en escena que convierte la luz en metáfora de unos sentimientos que permanecen ocultos.
Desde China llega 'Light Pillar', debut en el largometraje de Xu Zao, que combina animación y acción real para contar la historia de un trabajador de un estudio cinematográfico en decadencia que encuentra una vía de escape en un mundo virtual. Xu Zao ofrece una mirada repleta de humor y melancolía sobre los deseos proyectados hacia otros mundos y todo aquello que el progreso deja atrás.
'Yesterday the Eye Didn't Sleep', ópera prima del palestino Rakan Mayasi, se adentra en una comunidad beduina del sur del Líbano, donde la desaparición de una joven enfrenta a varios clanes. Sus hermanas son ofrecidas como garantía de paz para evitar una escalada de violencia, en una historia sobre la tradición, la libertad individual y la condición femenina, y sobre el coste de una paz construida a partir del sacrificio silencioso de las mujeres que nunca tuvieron la posibilidad de decidir sobre su propio destino.
Cierra el avance '9 Temples to Heaven', del tailandés Sompot Chidgasornpongse, sobre un hombre que emprende con su familia una peregrinación a nueve templos para intentar conjurar el temor a la muerte de su madre. El viaje por Tailandia articula una historia sobre el paso del tiempo y los vínculos entre generaciones, en un relato familiar que plantea, con sencillez y emoción, que quizá no podamos detener la muerte, pero sí acompañarnos mientras llega. La película tiene como productor a Apichatpong Weerasethakul, autor del cartel de la 71 edición de Seminci.
Temas relacionados
La Semana Internacional de Cine de Valladolid - Seminci sitúa el sonido en el centro de su 71ª edición con Una historia del sonido (en el cine), que propone una reflexión amplia sobre el cine desde aquello que durante décadas quedó en segundo plano: lo que se escucha.
Lejos de plantearse como un complemento técnico, la retrospectiva aborda el cine desde el papel decisivo del sonido en el relato, situando el foco en películas en las que lo que escuchamos construye sentido, guía la percepción y redefine la relación del espectador con la imagen.
La retrospectiva se articula en torno a varios ejes: el ciclo de películas, el programa de charlas Pensar (y escuchar) el cine, y una publicación monográfica en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine.
Aunque el cine nació mudo, la llegada del sonido supuso una transformación decisiva, mientras su potencial como herramienta clave del lenguaje fílmico se desarrollaba de forma progresiva. Durante mucho tiempo, su función fue subordinada a la imagen. Sin embargo, a lo largo de las décadas, el sonido ha ido ganando autonomía hasta convertirse, en numerosas propuestas contemporáneas, en el verdadero motor de la experiencia cinematográfica.
En los últimos años, cineastas como Apichatpong Weerasethakul, Lucrecia Martel, Jonathan Glazer u Oliver Laxe han radicalizado esta tendencia, concibiendo el sonido como materia prima de la creación fílmica y generando experiencias inmersivas de gran intensidad sensorial y emocional. En este contexto, Una historia del sonido (en el cine) se plantea como un espacio de reflexión sobre cómo las ondas, frecuencias y silencios han permitido no solo expandir las posibilidades estéticas del cine, sino también abordar cuestiones políticas, históricas e íntimas.
Un recorrido histórico: del descubrimiento del sonido a su centralidad contemporánea
El ciclo se empezó a perfilar el pasado noviembre con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del certamen y ha seguido su desarrollo como parte de la programación de la 71ª edición. La retrospectiva traza ese recorrido a través de una selección de títulos organizada en dos grandes bloques: un primer tramo que recorre el siglo XX, desde los inicios del cine sonoro hasta finales de los años noventa, y un segundo que se adentra en el siglo XXI, donde el sonido ha adquirido una presencia decisiva en las formas de creación actuales.
El itinerario arranca con M (Fritz Lang, 1931), una de las primeras películas en explorar el potencial expresivo del sonido como elemento narrativo, con el célebre silbido del asesino como marca sonora y dispositivo de tensión. A partir de ahí, el ciclo recorre cómo lo auditivo adquiere una dimensión política en obras como Enthusiasm: Symphony of the Donbas (Dziga Vertov, 1931) o Listen to Britain (Humphrey Jennings y Stewart McAllister, 1942), donde el montaje de sonidos se pone al servicio de una construcción ideológica.
El recorrido del siglo XX atraviesa distintas formas de experimentación sonora: desde la precisión casi coreográfica de los paisajes acústicos urbanos en Playtime (Jacques Tati, 1967), donde los sonidos cotidianos construyen una sátira de la modernidad, hasta la depuración extrema de Lancelot du Lac (Robert Bresson, 1974), donde la repetición de sonidos —armaduras, pasos, choques— construye una cadencia austera que sustituye al énfasis dramático.
La escucha se convierte en eje del relato de La conversación (Francis Ford Coppola, 1974), mientras que en El grito (Jerzy Skolimowski, 1978) el sonido adquiere una dimensión física e inquietante, y en Blow Out (Brian De Palma, 1981) la manipulación del audio pasa a ser directamente materia narrativa.
La evolución de lo sonoro del siglo XX al XXI
El segundo bloque, centrado en el siglo XXI, reúne obras en las que el sonido no solo acompaña, sino que estructura la experiencia. En The Tribe (Myroslav Slaboshpytskiy, 2014), protagonizada por personajes sordos, la ausencia de lenguaje verbal convencional convierte lo sonoro —junto a su ausencia— en un elemento clave de expresión y percepción.
Las obras de Lawrence Abu Hamdan, como The Diary of a Sky (2024), sitúan el sonido como herramienta de investigación política y jurídica, capaz de operar como prueba, testimonio y construcción de memoria en contextos de conflicto. En Atlantics (Mati Diop, 2019), el paisaje sonoro del mar articula una dimensión emocional y existencial, abriendo un tránsito entre lo visible y lo invisible.
En Memoria (Apichatpong Weerasethakul, 2021), el sonido aparece como una huella persistente, cercana al recuerdo o a una presencia que la protagonista intenta descifrar, activando una experiencia íntima y sensorial. En La zona de interés (Jonathan Glazer, 2023), el fuera de campo sonoro desplaza el horror hacia lo que no se muestra y convierte la escucha en el principal espacio de representación. En Preemptive Listening (Aura Satz, 2024), las sirenas se reformulan como un dispositivo sonoro y político que revela su capacidad para moldear la percepción colectiva y operar como herramienta de alerta y control.
La lista completa de los títulos que componen la retrospectiva se anunciará en los próximos meses.
Un espacio para la escucha y el pensamiento
Una historia del sonido (en el cine) se desplegará también más allá de las proyecciones. El ciclo incluirá Pensar (y escuchar) el cine, una serie de encuentros abiertos al público en los que cineastas y profesionales del sonido abordarán sus procesos de trabajo y las transformaciones recientes en el ámbito del diseño sonoro.
A ello se sumará la publicación de un volumen monográfico, editada por Carlos F. Heredero/Caimán Cuadernos de Cine, que aspira a convertirse en una obra de referencia en lengua española sobre el papel del sonido en la historia y el presente del cine.
Con esta retrospectiva, Seminci propone un desplazamiento de la mirada —o, más bien, de la escucha—: atender a cómo el cine ha ido incorporando el sonido no solo como acompañamiento, sino como una de sus formas más ricas y complejas de construcción de sentido.
Una obra fotográfica del cineasta y artista visual Apichatpong Weerasethakul protagoniza el cartel de la 71.ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). Por primera vez en su historia, la imagen del festival estará firmada por un cineasta internacional, una decisión que refuerza su visión global e inaugura el vínculo con el director tailandés.
La elección fue tomada tras un extenso y enriquecedor diálogo con Weerasethakul, incorporando al imaginario del festival la mirada artística de una de las voces esenciales del panorama contemporáneo, donde cine, fotografía e instalación forman parte de un mismo proceso creativo.
La fotografía elegida, Power Boy (Mekong) (2011), integra la figura humana en el imponente paisaje del río Mekong, que en tailandés significa "madre del agua". A lo largo de su trayectoria, Weerasethakul ha representado en numerosas ocasiones este río que recorre gran parte del sudeste asiático, estableciéndolo como símbolo de la memoria personal, y de la relación entre vida, muerte e historia. La imagen comparte con sus películas una cuidada construcción visual y una especial atención a la relación entre la presencia humana, el paisaje y la luz.
PobrelaVaca Studio, la agencia de diseño vallisoletana responsable de la identidad de Seminci desde 2024, será la encargada de desarrollar todas las aplicaciones gráficas del cartel de la 71 edición.
Para los directores de Seminci, Javier H. Estrada y Mariona Viader, la imagen escogida sintetiza muchas de las constantes presentes en la obra del cineasta. «Como su cine, la imagen del cartel es profundamente inspiradora: nace de lo cotidiano y, sin dejarlo nunca de lado, se expande con sencillez y naturalidad hacia lo eterno. De la ligereza se pasa a la trascendencia, lo urbano dialoga con la naturaleza y de una oscuridad reveladora emerge la luz de lo humano», señalan.
Considerado una de las figuras imprescindibles del cine de autor de las últimas décadas, Apichatpong Weerasethakul (Bangkok, 1970) ha construido una filmografía reconocida internacionalmente por la libertad de sus formas narrativas y por una exploración constante de la memoria, el tiempo, la naturaleza y la percepción. Entre los principales reconocimientos de su trayectoria figuran la Palma de Oro del Festival de Cannes por Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas, 2010), el Premio del Jurado por Tropical Malady (2004) y el Premio Un Certain Regard por Blissfully Yours (2002).
Su obra más reciente, Memoria (2021), protagonizada por Tilda Swinton, prolonga esa investigación sobre la escucha y la experiencia sensorial que atraviesa buena parte de su trabajo. La película formará parte del ciclo Una historia del sonido (en el cine), uno de los ejes temáticos del festival.
Esa misma mirada se desarrolla también en su faceta como artista visual. Desde hace más de dos décadas, Weerasethakul presenta instalaciones, videocreaciones y series fotográficas en museos, bienales y centros de arte de todo el mundo, donde amplía, desde otros lenguajes, las mismas cuestiones que atraviesan su cine: la relación entre imagen, sonido, espacio y memoria.
Su obra ha formado parte de algunos de los principales circuitos internacionales de arte contemporáneo, como DOCUMENTA 13 (Kassel, 2012) y la Bienal de Venecia (2019), además de exposiciones individuales y colectivas en instituciones como Haus der Kunst (Múnich), Walker Art Center (Minneapolis), New Museum (Nueva York), Irish Museum of Modern Art (Dublín) y Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.
La elección del cartel da continuidad a una idea que comenzó a desarrollarse durante la preparación de esta edición con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del festival, quien propuso que la imagen de Seminci pudiera surgir de una obra fotográfica. Ese planteamiento encuentra ahora su materialización en una creación de Apichatpong Weerasethakul.
Los directores de Seminci destacan que «es un verdadero honor que Apichatpong Weerasethakul se incorpore a la historia del festival de una manera tan significativa, aportando un elemento fundamental de la identidad de nuestra 71 edición». Ambos destacan también el proceso de trabajo desarrollado junto al cineasta: «Hemos colaborado con él durante meses; nos abrió la puerta de sus creaciones con una gran generosidad y valoramos juntos multitud de opciones hasta llegar a la que consideramos la ideal».
La imagen de la 71 edición, que tendrá lugar del 23 al 31 de octubre de 2026, se ha presentado este martes en un acto celebrado en Espacio Seminci, al que han asistido el alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, y la concejala de Turismo, Eventos y Marca Ciudad, Blanca Jiménez, además de Mariona Viader y Javier H. Estrada, codirectores del festival.