71 Seminci - El cine español reluce en la 71 Seminci

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- La 71ª Seminci dedicará su retrospectiva al poder narrativo del sonido

- El cineasta y artista visual Apichatpong Weerasethakul, autor del cartel de la 71 edición de Seminci

- La 71 Seminci avanza quince títulos que protagonizan la temporada cinematográfica

- La cineasta chilena Valeria Sarmiento recibirá la Espiga de Honor de Seminci y estrenará su película 'Detrás de la lluvia'

- El cortometraje internacional y español despliega su fuerza creativa en la 71 Seminci con 27 títulos a competición

- La 71 Seminci, una celebración colectiva del legado de José Luis Cienfuegos

- El cine español reluce en la 71 Seminci: 20 producciones españolas, nueve de ellas estrenos mundiales

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La 71ª Seminci dedicará su retrospectiva al poder narrativo del sonido


La Semana Internacional de Cine de Valladolid - Seminci sitúa el sonido en el centro de su 71ª edición con Una historia del sonido (en el cine), que propone una reflexión amplia sobre el cine desde aquello que durante décadas quedó en segundo plano: lo que se escucha.

Lejos de plantearse como un complemento técnico, la retrospectiva aborda el cine desde el papel decisivo del sonido en el relato, situando el foco en películas en las que lo que escuchamos construye sentido, guía la percepción y redefine la relación del espectador con la imagen.

La retrospectiva se articula en torno a varios ejes: el ciclo de películas, el programa de charlas Pensar (y escuchar) el cine, y una publicación monográfica en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine.

Aunque el cine nació mudo, la llegada del sonido supuso una transformación decisiva, mientras su potencial como herramienta clave del lenguaje fílmico se desarrollaba de forma progresiva. Durante mucho tiempo, su función fue subordinada a la imagen. Sin embargo, a lo largo de las décadas, el sonido ha ido ganando autonomía hasta convertirse, en numerosas propuestas contemporáneas, en el verdadero motor de la experiencia cinematográfica.

En los últimos años, cineastas como Apichatpong Weerasethakul, Lucrecia Martel, Jonathan Glazer u Oliver Laxe han radicalizado esta tendencia, concibiendo el sonido como materia prima de la creación fílmica y generando experiencias inmersivas de gran intensidad sensorial y emocional. En este contexto, Una historia del sonido (en el cine) se plantea como un espacio de reflexión sobre cómo las ondas, frecuencias y silencios han permitido no solo expandir las posibilidades estéticas del cine, sino también abordar cuestiones políticas, históricas e íntimas.

 
Un recorrido histórico: del descubrimiento del sonido a su centralidad contemporánea

El ciclo se empezó a perfilar el pasado noviembre con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del certamen y ha seguido su desarrollo como parte de la programación de la 71ª edición. La retrospectiva traza ese recorrido a través de una selección de títulos organizada en dos grandes bloques: un primer tramo que recorre el siglo XX, desde los inicios del cine sonoro hasta finales de los años noventa, y un segundo que se adentra en el siglo XXI, donde el sonido ha adquirido una presencia decisiva en las formas de creación actuales.

El itinerario arranca con M (Fritz Lang, 1931), una de las primeras películas en explorar el potencial expresivo del sonido como elemento narrativo, con el célebre silbido del asesino como marca sonora y dispositivo de tensión. A partir de ahí, el ciclo recorre cómo lo auditivo adquiere una dimensión política en obras como Enthusiasm: Symphony of the Donbas (Dziga Vertov, 1931) o Listen to Britain (Humphrey Jennings y Stewart McAllister, 1942), donde el montaje de sonidos se pone al servicio de una construcción ideológica.

El recorrido del siglo XX atraviesa distintas formas de experimentación sonora: desde la precisión casi coreográfica de los paisajes acústicos urbanos en Playtime (Jacques Tati, 1967), donde los sonidos cotidianos construyen una sátira de la modernidad, hasta la depuración extrema de Lancelot du Lac (Robert Bresson, 1974), donde la repetición de sonidos —armaduras, pasos, choques— construye una cadencia austera que sustituye al énfasis dramático.

La escucha se convierte en eje del relato de La conversación (Francis Ford Coppola, 1974), mientras que en El grito (Jerzy Skolimowski, 1978) el sonido adquiere una dimensión física e inquietante, y en Blow Out (Brian De Palma, 1981) la manipulación del audio pasa a ser directamente materia narrativa.

 
La evolución de lo sonoro del siglo XX al XXI

El segundo bloque, centrado en el siglo XXI, reúne obras en las que el sonido no solo acompaña, sino que estructura la experiencia. En The Tribe (Myroslav Slaboshpytskiy, 2014), protagonizada por personajes sordos, la ausencia de lenguaje verbal convencional convierte lo sonoro —junto a su ausencia— en un elemento clave de expresión y percepción.

Las obras de Lawrence Abu Hamdan, como The Diary of a Sky (2024), sitúan el sonido como herramienta de investigación política y jurídica, capaz de operar como prueba, testimonio y construcción de memoria en contextos de conflicto. En Atlantics (Mati Diop, 2019), el paisaje sonoro del mar articula una dimensión emocional y existencial, abriendo un tránsito entre lo visible y lo invisible.

En Memoria (Apichatpong Weerasethakul, 2021), el sonido aparece como una huella persistente, cercana al recuerdo o a una presencia que la protagonista intenta descifrar, activando una experiencia íntima y sensorial. En La zona de interés (Jonathan Glazer, 2023), el fuera de campo sonoro desplaza el horror hacia lo que no se muestra y convierte la escucha en el principal espacio de representación. En Preemptive Listening (Aura Satz, 2024), las sirenas se reformulan como un dispositivo sonoro y político que revela su capacidad para moldear la percepción colectiva y operar como herramienta de alerta y control.

La lista completa de los títulos que componen la retrospectiva se anunciará en los próximos meses.


Un espacio para la escucha y el pensamiento

Una historia del sonido (en el cine) se desplegará también más allá de las proyecciones. El ciclo incluirá Pensar (y escuchar) el cine, una serie de encuentros abiertos al público en los que cineastas y profesionales del sonido abordarán sus procesos de trabajo y las transformaciones recientes en el ámbito del diseño sonoro.

A ello se sumará la publicación de un volumen monográfico, editada por Carlos F. Heredero/Caimán Cuadernos de Cine, que aspira a convertirse en una obra de referencia en lengua española sobre el papel del sonido en la historia y el presente del cine.

Con esta retrospectiva, Seminci propone un desplazamiento de la mirada —o, más bien, de la escucha—: atender a cómo el cine ha ido incorporando el sonido no solo como acompañamiento, sino como una de sus formas más ricas y complejas de construcción de sentido.

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El cineasta y artista visual Apichatpong Weerasethakul, autor del cartel de la 71 edición de Seminci


Una obra fotográfica del cineasta y artista visual Apichatpong Weerasethakul protagoniza el cartel de la 71.ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci). Por primera vez en su historia, la imagen del festival estará firmada por un cineasta internacional, una decisión que refuerza su visión global e inaugura el vínculo con el director tailandés.

La elección fue tomada tras un extenso y enriquecedor diálogo con Weerasethakul, incorporando al imaginario del festival la mirada artística de una de las voces esenciales del panorama contemporáneo, donde cine, fotografía e instalación forman parte de un mismo proceso creativo.

La fotografía elegida, Power Boy (Mekong) (2011), integra la figura humana en el imponente paisaje del río Mekong, que en tailandés significa "madre del agua". A lo largo de su trayectoria, Weerasethakul ha representado en numerosas ocasiones este río que recorre gran parte del sudeste asiático, estableciéndolo como símbolo de la memoria personal, y de la relación entre vida, muerte e historia. La imagen comparte con sus películas una cuidada construcción visual y una especial atención a la relación entre la presencia humana, el paisaje y la luz.

PobrelaVaca Studio, la agencia de diseño vallisoletana responsable de la identidad de Seminci desde 2024, será la encargada de desarrollar todas las aplicaciones gráficas del cartel de la 71 edición.

Para los directores de Seminci, Javier H. Estrada y Mariona Viader, la imagen escogida sintetiza muchas de las constantes presentes en la obra del cineasta. «Como su cine, la imagen del cartel es profundamente inspiradora: nace de lo cotidiano y, sin dejarlo nunca de lado, se expande con sencillez y naturalidad hacia lo eterno. De la ligereza se pasa a la trascendencia, lo urbano dialoga con la naturaleza y de una oscuridad reveladora emerge la luz de lo humano», señalan.

Considerado una de las figuras imprescindibles del cine de autor de las últimas décadas, Apichatpong Weerasethakul (Bangkok, 1970) ha construido una filmografía reconocida internacionalmente por la libertad de sus formas narrativas y por una exploración constante de la memoria, el tiempo, la naturaleza y la percepción. Entre los principales reconocimientos de su trayectoria figuran la Palma de Oro del Festival de Cannes por Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives (El tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas, 2010), el Premio del Jurado por Tropical Malady (2004) y el Premio Un Certain Regard por Blissfully Yours (2002).

Su obra más reciente, Memoria (2021), protagonizada por Tilda Swinton, prolonga esa investigación sobre la escucha y la experiencia sensorial que atraviesa buena parte de su trabajo. La película formará parte del ciclo Una historia del sonido (en el cine), uno de los ejes temáticos del festival.

Esa misma mirada se desarrolla también en su faceta como artista visual. Desde hace más de dos décadas, Weerasethakul presenta instalaciones, videocreaciones y series fotográficas en museos, bienales y centros de arte de todo el mundo, donde amplía, desde otros lenguajes, las mismas cuestiones que atraviesan su cine: la relación entre imagen, sonido, espacio y memoria.

Su obra ha formado parte de algunos de los principales circuitos internacionales de arte contemporáneo, como DOCUMENTA 13 (Kassel, 2012) y la Bienal de Venecia (2019), además de exposiciones individuales y colectivas en instituciones como Haus der Kunst (Múnich), Walker Art Center (Minneapolis), New Museum (Nueva York), Irish Museum of Modern Art (Dublín) y Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris.

La elección del cartel da continuidad a una idea que comenzó a desarrollarse durante la preparación de esta edición con José Luis Cienfuegos al frente de la dirección del festival, quien propuso que la imagen de Seminci pudiera surgir de una obra fotográfica. Ese planteamiento encuentra ahora su materialización en una creación de Apichatpong Weerasethakul.

Los directores de Seminci destacan que «es un verdadero honor que Apichatpong Weerasethakul se incorpore a la historia del festival de una manera tan significativa, aportando un elemento fundamental de la identidad de nuestra 71 edición». Ambos destacan también el proceso de trabajo desarrollado junto al cineasta: «Hemos colaborado con él durante meses; nos abrió la puerta de sus creaciones con una gran generosidad y valoramos juntos multitud de opciones hasta llegar a la que consideramos la ideal».

La imagen de la 71 edición, que tendrá lugar del 23 al 31 de octubre de 2026, se ha presentado este martes en un acto celebrado en Espacio Seminci, al que han asistido el alcalde de Valladolid, Jesús Julio Carnero, y la concejala de Turismo, Eventos y Marca Ciudad, Blanca Jiménez, además de Mariona Viader y Javier H. Estrada, codirectores del festival.

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- La 71 Seminci avanza quince títulos que protagonizan la temporada cinematográfica

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La cineasta chilena Valeria Sarmiento recibirá la Espiga de Honor de Seminci y estrenará su película 'Detrás de la lluvia'



La 71 Semana Internacional de Cine de Valladolid reconocerá con la Espiga de Honor a Valeria Sarmiento, una de las cineastas latinoamericanas de mayor trayectoria internacional, y proyectará en su Sección Oficial, fuera de concurso, Detrás de la lluvia, la película con la que, según ha confirmado la propia directora, pone fin a su carrera. El filme aborda las huellas que un trauma de infancia deja en la memoria de su protagonista, y prolonga una mirada sobre la identidad, el deseo y las relaciones de poder que Sarmiento ha desarrollado durante más de cinco décadas.

En Detrás de la lluvia, Sofía, recién graduada en Psicología, regresa a su ciudad natal, Valdivia, coincidiendo con el hallazgo del cadáver de una niña, un suceso que conmociona a la ciudad y despierta en ella los recuerdos de los abusos sexuales sufridos durante su infancia. La película, que tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Karlovy Vary, convierte ese trauma en una experiencia íntima a través de una fotografía en blanco y negro y sobreimpresiones que hacen visible la relación entre el presente y un pasado que vuelve a emerger en la memoria de su protagonista.

Detrás de la lluvia cierra una trayectoria que comenzó en Chile en los años setenta con el documental Un sueño como de colores (1972), centrado en un grupo de mujeres que trabajaban como bailarinas de striptease en Santiago. Desde entonces, Sarmiento ha dirigido más de treinta películas y ha construido una filmografía libre y difícil de encasillar, transitando entre el documental, el melodrama y otras formas populares del cine para cuestionar los roles impuestos a las mujeres, siempre desde una mirada marcada por el humor, la ironía y la ausencia de solemnidad.

Tras el golpe de Estado de 1973, Sarmiento se trasladó a Francia, donde continuó su carrera como directora y montadora. Su primer largometraje de ficción, Notre mariage (1984), recibió en el Festival de San Sebastián el Gran Premio Donostia para nuevos realizadores. A esta película siguieron obras como Amelia Lópes O'Neill (1991), candidata al Oso de Oro de la Berlinale; Elle (1995), seleccionada en competición en San Sebastián; Las líneas de Wellington (2012), candidata al León de Oro en Venecia; La telenovela errante (2017), codirigida con Raúl Ruiz y reconocida con una mención especial en el Festival de Mar del Plata; y El cuaderno negro (2018), candidata a la Concha de Oro en San Sebastián.

El montaje ha sido otra de las disciplinas que ha desarrollado con maestría. Sarmiento participó en decenas de películas y mantuvo durante décadas una colaboración creativa con Raúl Ruiz, su marido y uno de los grandes autores del cine mundial, con quien trabajó en más de 80 títulos. Tras su muerte, Sarmiento ha sido decisiva en la recuperación de su legado y actualmente trabaja junto a la productora Poetastros en el rescate, repatriación, restauración, postproducción y finalización de La colonia penal, película de Ruiz.

La trayectoria de Valeria Sarmiento ha sido reconocida también fuera del ámbito estrictamente cinematográfico. En 2019 fue investida doctora honoris causa por la Universidad de Valparaíso y en 2022 recibió la Medalla de Honor del Senado francés. Su obra ha formado parte asimismo de retrospectivas internacionales en instituciones como la Cinemateca Francesa, que han reivindicado la originalidad y vigencia de su filmografía. En su 71ª edición, Seminci celebrará con la Espiga de Honor a una figura imprescindible del cine latinoamericano.

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El cortometraje internacional y español despliega su fuerza creativa en la 71 Seminci con 27 títulos a competición


La 71 Seminci reunirá 27 títulos en sus dos secciones oficiales competitivas de cortometrajes: 18 películas de 16 países en la Sección Oficial Internacional y 9 en la española. Íntegramente inédita en España, la selección incluye nueve estrenos mundiales y refleja la riqueza y variedad del cortometraje contemporáneo, tanto en la procedencia y trayectoria de sus cineastas como en las formas narrativas y visuales de las películas y en las historias que abordan, desde relatos de carácter íntimo hasta algunos de los conflictos que atraviesan el presente.


La animación explora nuevas formas de contar

La animación adquiere un peso destacado en la competición internacional, con propuestas que exploran sus posibilidades narrativas y visuales desde registros muy diferentes. Entre ellas figura Paper Trail, el nuevo cortometraje del estadounidense Don Hertzfeldt, uno de los nombres fundamentales de la animación independiente contemporánea y dos veces nominado al Oscar. En la película, Hertzfeldt reconstruye una vida a partir de fragmentos de papel y de nuevas técnicas de animación desarrolladas por el propio cineasta. Tras su estreno en Sundance, donde obtuvo el premio a Mejor Cortometraje, Paper Trail logró también el máximo galardón en Annecy.

También desde la animación, aunque en un tono muy distinto, The End, de la sueca Niki Lindroth von Bahr, se sitúa en un gran aeropuerto para plantear una reflexión sobre la existencia y la catástrofe, con las voces de Alexander Skarsgård, Denis Lavant y Noomi Rapace, que ejerce también de productora ejecutiva.

Además, el portugués Alexandre Siqueira presentará Terminal, animación coproducida por Portugal, Francia y España que llega tras su estreno mundial en Toronto y sigue a un hombre que regresa a casa de su madre después de más de treinta años de viajes.

El universo escolar se convierte en escenario para El tamagochi escarlata, del chileno Francisco Visceral Rivera, que recurre al cine negro para contar la desaparición de un juguete. La verdad te rechaza, Cornelius, producción española dirigida por Khris Cembe y Marc Torices, explora un territorio más inquietante y fragmentado a través de distintas técnicas de animación, y lleva al 2D y stop-motion al personaje de cómic creado por Torices. El proyecto obtuvo el Premio Proyecto Corto Movistar Plus+ de Weird Market.


Tres directoras españolas en la competición internacional

La presencia española en la competición internacional se completa con tres propuestas de muy distinta naturaleza. Blanca Camell Galí aborda en Premier feu las secuelas físicas y emocionales de un parto traumático a través de una mujer, interpretada por Bruna Cusí, que intenta sobreponerse al posparto. Natalia Marín propone en Crónicas del cansancio una lúcida radiografía de uno de los problemas clave de la contemporaneidad a través de la historia del acceso a la vivienda, el endeudamiento de la clase trabajadora y los mecanismos de control de la población. Y Alba Lozano estrena mundialmente Aho Beltza, ambientada durante la fiesta de fin de rodaje de una película en Zumaia, donde Miren, cada vez más aislada del equipo, descubre una leyenda sobre un túnel secreto que conecta el pueblo con las playas.

La identidad, pertenencia y relación con el entorno atraviesan varias de las propuestas internacionales. En 'Vaterland' or A Bule Named Yanto, ganador del Premio Canal+ en la Semana de la Crítica de Cannes, Berthold Wahjudi acompaña a un joven que viaja a Yogyakarta para visitar a su hermana y se enfrenta a su propia condición de extranjero en distintos lugares. Las Damas, de la francesa Camille Zéhenne, parte de la fascinación de una artista residente en la Casa de Velázquez por la Dama de Elche. En Et si Thuy n'existait pas, el filipino Carlo Francisco Manatad sigue a una inmigrante sin papeles que intenta abrirse camino en un nuevo país mediante trabajos precarios y un teléfono que parece hablar por ella.

El regreso a espacios vinculados al pasado marca también Class Photo, del lituano Arnas Balčiūnas, en la que un antiguo alumno vuelve a una escuela abandonada y recorre junto a un compañero los lugares de una historia que desaparece. En Pithead, de Wannes Vanspauwen y Pol De Plecker, una mujer encuentra refugio en un bar de karaoke de black metal y entabla una relación inesperada con un pingüino solitario.


Pulsiones y conflictos del presente

La competición internacional mira asimismo a las condiciones de vida y las tensiones sociales del presente. João Niza Ribeiro sigue en Asphalt Reds, premio del público en Curtas Vila do Conde, a Omar, un joven beninés sin papeles que trabaja como repartidor en Oporto, mientras las imágenes de la violencia contra los migrantes en Melilla irrumpen en su vida cotidiana. En Ride Your Horse, Song Dongxu lleva la acción hasta Mongolia Interior durante un duro invierno, donde dos jóvenes, atrapados en una habitación, planean reunir dinero para escapar hacia el sur. Y TMWYH, de la austriaca Helen Esther Aschauer, premio del público en el Festival de Tampere, convierte el regreso nocturno a casa de una mujer -Thea Ehre, Oso de Plata a Mejor Actriz en la Berlinale de 2023- en un thriller sobre los mecanismos de alerta y protección que condicionan la experiencia femenina en el espacio público.

Tres títulos tendrán su estreno mundial en la competición internacional. Junto a Aho Beltza, el cortometraje But... You Weren't There, del noruego Eric Dirnes, sigue a una joven que comienza a sentirse invisible durante una estancia con su pareja y sus amigos en una cabaña aislada. El escritor, músico y cineasta estadounidense Robert Arnett firma God Loves a Terrier, una comedia hilarante interpretada por Annie Hamilton, C. S. Lee y Elizabeth Olsen.


Sección Oficial de Cortometrajes Españoles

La Sección Oficial de Cortometrajes Españoles reúne nueve películas, seis de ellas estrenos mundiales. Entre ellas figuran L'enterrament de la sardina, de Mariona Martínez, una historia sobre una hija que intenta comprender a su padre después de verlo llorar por primera vez, y Al vespre llegeixo, de Carlota González-Adrio, que acompaña a un hijo durante una visita a su madre en la que los pequeños gestos y los silencios adquieren todo el protagonismo. Ambas cineastas regresan a Seminci después de que Lluna de sal y Solsticio de verano fueran premiados en ediciones anteriores.

La búsqueda de una identidad propia está en el centro de La fábula de la punki adolescente, de Juan Vicente Castillejo, ambientada en La Mancha de comienzos de los años 2000. Allí, una adolescente desafía el entorno conservador en el que vive para acudir a una fiesta clandestina de Halloween. También desde la infancia, aunque varias décadas atrás, El desencanto, de Marta Martín, sitúa a una niña en un pueblo aislado del Pirineo oscense durante los años setenta, donde el paisaje, las leyendas y la historia de un territorio transforman su manera de entender la vida y la muerte.

El estreno mundial de School Shooters: Tú me mataste primero, de Miguel Ariza, introduce una aproximación radicalmente distinta: dos jóvenes, recién salidos del instituto, preparan una masacre durante el verano. También llegará por primera vez al público Noutro tempo, de Santos Díaz, centrado en un antiguo futbolista que regresa a la ciudad para realizar un trabajo rutinario y se instala en el piso familiar junto a su sobrina, que prepara unas oposiciones.


Ética profesional, retrato neokinki y memoria fragmentada

La relación entre ética y futuro profesional centra Nota de corte, de Héctor Fernández Cachón. En un aula universitaria, dos estudiantes afrontan un examen oral de Derecho Penal ante la exigente profesora Peña. La película, producida por Tornasol Media y La Malquerida Films, está protagonizada por Belén Rueda y María Bernardeau.

Una experiencia personal de la directora María Martos está en el origen de La Pegaso, cortometraje que sigue a Katrina y Bruno durante una noche de excesos, en un retrato neokinki de la vulnerabilidad y las fracturas de una generación.

La selección de cortometraje español se completa con El nieto Manuel, de Darío Vázquez, una producción de Perro Verde y Sony Music. La película parte de un archivo íntimo registrado durante tres años para documentar la relación entre el músico Manuel Navas y su abuela Mima, cuyos recuerdos comienzan a fragmentarse. Las grabaciones de sus conversaciones y la música se convierten en el hilo conductor de una historia sobre la memoria y la imposibilidad de conservar aquello que amamos.

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La 71 Seminci, una celebración colectiva del legado de José Luis Cienfuegos


José Luis Cienfuegos (1964-2025) dejó una huella imborrable en la cultura española a lo largo de más de tres décadas dedicadas a iluminar el cine de autor desde algunos de los festivales más importantes de España. Tras su paso por Gijón y Sevilla, dirigió la Seminci entre 2023 y 2025, donde también dejó una profunda impronta. Su manera de entender los festivales, basada en el encuentro entre las películas, los cineastas, el público, los profesionales, los periodistas y las instituciones, estará en el centro de la 71 edición, convertida en una celebración colectiva de su legado.

Impulsado por el Ayuntamiento de Valladolid y concebido por el equipo de Cienfuegos en la Seminci, encabezado por sus codirectores, Mariona Viader y Javier H. Estrada, el homenaje dará continuidad a los proyectos que dejó en marcha. Tendrá su punto de partida en la inauguración de la 71 edición, el viernes 23 de octubre, con un acto de recuerdo y de celebración conducido por la periodista Pepa Blanes, que convocará a las instituciones y a la comunidad cinematográfica en el Teatro Calderón.

La 71 Seminci desarrollará algunas de las ideas y proyectos que dejó en marcha, como la retrospectiva «Una historia del sonido (en el cine)», la fotografía que protagoniza el cartel de esta edición o la Espiga de Honor Académica, estrechamente vinculada a su compromiso con el cine en las aulas.


Música para un homenaje compartido con el público

El público, en coherencia con la importancia que Cienfuegos concedía a celebrar el cine con los espectadores, tendrá un papel central en Seminci Noche, una programación que recuperará otra de sus grandes pasiones, la música. Las noches programadas por algunos de sus colaboradores en Gijón, Sevilla y Valladolid, prolongarán también los vínculos y complicidades que Cienfuegos tejió en estas ciudades a lo largo de su trayectoria profesional.

La música estará presente también en la experiencia cotidiana de la 71 Seminci. El público será recibido en las salas con una banda sonora de 71 canciones, seleccionadas por su vinculación con películas y cineastas que Cienfuegos descubrió, apoyó o contribuyó a dar a conocer. Una selección que funcionará como mapa sonoro de su trayectoria y de sus descubrimientos cinematográficos, y que recordará cada día la importancia que concedía a la música como parte de la identidad de los festivales.


El sector cinematográfico: MERCI crea el Premio José Luis Cienfuegos

El homenaje tendrá también una dimensión profesional a través del Mercado de Cine Independiente MERCI, organizado por Seminci y la Asociación de Distribuidores Independientes Cinematográficos (ADICINE), con el apoyo del Ministerio de Cultura y la colaboración de Rentrak, ECAM Industria y Sociograph. En su sexta edición, que se celebrará del 28 al 30 de octubre en Valladolid, el mercado incorporará el nombre de Cienfuegos a uno de sus reconocimientos: el hasta ahora Premio MERCI a la trayectoria profesional ha pasado a denominarse Premio José Luis Cienfuegos. El galardón reconocerá la aportación de figuras relevantes al desarrollo y fortalecimiento del cine independiente, un ámbito al que Cienfuegos estuvo estrechamente vinculado.


Una Espiga de Honor para una escuela de cineastas del futuro

La Espiga de Honor Académica reconocerá este año al Máster en Documental de Creación de la UPF-Barcelona School of Management (Barcelona Film Society), referente de la formación cinematográfica en España y cantera de profesionales como Oliver Laxe, Isaki Lacuesta, Lois Patiño, Neus Ballus, Amanda Villavieja o Diego Dussuel. El máster ha desarrollado durante casi tres décadas un modelo en el que formación y creación cinematográfica forman parte de un mismo proceso. Las películas se impulsan junto a productores independientes, una fórmula que ha dado lugar hasta hoy a 42 largometrajes documentales. El reconocimiento reivindica la educación como parte esencial de la cultura cinematográfica y da continuidad a una de las líneas de fuerza que Cienfuegos impulsó desde Seminci, convencido de que los festivales también tienen la responsabilidad de acompañar a quienes harán posible el cine del futuro.


La prensa: un homenaje que vuelve al origen de su trayectoria

Para Cienfuegos, los festivales eran espacios donde las películas comenzaban a adquirir significado y a formar parte del relato cinematográfico de cada generación. Una convicción estrechamente ligada a su propia experiencia profesional, que comenzó en el departamento de prensa del Festival de Gijón. Por ello, el tradicional Encuentro de mujeres cineastas que Seminci celebra anualmente estará dedicado este año a las periodistas de cine y reunirá en Valladolid a mujeres periodistas que escriben, investigan, narran y difunden el cine desde distintos medios, para reflexionar sobre cómo han cambiado las formas de prescribir y contar las películas. La mesa inaugural recordará el legado de Cienfuegos y su apuesta por el periodismo cinematográfico como una práctica cultural esencial, imprescindible en la vida de los festivales.

En definitiva, la 71 Seminci será también una celebración de una manera única y entusiasta de entender un festival: como un espacio de encuentro, descubrimiento y diálogo en torno al cine.

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El cine español reluce en la 71 Seminci: 20 producciones españolas, nueve de ellas estrenos mundiales


La 71 Semana Internacional de Cine de Valladolid reunirá 20 producciones y coproducciones españolas en sus diferentes secciones; nueve tendrán su estreno mundial en Seminci y una, su estreno europeo. La diversidad de formas y lenguajes cinematográficos convive en una selección que refleja la vitalidad y variedad del cine de autor español  y que encuentra en la memoria —personal, familiar, histórica o vinculada a los lugares— uno de sus principales hilos conductores. Las películas se detienen en los vínculos que construimos, en las comunidades que nos sostienen y en las formas de vida que están desapareciendo.

La Sección Oficial reúne tres películas de muy distinta naturaleza. En Hermanas, Ione Hernández Sáenz, estreno europeo en Seminci tras su paso por Toronto, sitúa a Elena Anaya y Emma Suárez frente a una herida familiar que obliga a dos hermanas a replantearse los vínculos que las unen. Chelo y Marta se enfrentan a un dilema en el que protección, justicia y lealtad entran en conflicto, mientras aquello que no se dice adquiere tanta importancia como las palabras. La ópera prima de Hernández cuenta además con Carlota Keiko, León Martínez, Josean Bengoetxea, Aritz Kortabarria y Nora Otxoeko en el reparto.

La violinista será la segunda película de animación en optar a la Espiga de Oro en la historia de Seminci. Una obra dirigida por Ervin Han y Raúl García, animador y cineasta madrileño con una extensa trayectoria internacional, que incluye una década en Walt Disney Studios y su participación en títulos como ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, además de un Goya por El lince perdido y una nominación al Óscar como productor de La dama y la muerte. Ambientada entre el Singapur de los años treinta y el presente, la película fusiona animación 2D y 3D para seguir a dos jóvenes unidos por la música cuyo destino queda marcado por la guerra y la ocupación japonesa. La violinista se ha convertido en la primera película española en alzarse con el Cristal al mejor largometraje en Annecy.

Las islas afortunadas, de Helena Girón y Samuel M. Delgado, viaja hasta las Canarias del siglo XV para contar la historia de Fátima, una mujer esclavizada cuyo destino está ligado al único pozo de agua dulce de la isla. La película está protagonizada por Luisa Ahl Laabiad, que debuta en el cine junto a Lou Castel, rostro icónico del cine europeo, y Grégoire Colin, habitual del cine de Claire Denis. Entre la aventura, el misterio y el drama histórico, el entorno adquiere una presencia decisiva: el paisaje y los rostros de quienes lo habitan parecen conservar una memoria de la historia colonial del archipiélago.


Tres estrenos mundiales en la Sección Oficial Fuera de Concurso

La Gala Especial 71 Seminci será El confidente, de Daniel Calparsoro, un thriller inspirado en hechos reales sobre los últimos años de ETA. La película aborda ese periodo a través de la relación entre dos hombres enfrentados ideológicamente: un veterano policía y el joven independentista que se convierte en su confidente, una relación que deriva en una sincera amistad entre ambos. Protagonizada por Javier Gutiérrez y Miguel Herrán, está basada en la documentación del periodista Pablo Muñoz y cuenta con guion de Fernando Navarro. Calparsoro, que con su ópera prima Salto al vacío (1995) y posteriormente Pasajes, A ciegas o Asfalto renovó el thriller y el cine urbano español en los años noventa, ofrece en El Confidente una mirada reveladora sobre un periodo especialmente complejo de nuestra historia reciente.

Ricardo Gómez debuta como guionista y director de largometrajes con Una familia, una película que nace de su necesidad íntima de mirar a sus propios orígenes y entender los vínculos que nos definen. Ambientada en el Madrid de los años 90, la película recorre tes momentos en la vida de un padre, una madre y un hijo, unidos por una misma herida y una misma pregunta: quiénes somos y quiénes queremos ser. Claudia Traisac, Patrick Criado, Ana Wagener y el joven debutante Víctor Lite protagonizan este relato sobre tres vidas separadas en el tiempo pero marcadas por una misma herida y por una decisión que cambiará su futuro. Una familia será la Gala RTVE de esta edición.

David Martín de los Santos presenta su segundo largometraje, Un hombre en un puente, rodada en la localidad palentina de Cervera de Pisuerga. Protagonizada por Roger Casamajor, Belén Cuesta, Nidia Bermejo, Font García y Juanfra Juárez, cuenta la historia de Andrés, un hombre que regresa a su pueblo natal después de haberlo perdido prácticamente todo y allí se reencuentra con personas fundamentales de su pasado. La vuelta al origen no supone, sin embargo, un regreso sencillo: el protagonista se encuentra ante la dificultad de reconstruir una vida cuando ya no sabe cuál es su lugar.


Punto de Encuentro: cuatro estrenos mundiales sobre nuevas formas de comunidad

En A nadadora, Sandra Sánchez parte de una adolescente que intenta escapar de una infancia marcada por un entorno familiar difícil. La película, protagonizada por Nuria López, María de Dina, Lucía Veiga y Diego Anido, sitúa su historia en la Costa da Morte gallega. El agua atraviesa el relato como una presencia casi subconsciente: nadar, avanzar y alejarse de aquello que pesa sobre la protagonista terminan formando parte de un mismo movimiento.

También desde Galicia llega As augas, ópera prima de Ledicia Sola. La directora firma el guion y protagoniza la película junto a Marta Larralde, Melania Cruz, Lidia Veiga y Toni Salgado. Nora regresa al lugar de su infancia cuando atraviesa una crisis vital y encuentra en sus amigas el apoyo necesario para empezar de nuevo. La casa, el paisaje y el agua construyen el espacio físico de una historia en la que cuatro mujeres convierten la amistad en refugio y se plantean la posibilidad de ampliar la propia idea de familia.

En Cinemanía, Marc Ferrer vuelve a situarse delante de la cámara para construir una comedia con tintes de metaficción, desatada y frenética, pero también cálida y profundamente humana, sobre el deseo, el paso del tiempo y la necesidad de seguir haciendo películas. Rodeado de una peculiar comunidad de personajes en la Barcelona contemporánea, Ferrer convierte la cinefilia no solo en una pasión, sino también en una manera de buscar compañía y de inventar nuevas formas de vida. La película cuenta con La Infanta Gitana, Judit Martín y Sandra Soro como protagonistas.

El debut de Claudia Estrada Tarascó en el largometraje, Salen las lobas, nace de una experiencia familiar y se adentra en la realidad de un centro de justicia juvenil a través de Luna, una adolescente que encuentra en la música urbana y en sus compañeras una forma de resistencia. Valeria Estrada, Huda Laamarti, Vanessa Badji y Sara Martínez encabezan un reparto que incluye también a Àlex Brendemühl y Rosa Boladeras. Las propias jóvenes participaron en la creación de sus personajes y en la escritura e interpretación de las canciones. Más que detenerse en las etiquetas que pesan sobre ellas, la película descubre en esa comunidad una posibilidad de pertenencia y en el trap una herramienta para imaginar un futuro diferente.


Memoria y territorio en Tiempo de Historia y Alquimias

La sección Tiempo de Historia en la 71 Seminci propondrá una panorámica del cine de no ficción más incisivo y clarividente, como Camionero, de Francisco Marise, coproducción entre Argentina y España, cuyo guion firma junto a Javier Rebollo, una película donde la carretera deja de ser un simple lugar de paso. Existencias solitarias, estaciones de servicio, esperas y trayectos forman una comunidad efímera que se encuentra y se separa continuamente. La película observa ese universo con una mirada especialmente física y sensorial, apoyada en el diseño de sonido de Xabier Erkizia (Samsara), en la que las imágenes nocturnas de los camiones adquieren una dimensión casi mítica.

La intimidad se encuentra directamente con la Historia en Papagayo, de Omar Al Abdul Razzak. La película parte de una relación atravesada por dos orígenes —sirio e israelí— y observa cómo el conflicto de Oriente Medio termina afectando a los espacios más privados de una pareja. Un mes después del inicio de la guerra entre Israel y Hamás, una ilustradora judía israelí rompe su relación con el propio director. El diálogo entre imágenes íntimas y animación permite desplazar el foco desde el conflicto político hacia una pregunta crucial: qué ocurre con los vínculos cuando la historia insiste en recordarnos aquello que nos separa.

Eloy Enciso Cachafeiro recupera en Todo es cárcel las correspondencias y testimonios vinculados a los campos de concentración franquistas para establecer un diálogo entre la violencia de la Dictadura y el presente. La película trabaja con cartas reconstruidas a partir de testimonios reales. El pasado aparece así encarnado en voces que hablan de la represión, pero también del amor hacia quienes permanecían fuera: un material histórico que, al entrar en contacto con los paisajes actuales, adquiere una resonancia contemporánea.

Fuera de concurso, Pablo Maqueda convierte su admiración por Nanni Moretti en Caro Nanni, en un emotivo y apasionado recorrido por los lugares y las películas del gran cineasta italiano, narrado por Eva Llorach y con la participación de Isabel Coixet, Margherita Buy y Rocío León. Este viaje cinematográfico, con un inspirado tono cómico, funciona a la vez como una búsqueda personal de Maqueda: acudir a las películas de otro cineasta para encontrar referencias cuando el propio proceso creativo atraviesa un momento de bloqueo.

También fuera de competición, Vacío luminoso, de Uberto Rapisardi, acompaña el nacimiento de Sirāt, de Oliver Laxe, desde las primeras reuniones en Galicia hasta el rodaje en el desierto. El film se aproxima a ese momento en que una película todavía está por hacerse y todas las decisiones permanecen abiertas. El resultado es una mirada al proceso creativo desde su parte más frágil: cuando una película empieza a existir a través de las personas que la imaginan y la construyen.

La sección Alquimias programará Adiós, ríos, de Sebastián Uría, con Amador Arias, protagonista de O que arde, al frente del reparto. La película se sitúa también ante un territorio que cambia, pero desde la desaparición progresiva de un pueblo y de la forma de vida de sus habitantes. La naturaleza comienza a ocupar los espacios que los seres humanos dejan atrás y la película observa ese proceso con una especial atención al paisaje, la fotografía y el sonido. El abandono no es solo el final de una comunidad: es también la transformación de un ecosistema y del legado asociado a él.

En Benigno, David Baute filma en Super 8 -con la notable dirección de fotografía de Mauro Herce- a un hombre en el tramo final de su vida y convierte sus acciones cotidianas en el centro de la película. Benigno de León Tosco, de 88 años, continúa viviendo en la casa donde nació y trabajando en el huerto familiar. Cada gesto adquiere aquí un valor testimonial, al igual que el paisaje que los enmarca: preservar la vida de un hombre significa también conservar una casa, una comunidad y una determinada relación con la tierra.

En Dream of Another Summer, Irene Bartolomé mira Beirut a través de sus edificios, sus calles y sus espacios vacíos. La ciudad se convierte en un archivo vivo en el que las voces y las huellas de quienes ya no están permanecen ligadas a los lugares que habitaron. La película encuentra en esa observación pausada una forma de reconstruir una memoria que no necesita explicarse para hacerse presente.


Proyecciones Especiales

La programación española se amplía con Matar a un oso, serie de Jorge y Alberto Sánchez-Cabezudo, creadores de Crematorio, La zona o Nos vemos en otra vida. Esta serie original Movistar Plus traslada a la ficción el caso de la muerte del oso Cachou en el Valle de Arán para construir un magnético thriller en torno a las tensiones entre territorio, tradición y medioambiente. Eduard Fernández, María Rodríguez Soto, Miki Esparbé, Pol López, Nora Navas y Àlex Monner integran su reparto.

Cierra este recorrido SerYo, estreno mundial en Seminci, documental dirigido por Marta Solaz, Sergio Peris-Mencheta y Verónica Díaz Pérez. Desde el hospital y en plena enfermedad, Peris-Mencheta continúa dirigiendo a distancia un montaje teatral, y el acto creativo deja entonces de ser únicamente su oficio para convertirse en el impulso para devolverle a la vida y al encuentro con los demás. La cámara registra ese momento de extrema fragilidad, pero también la red de afectos que se forma a su alrededor: la familia, el teatro y amigos como Penélope Cruz, Javier Bardem o Juan Diego Botto.